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febrero 2017

Dubái Canvas 2017; lo mejor del arte urbano en 3D

in Blog/Español/Festivales

Los mejores trabajos recibirán premios por parte de un jurado y de la gente

Fotografías: Dubái Canvas

Los mejores artistas del mundo se darán cita en Dubái Canvas 3D Art Festival 2017, que se realizará del primero al siete de marzo. Con talleres, food trucks y artistas callejeros, Dubái Canvas será una experiencia inolvidable.

El centro comercial City Walk se transformará en un lienzo al aire libre en el que los artistas podrán exhibir sus trabajos, algunos de ellos pioneros en nuevos estilos y técnicas.

La directora de Dubái Canvas 2017, Ayesha bin Kalli ha dicho que uno de los objetivos es que el festival sea realmente interactivo al permitir que las personas vean a los artistas creando sus piezas. “Estoy segura de que las obras de arte que se mostrarán en el evento fascinarán y sorprenderán al público y crearán experiencias memorables para ellos”, aseguró.

Este año, además se realizará la segunda edición de Dubai Canvas 3D Art Award, el primer premio en el mundo que reconoce lo mejor del arte en 3D. Habrá primero, segundo y tercer lugar otorgados por un jurado; y otro premio entregado por parte del público.

Ya hay 25 seleccionados para competir por estos premios, quienes han pintado sus creaciones una semana antes del inicio oficial del festival. Entre los artistas están Kobra, Truman Adams, John Pugh, Andrés Petroselli, Adam Kirsch, Juandres Vera, Ruben Poncia, entre otros; quienes ya han empezado a trabajar en sus creaciones, dando al público la oportunidad única de verlos en acción.

Las actividades van desde las cuatro a las 10 de la noche entre semana, y sábados y domingos desde las 10 de la mañana hasta la medianoche. El evento es organizado por Brand Dubai, el brazo creativo del gobierno, en colaboración con Meeras, una de las principales empresas de Dubái.

Dubai Canvas es la más reciente iniciativa del gobierno para convertir a la ciudad en un museo al aire libre, además de promover la excelencia estética y la innovación.

 

Para más información visita la página del festival: Dubai Canvas.

Pantone inaugura exposición colectiva en Nueva York

in Blog/Español/Exhibiciones

Artistas internacionales inauguran exposición en galería de NY

Fotografías Briana Prieto

El arte óptico es un movimiento creativo que comenzó a tomar terreno en la década de los 60. GR Gallery de Nueva York nos presenta una exhibición que  demuestra lo mucho que falta por explorar en el tema de la percepción visual : Interferences: Contemporary Op and Kinetic Art.

El arte cinético y el óptico son corrientes que buscan explorar a través de la estética del movimiento, priorizando la experiencia visual del espectador.

En la exhibición participan Gilbert Hsiao, Sandi Renko, Nadia Costantini y Felipe Pantone, artistas que han trabajado el uso de la línea como elemento fundamental en sus obras.

El trabajo de Felipe Pantone es reconocido por su acercamiento con el graffiti, los colores que nos hacen recordar videojuegos o cualquier imagen de la era digital a través de creaciones abstractas.

Gilbert Hsiao ha trabajado el tema de la percepción visual desde 1980,  su obras se centran en creación de “olas” producto de la relación espacio-movimiento.  Trazos sencillos pero destacados, conforman las piezas que presenta en la muestra de la galería de origen italiano.

Sandi Renko es reconocido por su colaboración en el diseño industrial. A través de obras que destacan los colores acrílicos, la italiana nos muestra una serie de trabajos en los cuales explora el movimiento a través de figuras tridimensionales.

Nadia Costantini, la pintora y escultora italiana que trabaja con el contraste positivo-negativo para crear la ilusión de movimiento en sus trabajos, nos presenta una serie de obras con figuras geométricas que nos dan la sensación de profundidad.

Porque no todo está dicho en la exploración del arte óptico, GR Gallery nos presentará hasta el próximo 16 de abril a los creadores más destacados hasta el momento, en este tema.

Los 10 mejores murales de Pow! Wow! 2017

in Blog/Español/Festivales

Finalizó el festival hawaiano de arte

El festival de música, cine, street art, Pow! Wow! en el vecindario de Kaka’ako, Hawái llegó a su fin el 18 de febrero. En el evento participaron alrededor de 100 artistas de distintas nacionalidades, en ALL CITY CANVAS realizamos una selección de los 10 murales más impactantes del evento.

1. “Aprende de tus errores”- Telmomiel

El dueto holandés se ganó la primera posición con un trabajo que tiene las características de la mayoría de su obra: el uso de colores intensos, expresiones remarcadas y una combinación perfecta entre un realismo casi fotográfico y la técnica sutil de la pintura clásica.

