Art, Design & Culture + Soul = ⚡️ Uniqueness

Category archive

Español

Aquí puedes encontrar todos los artículos, videos y galerías que hemos creado en español para All City Canvas.

Los trabajos más destacados hasta el momento en la Bienal de Venecia 🖐

en por

La edición 57 del festival inició el 13 de mayo y finalizará el 26 de noviembre

Luego de una evolución que involucró el desarrollo de los métodos de exposición en el arte, las distintas vanguardias, el arribo del arte contemporáneo y la inmersión del cine, el teatro, la arquitectura y la danza, la muestra internacional vuelve en su edición 57.

Pintura, música, cine, teatro, instalaciones. La Bienal de Venencia es de los eventos artísticos más importantes del mundo.

Algunos de los trabajos más destacados son:

La instalación Support en hotel Ca’ Sagredo del artista italiano Lorenzo Quinn, cuyo trabajo se enfoca en la escultura. Este trabajo se centró en una reflexión sobre el calentamiento global y las inundaciones como una de las consecuencias.

El también escultor y artista contemporáneo Takahiro Iwasaki, quien ha exhibido su trabajo en países como Australia y Francia, presenta en el pabellón de Japón Turned Upside Down, It’s a Forest.

Una de las características destacadas de esta presentación es la inmersión de la tecnología en algunas instalaciones, lo que resulta un paso artístico del cual será testigo este festival.

El pabellón más aplaudido ha sido el alemán. La propuesta del país europeo lo ha llevado a ganar dos leones de oro en la edición 57 de la Bienal de Venecia en dos categorías: mejor pabellón nacional  y  mejor artista con el trabajo de Anne Imhof; una obra que reúne instalación, escultura, actuación y pintura. El trabajo es nombrado Faust. 

Inspirada en la pintura La Vuelta del Malón, El Problema del Caballo, es la muestra escultórica que representa a Argentina, de la mano de la artista Claudia Fontes y que resulta un recorrido por el arte desde el siglo XII hasta la actualidad.

Arte y política

La bienal se caracteriza por su diversidad de artistas, estilos y medios. Algunos pabellones han dedicado su presentación a temas (o personajes) coyunturales.

La artista venezolana Nina Dotti realizó en el pabellón del país sudamericano una protesta llamada Yo soy Venezuela y tengo derecho. Vestidos de negro, los participantes entraron al pabellón con pancartas que referían su oposición al régimen de Nicolás Maduro, sin emitir sonidos.

Es de esperarse que en alguno de los tantos artistas que se presentan en este festival dedicaría su muestra a Donald Trump. El pabellón estadounidense, a través del artista californiano Mark Bradford exhibe gran parte de su trabajo sobre la actual administración estadounidense.

La muestra permanecerá abierta hasta el mes de noviembre.

 

Con información e imágenes de: The atlantic, El Nacional, El Universal,

Nuevo libro de Queen contará con imágenes inéditas en 3D 😎

en por

Constará de fotografías inéditas de la banda inglesa

Brian May, guitarrista de Queen, creó el primer libro en 3D sobre esta famosa banda, el cual lleva como título Queen in 3D. La obra contendrá fotografías inéditas de la colección propia de May y de los fanáticos durante las giras.

El desarrollo del texto tomó aproximadamente tres años y narra la historia de 40 años de existencia de Queen a través de texto y fotografía en 3D.

Para poder observar de mejor manera las imágenes en 3D, se necesita de unos lentes especiales llamados owl, los cuales permiten poder disfrutar las tres dimensiones de cada fotografía. El matiz del owl hace referencia a la icónica chamarra amarilla de Freddie Mercury.

Muchas giras y algunas portadas de discos están plasmadas en Queen in 3D y son narradas por algunos integrantes de la banda a través del pequeño texto que las acompaña.

No sólo muestra imágenes durante el periodo de existencia de Queen, sino que logra rememorar a la perfección la esencia de la banda y a su cantante Mercury con algunas fotografías en los vuelos, antes de los conciertos o durante ellos.

Con información de: Queen in 3-D y The Times

Un grupo de personas se dedican a borrar murales sobre el Papa 🚫

en por

El último mural  lo hizo TvBoy días previos al primer encuentro entre Trump y el Papa

Hace unos días apareció en la calle Vía del Banco del Espíritu Santo un mural pintado sobre papel y pegado en la pared, en el cual se ve a Donald Trump besando al papa Francisco. Minutos después se sabría el autor de esta obra: TvBoy, artista español que se ha caracterizado por colocar en calles este tipo de stickers a gran escala que siempre dejan en los espectadores un momento de reflexión o crítica.

