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Los 10 diseñadores de producción que debes conocer 👇

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David Wasco, Peter Lamont y Cedric Gibbons figuran en esta lista

Una película no sería nada sin los actores, camarógrafos, directores, entre muchos otros cargos, que hacen posible una película. Los diseñadores de producción, muchas veces olvidados, algunas otras muy recordados, pero siempre se encuentran al margen.

Los diseñadores de producción son la cabeza del departamento de arte, se encargan de recrear el ambiente, las épocas donde se desarrollará la película, decoración de escenarios y todos los detalles visuales.

1.- David Wasco

Uno de los diseñadores de producción más famoso. Ha trabajado con directores de la talla de Wes Anderson y Quentin Tarantino. El estilo vintage y setentero lo recrea a la perfección con colores amarillos, rojos y naranjas. De igual forma, las escenas sangrientas y violentas de Tarantino no tendría el mismo impacto sin él. Algunos de sus trabajos han sido: Pulp Fiction (1994), The Royal Tenenbaums (2011) y ambas películas de Kill Bill (2001 y 2004).

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2.- Robert Stromberg, Dante Ferretti y Anton Furst

El estilo gótico, sombrío y bastante aterrador en algunas ocasiones de Tim Burton no podía quedar fuera; éste es creado por varios diseñadores de producción, quienes logran plasmar las ideas que la mente de Burton generan. Estos tres diseñadores han logrado conseguir estatuillas en sus películas: Robert Stromberg lo logró con Alicia en el País de las maravillas (2012); Dante Ferretti hizo con Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007); y Anton Furst con Batman (1989).

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3.- Norman Reynolds

La ciencia ficción en la pantalla grande no sería lo mismo sin los escenarios y el ambiente donde se desarrollan las batallas. Los superhéroes, los aliens y las guerras en el espacio siempre tienen grandes artefactos y detalles visuales que resaltan en el vacío del universo o en ciudades inventadas por la mente del director. Norman Reynolds fue el encargado de realizar el arte para la trilogía original de Star Wars, Superman (1978), Superman II (1980) y Alien 3 (1992).

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4.- Peter Lamont

Los hombres con traje y armas que terminan siendo agentes secretos siempre figuran dentro de los escenarios más espectaculares del cine. Las casa, bares, bebidas alcohólicas, armas y peleas no tendrían la misma acción sin la mente brillante de Peter Lamont. Él fue el encargado de crear el ambiente de 18 películas del espía más famoso: James Bond, además de Top Secret (1984) y Titanic (1997), con la cual compartió un Óscar con Michael Ford.

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5.- Stuart Craig y Stephenie McMillan

Esta pareja de artistas en los filmes lograron crear el mundo mágico de Harry Potter. Las ocho películas de las aventuras joven mago británico estuvieron en las manos de ellos dos. Hogwarts, el bosque prohibido, el caldero chorreado y Privet Drive no hubieran sido nada mágicos sin las ideas de Craig y McMillan.

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6.- Eugenio Caballero

El talento mexicano no podia faltar entre los mejores. Los mundos inspirados en la mente de un niño pero con un giro oscuro y un tanto aterrador fueron creados por esta mente brillante oriunda de la Ciudad de México. Fue acreedor de un Oscar en 2007 por su trabajo en El Laberinto del Fauno. También ha sido el creador del arte de otras películas como The Limits of Control (2009), The Impossible (2012) y en A Monster Calls (2016).

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7.- John Barry

Tal vez uno de los diseñadores con más idea dentro del futurismo ha sido John Barry. Su trabajo en Naranja Mecánica (1971) no quedó sin ser reconocido por la audiencia. Esta película de Stanley Kubrick es catalogada como una de las mejores en la historia del cine. Los edificios desolados, las casas de las personas con mayores recursos, el bar surrealista con maniquíes como mesas y percheros, la leche que bebían los protagonistas; nada de esto hubiera tenido ese impacto sin la mente de Barry, quien hizo su mayor esfuerzo para crear una buena adaptación con el libro homónimo de Anthony Burgess.