2. “Los ojos  de Dixie” – Drew Merritt

Sin duda, el trabajo del artista oriundo de Los Ángeles, California es uno de los más interesantes por la manera en la cual maneja la representación de sus “sujetos”, personas a quienes realiza retratos. Discreto en su vida personal, hábil en su trabajo, Merritt nos dejó uno de las pintas más expresivas del festival.

 

3. Sin título- Joram Roukes

Joram Roukes, el artista holandés para quien el pintar es “un juego”. Ha trabajado con instancias internacionales como el Galleri Benon de Copenhagen, Dinamarca o el StolenSpace Gallery en Londres. Realizó una pinta en la cual utiliza una combinación entre el rojo y el azul, así como animales, característica presente en la mayor parte de su obra.

4. Sin título – Carol Lynn

El primer mural de la holandesa está inspirado en una pérdida personal a quien dedicó el trabajo. La viajera realizó una serie de trazos delicados con tonalidades tono pastel que es difícil no querer sacarle una fotografía.

5. Sin título- Mr. Jago

Mr. Jago podría ser considerado una especie de Jackson Pollock contemporáneo. Inspirado primero en el graffiti y luego pasando a estudiar formas más abstractas de representación, el artista ha ido desarrollando su técnica desde la década de los 90 y es sin duda una experiencia sensorial que no te puedes perder.

 

6. Sin título- SHOK-1

El artista londinense, uno de los primeros especializados en la pinta de murales al estilo de los rayos X con aerosol, realizó un mural que se corresponde con la mayoría de sus obras que utiliza para hacer un análisis (patológico y social) de la sociedad contemporánea.

7. Sin título- Kevin Lyons

Kevin Lyons fue uno de los participantes en el festival con mayor trayectoria y como era de esperarse, no defraudó nuestras expectativas. El diseñador, productor y artista quien ha trabajado con marcas como Nike y Converse, creó un mural colorido que nos evoca a las caricaturas de nuestra infancia.

 

8. “Push + Pull” – Abovestudio

El californiano Tavar Zawaki comenzó a pintar en 1996, sus proyectos se centran en trabajos enfocados en el diseño y formas abstractas. Para Zawaki, el reto más difícil de este mural fue encontrar un balance armónico entre la paleta de colores que utilizó.

 

9.-Sin título -Tara McPherson

Artista estadounidense que trabaja con temáticas sobre los estados psicológicos humanos, los mitos, las leyendas, la astronomía y su experiencia de vida.

Este mural ocupó 20 metros de altura y fue de los más visitados durante el festival de arte en Hawái.

 

10. Sin tìtulo- SLICK

Sin duda, este trabajo nos hace recordar el graffiti clásico: con colores y tipografía que resaltan. SLICK realizó un increíble trabajo con este mural del cual hará otras dos versiones en colores distintos.

Artistas intervienen tablas de skate en galería de San Diego

in Blog/Español/Exhibiciones

Más de 70 artistas participan en la exhibición

Las tablas de skate también pueden estar colgadas en la sala de tu casa. La Bodega Gallery, una galería de arte californiana, organizó una exhibición en la que artistas urbanos intervinieron las tablas.

La exhibición se realizó para recaudar fondos destinados a la remodelación y reparaciones de La Bodega, que fue cerrada temporalmente por las autoridades de San Diego para que el establecimiento cumpla con los estándares necesarios de seguridad y no se repita la tragedia de diciembre pasado, cuando se incendió la galería Ghost Ship en Oakland, en la que murieron 36 personas.

Entre los artistas invitados estuvieron Optimus Volts, Mike Maxwell, Franky Agostino, Evgola, Carrie Anne Hudson, Paul Vargas, Amanda Kamezi, Brian Tipton, Amber Dawn, Aryana Mohammadi, Frances Mann, Frances Mann, entre otros.

Cada artista intervino una tabla y plasmó en ella su característico estilo. Personajes de películas, imágenes caricaturescas de situaciones y personas reales, alusiones a la naturaleza e incluso obras escultóricas de pequeño formato fueron algunas de las propuestas de los artistas.

La Bodega abrió sus puertas en 2013 con el objetivo de ser un espacio para artistas emergentes y establecidos; localizada en el corazón del histórico barrio Logan, su misión es enriquecer e involucrar a la comunidad de San Diego a través del arte; además fue distinguida como la mejor galería de San Diego en 2016 por San Diego Magazine y San Diego City Beat.

Con esta exhibición, La Bodega y los más de 70 artistas participantes demuestran que los objetos no tienen un lugar establecido y que una tabla de skate también sirve como lienzo para una obra de arte.

 

Con información de Gofundme, La Bodega Gallery e Instagram La Bodega Gallery.

