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Textured: la primera exposición individual de Rune Christensen

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La galería eliumcowboy presenta la primera exposición individual del artista

Si hay algo difícil de crear a la vista de los demás (no sólo en el ámbito artístico) es la formación de un estilo propio, esa marca que hace inigualable aquello que hacemos. El artista danés Rune Christensen es de aquellos quienes pueden presumir de haber creado una especie de grabado estilístico en todas sus obras, que hace inconfundible la autoría de los trabajos.

Dualidad, un término acuñado por muchos, expresado por otros tantos y ejecutado de muy diversas formas, podría considerarse el eje de la obra de Christensen. El pintor, ilustrador y grafitero, con sus trabajos evoca la sensación de aquello que mostramos cuando nos referimos a nustro “lado oscuro”.

Textured es la primera exposición individual de Christensen en Alemania. Mujeres con tatuajes, diferentes escenarios, personajes, siempre cubiertos de la boca miran fijamente al espectador, como preguntando, como incitando algo.

Las miradas penetrantes de los personajes femeninos en su obra resultan atrayentes por su intensidad, expuesta a través de colores sombríos; la textura y la técnica de sellado industrial, que recientemente ha implementado el artista en su obra, son características de su trabajo

Rune Christensen nació en Dinamarca en 1980. Su obra se basa en una serie de viajes que hizo a Perú, Bolivia, China, Nepal, Estados Unidos, Canadá, Indonesia, entre otros lugares del mundo. Chirstensen toma como punto de partida las culturas con las cuales tiene contacto durante sus estadías y las utiliza como un reflejo de su gusto por ellas.

La muestra estará en exhibición en la galería elicomcowboy, lugar que desde su inauguración, en 2002, tuvo como objetivo apoyar y difundir el trabajo de artistas jóvenes. Rune Christensen ha presentado proyectos en Nueva York, Miami, Basel, Colonia y Berlín. Su exposición estará hasta el 27 de mayo.

 

 

Jonathan LeVine Projects lanza convocatoria en busca de nuevos artistas para su próxima exposición

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El 5 de julio se cierra la convocatoria

Fotografías: Jonathan LeVine Projects

Jonathan LeVine es uno de los referentes más destacados en el mundo del arte actual; su inmersión en el terreno artístico surgió en la década de los 80 a través del graffiti, el punk, el cómic y los tatuajes. Hoy, Jonathan LeVine Projects (JLP) es uno de los espacios de exhibición más influyentes a nivel internacional y actualmente se encuentran en búsqueda de artistas de todo el mundo para su próxima exposición.

JLP se destaca por la diversidad de propuestas artísticas que presenta en cada exhibición.

Se seleccionarán los tres mejores proyectos y serán galardonados de la siguiente manera:

Primer lugar: exposición individual en JLP.

Segundo lugar: exposición colectiva en JLP.

Tercer lugar: promoción del proyecto en las redes sociales de Jonathan LeVine Projects.

A inicios de 2017, JLP cambió su sede ubicada desde 2005 en Chelsea, para mudarse a Nueva Jersey, lugar en el cual LeVine creció y donde surgió su interés por el mundo del arte. El espacio ha presentado a artistas como Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, entre otros.

El 5 de julio es la fecha límite de envío de las propuestas artísticas. Para conocer más sobre las bases de la convocatoria, consúltalas directamente en la página de JLP.

 

Jonathan LeVine Projects is looking for new artists for its first ever art competition!

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Delusional is its name

Text by Cristina Ochoa

Photos by Jonathan LeVine Projects
Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva


Jonathan LeVine is one of the most renowned figures in the art world today. His immersion in the artistic field sprung in the 80s through graffiti, punk, comics and tattoos. Today, Jonathan LeVine Projects (JLP) is one of the most influential exhibition spaces at the international level, and they’re currently looking for artists from all over the world for their next exhibition.


JLP stands out for the diversity of artistic proposals it presents in each exhibition. The three best projects will be selected and awarded as follows:

First place: an individual exhibition at JLP.

Second place: a collective exhibition at JLP.

