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Ya viene el festival BLOOP 2017, de los más importantes en España😯

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Regresa a Ibiza el festival de arte proactivo

Desde hace seis años, Ibiza es un destino turístico y un espacio para la creación del arte.

BLOOP, el festival de arte proactivo nació en el 2011 con el tema “Seres del océano”, seis ediciones después, el proyecto se consolida como uno de los más importantes en España.

Con la idea de realizar un evento que vinculara al público en general, y no sólo a las personas que frecuentan galerías y museos, el festival llevado a cabo en Ibiza fue creado por el estudio creativo Biokip Labs.

Este proyecto se conforma de trabajos hechos en distintas modalidades: murales, arte digital, música, esculturas, instalaciones, fotografía, pintura, video instalaciones y eventos especiales.

Los artistas participantes en este festival son colaboradores internacionales, por ejemplo, en él han participado INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper, entre otros.

Cada año se busca crear arte en torno a una temática general: los temas de las ediciones pasadas fueron “Seres del océano” (2011); “Apariencia” (2012); “Control” (2013); “THE BEST. Arrogance” (2014); “Universos paralelos” (2015); y “Sin miedo” (2016). Todos ellos buscan crear un momento de reflexión en los asistentes.

La edición 2017 se hará del 23 de agosto al 16 de septiembre. Atentos 🚨

Tradición italiana en un mural de Zosen Bandido y Mina Hamada

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Artistas pintan mural basado en la tradición de la Segavecchia

Es 1451, una anciana es quemada a mitad de la plaza de Cotignola, ¿la razón?, fue descubierta perforando una imagen que asimilaba la figura de Francesco Sforza, duque de Milán; la gente comentó que estaba haciendo brujería. Unos cuantos siglos después, la historia se tornó en una festividad conocida como “La Segavecchia”, conformado por eventos de gastronomía, música, arte y el espectáculo de la interpretación del sacrificio.

Zosen Bandido y Mina Hamada con máscaras tradicionales de la festividad la Segavecchia.

En la Segavecchia, los murales forman una parte primordial de la celebración, es por ello que los artistas Zosen Bandido y Mina Hamada, quienes han trabajado juntos desde el 2012, fueron colaboradores importantes de esta edición.

Fotografía: Alessandro Carnevali

Los alumnos de la escuela Don Stefano Casadio fueron los encargados de contar en español, la historia de la vieja hechicera a los dos artistas urbanos, quienes a través de eso y el contacto con los habitantes, así como con las máscaras hechas para la festividad, realizaron un trabajo que aunque resulta de una tradición propia de los italianos, no pierde el estilo colorido de la dupla.

Fotografía: Daniele Casadio
Fotografìa: Daniele Casadio

Zosen Bandido es un artista de origen argentino quien ha trabajado en el graffiti desde los 11 años. Su estilo se basa en el uso de colores neón y figuras geométricas, con los cuales crea personajes fantásticos.

Mina Hamada estudió diseño en Tokio. Sus obras que van desde la pintura, el dibujo, el mural hasta la instalación, juegan con el uso del color y las formas abstractas. Hamada trata de reflejar en los trabajos que realiza, su background cultural, que involucra experiencias de oriente y occidente.

Fotografía: Alessandro Carnevali

La obra de Zosen y Mina Hamada formó parte del proyecto “Dal museo al paessagio” , colaboración con el Museo Luigi Varoli, el instituto Don Stefano Casadio y la Asociación Indastria di Ravenna, el cual tiene como objetivo contar la historia del país europeo a través de murales, creando obras de arte al aire libre.

 

Con información de: Mina Hamada, Zosen Bandido, Comune di Cotignola y Romagna D’Este.

UNESCO premia a los mejores artistas árabes 🏆

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Artistas son premiados por su labor en la promoción de la cultura árabe

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) presentó a los nuevos galardonados con el premio UNESCO-Sharjah, enfocado en la promoción de la cultura árabe: Bahia Shehab y Fawzy Kalife, mejor conocido como El-Seed.

El premio fue anunciado por Abdullah Al Owais, jefe del Departamento de Cultura e Información de los Emiratos Árabes Unidos de Sharjah y será dado a los ganadores en abril.