Ese mismo día, TvBoy también había “pegado” otra de sus obras en Piazza y en la cual el Papa era representado como un súper héroe. Ambos murales aún no han sido borrados por “la brigada del decoro”, un grupo de personas que se dedican a quitar o borrar las pintas que hacen referencia al pontífice en calles aledañas al Vaticano.

Pero no todos han sido casos de éxito, el artista italiano Mauro Pallota, Maupal, en el 2014 plasmó su primer obra que hacía referencia al Papa Francisco y quien traía en su mano una maleta en la que traía escrita la leyenda “Valores”.

El año pasado Maupal, cuyo trabajo va desde la realización de un Santa Claus portando armas, hasta la realización en gran formato de los ojos de Passolini, volvió a realizar una pinta que hacía referencia al mandatario religioso. El mural mostraba al Papa jugando Ta-te-ti, actividad que se practica en España, Ecuador y Bolivia y en el cual, el pontífice colocaba el símbolo de la paz. Horas después el trabajo fue borrado.

Ya en ocasiones pasadas, Maupal ha hecho alusión a Trump. El año pasado realizó una pinta muy parecida al HOPE de Shepard Fairey, en la cual exponía el rostro del republicano con la frase “Yes, I can”.

 

Con información e imágenes de: El Universal, Milenio, La Repubblica, El Clarín, Bitfeed y Rai News.

Obasi Shaw: primer estudiante en graduarse de Harvard presentando su disco de rap

en por

Liminal Minds es el primer álbum que la institución acepta como tesis

Obasi Shaw se gradúo con honores en Harvard luego de presentar las 10 canciones que compuso y que forman parte de su disco de rap que presentó como modelo de titulación.

Shaw es fiel seguidor del rap y encontró en él una vía para para expresar su descontento ante la (aún) situación de discriminación y racismo hacia los afroamericanos que residen en Estados Unidos. Liminal Minds es el nombre de su disco que ya se encuentra disponible en su cuenta de Sound Cloud.

Los cuentos de Canterbury,  textos del escritor Geoffrey Chaucer y el autor de Ve y dilo en la montaña, James Baldwin, fueron narraciones y figuras de la literatura que formaron parte de la inspiración para las letras de sus canciones.

Un conjunto de temas cuyo formato algunos catedráticos han aplaudido por ser no sólo una crítica social, sino también un material que puede llegar a más personas.

  

Con información de Excélsior y El País.

40 años del nacimiento del punk: Penny Rimbaud visitó México por primera vez 🤘

en por

El integrante de la disuelta banda Crass estuvo en el Museo Universitario del Chopo

Fotografías: Cortesía Museo Chopo

 El británico de 73 años ofreció una conferencia en el Museo Universitario del Chopo con motivo de los 40 años del nacimiento del punk, en la cual habló acerca de la historia de este movimiento musical desde la perspectiva de Crass y la influencia bohemia que impulsaron.

Rimbaud detesta el término “anarco-punk” porque siente que desdeña los verdaderos ideales de anarquía, es por eso que prefiere la palabra bohemio. Un estilo de vida libre y sin organizar es la carta de presentación de Crass y Rimbaud.

Con un panel configurado por Rimbaud, Guillermo Santamarina (crítico de arte, curador y artista visual mexicano), José Luis Paredes Pacho (director de Museo Universitario del Chopo) y Cristóbal López se mantuvo un diálogo acerca del movimiento del punk en Inglaterra y Fluxus, un movimiento que buscaba desintegrar el circuito del arte a través de la libre expresión.

Penny Rimbaud siempre fue un idealista acerca de lo que se debe hacer: no al machismo, no a la homofobia, autodescubrimiento y ver al mundo como un todo. Reconocido también por su primer libro sobre el holocausto y su formación como educador.

Arte y transgresión fue el nombre de la charla, donde Rimbaud sacó a relucir su sentido del humor, su acento británico y su desprecio por lo comercial y el capitalismo.

Uno de los tópicos que resaltó Rimbaud fue el “Hazlo Tú Mismo” (Do It Yourself), ideología que lo llevó hasta la cima con la grabación, reproducción y distribución de su música. Aseveró que gracias a esta frase nació el street art, pues nadie esperaba nada y se expresaron las molestias en las calles a través de técnicas artísticas.

El también pintor, escritor, filósofo y artista sonoro estuvo en México varios días realizando charlas y visitas como en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y el Centro Cultural Casa de Ondas.