Third place: promotion of the project on Jonathan LeVine Projects’ social networks.

In early 2017, JLP moved its headquarters from Chelsea, where it was located since 2005, to New Jersey, where LeVine grew and where his interest in art began. The space has featured artists such as Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, among others.

The deadline for submissions is July 5 and you can find the entry requirements right here. Best of luck to all “competing” artists!

¡Vhils presentó su primer performance en Lisboa! 🎭

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Periférico se presentará en BoCA 2017

Fotografías: Vhils y DN

Desde el año 2000, la práctica artística de Vhils ha sido de los referentes más fuertes en el arte urbano. Rostros que reflejan una intensidad expresiva,  pero que siempre respetan la esencia del lugar que se está interviniendo, forman parte de la personalidad de su obra. Sin embargo, el artista demostró la versatilidad de su propuesta mediante un performance que presentó en BoCA.

El 7 y 8 de abril,  Vhils presentó Periférico, su primer perfomance con el cual buscó hacer una reflexión respecto a la transición que ha vivido el mundo de la contracultura urbana.

Mediante una serie de coreografías interpretadas por seis bailarines inmersos en el hip hop, Periférico fue un acercamiento a la contracultura de Portugal durante la década de los 80 hasta el año 2000. La propuesta está basada  en un análisis general y en una autoexploración, ya que en este tiempo fue cuando Vhils comenzó adentrarse al mundo artístico.

Asimismo, el performance de Vhils coloca el debate respecto a la tan peleada barrera entre el concepto del “arte callejero” y el “arte establecido”.

BoCA es una bienal de arte que busca reflexionar sobre el mundo contemporáneo y el ambiente sociocultural, así como ser un soporte para la creación artística del futuro. El evento inició el 17 de marzo y finalizará el 30 de abril; ha sido realizado de manera simultánea en Lisboa (lugar de la presentación de Vhils) y Porto con la finalidad de crear lazos estrechos entre galerías, museos y demás espacios de exhibición entre las ciudades.

La bienal abarca la creación de artes visuales, performance y música en la que participan artistas nacionales e intenacionales.

 

 

Con información de: Vhils, BoCA,  DN y effe 

Obras de Banksy, Warhol y Shepard Fairey en subasta en Los Ángeles

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Umbrella Rat, obra de Banksy que puede ser la mejor pagada

Sin duda, Bansky es de los nombres más sonados en el mundo del arte urbano. El artista británico no sólo ha sido controversial por su incógnita personalidad, o por sus trabajos cargados de una crítica socio-política, sino también por lo bien valuadas que resultan sus obras.

La casa de subastas Julien’s Auctions pondrá a la venta más de diez obras del artista británico el 31 de mayo. 

La pieza que los organizadores consideran puede ser la mejor pagada es el dibujo original hecho con aerosol, Umbrella Rat, el cual estiman puede ir de los 30 a los 100 mil dólares. También estarán ofertados Black Bobby, Bomb Love, entre otros.

 

Michael Doyle, representante de Julien’s Auctions considera que el trabajo de Banksy mantiene su importancia por la carga política de su mensaje. Comentó que es muy raro encontrar obras de artistas urbanos que sean verdaderamente provenientes de las calles.

En la subasta que se realizará en Los Ángeles también se incluirán trabajos de Shepard Fairey y una serigrafía hecha por Andy Warhol a Mick Jagger, vocalista de los Rolling Stones, en 1975.

En el 2008 fue vendida la obra de Banksy más cara del mundo: Keep it Spotless fue subastada por 1.8 millones de dólares. Otros de los trabajos del artista británico más costosos han sido Laugh now en el 2013; Kissing Coopers en 2016; Space girl and bird (cuyo precio se estimaba en 30 mil dólares); Think Tank en 2013, entre otros.