Bahia Shehab es una artista, historiadora del arte y diseñadora gráfica egipcia, quien en 2010 su nombre fue replicado en medios internacionales cuando intervinó paredes de su ciudad con la campaña Mil veces no, durante el movimiento de la Primavera Árabe. Recopiló miles de símbolos de la escritura árabe que “juegan” con la palabra “no” para representar las múltiples facetas de opresión en las que han sido testigos los egipcios. Su trabajo se enfoca en el graffiti y el estudio de la caligrafía.

El-Seed es un artista franco-tunecino que ha basado sus investigaciones en la historia del arte en París, donde pasó su infancia, así como la caligrafía árabe. El año pasado el artista realizó una serie de pintas en 50 edificios ubicados en Jabal Al-Moqattam, y que si son vistos desde una parte específica de la ciudad, conforman una única frase, tomada de patriarca Athanasius “Cualquiera que quiera mirar la luz del sol, claramente debe limpiar sus ojos primero”:

Esta es la edición número 14 de un premio que surgió en 1998 como parte de un proyecto que busca promover un diálogo cultural y la revitalización de la cultura árabe

 

Con información de ahram online,  El- Seed y El Español

Empresarios de Nueva York cuentan con la colección más grande de Rembrandt

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Museo del Louvre presenta colección sobre arte barroco

El barroco, una de las épocas más importantes en la historia del arte; Rembrandt, uno de los pintores más destacados de todo el periodo; el Louvre, uno de los museos más prestigiosos del mundo. Todo ello forma parte de la muestra Masterpieces of the Leiden Collection. The Age of Rembrandt, la exhibición más grande de la obra del artista holandés.

En el 2005, el empresario neoyorkino Thomas Kaplan y su esposa Daphne Recanati Kaplan comenzaron la adquisición de piezas de uno de los creadores del barroco más prominentes. Hoy, su compilación de pinturas del siglo XVII se ha convertido en la muestra más grande de Rembrandt, y forma parte de una exposición en la que se muestra el trabajo de artistas barrocos destacados de los países bajos.

Kaplan se considera poseedor de la colección más grande de Rembrandt y percibe este proyecto como una oportunidad de hacer un intercambio cultural entre los lugares de exposición y la cultura de los clásicos. Luego de cuatro meses en el Louvre, los holandeses de Leiden viajarán a través de sus pinturas por Shanghai, Beijing y Abu Dhabi.

Entre las piezas que forman parte del proyecto también figuran los artistas Gerrit Dou,Jan Steen, Rembrandt, Jan Lievensz y Frans van Mieris, el objetivo de éste es presentar además de un compendio dedicado al arte holandés, la flexibilidad de temas y método de expresión que un mismo artista puede introducir en su trabajo.

La muestra sobre los artistas de Leiden, así como otras adquisiciones como la que el Louvre realizó hace algunos días en conjunto con el Rijskmuseum de Ámsterdam de dos obras de Rembrandt a la familia Rothschild por la cantidad de 176 millones de dólares, ponen de manifiesto que el arte clásico sigue presente en nuestra vida.

 

 

Con información del Museo de Louvre, The Art News Paper, artnet news y GESTIÓN.

 

A new Ibiza is at dawn: What you need to know about BLOOP 2017 festival

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BLOOP, the world’s first festival entirely dedicated to Proactive Art

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

7 consecutive years of BLOOP has attracted attention to a vast number of people who work in the art and creative industry by opening a new path for Ibiza`s tourism market.

 

BLOOP, the proactive art festival was born in 2011 with the theme “Sea Creatures;” six editions later, the project is consolidated as one of the most important across the globe.

With the idea of ​​holding an event that attracts the general public – not just the people who frequent galleries and museums – the festival was brought to Ibiza, created by the creative studio Biokip Labs.

This project consists of artworks made in different mediums: murals, digital art, music, sculptures, installations, photography, painting, video installations and special events.

The participating artists in this festival are international collaborators, like, INO, Aec of the duo Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper, and many others.

Each year, art is created around a general theme; the past editions themes were “Sea Creatures” (2011); “Appearance” (2012); “Control” (2013); “The Best -Arrogance-” (2014); “Parallel Universes” (2015), and “No Fear” (2016). All of them seek to create a moment of reflection for the attendees.

The 2017 edition will take place from August 23 to September 16. Stay tuned for this year’s theme, Changes, and more information to come on BLOOP festival.