¿Quién es el hombre que pagó 110 mdd por pintura de Basquiat? 💸

en por

Coleccionista de arte, músico y empresario de una marca de ropa

Yusaku Maezawa, multimillonario japonés compró una pintura del artista estadounidense Jean-Michel Basquiat por la cantidad de 110.5 millones de dólares en la casa de subastas Sotheby’s en New York.

El ahora coleccionista de arte de 41 años es conocido por sus proyectos anteriores, como su banda de rock y Start Today, plataforma digital donde vende música y ropa.

El excéntrico empresario japonés ha realizado muchos de sus caprichos. Gracias a esta actitud desinhibida, evita los trajes y exhorta a sus empleados a divertirse en su lugar de trabajo.

Su colección de arte comenzó hace unos 10 años. Ha comprado obras de Pablo Picasso, Christopher Wool, Richard Prince, entre otros reconocidos artistas.

Este afán y adicción de comprar arte tiene un objetivo: la creación de un museo en China.

 

Con información de CNN Money.

Nuestra Gente: generar “artistas para la vida” 👨‍👩‍👧‍👦

en por

Desde hace 30 años la cultura como defensa ante la violencia en Colombia

Colombia ha vivido procesos políticos que desencadenan situaciones de violencia y crimen, como el caso de la Comuna 2 de Medellín, antes conocida como la “casa de los locos”, pero ha salido adelante gracia a la Corporación Cultural Nuestra Gente.

Los 30 años de trayectoria de Nuestra Gente han transformado, en cierta medida, el panorama social de Colombia, pues su ideal de crear “artistas para la vida” concientiza a los residentes de las ventajas de construir comunidad a través de actividades culturales.

Estudiantes de actuación, dramaturgos, espectadores y gestores culturales han sido el motor de Nuestra Gente, un proyecto que transformó el territorio, desde dentro.

Muchas personas encuentran en Nuestra Gente un terreno donde la violencia no los alcanza y pueden desarrollarse libremente.

“Se ha logrado hacer de esta casa un lugar vital para la vida de la gente del sector, tanto así que por acá pasan hasta los mismos actores del conflicto, no en su rol intimidatorio, sino en su faceta de padres, cuando vienen a ver a sus hijos actuar”, apuntó Fredy Bedoya, director artístico del lugar.

Desde 1994, Nuestra Gente ha recibido distintas condecoraciones de importancia como la Beca de Creación en teatro, Colcultura, el Premio Nacional de Solidaridad y El Colombiano Ejemplar en la Cultura.

Pantone pinta código QR más grande del mundo 🌎

en por

Producido por Street Art Festival en Bélgica

Felipe Pantone realizó un mural en el cual pintó el código QR (Quick Response por sus siglas en inglés) más grande del mundo hasta el momento.

El mural fue producido por Street Art Festival, evento realizado en Bélgica quien en colaboración con Motifhasselt encargada de invitar a nueve artistas internaciones a realizar diferentes intervenciones en las calles de Hasselt, ciudad belga.

Este mural de Pantone fue pintado durante tres días y cuenta con 30 metros de largo por 25 metros de altura. Se utilizaron alrededor de 403 latas de pintura. En instagram comenzó a viralizarse el hashtag #LargestQR luego de haberlo concluido.

 

Más de 140 diseños de Rei Kawakubo en el MET 👘

en por

Más de 140 diseños estarán en la exhibición

 Fotografías: Briana Prieto

El Museo Metropolitano de Arte (MET) tendrá en exhibición, hasta el cuatro de septiembre de este año, más de 140 diseños de ropa realizados por Rei Kawakubo.

La exposición primavera 2017 del Instituto Costume examina las prendas vanguardistas de Kawakubo, las cuales datan desde los años 80 hasta sus creaciones más actuales. Los maniquíes donde está colocada la ropa llevan pelucas creadas por Julien d’Ys, un fotografo, diseñador, pintor y hair master más reconocidos en el mundo.   

Comme des Garçons: Art of the In-Between cuenta con la curaduría de Andrew Bolton, quien organizó la muestra en en nueve secciones: Ausencia/Presencia, Diseño/No Diseño, Moda/Anti-Moda, Modelo/Múltiple, Luego/Ahora, Alto/Bajo, Auto/Otro, Objeto/Tema y Ropa/No ropa.

Esta exposición temática es el primer espectáculo monográfico del Instituto Costume sobre un diseñador vivo desde la exposición de Yves Saint Laurent en 1983.

¡Regresa Zona Maco Foto y Salón del Anticuario!

en por

La feria se realizará del 20 al 24 de septiembre

Zona Maco es considerada una de las ferias de arte contemporáneo más influyentes de Latinoamérica, es por ello que su convocatoria alcanza a galerías y artistas internacionales. Aunque el proyecto original que creó Zélika García en el 2002 se han adherido otros más, que hacen aún más atractiva la gran propuesta curatorial.