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8.- Cedric Gibbons

Posiblemente Cedric Gibbons sea el diseñador de producción más premiado en la historia, ya que obtuvo 11 oscar en su trayectoria. Algunas de sus películas premiadas fueron: Pride and Prejudice (1940), An American in Paris (1951) y The Bad and the Beautiful (1952). En su historia se le adjudican más de 500 películas; las adaptaciones de la literatura han sido su fuerte, es por eso que una de las películas más icónicas, tanto de su figura como en la historia del cine fue The Wizard of Oz (1939) que, aunque no ganó, fue nominada a los premios Oscar.

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9.- George James Hopkins

El estilo de época y clásico quedó bien representado con la brillante George James Hopkins, quien realizó más de 60 películas. Los escenarios que creó y quedaron en la memoria de muchos cinéfilos y críticos fueron Cleopatra (1917) y Casablanca (1942); la primera es catalogada como una de las más caras de la historia, mientras que la segunda cinta refleja una historia amorosa dentro de un momento específico en la historia: Segunda Guerra Mundial (tanto en la historia como en la realidad).

10.- Brigitte Broch

Una alemana muy mexicana. Brigitte Broch, nacida en Alemania, llegó a México para quedarse a crear arte en producciones nacionales. Amores Perros (2000), Babel (2006) y Biutiful (2010) fueron algunos de los trabajos que realizó. Las tragedias, accidentes, paisajes y el manejo de las diferentes perspectivas dentro de una misma historia son manejadas de una manera excelente por esta mujer germana-mexicana.

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ENTREVISTA: Topografías insostenibles: primera exposición individual de Camila Rodrigo en México

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Celaya Brothers Gallery expondrá fotografías y esculturas de la artista peruana

Fotografías: Eduardo Pacheco

Conocí a Camila Rodrigo en la cocina de Celaya Brothers Gallery, la artista vestía jeans y preparaba una especie de engrudo mientras trabajaba con música de fondo. Hábil con la palabra y determinada en su proceso de creación, Rodrigo estaba preparándose para su primera exposición individual en México: Topografías insostenibles, que trata, como la mayor parte de su obra, el tema de la erosión y el desgaste.

 
La geografía ha sido un tema recurrente en su obra, se ha vuelto parte de una investigación prolongada que explora a través de distintos medios, como la fotografía y la escultura, “por eso para mí tenía sentido hablar de topografías, de placas y estratos. De estos niveles que hay en la geografía misma y en nuestra cultura”, dijo. Lo insostenible, de acuerdo con la artista, se refiere a la brecha que se le ha colocado entre ambos conceptos: geografía y cultura.

En ALL CITY CANVAS entrevistamos a Camila Rodrigo y nos contó que las fotografías que serán exhibidas fueron tomadas en Lima, Berlín y durante su residencia en México. La artista sabe que el tema no es nuevo, “la idea es generar una inquietud. Tampoco es que yo busque dar respuestas a estos problemas, lo que hago es soltar ciertos detonantes que hagan al espectador pensar sobre esta tensión”, comenta;  además, resalta que su trabajo no es una “especie de sermón” sobre los problemas ambientales, sino presentar temas que deberían ser vistos y tomandos en cuenta de nuevo.

“Dejo las preguntas sin respuesta. Finalmente, no pretendo ni responderlas. Simplemente, genero más preguntas y pienso que quienes vengan van a salir con más preguntas aún. Eso me parece interesante”.

Experimentar

Mientras señala una pieza que abarca una pared en la galería, misma que realizó pegando partes de una fotografía realizada en Perú y deteriorada manualmente para mostrar de otra manera un proceso de transformación del entorno natural, Camila habla de su visita nuevamente a México.

“Me encanta México. Recientemente fui a Tepoztlán y de ahí también saqué una serie de fotografías, que aún no revelo, pero me pareció interesante ese ejercicio, pues es una fotografía diferente, pero igual de imponente”, comenta Rodrigo.

La artista peruana ha presentado su trabajo en Francia, Perú, Rusia, México, Londres, Nueva York, Ámsterdam, Barcelona y Milán.

La exposición estará del 20 de abril al 10 de junio de 2017. Más información aquí.