Spectrum Indian Wells Art, el excepcional show de arte contemporáneo

Blog/Español por

Artistas como Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland se darán cita en California

Spectrum Indian Wells Art Show es un espectáculo en el corazón de California que recopila a algunos de los mejores artistas y galerías de arte contemporáneo. Se llevará a cabo del 16 al 19 de marzo de 2017. La sede es el Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

Esta edición contará con un comité de expositores  de cuatro personas con destacadas reputaciones en la edición y el desarrollo del artista. Se aplicarán normas rigurosas sobre la estética y atención al detalle, proporcionando un lugar aerodinámico, nítido y limpio para que los propietarios de galerías, diseñadores, arquitectos y coleccionistas disfruten.

Algunos de los trabajos que se exhibirán en Spectrum serán pinturas, fotografía, escultura, glassworks y más. Esta amplia gama de técnicas logran una gran conexión entre artistas, el jurado y las personas que disfrutarán esta presentación artística; también le otorga una gran oportunidad a los artistas contemporáneos emergentes que entren a esta demostración.

Entre los artistas que estarán presentes en Spectrum, se contará con la presencia de: Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland.

Parte de las galerías y estudios de fotografía que expondrán algunas de sus obras son: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio.

Doble fondo: ¿cómo preservar el graffiti que está en las calles? 🤔

Blog/Español/Exhibiciones por

Proyectos Monclova presentó exposición de graffiti sobre el caso Ayotzinapa

Fotografías por Cristina Ochoa

De fondo se escucha una pieza de la serie de canciones de Gustav Mahler Kindertotenlieder (canciones para los niños muertos); la pantalla reproduce una a una las imágenes de protesta que desde el 2014 comenzaron a ser cotidianas en México tras las desaparición simultánea de 43 estudiantes en Ayotzinapa, Guerrero. Es la pieza “Gramática de la tristeza”, obra que formó parte de la exhibición Doble fondo, en la galería Proyectos Monclova.

La muestra fue realizada por el colectivo Tercerunquinto, conformado por los artistas regiomontanos Julio Castro, Rolando Flores y Gabriel Cazares y con el cual buscan hacer obras que vinculen la escultura, arquitectura y su relación con el espacio público y privado.

Doble fondo es un trabajo que hace una exploración a la idea de la rabia como un motor de creación en la realización del graffiti. A través de dos ejes principales: por un lado, lo relacionado con el caso de Ayotzinapa en México y por el otro, un acercamiento a la figura del graffitero, mediante la representación de un actor.

A través de una serie de paños, los artistas se encargaron de remover parte de 122 graffitis que se realizaron en la Ciudad de México durante las protestas por el caso Ayotzinapa.

“Mi nombre es Hugo Álvarez y tengo 19 años..” comienza el performance realizado en el Museo de Antioquia que conforma la pieza “Graffiti. Representación en grado cero”, una obra audiovisual en la cual se explora el papel del graffitero y la clandestinidad de la práctica. Para este video se obtuvieron permiso por parte de autoridades culturales del gobierno de Medellín, Colombia.

El piso también formó parte importante de la muestra, pues, sobre el suelo original del lugar se instaló uno nuevo. La idea fue hacer una reflexión de dónde estamos parados.

De esta forma, el colectivo logró lo que muy pocos: más allá de la preservación del graffiti como una práctica que puede dejar de ser considerada como efímera, hizo un acercamiento a la idea de la pinta como un canal para expresar la inconformidad y una especie de documento que plasma un problema que sigue vigente en el país latinoamericano.

Spectrum Indian Wells Art Show: the exceptional contemporary art show

Blog/English/Exhibiciones por

Artists like Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland will meet in California

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Spectrum Indian Wells Art Show is in the heart of the Coachella Valley in California, gathering some of the best artists and contemporary art galleries. It will be held from March 16 to 19, 2017 at the Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

This edition will have a committee of renowned exhibitors with outstanding reputations in the edition and development of the artist. Rigorous standards of aesthetics and attention to detail will be applied, providing an aerodynamic, crisp and clean place for gallery owners, designers, architects and collectors to enjoy.

Some of the artwork that will be exhibited at Spectrum will be paintings, photography, sculpture, glassworks and much more. This wide range of techniques achieve a great connection between artists, the jury and the people who will enjoy this artistic presentation. It also gives a great opportunity to emerging contemporary artists to participate on this demonstration.

Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland are among the artists that will be present at Spectrum.

