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Ya viene el festival BLOOP 2017, de los más importantes en España😯

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Regresa a Ibiza el festival de arte proactivo

Desde hace seis años, Ibiza es un destino turístico y un espacio para la creación del arte.

BLOOP, el festival de arte proactivo nació en el 2011 con el tema “Seres del océano”, seis ediciones después, el proyecto se consolida como uno de los más importantes en España.

Con la idea de realizar un evento que vinculara al público en general, y no sólo a las personas que frecuentan galerías y museos, el festival llevado a cabo en Ibiza fue creado por el estudio creativo Biokip Labs.

Este proyecto se conforma de trabajos hechos en distintas modalidades: murales, arte digital, música, esculturas, instalaciones, fotografía, pintura, video instalaciones y eventos especiales.

Los artistas participantes en este festival son colaboradores internacionales, por ejemplo, en él han participado INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper, entre otros.

Cada año se busca crear arte en torno a una temática general: los temas de las ediciones pasadas fueron “Seres del océano” (2011); “Apariencia” (2012); “Control” (2013); “THE BEST. Arrogance” (2014); “Universos paralelos” (2015); y “Sin miedo” (2016). Todos ellos buscan crear un momento de reflexión en los asistentes.

La edición 2017 se hará del 23 de agosto al 16 de septiembre. Atentos 🚨

UNESCO premia a los mejores artistas árabes 🏆

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Artistas son premiados por su labor en la promoción de la cultura árabe

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) presentó a los nuevos galardonados con el premio UNESCO-Sharjah, enfocado en la promoción de la cultura árabe: Bahia Shehab y Fawzy Kalife, mejor conocido como El-Seed.

El premio fue anunciado por Abdullah Al Owais, jefe del Departamento de Cultura e Información de los Emiratos Árabes Unidos de Sharjah y será dado a los ganadores en abril.

Bahia Shehab es una artista, historiadora del arte y diseñadora gráfica egipcia, quien en 2010 su nombre fue replicado en medios internacionales cuando intervinó paredes de su ciudad con la campaña Mil veces no, durante el movimiento de la Primavera Árabe. Recopiló miles de símbolos de la escritura árabe que “juegan” con la palabra “no” para representar las múltiples facetas de opresión en las que han sido testigos los egipcios. Su trabajo se enfoca en el graffiti y el estudio de la caligrafía.

El-Seed es un artista franco-tunecino que ha basado sus investigaciones en la historia del arte en París, donde pasó su infancia, así como la caligrafía árabe. El año pasado el artista realizó una serie de pintas en 50 edificios ubicados en Jabal Al-Moqattam, y que si son vistos desde una parte específica de la ciudad, conforman una única frase, tomada de patriarca Athanasius “Cualquiera que quiera mirar la luz del sol, claramente debe limpiar sus ojos primero”:

Esta es la edición número 14 de un premio que surgió en 1998 como parte de un proyecto que busca promover un diálogo cultural y la revitalización de la cultura árabe

 

Con información de ahram online,  El- Seed y El Español

Artista filipino crea obras de arte con rayos solares 🌞

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Jordan Mang-osan plasma paisajes y retratos en sus pirograbados

El artista filipino Jordan Mang-osan crea obras de arte en madera con sólo una lupa y los rayos solares.

Los pirograbados están basados en la cultura Ignot, grupo étnico donde Mang-osan creció. En ellos plasma paisajes montañosos, bosques o retratos.

Mang-osan descubrió su vocación artística a los 19 años, momento desde el cual mantiene muy arraigadas sus tradiciones, al grado que utiliza materiales indígenas o rústicos, dependiendo el fin de su obra.

En las tablas de madera que utiliza dibuja un boceto, el cual comienza a quemar al proyectar los rayos solares a través de una lupa. Pareciera un técnica sencilla, pero conlleva un arduo trabajo y gran precisión.

Información de: My Modern Met y Cultura Colectiva

Hiperrealismo mexicano en galería de Alemania

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Galería exhibe muestra de dos mexicanos hiperrealistas

Se dice que la confrontación de generaciones resultan siempre en conflicto; sin embargo, el trabajo de la galería Benjamin Eck en Múnich, Alemania, ha comprobado que ello no siempre es cierto y que por el contrario, podría resultar un espacio de intercambio y aprendizaje. Así, lo ha demostrado su nueva muestra New Mexican Psychorealism, la cual exhibe obras de los reconocidos artistas Víctor Rodríguez y Alfredo Chamal.