Camila Rodrigo compartió con nosotros la lista de canciones que no deben fallar mientras trabaja. 🎧

Los ganadores de Sony World Photography Awards: la mejor fotografía del año

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Arquitectura, personas desparecidas en Colombia, la vida nocturna en África son los temas galardonados en esta edición

Sony World Photography Awards es uno de los concursos fotográficos más importantes del mundo y este año, además de publicar los ganadores de la edición 2017, están celebrando su décimo aniversario.

Millones de participantes siempre concursan para que su trabajo sea galardonado como la mejor fotografía del mundo. Como cada año, la categoría que más impacto mediático es la de Professional y esta edición recibieron 227 mil 596 imágenes procedentes de 183 países. Las temáticas son Arquitectura Conceptual, temas contemporáneos: actualidad y noticias, vida diaria, paisajes, retratos, naturaleza, bodegón y deportes.

Las fotografías de los finalistas serán expuestas en el Someserset Houses de Londres del 21 de abril al 7 de mayo.

Fotógrafo del año

Frederik Buyckx, fotógrafo belga. Ha publicado en National Geographic y New York Times. Su serie Whiteout captura la transformación de la naturaleza en el invierno.

Categoría Arquitectura

Dogni presentó su trabajo fotográfico Space & City, el cual  retrata la arquitectura minimalista. “Ignorar la estética de la ciudad, ignoramos reglas y celebramos la destrucción y reconstrucción del espacio urbano, los espacios mismos nos dan más control y añaden más alegría a la ciudad”, declaró el fotógrafo.

Categoría Conceptual

Art 115 fue la serie fotográfica de Sabine, descrito como un “documental cercano”, ya que a través de reportajes y noticias muestran las medidas adoptadas de organizaciones suizas que defiende el derecho a morir.

Actualidad y noticias

Alessio presentó We Are Taking No Prisioners, una documentación gráfica sobre la ofensiva para liberar el Estado Islámico de Libia.

Categoría Vida diaria

Sanda Hoyn documenta el burdel de Kandapara , uno de los más grandes de Bangladesh. La fotógrafa retrata la vida de una joven menor de edad que ingresa a laborar a este lugar.

Categoría Retratos

Light. Shadow. Perfecto Woman  es el trabajo de George Mayer que trabajó el tema de la “perfección” de la fotografía, y al mismo contradictoria esta afirmación: “Por un lado, la mujer se muestra monumental y completa, y por otro lado está desnuda y vulnerable”, explicó.

Naturaleza

Will Burrard-Lucas ganó con sus imágenes sobre la vida nocturna en África. Su trabajo African Wildlife at Night docuementó el Parque Nacional de la Llanura.

Categoría Mundo Natural– tercer lugar

Christian Vizl, fotógrafo mexicano obtuvo el tercer lugar con su trabjo titulado Reino Silencioso Ha colaborado National Geographic y The New York Times. Para Vizl, sus fotografías tienen un mensaje de amor y conexión con el océano.

Categoría Bodegón

Henry Agudelo, fotógrafo colombiano que a través de su trabajo dio a conocer la situación política de su país: 130 mil personas desaparecidas. Los cuerpos que no reclamados son enviados a universidades, donde estudiantes extraen marcas de los cuerpos. Indelible Marks es el nombre de su trabajo.

Categoría Deportes

Yuan Peng nombro a serie fotográfica The Twins’ Gymnastics Dream, gemelos chinos que entrenan para cumplir el “sueño olímpico”.

 

Con información de Hipertextual y CNN Expansión

150 imágenes sobre diseño y moda en la fachada del Empire State

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Los 150 años de la revista de moda Harper’s Bazaar fueron el motivo

Fotografías por: Briana Prieto

Muchas razones han logrado que la fachada norte del Empire State, en Nueva York, se ilumine. Esta ocasión llegó uno nuevo: los 150 años de la revista de moda Harper’s Bazaar iluminaron este enorme edificio el 19 de abril.

Durante el evento, se proyectaron de manera seguida 150 imágenes, las cuales incluían las portadas más icónicas de la publicación con personajes como Truman Capote, Andy Warhol y Richard Averdon.

150 metros de alto por 57 de ancho fueron las medidas de las fotografías proyectadas entre las ocho y las 12 de la noche en el edificio más simbólico de Manhattan, el cual tiene 42 pisos.