Open Skies by Joëlle Blouin

Some of the galleries and photography studios that will exhibit are: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio, among others.

Lightning Bolt

Top 10 Murals of Pow! Wow! Hawaii 2017

Blog/English/Festivales por

The Hawaiian art festival has ended

Text by Cristina Ochoa; Translation by Briana Prieto F and Paula Villanueva

Photos by Pow! Wow! Hawaii

Music festival, cinema and street art at Pow! Wow! Hawaii in the Kaka’ako neighborhood, Hawaii came to an end on February 18th. Around 100 artists from different nationalities participated in the event. Here at ALL CITY CANVAS we made a selection of the 10 most impressive murals of the event. Check them out:

1. “Learn from your mistakes” – Telmomiel
The Dutch duo won first place with a work that has the characteristics of most of their work: the use of intense colors, remarked expressions and a perfect combination of almost photographic realism and the subtle technique of classical painting.

2. “Dixie’s Eyes” – Drew Merritt
Without a doubt, the work of the artist from Los Angeles is one of the most interesting because of the way he handles the representation of his “subjects,” people of whom he makes portraits. Discreet in his personal life, skilled in his work, Merrit left us one of the most expressive pieces of the festival.

 

3. Untitled – Joram Roukes
Joram Roukes, the Dutch artist for whom painting is “a game.” He has worked with international organizations such as the Galleri Benon in Copenhagen and StolenSpace Gallery in London. For his pieces, he used a combination of red and blue, as well as animals; a characteristic present in most of his work.

4. Untitled – Carol Lynn
The first mural by the Dutch artist is inspired on a personal loss to who she dedicated the work to. The traveler made a series of delicate strokes with shades in pastel tones, making it difficult not to take a photograph.

 

5. Untitled – Mr. Jago
Mr. Jago could be considered a kind of a contemporary Jackson Pollock. Inspired first in graffiti, then in more abstract forms of representation, the artist has been developing his technique since the 90’s and is certainly a sensory experience that you cannot miss.

6. Untitled – SHOK-1
The English artist, one of the first to specialize in painting murals in the style of X-rays with aerosol, made a mural that corresponds to most of his works used to make a (pathological and social) analysis of contemporary society.

7. Untitled – Kevin Lyons
Kevin Lyons was one of the most experienced participants in the festival and, as expected, did not disappoint us. The designer, producer and artist who has worked with brands like Nike Converse, created a colorful mural that evokes the cartoons of our childhood.

 

8. “Push + Pull” – Abovestudio
Californian Tavar Zawaki began painting in 1996; his work focus on design and abstract forms. For Zawaki, the most difficult challenge for this mural was to find a harmonic balance between the color palette.

9. Untitled – Tar McPherson
American artist who works with subjects about human psychological states, myths, legends, astronomy and his life experience. This mural was 20 meters high and was one of the most visited during the festival in Hawaii.

10. Untitled – SLICK
Undoubtedly, this work reminds us of classic graffiti; with colors and typography that stand out, SLICK did an incredible job with this mural. He will make two other versions in different colors.

Performance que rescata la memoria corporal en el Museo del Chopo 🎭

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“Este cuerpo mío”, una obra que cuenta la historia de los cuerpos

Fotografías:  Museo del Chopo

Mariana Villegas presentó su proyecto escénico “Este cuerpo mío” en el Museo del Chopo, dentro del que explora la memoria de su cuerpo y la relación de éste con su entorno. Rodeada por ropa tirada en el piso y una mesa como única acompañante, la actriz sinaloense rastreó la historia de su existencia corporal a través de una puesta en escena cargada de fuerza y recuerdos.

¿Qué es lo que puede contar un cuerpo?, ¿cómo se puede contar esa historia?, ¿qué es lo que fatiga de ser uno mismo? Con la dirección artística y dramaturgia corporal de Zuadd Atala, “Este cuerpo mío” es un ejercicio de percepción donde se mira desde otro lugar, se sale del canon, se resiste y se reivindica el sentido de la existencia.

La protagonista trae a la memoria historias, deseos, inquietudes y situaciones que se quedaron grabadas en su piel, porque es ahí donde se deposita toda nuestra existencia.

Producida en colaboración con Lagartijas Tiradas al Sol, Teatro Línea de Sombra y Münchner Kammerspiele, la obra está basada en textos de Franz Kafka, Umberto Eco, Jean-Luc Nancy, Clarice Lispector, Alejandra Pizarnik y Martín Caparrós.