Zona Maco Salón del Anticuario surgió hace cuatro ediciones como una propuesta que busca atraer a los coleccionistas de objetos antiguos como relojes, pinturas, esculturas, tapetes, monedas, y más objetos producidos antes de 1950. Este proyecto ha triplicado el número de asistentes a la muestra, respecto a su primera edición.

En esta sección dedicada a los artefactos antiguos han participado recintos como el Muzeion Gallery, de Dallas; la casa de subastas Morton; Safra Antigüedades, con sede en Barcelona y Miami y el Faubourg Saint Germain, de Londres.

Un año después de la primera edición del Salón del Anticuario, surgió Zona Maco Foto, un proyecto que presenta el trabajo fotográfico (antiguo, moderno y contemporáneo) de artistas destacados.

El concepto ha involucrado la participación de instituciones como el Museo Archivo de la Fotografía y galerías como raffaella de Chirico Contemporanea, de Turín; Espai Tactel, de Valencia; Galería Freijo, de Madrid; MAMA , de los Ángeles, entre otras.

Ambas partes del programa artístico de Zona Maco se presentarán de manera simultánea en el Centro Citibanamex, del 20 al 24 de septiembre.

Charles W. Leslie: el hombre detrás del primer museo sobre arte gay

en por

Leslie posee la colección de arte homoerótico más grande del mundo

Texto en colaboración con Briana Prieto Fuentes

Fotografías: Briana Prieto Fuentes 

ALL CITY CANVAS entrevistó a Charles Leslie, uno de los fundadores del primer Museo de Arte Gay y Lésbico Leslie en el mundo, charlamos con él sobre su actividad como uno de los más importantes coleccionistas del arte gay.

Aquí te dejamos un cachito de vida de este relevante personaje en el mundo del arte.

Trabajaba en el teatro; fui actor por muchos años. Recorrí América y Europa.  Acababa de regresar de una gira con “The Tennessee Williams”. Tenía 29 años cuando terminó este periodo de actuación, me sentía cansado del teatro porque sólo me daban papeles juveniles. Luego de pensarlo cuidadosamente, decidí dejar esa parte de mi vida. Estaba en Nueva York, ahí conocí en un a fiesta a Fritz Lohman, el gran amor de mi vida: estuvimos juntos 48 años, desde el día que nos conocimos; con él fundé el primer museo de arte gay en el mundo: Museo de Arte Gay y Lésbico Leslie + Lohman, e iniciamos la colección privada de arte homoerótico más grande (hasta el momento tenemos más de ocho mil piezas).

Todo empezó con el arte homoerótico. Yo tenía 29 y Friz 40, nos dimos cuenta del enorme descubrimiento que teníamos de esa colección de arte independiente que iniciamos juntos. Nos fuimos a todos lados: Asia, África, América Central, tan lejos como nos  dejóllevar esto. Nuestra colección creció con el tiempo.

El Museo de Arte Gay y Lésbico

Arte gay…no sé cómo describirlo, pero  lo sé cuando lo veo. El arte gay no son necesariamente imágenes de homosexuales al desnudo, es algo que tiene que ver más allá de sólo la desnudez.

Se podría decir que del arte renacentista era gay porque estaba ligado a retratos donde se mostraban desnudos femeninos y masculinos, además en esta época, artistas como Michelangelo y Caravaggio, DaVInci y otros dos mil más eran homosexuales.

Pienso que el arte gay es cualquier cosa que te forma crea tu sensibilidad sexual, tus sensaciones más sofisticadas. Hay arte que puedo ver y decir “esto fue escrito por un artista gay”.

Nos mudamos a SOHO en 1960, compré el departamento, donde albergo mi colección desde 1969.  Aquí eran viejas fábricas. Durante estos años, nos enteramos que en el vecindario existían muchos artistas con diferentes preferencias sexuales, así que los contactamos y les propusimos que fueran parte de una exhibición. Aceptaron.  Teníamos 13 artistas.  Enviamos una invitación:

Usted y sus amigos están invitados a un fin de semana de exhibición de arte homoerótico  en Leslie y Lohman’s departamento, etc., etc., Por favor, dígale a sus amigos.

Pensamos que quizá (y con suerte), vendrían alrededor de 60 ó 70 personas durante el fin de semana; para el domingo, el teléfono seguía sonando; asistieron alrededor de 300 personas. Fue nuestro primera exposición y el principio de todo lo que vino después.