La celebración fue presentada por Glenda Bailey, redactora en jefe de Harper’s Bazaar y por Jennifer De Winter, vicepresidenta de Tiffany & Co.

Las siguientes proyecciones serán de color verde el 22 de abril, por el día de la Tierra, y naranja con amarillo el 25 de abril por la Project Sunshine Week.

El 4/20: fumar marihuana en el mundo del arte, algo más que un viaje

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Marihuana: la droga que crea héroes, mitos, rituales y expresiones

Texto en colaboración con Gonzalo Álvarez

Han sido años de debate sobre el uso de la marihuana, las primeras planas de los medios se saturan con información cuando un país ha legalizado su consumo, gobiernos quedan estigmatizados por sus decisiones de prohibición y…sin embargo, ante todo este panorama, la marihuana tiene su día internacional, el conocido 4/20.

¿Por qué el 4/20?

Desde hace más de 40 años, la gente ha identificado el 4/20 como una expresión libertaria. Este día se originó cuando un grupo de estudiantes de la Secundaria San Rafael, en California, se reunían a las 4:20 en la estatua de Louis Pasteur para fumar marihuana. Verdad o no, esta historia nos refleja de cómo su consumo ha sido una acción de rebeldía o de popularidad, quizá.

En los años 60, con la llegada del movimiento hippie, se desencadenaron diferentes perspectivas sobre el uso de las drogas. El escritor José Agustín declaraba que: “los antepasados mexicanos consumían diferentes sustancias para actividades religiosas, curativas, adivinatorias y de rituales. Por supuesto que disponían de un conocimiento sumamente sofisticado que les permitió saber cómo usarlas”.

Aldoux Huxley, por su parte, viajó a Tecate, Baja California-México para meditar, experimentar y consumir diferentes drogas como parte de un proceso autoreflexivo. Dicho viaje causó que publicara libros. Éstos y otros ejemplos fueron referencias de un nuevo tipo de consumo de marihuana, debido a declaraciones hechas por figuras del mundo del arte, la literatura y la música.

“El hachís y la marihuana se convirtieron en las drogas preferidas de una emergente cultura mundial con sus propios héroes, mitos, usos y rituales sociales, lenguaje y expresiones, juegos y acontecimiento sociales”: Hash Marihuana & Hemp Museum.

Actualmente, artistas opinan que el uso de marihuana durante la etapa de sus procesos creativos ha contribuido a despejar ideas o materializarlas. ALL CITY CANVAS entrevistó a diseñadores, tatuadores y fotógrafos sobre esta experiencia.

Moneylees

La marihuana para mí, es más bien parte de mi vida, pero en el caso específico de pintar y crear, me ayuda a concentrarme y relajar la mente.

Diseñador gráfico e ilustrador nacido en Milán. Le interesan las formas y espacios geométricos. Ha expuesto en Los Ángeles, Nueva York, Berlín, Madrid, entre otros. Desde 1994 comenzó a pintar en la calle, la cultura del hip hop y la naturaleza influyen en la creación de su trabajo.

Aníbal Pantoja

Es parte de mi vida, también la uso para dibujar y tatuar.

Ilustrador y tatuador mexicano. Estudió Diseño y Comunicación Visual, cursó talleres de fotografía, grabado y uno sobre la introducción al tatuaje. Describe su estilo como naturalista y figurativo, influenciado  por el pop art. Para Aníbal, el tatuaje es una cicatriz con memoria.

Rodrigo Maceda

La utilizo, pero no para mi proceso creativo, aunque sí pueden surgir buenas ideas estando bajo los efectos.

Estudió Fotografía en Londres, trabajo en post-producciones de televisión en lugares como IND3 y Ollín Studio. Con el tiempo, se dedicó al diseño editorial y abrió ROM studio, encargado de realizar proyectos de diseño gráfico, editorial, ilustración y diseño web.

Kapta

Fumo cuando hago la edición de fotos porque es un momento donde me gusta estar relajado y poder tener toda mi atención en los colores y luces de cada foto, y así poder seleccionar las mejores ideas

Fotógrafo independiente enfocado al fotoperiodismo con temáticas sociales. Gran parte de su trabajo es conocido por los temas que ha retratado sobre el movimiento del hip hop y el impacto generado en México y Latinoamérica. Ha realizado dos documentales; uno acerca de Sego y el graffiti; y otro sobre el rap. Juxtapoz LA, Arrested Motion, Hip Hop Nation y el World Atlas Of Street Art han publicado su trabajo.