Aerosoles cruzados: exposición de Pablito Zago en Ciudad de México

in Blog/Español/Exhibiciones

La Alianza Francesa en México (AFM) presentó el evento de arte urbano

Fotografías por Cristina Ochoa

Si hay algo que puede atribuirse al street art, es el grado de implicación con la comunidad que genera, haciendo de éste un movimiento creativo que vincula al público con los artistas. La Alianza Francesa en México (AFM) inauguró el 25 de febrero el proyecto Aerosoles cruzados, con una serie de conferencias, talleres, venta de artículos y exposición del artista urbano Pablito Zago.

Pablito Zago es un artista francés reconocido por su variedad de intereses: música, ilustración, pintura y actuación son las pasiones en las cuales el perlirrojo ha incursionado. Influenciado por el cómic norteamericano y por la cultura de las comunidades con las que tiene contacto, Zago es uno de los referentes del graffiti internacional más destacados de la actualidad.

Los muros del estacionamiento en la AFM se llenaron de color: participantes graffiteros de aproximadamente 15 años de edad, pintaron las paredes del lugar para ganarse un lugar en el taller impartido por Pablito Zago.

Se realizaron talleres que la institución creó para la práctica del graffiti; junto a ellos, playeras, separadores y artículos sobre arte urbano hacían juego con todo el panorama. Personas de distintas edades se encontraban pintando sobre papel diversos diseños creados por ellos.

El artista francés, quien ha dedicado su trabajo a la ilustración y el graffiti, presenta dentro del proyecto, su exposición Cuadernos de viaje, un compendio de ilustraciones hechas en sus viajes a través del mundo y cuyo trabajo, a pesar de estar repleto de frases, no cuenta con una traducción, por ser para Zago algo casi innecesario en el arte, pues vale más la experiencia que este causa.

Mucho se dice sobre los artistas y su separación con el público; personajes como Zago que se vinculan con la población para crear sus trabajos y proyectos como los de AFM hacen ver que una de las vías para acercar al arte con el espectador, puede ser el estilo urbano.

Nuart Aberdeen, el nuevo festival de street art en Escocia?

in Blog/Español/Festivales

Artistas internacionales se darán cita en Aberdeen para intercambio artístico

En la ciudad escocesa Aberdeen se darán cita 11 artistas internacionales, del 14 al 16 de abril, para lo que promete ser un encuentro imperdible: el Festival Nuart Aberdeen.

Organizado por el equipo detrás de Nuart Festival, que se realiza en la ciudad noruega de Stavanger desde 2006; desarrollado en colaboración con Aberdeen Inspired y el ayuntamiento de la ciudad escocesa, será una plataforma para artistas nacionales e internacionales, quienes podrán mostrar su trabajo a través de murales, instalaciones, intervenciones y exposiciones temporales.

Robert Montgomery es uno de los artistas más esperados. El artista escocés, que ha expuesto su trabajo en Europa y Asia, es famoso por sus poemas instalados en vallas originalmente pensadas para publicidad; creados con luces blancas o madera y algunos incluso quemados en un acto de poesía visual.

Julien de Casabianca, quien lleva el arte clásico a las calles mediante reproducciones de obras de arte tradicionales, también está invitado al festival. Artista visual y cineasta, Casabianca fusiona el arte canónico con el arte callejero, como si liberara a los personajes de su encierro en los museos, al mismo tiempo que cuestiona la autoridad de esas instituciones.

El dúo alemán Herakut también está invitado. Su nombre es la unión de Hera y Akut, los dos artistas que conjuntaron su talento desde 2004, basan su proceso creativo en que cada uno improvisa sobre el trabajo del otro, dando como resultado un contraste a veces frenético, pero siempre bien equilibrado de estilos.

Adrian Watson, el director de Aberdeen Inspired, ha dicho que con el festival quieren “fomentar el compromiso de la comunidad, hacer el arte accesible para todos y crear puntos de conversación en la ciudad”.

En el “Año de la Historia, Patrimonio y Arqueología de Aberdeen”, el festival se propone demostrar cómo el street art puede crear un ambiente más imaginativo sobre el uso del espacio público.

Página del festival.

 

Museo Callejero, iniciativa en Dubái para pintar murales en la ciudad

in Blog/Español

Los murales retratan la herencia cultural de la ciudad

Fotos Tom Dulat

Un grupo de artistas está convirtiendo a Dubái en un museo al aire libre. La calle Dos de Diciembre, en el corazón del barrio Satwa, se llenó de murales en gran escala que rescatan un tema en común: el pasado y la herencia cultural de la ciudad.

Aunque la mayoría de los museos tienen un espacio delimitado para mostrar sus obras, este es una excepción, pues la meta es que todos puedan apreciar las piezas de arte; por ello, los edificios son el lienzo sobre el que los artistas expresaron su punto de vista sobre la ciudad.