La exposición, además de presentar el estilo artístico de dos personajes destacados en el estilo hiperrealista, explora lo que el animador estadounidense Chris Landreth definió como “psicorrealismo”: el punto medio entre el arte y la animación

Víctor Rodríguez, el artista que no estudió para serlo, que considera la etiqueta de “hiperrealista”en su trabajo como un engaño; ha trabajado la mayor parte de su obra en Brooklyn, dentro de un estudio al que denomina “cueva asquerosa”. Es considerado uno de los más importantes en la actualidad por este estilo que se caracteriza por un parecido casi fotográfico pero que conserva las técnicas tradicionales de la pintura. Basa la mayoría de su trabajo en la exploración por la preservación de la memoria.

Una pluma es lo único que Alfredo Chamal necesita para hacer obras que se resultan en imágenes increíblemente parecidas a sus objetos de representación. El mexicano de 23 años estudió Diseño Gráfico y Artes Visuales y su trabajo es basado principalmente en el retrato, “fotorrealismo”. Además, se interesa por un análisis de lo que significa la “femineidad” , aspectos que explora también en su propia persona.

De esta forma, la galería Benjamin Eck sigue conservando su proyecto de presentar de forma simultánea, artistas emergentes y personajes consolidados dentro del mundo artístico, para lo cual se enfoca en creadores internacionales.

La muestra estará abierta en la galería ubicada en el centro de Múnich, hasta el próximo 19 de abril.

 

Con información de: Wide Walls, El Financiero,  arte feed,  Carruaje de pájaros y  Benjamin Eck Gallery .

Días Fantasma,la exhibición con los mejores artistas nacionales e internacionales

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La exhibición reúne a más de 50 artistas nacionales e internacionales

Fotos de Gabriel Rendón

Días Fantasma es la exposición con la que se inaugura el centro cultural Panteón, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México: un espacio que promueve la unión y trascendencia a través del arte y la cultura. En la exhibición se reúnen obras de los mejores artistas nacionales e internacionales.

Durante el 2017 artistas como Fusca, Apolo Cacho, Raudiel Sañudo, Daniel Coca, Revost estarán participando con exposiciones en Panteón.

Ciler es un artista que expone sus obras en Días Fantasma.

Días fantasma es una plataforma cultural que se originó a partir de una publicación gratuita en formato fanzine, creada para difundir obras de artistas mexicanos e internacionales contemporáneos que influyen en la escena cultural de la Ciudad de México, y este 18 de febrero inauguró su primera exposición, cuyo nombre es el mismo de su publicación.

La intención de la exposición es celebrar la comunidad que se ha creado alrededor de este fanzine, por lo que muchos de los que han colaborado están incluidos en ella.

Fotos cortesía de Panteón

La exposición Días Fantasma estará disponible hasta el 12 de abril.

Instagram: @diasfantasma

Twitter: @diasfantasma

Enciclopedia de 54 volúmenes englobará cultura africana

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La ghanesa Nana Oforiatta-Ayim será la encargada de encabezar el proyecto

Nana Oforiatta-Ayim, escritora e historiadora del arte de origen Ghanés, comenzó a escribir una enciclopedia de 54 volúmenes que narra la historia del arte y la cultura del continente africano.

Dejó de lado los tópicos en aquel entonces, como ciencia y tecnología, y comenzó a buscar tesis que eran interesantes para la concepción de este gran proyecto.

Cultural Enciclopedy Project es el nombre que tomó Oforiatta-Ayim para darle vida a su trabajo, el cual se presentará en una plataforma de internet de código abierto.

El primero de los 54 tomos se centrará en el arte, la literatura, la música y la cultura de Ghana. Cada volumen se planea terminar en un periodo de dos años.

Esta enciclopedia juntó a un grupo de músicos, cineastas, fotógrafos y escritores ghaneses ayudarán a editar y darle forma a este primer volumen. Todo el proyecto recibió un apoyo económico por parte del Museo del Condado de Los Ángeles.

Esta enciclopedia servirá para desarrollar y expandir la cultura africana, tanto dentro del mismo continente como fuera de él, para así poder cambiar algunas percepciones que se tienen.