Camila Rodrigo

Si hablamos de los temas creativos, pienso que cada uno tiene su manera para entrar en el estado de tranquilidad, hacer reflexiones y chambear. A algunos les funciona y a otros no.

Fotógrafa egresada el Centro de la Imagen en Lima, Perú. En 2009 realizó Maestría en Fotografía y Artes Visuales por la Universidad Naba, en Milán. En 2010 fue elegida como parte de Regeneration: 70 best young photographers around the world, creado por el Musée de l’Elysée en Lausanne. La erosión, el desgaste, la geografía y la cultura son sus principales temas en sus obras, tanto en la fotografía, como en la escultura.

Coachella 2017 tiene las instalaciones más grandes en la historia del festival

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Cuatros instalaciones fueron expuestas

Fotografías: Infobae and loqueva

Radiohead interrumpió su presentación en dos ocasiones, Beyoncé canceló y Lady Gaga fue quien cantó en su lugar,  pero Coachella es algo más que un festival enfocado en la música; también es una propuesta del arte más allá del afamado line up que maneja.

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Música, intercambio cultural, sustentabilidad, pero también la inmersión del arte  a través de instalaciones de gran formato son incluidos cada año en el Coachella Valley Music and Arts, cuya edición 2017 contó con las piezas más grandes en la historia del festival.

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La experiencia artística de los asistentes en Coachella no se queda sólo en la apreciación musical, cada año el festival tiene como proyecto la creación de instalaciones en sitios específicos.

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Las obras

Este año, la propuesta artística de Coachella no se enfocó, como en ediciones pasadas, en un análisis político, sino en una experiencia sensorial. Con ello, los organizadores buscan darle a los asistentes una especie de “respiro”, comentó  Raffi Lehrer, director de arte del festival.

Crown Ether

Estructura  hecha de 50 pies de altura, la instalación es una mezcla colorida que visualmente resulta llamativa a los espectadores, no sólo por sus tonalidades, sino también porque aunque es abstracta, da la idea de estar frente a una clásica casa del árbol. La pieza fue hecha por el artista estadounidense Olalekan Jeyifous.

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The Lamp Beside the Golden Door

Compuesto por una serie de espejos, el trabajo del artista brasileño Gustavo Prado se enfoca en el tema de la inmigración en dos sentidos: por una parte, una puerta que resulta ser una oportunidad de entrada (hablando también desde su perspectiva como extranjero); y el uso de esta instalación como una especie de faro luminoso.

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Chiaozza Garden

El trabajo de Terri Chiao y Adam Frezza se basó en un paisaje hecho por Dr.Seuss y los colores hacen recordar los paisajes de las imágenes de infancia.

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Is this what bring things into focus

Mejor nombre no pudo tener la pieza de los artistas oriundos del Reino Unido, Joanne Tatham y Tom O’Sullivan. Hecha de figuras geométricas que pueden ser una referencia al mundo animal, pero cuyos colores hacen recordar las clásicas piñatas.

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Musical escrito por David Bowie convertido en una experiencia de realidad virtual

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Lazarus se presentará en el  festival V&A’s Performance de Londres

El legado de David Bowie sigue presente: Lazarus, el musical que formó parte de los últimos proyectos del cantante será exhibido el próximo 30 de abril durante el festival V&A Performance organizado por el Museo de Victoria y Alberto, dedicado al arte y diseño en Londres.

Inspirado en el libro The Man Who Fell to Earth, de  Walter Trevis, el musical  fue escrito por Bowie y Enda Walsh, reconocido dramaturgo irlandés que su obra ha sido traducida a más de 20 idiomas; cinematográficamente escribió el guion de la película Hunger, premiada en el Festival de Cannes 2008. Lazarus se presentó en noviembre del 2016 y en enero de este año en el teatro King´s Cross, en Londres.