Otro objetivo del Museo Callejero de Dubái, financiado por el gobierno, es celebrar el patrimonio de los Emiratos. Incluye a 16 artistas de diferentes estilos y nacionalidades, entre ellos The Inkman, Ernest Zacharevic, Case Ma’Claim,  Hua Tunan, Seth, entre otros.

Además de retratar la esencia de Dubái, este proyecto también captura la interpretación de los artistas sobre la ciudad en sus edificios más visibles. El director del proyecto, Shaima Al-Soueidi, ha declarado a la prensa que con estas intervenciones quieren que todos puedan ver que la historia de la urbe está en todas partes, incluso en las calles.

Los murales contrastan con la atmósfera moderna de Dubái: el principal puerto de los Emiratos Árabes Unidos es también un importante centro comercial e industrial. Fue en esa ciudad donde se construyó el rascacielos Burj Khalifa, con 828 metros de altura considerado en 2010 como la estructura más alta del mundo creada por el hombre.

Pedazos de historia como el icónico halcón blanco que abarca cuatro pisos de un edificio o la imagen de un hombre en una abra, la barca tradicional usada para los viajes y el comercio.

La artista Ashwaq Abdullah participó con un mural que retrata a los fundadores de los Emiratos Árabes Unidos, los jeques Rashid Al Maktum y Zayed Al Nahyan. Abdulla han asegurado que la iniciativa fue una oportunidad para expresar el amor por su país, porque, en sus propias palabras, “el arte mural habla a todo el mundo, cualquiera que sea su origen social”.

 

Con información de Asian Age, The Strait Times, La Jornada, The Guardian y Street Art News.

El nuevo mural de Guido Van Helten: el homenaje a la danza contemporánea de Australia

in Blog/Español

Ana Seymur, la bailarina que pintó Guido Van Helten para su mural

El artista Guido Van Helten pintó mural en la Escuela Politécnica de Melbourne, lugar donde se enseña el lenguaje de señas para personas con discapacidad auditiva. Ana Seymur, bailarina contemporánea de Australia aparece en el mural, un homenaje que hace Van Helten debido a sus numerosos proyectos con bailarines sordos. “Caer, para pasar de un nivel más alto a uno más bajo, rápido y sin control”, así describe su mural.

Este mural fue curado por Juddy Roller, una empresa especializada en el street art y el graffiti. El proyecto es parte de la Escuela de Melbourne, quien pretende realizar una serie de murales en su campus. Van Helten logró en cinco días trasladar la imagen de Anna Seymur a un edificio de siete pisos, usando aerosol y pintura.

El trabajo del artista australiano es conocido por usar fotografías como referencias para sus obras. Su carrera dio inicio con la pinta de graffitis en los vagones del metro. Gran parte de su trabajo se encuentra en Melbourne, ciudad australiana conocida por la diversidad de street art que hay.

 

La bailarina Seymur dijo que el mural representa una identidad en general con la comunidad de estudiantes de la Escuela Melbourne. “Es realmente emocionante”, expresó.

Sixe Paredes pinta murales para el Centro Cultural de España en Perú

in Blog/Español

El artista presenta su nueva obra para su exposición individual 

El Centro Cultural de España en Lima, Perú, es el escenario para los nuevos murales de Sixe Paredes, el artista español que ha transformado la idea del arte ancestral.  Los murales realizados en la fachada lateral y la galería exterior  del Centro, forman parte de “Antes, Después, Ahora”, su exposición individual organizada por la galería Morbo que se inaugura el 23 de febrero.

Uno de los murales es“Abstracción numérica” que explora la idea de las personas como una estadística que nos hace funcionar como un “valor de cambio”; el otro es  “Quipu abstracción” un trabajo que resulta de la contabilidad y escritura de antepasados peruanos, basado en la agricultura y que Paredes explora y representa a través de figuras en matices fuertes (características de su estilo).

“Quipu abstracción”

“Abstracción numérica”

“Sixe Paredes” conquistó la escena artística desde los años 90, con su uso de colores y la forma en que conjunta la idea de lo ancestral con el mundo y el arte contemporáneo a través de figuras abstractas que nos refieren a la idea de la cultura popular.  Su conocimiento sobre el arte ancestral de Perú se ha desarrollado desde el 2009 gracias a la convivencia con maestros tejedores y ceramistas. Sin duda, el país sudamericano ha  sido uno de sus principales referentes de cultura regional.

“Antes, Después, Ahora”

Con ello, Sixe Paredes se consolida como uno de los artistas urbanos más destacados por su estilo y el amplio análisis que hace mediante su trabajo.