Empresarios de Nueva York cuentan con la colección más grande de Rembrandt

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Museo del Louvre presenta colección sobre arte barroco

El barroco, una de las épocas más importantes en la historia del arte; Rembrandt, uno de los pintores más destacados de todo el periodo; el Louvre, uno de los museos más prestigiosos del mundo. Todo ello forma parte de la muestra Masterpieces of the Leiden Collection. The Age of Rembrandt, la exhibición más grande de la obra del artista holandés.

En el 2005, el empresario neoyorkino Thomas Kaplan y su esposa Daphne Recanati Kaplan comenzaron la adquisición de piezas de uno de los creadores del barroco más prominentes. Hoy, su compilación de pinturas del siglo XVII se ha convertido en la muestra más grande de Rembrandt, y forma parte de una exposición en la que se muestra el trabajo de artistas barrocos destacados de los países bajos.

Kaplan se considera poseedor de la colección más grande de Rembrandt y percibe este proyecto como una oportunidad de hacer un intercambio cultural entre los lugares de exposición y la cultura de los clásicos. Luego de cuatro meses en el Louvre, los holandeses de Leiden viajarán a través de sus pinturas por Shanghai, Beijing y Abu Dhabi.

Entre las piezas que forman parte del proyecto también figuran los artistas Gerrit Dou,Jan Steen, Rembrandt, Jan Lievensz y Frans van Mieris, el objetivo de éste es presentar además de un compendio dedicado al arte holandés, la flexibilidad de temas y método de expresión que un mismo artista puede introducir en su trabajo.

La muestra sobre los artistas de Leiden, así como otras adquisiciones como la que el Louvre realizó hace algunos días en conjunto con el Rijskmuseum de Ámsterdam de dos obras de Rembrandt a la familia Rothschild por la cantidad de 176 millones de dólares, ponen de manifiesto que el arte clásico sigue presente en nuestra vida.

 

 

Con información del Museo de Louvre, The Art News Paper, artnet news y GESTIÓN.

 

Tree of Codes, performance basado en un libro

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Jonathan Safran Foer fue la inspiración de Olafur Eliasson

El artista danés Olafur Eliasson, creó un performance para Tree of Codes, el ballet de Wayne McGregor, el cual está basado en el libro homónimo del autor Jonathan Safran Foer, quien quiso crear una nueva narrativa en la novela.

Jamie xx, productor y compositor británico, utilizó un algoritmo para convertir los espacios y las formas del libro en melodías, mientras que McGregor creó un baile para cada una de sus 134 páginas que componen el texto de Safran Foer.

Eliasson utilizó una combinación de espejos y pantallas de colores para crear diferentes escenas abstractas para el ballet, que combinan su experiencia con luces e ilusiones ópticas.

Los tonos azules, rosas ​​y verdes son proyectados en forma de rayos sobre el escenario. En alguna parte del espectáculo, algunas caras de la audiencia son elegidas por un proyector de swooping, antes de ser reflejadas de nuevo a ellos en un espejo gigante.

El amor por los libros de Eliasson va más allá que una lectura en la comodidad de su hogar. Como ella misma lo dijo: “Para mí, los libros siempre han sido algo más que imprimir en papel”, así que lo hizo realidad en este performance.

Este intercambio de códigos hace que el espectador tenga una nueva experiencia tangible extraída de las palabras impresas en las hojas de los libros.

Información de: dezeen

De almacenes industriales a galerías, un proyecto en Los Ángeles

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14 obras colaborativas son la base de este proyecto

Situado en el Corazón de Los Ángeles, el nuevo proyecto artístico The 14th Factory, abrió sus puertas el 11 de marzo de 2017, y será el lugar donde exista una convergencia entre el arte oriental y occidental para crear un nuevo concepto.

Esta monumental instalación de arte multimedia transformó un almacén industrial vacío en un universo mítico creado de manera colaborativa a través de video, instalación, escultura, sonido, pinturas y actuaciones en vivo.

Esta conversión de lugares sin vida es la misión de The 14th Factory, la cual quiere entregar nuevos sitios para la reproducción, creación y admiración para la gente que gusta del arte.

Concebido por la mente del artista británico Simon Birch, la visión de The 14th Factory es crear un nuevo paradigma independiente para el arte socialmente comprometido, una especie de acción guerrillera donde el arte ocupa y re-energiza los espacios urbanos subutilizados o incluso abandonados.

Este proyecto está compuesta por 14 obras que aluden a raíces históricas en las “trece fábricas” de la región de Cantón en la China del siglo XVIII, durante la cual los barrios comerciales designados formaron un establecimiento culturalmente heterogéneo para comerciantes europeos y chinos.