En 1987 Fritz y yo fundamos el primer (y único) Museo de Arte Gay y Lésbico del mundo.  Nuestra colección la iniciamos con el propósito de crear una comunidad que además fuera testimonio de los creadores artísticos gays.  Muchas de las obras con las que comenzamos a nuestro repertorio fueron de artistas homosexuales quienes murieron a causa de SIDA y cuyas familias buscaban deshacerse de las obras.

También tenemos piezas de artistas heterosexuales, pero el único criterio es que la imagen debe asociarse con la gente gay.

El coleccionismo hecho libro

Hace poco la editorial alemana dedicada a la creación de textos para homosexuales, Bruno Gmünder, lanzó un libro sobre mi historia en el coleccionismo de penes, lo nombraron The Art of looking.

Es interesante. La editorial me contactó,  me dijeron “queremos hacer un libro acerca del museo y su colección, ¿podrías darnos dos semanas de su tiempo?” y les dije que claro y luego me pidieron que les sugiriera un hotel cerca de mi casa, les respondí, “si pueden compartir cama, pueden usar mi cuarto de invitados.

Con dos grabadoras en la mesa, desde el desayuno hasta la hora de dormir, nos la pasamos hablando y hablando, conforme el tiempo pasaba, me fui dando cuenta de que las preguntas iban más enfocadas en  mí y no en la colección, pero tenía a un muy buen entrevistador, me olvidé de mí y seguí hablando.

La responsabilidad en el arte

La historia de los gays y las lesbianas ha sido implacablemente borrada desde el siglo XVIII.  Ha sido borrada, nosotros hemos sido borrados. No hay historias, no hay estudios psicológicos, no hay algo que pruebe que “estuvimos ahí”, cuando de hecho, estamos en todos lados.

Siempre ha estado ahí, pero ha sido escondido, como el arte renacentista. Tienes que esconder todo en forma de alegorías: Ganymede and the Eagle (la historia de Zeus enamorado de un hombre llamado Ganymede).

Ha sido demasiado divertido, problemático y extrañamente riesgoso a la vez.  Hemos tenido muchas experiencias desagradables a lo largo de este tiempo. Estoy satisfecho con todo nuestro trabajo, pero sé que todavía hace falta mucho por hacer.

 

NOTA: Este texto fue realizado en primera persona, con base en la entrevista que se realizó en el departamento de Charles Leslie. 

Siete instalaciones de arte en iglesias antiguas

en por

Bruce Munro, Gijs Van Vaerenbergh y Aaron Asis realizaron intervenciones

 Se crearon instalaciones en diversas iglesias de todo el mundo, con el fin de mostrar la interacción entre la arquitectura y la intervención realizada. Aquí te mostramos los siete proyectos:

1.- Les Voûtes Filantes-Atelier YokYok

Ubicada en Cahors, Francia, esta instalación crea una especie de pasadizos con una filtración de luz que permite observar los detalles arquitectónicos.

2.- Huge Skylight Church-Ferran Vizoso Architecture

Un antiguo templo en Corbera d’Ebre, España fue restaurado con esta instalación. Se quiso lograr que el sitio tuviera un nuevo uso multifuncional sin cambiar su estructura construida durante la Guerra Civil Española.

3.- Water-Towers-Bruce Munro

La ecología puede ser un recurso para crear arte, pues esta instalación con 15 mil botellas y 226 mil pies de fibra óptica en Salisbury, Inglaterra, iluminaron el claustro y otorgaron el efecto de ventanales coloridos.

4.- The Upside Dome-Gijs Van Vaerenbergh

Instalación que consiste en una cúpula al revés creada con cadenas en la iglesia de St. Michiel en Leuven, Bélgica.

5.- YOD pavilion-SCHEEMAA

Las paredes exteriores reflejan la luz y las imágenes proyectadas por los vitrales, permiten que el visitante interactué y sea testigo de una experiencia visual en la iglesia de Monpellier en Francia.

6.- Sin título- Studio Robert Stadler

Con motivo del festival Nuit Blanche de París, se creó esta instalación dentro de la iglesia de Saint-Paul Saint-Louis, donde el artista creó un asombroso ambiente lumínico con el juego de luces en la cúpula provocado por esferas flotantes que vistas desde una perspectiva forman un signo de interrogación.

7.- The Ci-Lines- Aaron Asis

La Capilla Colegial de San Andrés de Filadelfia, en Estados Unidos, creada en 1924 con un estilo gótico fue intervenida con más de seis mil 500 pies de hilo azul atado en columnas y postes de madera, los cuales siguen la trayectoria de la luz que entra al recinto religioso.

Información de: Architizer

1 2 3 17
Ir a Arriba