 

42 Murals, el concurso de street art texano que reunió a la comunidad y artistas ✌️

in Blog/Español

Artistas y personas de la localidad realizan murales en su vecindario

Fotografías: Gloria I. Gutiérrez

Dallas, la ciudad estadounidense en el estado de Texas que hace pensar a la mayoría en las películas de western, en botas, sombreros y pistolas…estereotipos que se alejan de lo que es en realidad: un espacio multicultural, y el vecindario de Deep Ellum nos lo demuestra con su variedad de murales que le dan al lugar un toque artístico especial.

42 Murals es un proyecto realizado por el empresario Scott Rohrman (42 Real Estate), en el barrio de Deep Ellum, que busca hacer del sitio un destino artístico destacado.

La propuesta inició en el 2015 con 42 murales que fueron elegidos de entre 200 obras de artistas y personas de la localidad interesadas en participar.

Este año, el empresario busca hacer una nueva edición de la muestra, para lo cual… tendrán que eliminar las pintas realizadas en el 2015. Los creadores de estas obras buscan que sus trabajos se queden en su sitio, así que crearon el concurso 42 Murals en Instagram. Los tres murales con mayor número de votos en esta red social, quedarán intactos. La fecha límite para votar es el 28 de febrero.

Los cinco murales con mayor número de votos hasta el momento son:

  1. Michel McPheeters @michelmcpheeters con 4,773

2. Jeremy Biggers @stemandthorn con 2,816

3. Dan Colcer @dolcolcerart con 1,418

4. Alejandra Camargo @alelaracamargo con 1,351

5. Steve Hunters @huntercreates con 1,070

El creador del proyecto ha mencionado en entrevistas que lejos de considerarse un crítico o curador del espectáculo, trabaja con aquello que le resulta atractivo como espectador y que con base en ello se han elegido a los 42 artistas que participan en el certamen.

La propuesta ha tenido gran éxito en el público, quien ha volteado la mirada hacia el destino texano y al proceso creativo de los artistas locales.

Las propuestas para la nueva edición de la creación muralística serán recibidas hasta el 15 de marzo.

Con este concurso, 42 pinturas demuestran que Texas no sólo es un referente del desierto y los vaqueros.

Nuart Aberdeen, the new street art festival in Scotland ?

in Blog/English/Festivales

International artists will meet in Aberdeen for artistic exchange

In the city of Aberdeen, from april 14th to 16th, 11 international artists will meet for what promises to be a must-see: the Nuart Aberdeen Festival.

Organized by the team behind Nuart Festival, which takes place in the Norwegian city of Stavanger since 2006; developed in collaboration with Aberdeen Inspired and the city council of the Scottish city, will be a platform for national and international artists, who will be able to show their work through murals, installations, interventions and temporary exhibitions.

Robert Montgomery is one of the most anticipated artists. The scottish artist, who has exhibited his work in Europe and Asia, is famous for his poems installed on fences that were originally intended for advertising; created with white lights or wood and some even burned in an act of visual poetry.

Julien de Casabianca, who takes classical art to the streets through reproductions of traditional art works, is also invited to the festival. Visual artist and filmmaker, Casabianca fuses canonical art with street art, as if he freed the characters from their confinement in museums, while questioning the authority of those institutions.

The German duo Herakut is also invited. Its name is the union of Hera and Akut, the two artists who combined their talent in 2004 base their creative process in improvising on each others work, which in result gives a contrast sometimes frenetic, but always well balanced in styles.

Adrian Watson, the director of Aberdeen Inspired, said that with the festival they want to “foster community commitment, make art accessible to all and create talking points in the city.”

In the “Year of History, Heritage and Archeology of Aberdeen”, the festival aims to demonstrate how street art can create a more imaginative environment about the use of public space.

 Página del festival.

Buff Monster portrays death and decay with ice cream sculptures ?

in Blog/English/Exhibiciones

The metaphors of life in Melt with me, by Buff Monster

Text by Mariana Gaona. Traduction by Briana Prieto.

Photos by Briana Prieto and Doménica Armendáriz

Buff Monster, a New York artist influenced by pop art, japanese culture, ice cream and graffiti, opened his exhibition Melt with me in 168 Bowery in New York, where he portrayed deep metaphors of life and coexistence in society through sculptures.

The exhibition was the result of a year of sculptural research. Buff Monster has created images around ice cream for 15 years, why? “Ice cream is a metaphor for life,” said the artist.

“Mister melty,” the character of his work, is optimistic, confident and happily unaware of his (melted) fate. Sounds like anyone you might know? Well he is more fortunate than us, because being made out of concrete and fiberglass will keep his melting appearance forever; we will not be so lucky …

Photo by Buff Monster

It took over a year of work to make one of the newness of this exhibition, the “Big Mister melty”, of 24 inches tall; made with fiberglass, high impact resin and automotive paint.

Photo by Street Art News

As Buff claims, time impacts all things, but nothing as dramatically as ice cream. Thus, what appeared to be an innocent dessert that is enjoyed on hot summer evenings, becomes “the perfect modern symbol of death and decay.”