Algunos de los artistas que colaboran son: Cang Xin, Dominique Fung, Doug Foster, Paul Kember, Stanley Wong y Scott Sporleder.

Información de: The 14th Factory

El diseño en la gastronomía: una experiencia visual

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En más de 11 ciudades se ha expuesto Tapas. Spanish design for food

Fue en el 2013 cuando el arquitecto Juli Capella comenzó el viaje por el estudio del diseño en la historia de la comida. Luego de un viaje por ciudades como México, Washington, Seúl, Tokio y otras 11 más, la exposición Tapas. Spanish design for food llegará a Barcelona, la ciudad que la vio nacer.

El interés de Capella sobre la forma en que ingerimos los alimentos lo  ha llevado a crear una muestra en la que se pone como tema central la importancia que ha tomado el diseño en la práctica culinaria: a través de los utensilios y el diseño de lo propios platillos, que hacen de ésta una experiencia sensorial y visual.


Tapas. Spanish design for food  es una exposición dividida en tres partes: la cocina, lugar parecido a un quirófano, en el cual los alimentos son diseccionados y modificados para crear una nueva forma de ellos; la mesa, un objeto cotidiano que sin embargo, dice mucho de quienes día con día se sientan a degustar sus alimentos y los utensilios.

A través de 200 objetos presentados en la muestra que estará abierta hasta el 16 de junio, Capella pone sobre la mesa una relación que ha existido siempre, pero de la que poco se ha hablado: diseño y gastronomía.
La exposición cuenta con la participación de dos artistas reconocidos internacionalmente por su trabajo respecto a estos temas: el diseñador Martí Guixé, y el artista  Antoni Miralda.

Festival Internacional de Diseño Costa Rica, uno de los más importantes del continente

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15 artistas de 12 países se dieron cita en el FID2017

El Festival Internacional de Diseño Costa Rica 2017 se llevó a cabo del 10 al 12 de marzo, en la antigua aduana en San José. En ella se dieron cita 15 artistas de 12 países diferentes: Estados Unidos, Holanda, Colombia, Australia, Reino Unido, España, Noruega, Suecia, Panamá, Francia, Japón y Argentina.

Algunos de los artistas que asistieron a este festival fueron: Gemma O’Brien, Snask, Rebecca Stambanis, Alejandro Magallanes, Amina Horozic y Sergio Caballero.

Técnicas y especialidades diferentes como el diseño gráfico e industrial, fotografía, música y publicidad convergieron en este magno evento, que se ha catalogado como uno de los más importantes del continente americano.

Además de exhibir las mejores obras de los artistas invitados, en el FID 17 se llevaron a cabo talleres, conferencias, concursos y charlas para las más de dos mil 200 personas asistentes que gustan del arte.

“Se trata de un espacio multidisciplinario, pues creemos que no se debe estar encasillado en una sola disciplina. Un diseñador gráfico se inspira en el diseño de moda para crear ideas nuevas y eso es vital. Es importante que la gente vea más allá de su disciplina y aprenda nueva formas de creatividad”, afirmó Alfredo Enciso, uno de los organizadores del evento.

Con información de: Terra

Ex integrante de la banda Mew exhibirá sus pinturas

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El ex integrante de Mew presentó su exposición Den Bulede Verden en la galería Benoni

Bo Rune Madsen, ex integrante de Mew, abandonó a la banda en 2015 para centrarse en su trabajo artístico. Hoy anuncia su exposición Den Bulede Verden, la cual será exhibida en la galería Benoni.

Desde su perspectiva, Rune Madsen pinta su alrededor, no plasma el objeto empírico, sino que expresa sus sentimientos en su obra. “Pinto, por lo tanto, no sólo lo que veo, sino lo que siento”, menciona el artista.

Del código musical entró al visual creado por imágenes que pueden provocar algo en el espectador. “Busco una expresión comprimida de un estado de ánimo, no la perfección”, sentenció Rune Madsen acerca de su obra.

En su obra trata la fragmentación de un mundo natural que ha sido modificado por las manos humanas, y como estas acciones desvían a la sociedad a experimentar un mundo lleno de baches, impredecible.

A través de los ojos de Rune Madsen, se podrá observar todas las abolladuras que rodean el ambiente donde se vive, la desmoronación y descomposición orgánica que provoca la sociedad.

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