 

Con información de: Wide Walls, ABC Cultura, Milenio y Channel NewsAsia

Gorillaz tendrá su propia serie, marca de ropa y festival

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Jamie Hewlett, diseñador que creó los dibujos de Gorillaz confirmó una serie de 10 episodios sobre el grupo

Damon Albarn, vocalista de la banda Blur y Jamie Hewlett, reconocido diseñador gráfico inglés, se conocieron en 1990, desde ahí el dueto ha sido casi inseparable. Formaron una de las agrupaciones mejor consolidadas de los últimos tiempos, y luego de siete años de ausencia, Gorillaz vuelve con todo: el lanzamiento de su serie.

La banda surgió tras una plática entre Albarn y Hewlett sobre los programas que tenía MTV y la idea de presentarle a este canal de televisión una propuesta de grupo musical diferente. Ahora, ambos creadores, anunciaron que la serie de Gorillaz contará con 10 episodios, en los que se abarcará parte de lo que la banda virtual ha dejado ver en sus videos musicales, expresó Hewlett para Q Magazine.

Aunque aún no han salido avances del audiovisual, la noticia ya ha generado expectativas entre los seguidores del proyecto.

En el 2010 Albarn y Hewlett decidieron frenar temporalmente su trabajo debido a conflictos que, afortunadamente, lograron tener solución.

A la noticia le precedieron los primeros avances del nuevo material discográfico de Gorillaz, así como el lanzamiento de Humanz, su propia línea de ropa y Demon Days, un festival musical organizado y ejecutado por la banda.

 

Con información de: DAZED, avclub,  Playground, lifeboxset y Chilango 

Polish artist intervenes largest bus for Nuart Festival

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Pontoon: the metaphor for migration

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Nuart Festival

A truck is a medium of transportation we use and are accustomed to on a daily basis: its drivers, the people that use it, the destinations; but imagine if all these elements were foreign to you and the only thing you had in common with the other passengers is the need to save their lives. This is how the Polish artist M-City defines the phenomenon of migration, a metaphor he depicted in his intervention on one of the largest buses of Nuart Festival in Norway.

Pontoon is the title of M-City’s intervention on the bus, making reference to the maritime transport that hundreds of migrants use to reach the European coasts.


M-City is a Polish artist that has participated in Nuart in numerous occasions. His style, which focuses on the use of stencil, combines political and industrial issues, materialized in large-scale murals.

But the Polish artist is not the only one exhibiting the issue of migration. A few days ago, Chinese artist and activist Ai Weiwei – after a series of visits to 20 migrant shelters around the world – created Law of the Journey, an installation of 258 pieces depicting human rights violations.

Stavanger: a project to become Art City

 Since 2016, Nuart Festival has one goal: to make Stavanger an Art City, a reference for cultural exchange, resulting from the various artworks created by international artists. A city that qualifies as a tourist destination thanks to its ongoing cultural activities.

Part of the Art City project is Street Art Buses, which are run by the local Kolumbus bus company. A year ago, artists Add Fuel, Ernest Zacharevic, Martin Whatson and Hama Woods participated in taking buses for this project.

With information from NuArt and Cbcnews

Artista polaco interviene el autobús más grande de Nuart Festival

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Pontoon: la metáfora de la migración

Fotografías: Nuart Festival

El camión es un medio de transporte que resulta tan cotidiano: sus conductores, la gente que viaja en él, los destinos a los que se dirige; pero imagina que todos estos elementos te resultaran ajenos y lo único que tienes en común con los demás pasajeros es la necesidad de salvar sus vidas. Es así como el artista polaco M-City define el fenómeno de la migración, metáfora que plasmó en la intervención que realizó en uno de los autobuses más grandes de Nuart Festival, en Noruega.

Pontoon es el título de la intervención que hizo M-City a este autobús, el cual nombró de esta forma para hacer referencia al medio de transporte marino en el que viajan cientos de migrantes para llegar a las costas europeas.

M-City es un artista polaco que ha participado en otras ocasiones en Nuart. Su estilo, enfocado en el uso del esténcil, es una combinación de temas políticos e industriales, materializado en pintas a gran escala.

Pero el artista polaco no es el único en poner sobre la mesa nuevamente el tema de la migración. Hace unos días, el artista y activista chino Ai Weiwei, tras una serie de visitas a 20 refugios para migrantes en el mundo, creó Law of the Journey , (La Ley de la Travesía) una instalación hecha con 258 piezas que muestra las violaciones a Derechos Humanos.