Photo by Buff Monster

Buff does not stop there. He believes that “our society is a big ice cream cone melting towards nothing.” And if it wasn’t enough, he thinks it’s happening much faster than any of us could have imagined.

If you feel like having a piece of Buff Monster’s in your living room, prices range from 75 to 17 thousand dollars, although one of his fans found a way to have an art piece of Buff’s work and never have leave it behind: he tattooed a drawing the artist created on his arm.

After Buff’s metaphors ice cream will not have the same sense… will it?

Jonathan LeVine Gallery is back with Welcome to New Jersey

in Blog/English/Exhibiciones

The first exhibition of the gallery in its new location

Text by Cristina Ochoa; Translation by Briana Prieto

Photos by Briana Prieto  and Doménica Armendáriz

If there is one word that defines Jonathan LeVine Gallery is “multidisciplinarity”, the art space that was founded by the owner, Jonathan LeVine, is one of the places that perfectly combine the characteristic style of urban art and the abstract of the contemporary world. This gallery opened its doors for the first time in its new location, New Jersey, with the exhibition: Welcome to New Jersey.

Milk Made Momma. Ron English. Photo: Jonathan LeVine Gallery
Big Boys Don’t Cry. Ron English. Photo: Jonathan LeVine Gallery

After 11 years of living in New York, Jonathan LeVine decided to transfer the gallery’s address to New Jersey, where he grew up and cemented his passion for art through punk. The purpose of this exhibition, integrated by international artists, is to continue with his goal proposed since his stay in New York: presenting a work diversity and the promotion of art that combines the practice of urban style.

Diego Gravinese, Welcome to Jersey. Photo: Jonathan LeVine Gallery
Love lies bleeding. Adam Wallacavage.
Marshmallow Meltdown. Nychos.

Street art, pop surrealism and hyperrealism are the lines that follow most of these works, which are very different from each other.

Lost in thought. Alessandro Gallo & Beth Cavener.
Grand Central. Matthew Grabelsky. Photo: Jonathan LeVine Gallery

Among the artists participating in Welcome to New Jersey (open until March 18th) are:

TaraMcPherson, whose work is focused on the representation of innocence through the intersection of myth, legend and astronomy; the famous urban artist Shepard Fairey; Erik Jones, artist who tackles themes about geometric realism; Diego Gravinese, with his hyperrealistic style; Alessandro Gallo, to whom he is recognized by his work that represents actions and habits in animals, which he places in each of his works with surrealistic dyes; among others.

Shepard Fairey.
Nose Pick #3. Haroshi
Bloom. Erik Jones.

Considered one of the most important art galleries of recent times, Jonathan LeVine Gallery is a space dedicated to promote artists and projects that challenge practice itself and contemporary art. The exhibition is a joint work with Mana Contemporary, the organization dedicated to the promotion of artistic projects.

Jonathan LeVine Gallery está de vuelta con Welcome to Jersey

in Blog/Español/Exhibiciones

La primera exhibición de la galería en su nueva sede

Fotografías de Briana Prieto y Doménica Armendáriz

Si hay una palabra que define a Jonathan LeVine Gallery es “multidisciplinariedad”, el espacio de arte que fue fundado por el propietario del mismo nombre, es uno de los lugares que conjunta de manera perfecta el estilo característico del arte urbano y lo abstracto del mundo contemporáneo. Esta galería abrió su primera muestra tras la apertura de su sede en Nueva Jersey: Welcome to New Jersey.

Milk Made Momma. Ron English. Foto: Jonathan LeVine Gallery

Tras 11 años hospedados en la ciudad de Nueva York, Jonathan LeVine decidió transferir el domicilio de la galería a Nueva Jersey, la urbe donde creció y cimentó su pasión por el arte a través del punk. El propósito de esta muestra integrada por artistas internacionales es continuar con la meta propuesta desde su estancia en Nueva York: presentar una diversidad de trabajos y la promoción del arte que amalgama la práctica propia del estilo urbano.

Diego Gravinese, Welcome to Jersey. Foto: Jonathan LeVine Gallery
Love lies bleeding. Adam Wallacavage.
Grey Terrarium Keeper. Jeff Soto. Foto: Jonathan LeVine Galle.

Street art, surrealismo pop e hiper realismo son las líneas que siguen la mayoría de estos trabajos, que sin embargo, resultan muy distintos entre sí.