 

Escenas del musical serán presentadas dentro del programa de talleres y conferencias tituladas “Del VHS a la RV”, y los asistentes podrán escucharlo a través de auriculares de realidad virtual. El soundtrack de Lazarus es Blackstar, último disco del cantante.

El festival V&A Performance es un evento de 10 días, del 21 al 30 de abril, que busca celebrar las expresiones escénicas en cualquiera de sus manifestaciones.

 

 

Con información de V&A Perfomance, billboard y Rock and Pop.

Eduardo Kobra interviene muro de fábrica de chocolate en Brasil, su trabajo más grande hasta el momento

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Casi seis mil metros cuadrados (200 de largo por 30 de alto) abarca la obra de Eduardo Kobra

Eduardo Kobra interviene muro de fábrica de chocolate situada en una de las carreteras principales de Sao Paulo, Brasil.

Resultado de imagen para Eduardo Kobra graffiti más grande del mundo Este nuevo mural supera su anterior marca realizada en el mural Etnias. Todos somos uno para los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro en 2016, el cual está ubicado en el boulevard Olímpico, Plaza Mauá, Centro de la ciudad brasileña, y que además se encuentra registrado en el libro de los récords guinness por sus poco más de tres mil metros de longitud.

Su actual obra representan a un niño indígena de la zona del Amazonas en una canoa llena de cacao sobre una superficie de chocolate. Su característico toque de color en lugares grises ha marcado a la gente que observa su arte.

La empresa Cacau Show fue la encargada de contratar a este artista para intervenir su fachada. “Estoy muy contento con el resultado. La gente come chocolate, pero no sabe todo el trabajo que hay detrás”, mencionó Alexandre Costa, presidente de la misma.

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Kobra utilizó 12 grúas y más de cuatro mil botes de pintura para realizar su mayor obra hasta el momento.

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Para realizar este mural, Kobra basó su trabajo en la documentación iconográfica que realizó con un fotógrafo sobre el Amazonas. Gracias a estas fotos, realizó 30 dibujos antes de llegar al resultado final.

Sus siguientes destinos donde dejará su extraordinaria huella serán Malawi (pretende realizará dos murales internos en un hospital, inspirados en Nelson Mandela, todo gracias a la invitación de la cantante Madona), Murcia, Italia, Alemania y Portugal.

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¡Vhils presentó su primer performance en Lisboa! 🎭

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Periférico se presentará en BoCA 2017

Fotografías: Vhils y DN

Desde el año 2000, la práctica artística de Vhils ha sido de los referentes más fuertes en el arte urbano. Rostros que reflejan una intensidad expresiva,  pero que siempre respetan la esencia del lugar que se está interviniendo, forman parte de la personalidad de su obra. Sin embargo, el artista demostró la versatilidad de su propuesta mediante un performance que presentó en BoCA.

El 7 y 8 de abril,  Vhils presentó Periférico, su primer perfomance con el cual buscó hacer una reflexión respecto a la transición que ha vivido el mundo de la contracultura urbana.

Mediante una serie de coreografías interpretadas por seis bailarines inmersos en el hip hop, Periférico fue un acercamiento a la contracultura de Portugal durante la década de los 80 hasta el año 2000. La propuesta está basada  en un análisis general y en una autoexploración, ya que en este tiempo fue cuando Vhils comenzó adentrarse al mundo artístico.

Asimismo, el performance de Vhils coloca el debate respecto a la tan peleada barrera entre el concepto del “arte callejero” y el “arte establecido”.

BoCA es una bienal de arte que busca reflexionar sobre el mundo contemporáneo y el ambiente sociocultural, así como ser un soporte para la creación artística del futuro. El evento inició el 17 de marzo y finalizará el 30 de abril; ha sido realizado de manera simultánea en Lisboa (lugar de la presentación de Vhils) y Porto con la finalidad de crear lazos estrechos entre galerías, museos y demás espacios de exhibición entre las ciudades.

La bienal abarca la creación de artes visuales, performance y música en la que participan artistas nacionales e intenacionales.

 

 

Con información de: Vhils, BoCA,  DN y effe 

¿Qué es lo nuevo en Index Art Book Fair? 📚🤓

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“Un placer estético y poético”: la tercera edición de Index Art Book Fair

Fotografías: MXCITY:Guía Insider

La tercera edición de Index Art Book Fair se llevará a cabo del 14 al 16 de abril en el Museo Jumex, de la Ciudad de México. Revistas y editoriales sobre arte, diseño,  arquitectura y  moda difunden trabajos y proyectos artísticos de diferentes países.