Stavanger: un proyecto para convertirse en una ciudad del arte

Desde el 2016, Nuart Festival tiene un objetivo: que la ciudad de Stavanger se perciba como una ciudad del arte (Art City), un lugar que sea referente para el intercambio cultural, producto de los diferentes trabajos de artistas internacionales. Una ciudad que se reconozca como destino turístico, gracias a sus constantes actividades culturales.

Parte del proyecto de Art City, es Street Art Buses, en el cual colabora con la compañía local de autobuses Kolumbus. Hace un año los artistas Add Fuel, Ernest Zacharevic, Martin Whatson y Hama Woods participaron interviniendo autobuses para este proyecto.

 

Con información de: NuArt, Cbcnews

Nuria Mora realiza instalación en mural del Tec de Monterrey

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El mural es parte del Programa de Arte Público curado por ARTO STUDIO 

Fotografías por ARTO STUDIO

Nuria Mora es reconocida por su capacidad de insertar su estilo abstracto en el arte urbano. La española volvió a México para participar en el Programa de Arte Público de DistritoTec, el cual pretende usar el arte como vehículo de comunicación urbana para generar diálogos encaminados hacia la construcción de una comunidad, dicho Programa está curado por ARTO STUDIO, estudio mexicano con experiencia en proyectos artísticos y culturales de escala urbana.

DistritoTec es una iniciativa de regeneración urbana que impulsa y promueve el Tecnológico de Monterrey en colaboración con ciudadanos, organizaciones y autoridades para hacer de la ciudad un modelo de convivencia, emprendimiento y talento comunitario.

Un túnel. El pasaje que conecta con la Rectoría del Tec de Monterrey se ha llenado de color. ¿La culpable? Nuria Mora, quien mediante una serie de trazos geométricos, colores llamativos y el desborde de sus delineados intervinieron un mural, del cual, la comunidad de DistritoTec fue testigo del proceso creativo.

Mora es además conocida por su interés en formar parte de las comunidades donde trabaja, ésta no fue la excepción: mediante una serie de conversatorios, la artista pudo tener contacto con los estudiantes de la institución.

En el proyecto también colaboró el artista mexicano de la ciudad de Guadalajara, Arre VRS, quien realizo un mural localizado en la avenida Junco de la Vega y Fernando García Roel. De esta manera, la institución continúa con su propuesta de reactivar el espacio público. Además, tamién intervino bancas para DistrtioTec.

En noviembre 2016, dio inicio el Programa de Arte Público, donde participó Agostino Iacurci quien tomó de referencias las frutas para expresar “el trasfondo de lo complejo”, el inicio y el fin de un ciclo. También estuvo Katie Merz, quien intervino mural a través del uso de jeroglíficos basados en lo que la artista llama “la experiencia que está viviendo justo en el momento en el que está”.

Ya viene el festival BLOOP 2017, de los más importantes en España😯

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Regresa a Ibiza el festival de arte proactivo

Desde hace seis años, Ibiza es un destino turístico y un espacio para la creación del arte.

BLOOP, el festival de arte proactivo nació en el 2011 con el tema “Seres del océano”, seis ediciones después, el proyecto se consolida como uno de los más importantes en España.

Con la idea de realizar un evento que vinculara al público en general, y no sólo a las personas que frecuentan galerías y museos, el festival llevado a cabo en Ibiza fue creado por el estudio creativo Biokip Labs.

Este proyecto se conforma de trabajos hechos en distintas modalidades: murales, arte digital, música, esculturas, instalaciones, fotografía, pintura, video instalaciones y eventos especiales.

Los artistas participantes en este festival son colaboradores internacionales, por ejemplo, en él han participado INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper, entre otros.

Cada año se busca crear arte en torno a una temática general: los temas de las ediciones pasadas fueron “Seres del océano” (2011); “Apariencia” (2012); “Control” (2013); “THE BEST. Arrogance” (2014); “Universos paralelos” (2015); y “Sin miedo” (2016). Todos ellos buscan crear un momento de reflexión en los asistentes.