Alessandro Gallo, Welcome to Jersey
Grand Central. Matt Grabelsky. Foto: Jonathan LeVine Galle

Entre los artistas que participan en Welcome to New Jersey. (abierta hasta el 18 de marzo) están:

TaraMcPherson, cuyo trabajo está enfocado en la representación de la inocencia a través de la intersección entre mito, leyenda y astronomía; el famoso artista urbano Shepard Fairey; Erik Jones, artista que aborda temas sobre el realismo geométrico; Diego Gravinese, con su estilo hiperrealista: Alessandro Gallo, a quien es reconocido por sus obras que representas las acciones y los hábitos en los animales, cosa que plasma en cada uno de sus trabajos con tintes surrealistas; entre otros.

Icon Collage. Shepard Fairey.
Nose Pick. Haroshi.
Bloom. Erik Jones.

Considerada una de las galerías de arte más importantes de los últimos tiempos, Jonathan LeVine Gallery es un espacio dedicado a la promoción de artistas y proyectos que cuestionan la propia práctica del arte contemporáneo. La exhibición es un trabajo en conjunto con Mana Contemporary, la organización dedicada a la promoción de proyectos artísticos.

 

 

Demsky para “Muros en Blanco” en México ?

in Blog/Español

Ciencia ficción, videojuegos, el mundo digital: el trabajo de Demsky 

Como parte de las actividades del festival “Muros En Blanco” en San Miguel de Allende, Guanajuato-México, Demsky pintó su mural titulado “HYPERSPC”, en el cual el artista plasmó su estilo e imaginación…reconocibles en sus trabajos.

Las obras de Demsky son conocidas por sus referencias al mundo digital, la ciencia ficción, videojuegos y lo retro; su técnica son la tridimensionalidad y colores llamativos que son degradados.

Nacido en España e iniciado en el graffiti de la década de los 90, Demsky es un artista que sigue inventando, construyendo, destruyendo sus propios estilos. En este nuevo mural desarrolla un plano visual que parece ser que rompe con la linealidad de la pared a través de formas cóncavas.

Breath: un dibujo en forma de batería con árboles plantados?

in Blog/Español

El arte como mensaje para salvar un monte italiano

En 1700, el Monte OIivella, una alta montaña de Sapri, al sur de Italia, fue parcialmente deforestada causando inundaciones en áreas cercanas a ella. A raíz de esta problemática nació el proyecto Breath, curado por Antonio Oriente e Incipt, una plataforma italiana que crea redes internacionales a través de proyectos culturales, la cual se ha unido con el artista español Escif que ha realizado murales, intervenciones públicas, videos, instalaciones, dibujos y graffitis; su trabajo se caracteriza por abordar temas respecto a cuestiones ambientales, movimientos sociales o política.

Obra de Escif.

Para Escif, nombrar al proyecto Breath significa que la respiración es “un ciclo de energía que renueva y regenera los ritmos del tiempo y de la Tierra”.  La idea consiste en hacer un dibujo en forma de batería con cinco mil árboles plantados en el Monte Olivella: una obra de arte que será visible por el follaje de las hojas, ya que cambiarán de color de acuerdo a las estaciones.

Monte Olivella.

De acuerdo con Breath, en 2016 la humanidad ha consumido gran parte de los recursos naturales de la Tierra, originando cambios climáticos, deforestación y pérdida de biodiversidad. Para hacer llegar ese mensaje, Escif y los integrantes de este proyecto comparten el pensamiento de que el arte es un lenguaje universal que ayuda a involucrar a las personas en problemáticas ambientales o sociales.

Arte y realidad: El dibujo del artista español mejorará la calidad de aire del Monte y para lo cual han iniciado una campaña de fondeo donde se venden trabajos de Escif en bolsas e impresiones.

 

Página del proyecto: http://www.breathproject.it/eng/

Página del fondeo: https://www.indiegogo.com/projects/breath-tempo-di-ricarica-art-environment#/

Buff Monster plasma muerte y decadencia con esculturas de helado ?

in Blog/Español/Exhibiciones

Las metáforas de la vida en Melt with me, de Buff Monster

Fotografías por Briana Prieto

Buff Monster, artista neoyorkino influenciado por el pop art, la cultura japonesa, el helado y el graffiti, abrió su exhibición Melt with me en Nueva York, donde plasma profundas metáforas de la vida y la convivencia en sociedad a través de esculturas.

La exhibición es el resultado de un año de investigación escultórica. Buff Monster ha creado imágenes alrededor del helado durante 15 años, ¿por qué? “El helado es una metáfora de la vida”, dijo el artista.

“Míster melty”, el personaje de sus obras, es optimista, confiado y felizmente inconsciente de su (derretido) destino. ¿Suena a cualquier persona que conoces? Pues él es más afortunado que nosotros, porque al estar fabricado con concreto y fibra de vidrio mantendrá su estado de derretimiento para siempre; nosotros no tendremos tanta suerte…

Foto Buff Monster.

Una de las novedades de esta exhibición es el “Big Míster melty” de 60 centímetros y que estuvo en construcción por alrededor de un año; hecho a base de fibra de vidrio, resina de alto impacto y pintura automotriz.