Mariana Villegas es actriz egresada de CasAzul (Artes Escénicas Argos). En 2012 estrenó “Se rompen las olas”, la primera obra de su autoría, que se presentó en la Ciudad de México y festivales de Chile, Italia y Los Angeles, entre otros. Trabajó en “Este cuerpo mío desde 2007”.

Al final, el proyecto escénico se pregunta: ¿qué es nuestro cuerpo sino todo lo que somos?

¡Saldrán a la venta pinturas originales de Pink Floyd!

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Galería de San Francisco pondrá a la venta pinturas y hará exposición en julio

Fue en 1982 cuando el ilustrador Gerald Scarfe creó la secuencia de imágenes que hacían alusión a una pesadilla sobre los bombardeos alemanes para la película The Wall, basada en el álbum de la banda británica Pink Floyd, del mismo nombre. En 2017, la galería San Francisco Art Exchange pondrá a la venta las imágenes más emblemáticas de dicha secuencia y planea una exposición.

Scarfe realizó una serie de 50 imágenes individuales y de ellas se escogieron las más emblemáticas del filme, lo que deja un total de 11 obras a la venta, que incluyen The Scream, The Teacher, The Mother y Comfortably Numb.

 

Pero la propuesta no para ahí, ya que la galería está planeando una exhibición de los trabajos para el mes de julio. Además, la institución cuenta con material exclusivo del proceso del filmación, algunos de ellos pueden ser vistos por los fans en la plataforma digital de la exhibidora ¡gratis!

Gerald Scarfe es un ilustrador y caricaturista británico que ha basado su obra en el uso de lo político y la sátira. Su estilo lo ha llevado a presentar su trabajo en lugares como Montreal, Alemania, Chicago, entre otros. Ha trabajado como ilustrador de películas para Disney, escribió libros sobre su trabajo y tiene publicaciones respecto a su convivencia con Pink Floyd.

San Francisco Art Exchange es un espacio de exhibición que nació en 1983, casi a la par de la película basada en el álbum de la banda británicay se dedica a la promoción del arte inmerso en la cultura popular, por lo que muchas de sus muestras se relacionan con la música y el rock, aunque también ha tenido presentaciones de artistas como Miró, Picasso y Wharhol.

Para los fanáticos de la banda, ésta puede ser una oportunidad de conocer más del conjunto musical a través de la percepción de una película formada por imágenes metafóricas y la interpretación de Scarfe.

 

Con información de:  FACT, SFAE,  Frontera,  Gerald Scarfe . 

Fearless girl: la escultura que desafía a los empresarios de Wall Street

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Artista coloca escultura provocativa por el Día Internacional de la Mujer

La artista Kristen Visbal ha creado una obra que desafía al propio Wall Street, conformado en su mayoría por hombres. Hecha de bronce, la escultura Fearless girl pretende llevar un mensaje a uno de los recintos financieros más importantes del mundo: hace falta mayor participación femenina en los puestos directivos.

Fotografía: EFE

El trabajo fue financiado por la firma de inversionistas State Street Global Advisors, como parte de una campaña en conmemoración del Día Internacional de la Mujer y han advertido que el siguiente paso es enviar cartas a alrededor de tres mil 500 empresas para que incrementen el número de sus trabajadoras.

Fotografía: BBC

A los pies de la niña (inspirada en la hija de una de las amigas de la artista y una mujer latina, según dijo para The Wall Street Journal), se inscribe la frase “Conozca el poder de las mujeres en el liderato. ELLA marca una diferencia”.

Kristen Visbal, creadora de la desafiante obra, es una escultora estadounidense interesada en la expresividad de sus obras, para lo cual pone énfasis en los detalles de cada uno de sus trabajos que hace siempre con bronce. Su trabajo ha sido exhibido en lugares como el Lincoln Center, The Pen and Brush Club, el National Sculpture Society y el Club Nacional de Artes de Nueva York.

Aunque la escultura ha causado revuelo en la prensa internacional, su permanencia en el sitio aún no está definida; sin embargo, la atención sobre un problema que sigue formando parte del gremio laboral, ha vuelto a ser puesta en discusión.

Con información de: Business Insider,  HYPEBEAST,  BBC Mundo, y ABC radio

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