En 2014 inició este proyecto a cargo del equipo de curadores Jorge de la Garza, Maxime Dossin, Chantal Garduño, Tania Garduño, Frances Horn y Rafael Prieto, quienes establecieron que el principal objetivo de esta feria fuera promover la distribución y producción de publicaciones de arte.

Lo nuevo para este 2017

Por parte de Index Architecture, la librería berlinesa Books People Places ofrecerá una selección especial de publicaciones sobre arquitectura. También, con motivo de la exposición Ulises Carrión. Querido lector. No lea presentada en Museo Jumex, la cual muestra una retrospectiva de la vida del artista, habrá una exhibición efímera liderada por Spoken Word Gallery de Tania Pérez Córdova y Francesco Pedraglio.

Spoken es una propuesta artística del que sólo se hace uso del lenguaje hablado para presentar exposiciones, no existen objetos o imágenes para ilustrarla. Asimismo, Juan Aguis y el artista colombiano Raúl Marroquín conversarán sobre Ulises Carrión.

La lista de editoriales participantes es diversa y enorme. Index Art Book Fair produce y difunde la creatividad que yace en medios impresos. “Un gran placer estético y poético”, así describen esta feria los medios nacionales.

Time Out, MXCITY: GUÍA INSIDER

Las 10 razones por las que se recordará a Ramón Valdiosera, creador del color rosa mexicano

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Artista, diseñador, pintor, escritor; Valdiosera posicionó la moda mexicana en el mundo

La historieta, el diseño de modas, la ilustración y el cine fueron los campos en los que desarrolló proyectos y ganó premios el mexicano Ramón Valdiosera, conocido por ser el creador del color rosa mexicano, el cual fue punto de partida para posicionar internacionalmente a México como un país que difundía su cultura a través de la moda.

Valdiosera nació en Veracruz, lo llamaban “El Maestro”, fundó la Academia Mexicana de Arte Secuencial (AMAS), en la que también impartía clases. Defensor de la cultura nacional y sus tradiciones, el diseñador mexicano fue un referente de la moda en nuestro país.

Las 10 razones por las que Valdiosera será recordado

1.-Boutique fue la primera exposición de moda presentada en un museo del país. Museo Carrillo Gil albergó la exhibición en los años 90.  Posteriormente, publicó el libro 300 años de moda mexicana.

2.-Director de Chamaco Chico, primer modelo de publicación en forma de historieta.

3.- Fanático de los cómics, fundó los Estudios América, donde reunió un equipo de jóvenes dibujantes. De esta agrupación, se formaron grandes dibujantes como Ángel Mora y Antonio Gutiérrez; sus obras fueron adaptadas al cine y la televisión.

4.-Dos veces ganador del premio Ariel por sus documentales Himno Nacional (1948) y Los hombres pájaro (1949).

 

5.- Sus diseños de moda fueron relevantes, al ser los primeros en usar telas típicas de los indígenas mexicanos. En 1949, el hotel Waldorf-Astoria de Nueva York exhibió la línea de vestidos realizada por Valdiosera. La prensa estadounidense nombró al estilo colorido de sus diseños como Mexican pink.

6.- En 1960 Valdiosera creó su línea de ropa comercial que se vendía en 14 tiendas de la República Mexicana y una en Beverly Hills.

7.- En 2009, su exposición Rosa Mexicano. Moda e identidad: la mirada de dos generaciones en Casa Lago fue motivo para que Fashion Group International México le rindiera un homenaje en el Mercedes-Benz Fashion Week Mexico.

8.- En 1936 fue cronista y pintor taurino en Excélsior.

9.-En 1959 abrió el Museo de la Moda en la calle de Varsovia, Zona Rosa, de la Ciudad de México. Tenía una diversa colección de esculturas y joyerías prehispánicas.

10.- Su último trabajo fue una serie de murales para la línea 12 del metro de la Ciudad de México.

 

Con información de El Financiero, El Universal y Gatopardo

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