Foto: street art news

Como asegura Buff, el tiempo impacta a todas las cosas, pero a nada tan dramáticamente como al helado. Así, lo que parecía ser un inocente postre que se disfruta en las tardes calurosas de verano, se convierte en “el perfecto símbolo moderno de la muerte y la decadencia”.

Foto Buff Monster.

Buff no se detiene ahí. Cree que “nuestra sociedad es un gran cono de helado derritiéndose hacia la nada”. Por si fuera poco, piensa que está sucediendo mucho más rápido de lo que cualquiera de nosotros podría haber imaginado.

Si tienes ganas de tener una pieza de Buff Monster en la sala de tu casa, los precios van desde los 75 a los 17 mil dólares, aunque uno de sus admiradores encontró una manera de tener las obra de Buff y nunca alejarse de ella: se tatuó un dibujo que el artista creó en su brazo.

Después de las metáforas de Buff el helado no tendrá el mismo sentido… ¿o sí?

 

 

Please come back. ¿El mundo como prisión?, nueva muestra en el MAXXI

in Blog/Español/Exhibiciones
Roma, Museo del Mazxxi 08 02 2017 Inaugurazione della Mostra PLEASE COME BACK ©Musacchio & Ianniello

26 artistas de todo el mundo participan en la muestra

Fotografías Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI)

La prisión, ¿espacio configurado por muros que recluyen a las personas o metáfora de la vida contemporánea? Esa es la pregunta que se hace Please come back. ¿El mundo como prisión?, la nueva muestra en el Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), en Roma, conformada por 26 artistas internacionales y 50 obras.

La exposición se divide en tres secciones:

“Detrás de los muros”: la parte dedicada a la historia a través de la exploración a cárceles famosas y la experiencia personal de algunos artistas que estuvieron en prisión, como es el caso de Gülsün Karamustafa y Zhang Yue.

“Fuera de los muros”: zona conformada por videos y performances, principalmente; también expone los regímenes de control y vigilancia.

“Más allá de los muros”: el apartado destinado a la reflexión de la idea de la prisión más allá de un control físico. En él se hace una exploración a momentos como el atentado del 11 de septiembre en Estados Unidos y el papel que la tecnología tiene en esta nueva forma de presidio.

El nombre del proyecto viene de una obra del colectivo parisino Clarire Fontaine, hecha en el 2008 y en la que utilizaban la frase “Please come back” escrita con letras neón, en diferentes versiones haciendo referencia al trabajo intenso como una forma de reclusión.

La exhibición fue curada por Hou Hanru, crítico de arte y actual director artístico del museo, y Luigia Lonarelli, especialista en arquitectura y fotografía.

 

 Con información del Museo Nazionale delle Arti del XXi secolo (MAXXI).

Skate en el museo: una exposición con esculturas patinables?

in Blog/Español

Resignificar lo existente es el objetivo de la primera exposición individual de Zarka en España

¿Patinetas deslizándose sobre las esculturas de un museo? Eso es lo que podrás ver en Espacio pavimentado, la primera exposición individual de Raphaël Zarka en España, un artista francés influenciado por el minimalismo y el land art; la mayoría de sus trabajos se centran en la historia de los objetos que expresa a través de la fotografía, el video, la escultura y el dibujo.

Esta exhibición se encuentra en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), un espacio español destinado al arte contemporáneo. El artista se basó en objetos científicos creados por el matemático y cristalógrafo alemán Arthur Schönflies. Esta vez Raphaël Zarka amplió estas figuras y las adaptó al tamaño de las que utilizan los skaters en la calle.

La idea de las “esculturas documentales”, como Zarka llama a sus obras, es que los skaters se adapten a estas piezas al igual que lo hacen con los objetos públicos, pero en Espacio pavimentado espectadores y patinadores tienen que organizar sus propios marcos de convivencia y cohabitar el mismo espacio.

En la sala superior del museo hay una exposición fotográfica llamada Riding Modern Art, en la que Zarka muestra fotografías de esculturas públicas que son utilizadas  como superficie de patinaje. Serra, Deacon, Oteiza o Solano son algunos de los artistas retratados por fotógrafos especializados en skate.

De acuerdo con el artista, el skate es una especie de reescritura de espacios destinados a un uso particular, para posteriormente trasladarlos al quehacer artístico. Él mismo tiene experiencia en el patinaje que combina con su interés por el arte en el espacio público y la reinterpretación de lo existente.

Porque el arte y sus dinámicas cambian todo el tiempo, esta exposición demuestra una vez más que nada está prohibido dentro de un museo… al menos no en Espacio Pavimentado.

 

Con información de Valencia Plaza, Espai d’Art Contemporani de Castelló, Designboom, exit-express y El periódico mediterráneo.

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