La edición 2017 se hará del 23 de agosto al 16 de septiembre. Atentos 🚨

Casa Prada llevará cine experimental a Italia

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Después de 50 años New American Cinema regresa a Turín  

En mayo de 1967, Jonas Mekas junto con el New American Cinema Group (NACG) y la Unione Culturale di Torino comenzaron un movimiento de cine con un enfoque “anti narrativo” que buscaba separarse de la estructura hollywoodense típica: el New American Cinema, una exposición que causó revuelo y que la reconocida firma italiana de moda Prada volverá a llevar a la ciudad europea 50 años después.

Eran finales de los 60 y un grupo de 23 productores independientes se encargaron de presentar una serie de filmes cortos que poco tenían que ver con las estructuras narrativas cotidianas, y que desafiaban incluso el costo de las producciones, pues se realizaban con bajo costo.

Luego de un trabajo de investigación  y un proceso de digitalización, la Fundación Prada de la casa de modas italiana presentará del 1 al 30 de abril, 30 películas de las 63 originales que se realizaron durante la primera presentación. En concordancia con el programa del 67, la apertura del proyecto será el filme de Mekas, The Brig.

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Como parte de un proyecto que busca retomar la importancia de la influencia que causó, de la misma forma que durante la presentación del trabajo de NACG,  Casa Prada realizará una serie de debates y además exhibirá “Quaderno”, una recopilación de artículos y escritos inéditos donde se presentan transcripciones completas de los debates hechos en 1967.

De acuerdo con Mekas, el movimiento estaba orientado a fomentar “el aspecto poético de la autoexpresión” y con ello se lograba el desarrollo del lenguaje y la sintaxis.

La muestra corrió a cargo de Germano Celant, el crítico e historiador de arte quien acuñó el término de arte povera en 1967 para describir un movimiento artístico italiano en el que los materiales utilizados son desechos sustraídos de la naturaleza como hojas, madera y piedras.

 

Con información de: Casa Prada, arte.it,El Universal

El diseño en California: acercamientos a la contracultura

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Museo del Diseño en Londres tendrá muestra sobre diseño de los años 60 

California ha sido un referente en la historia de la contracultura. La ciudad estadounidense es sin duda uno de los lugares pioneros para el desarrollo de movimientos que desafían los sistemas estructurales, es por ello que el Museo del Diseño en Londres presentará la muestra Designed in California, una exposición que destaca el valor del diseño en todas las manifestaciones de contracultura hechas en los años 60.

La muestra está compuesta por 200 piezas distribuidas en cinco ejes temáticos: “Ve dónde tú quieras: Herramientas de movimiento y escape”; “Mira lo que quieres ver: Herramientas de percepción y fantasía”; “Di lo que tú quieras decir: Herramientas de autoexpresión y rebeldía”; “Haz lo que tú quieras: Herramientas de producción y autosuficiencia”; y “Únete con quien más te plazca: Herramientas de colaboración y comunidad”. La inauguración será el 25 de mayo y estará abierta hasta octubre de 2017.

Los objetos presentados en esta exposición serán los carteles políticos, la aparición de dispositivos tecnológicos como el GPS, el uso del LSD, o ilustraciones de películas, las cuales en conjunto, caracterizan a California como un lugar donde se desarrolló la contracultura.


Pero como la contracultura no tiene que ver únicamente con un sentido opuesto a los sistemas establecidos, sino también a nuevas propuestas de orden, en esta exhibición estarán presentes proyectos que fueron importantes en la época: por ejemplo, la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller, arquitecto que buscaba mejorar las condiciones de vida de las personas, a través de estructuras fáciles y económicas de realizar.

El Museo del Diseño busca con esta muestra, presentar a California como pionera en la creación de herramientas y canales que culminaron en las búsquedas hacia la libertad.

 

Con información de: Museo del Diseño de Londres,  ARCHITECTURAL DIGEST  y gráffica.

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