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Jonathan LeVine Gallery está de vuelta con Welcome to Jersey

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La primera exhibición de la galería en su nueva sede

Fotografías de Briana Prieto y Doménica Armendáriz

Si hay una palabra que define a Jonathan LeVine Gallery es “multidisciplinariedad”, el espacio de arte que fue fundado por el propietario del mismo nombre, es uno de los lugares que conjunta de manera perfecta el estilo característico del arte urbano y lo abstracto del mundo contemporáneo. Esta galería abrió su primera muestra tras la apertura de su sede en Nueva Jersey: Welcome to New Jersey.

Milk Made Momma. Ron English. Foto: Jonathan LeVine Gallery

Tras 11 años hospedados en la ciudad de Nueva York, Jonathan LeVine decidió transferir el domicilio de la galería a Nueva Jersey, la urbe donde creció y cimentó su pasión por el arte a través del punk. El propósito de esta muestra integrada por artistas internacionales es continuar con la meta propuesta desde su estancia en Nueva York: presentar una diversidad de trabajos y la promoción del arte que amalgama la práctica propia del estilo urbano.

Diego Gravinese, Welcome to Jersey. Foto: Jonathan LeVine Gallery
Love lies bleeding. Adam Wallacavage.
Grey Terrarium Keeper. Jeff Soto. Foto: Jonathan LeVine Galle.

Street art, surrealismo pop e hiper realismo son las líneas que siguen la mayoría de estos trabajos, que sin embargo, resultan muy distintos entre sí.

Alessandro Gallo, Welcome to Jersey
Grand Central. Matt Grabelsky. Foto: Jonathan LeVine Galle

Entre los artistas que participan en Welcome to New Jersey. (abierta hasta el 18 de marzo) están:

TaraMcPherson, cuyo trabajo está enfocado en la representación de la inocencia a través de la intersección entre mito, leyenda y astronomía; el famoso artista urbano Shepard Fairey; Erik Jones, artista que aborda temas sobre el realismo geométrico; Diego Gravinese, con su estilo hiperrealista: Alessandro Gallo, a quien es reconocido por sus obras que representas las acciones y los hábitos en los animales, cosa que plasma en cada uno de sus trabajos con tintes surrealistas; entre otros.

Icon Collage. Shepard Fairey.
Nose Pick. Haroshi.
Bloom. Erik Jones.

Considerada una de las galerías de arte más importantes de los últimos tiempos, Jonathan LeVine Gallery es un espacio dedicado a la promoción de artistas y proyectos que cuestionan la propia práctica del arte contemporáneo. La exhibición es un trabajo en conjunto con Mana Contemporary, la organización dedicada a la promoción de proyectos artísticos.

 

 

Breath: un dibujo en forma de batería con árboles plantados🌳

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El arte como mensaje para salvar un monte italiano

En 1700, el Monte OIivella, una alta montaña de Sapri, al sur de Italia, fue parcialmente deforestada causando inundaciones en áreas cercanas a ella. A raíz de esta problemática nació el proyecto Breath, curado por Antonio Oriente e Incipt, una plataforma italiana que crea redes internacionales a través de proyectos culturales, la cual se ha unido con el artista español Escif que ha realizado murales, intervenciones públicas, videos, instalaciones, dibujos y graffitis; su trabajo se caracteriza por abordar temas respecto a cuestiones ambientales, movimientos sociales o política.

Obra de Escif.

Para Escif, nombrar al proyecto Breath significa que la respiración es “un ciclo de energía que renueva y regenera los ritmos del tiempo y de la Tierra”.  La idea consiste en hacer un dibujo en forma de batería con cinco mil árboles plantados en el Monte Olivella: una obra de arte que será visible por el follaje de las hojas, ya que cambiarán de color de acuerdo a las estaciones.

Monte Olivella.

De acuerdo con Breath, en 2016 la humanidad ha consumido gran parte de los recursos naturales de la Tierra, originando cambios climáticos, deforestación y pérdida de biodiversidad. Para hacer llegar ese mensaje, Escif y los integrantes de este proyecto comparten el pensamiento de que el arte es un lenguaje universal que ayuda a involucrar a las personas en problemáticas ambientales o sociales.

Arte y realidad: El dibujo del artista español mejorará la calidad de aire del Monte y para lo cual han iniciado una campaña de fondeo donde se venden trabajos de Escif en bolsas e impresiones.

 

Página del proyecto: http://www.breathproject.it/eng/

Página del fondeo: https://www.indiegogo.com/projects/breath-tempo-di-ricarica-art-environment#/

Please come back. ¿El mundo como prisión?, nueva muestra en el MAXXI

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26 artistas de todo el mundo participan en la muestra

Fotografías Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI)

La prisión, ¿espacio configurado por muros que recluyen a las personas o metáfora de la vida contemporánea? Esa es la pregunta que se hace Please come back. ¿El mundo como prisión?, la nueva muestra en el Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), en Roma, conformada por 26 artistas internacionales y 50 obras.

La exposición se divide en tres secciones:

“Detrás de los muros”: la parte dedicada a la historia a través de la exploración a cárceles famosas y la experiencia personal de algunos artistas que estuvieron en prisión, como es el caso de Gülsün Karamustafa y Zhang Yue.

“Fuera de los muros”: zona conformada por videos y performances, principalmente; también expone los regímenes de control y vigilancia.

“Más allá de los muros”: el apartado destinado a la reflexión de la idea de la prisión más allá de un control físico. En él se hace una exploración a momentos como el atentado del 11 de septiembre en Estados Unidos y el papel que la tecnología tiene en esta nueva forma de presidio.

El nombre del proyecto viene de una obra del colectivo parisino Clarire Fontaine, hecha en el 2008 y en la que utilizaban la frase “Please come back” escrita con letras neón, en diferentes versiones haciendo referencia al trabajo intenso como una forma de reclusión.

La exhibición fue curada por Hou Hanru, crítico de arte y actual director artístico del museo, y Luigia Lonarelli, especialista en arquitectura y fotografía.

 

 Con información del Museo Nazionale delle Arti del XXi secolo (MAXXI).

Big Bang Data en el Centro de Cultura Digital de la Ciudad de México

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La exposición digital llega a México

Fotos Centro de Cultura Digital CDMX

Una montaña gigante de imágenes que te podrían resultar familiares: la repetición de poses, sonrisas y lugares son una constante en los impresos a los que te enfrentas. ¿Cómo hacemos uso de los espacios digitales? Es esa la pregunta que se hace Erik Kessels en su trabajo “24 hours in photos”, obra para la cual imprimió todas las fotografías que se subieron en un día a la plataforma Flickr, y que forma parte de la exposición Big Bang Data en el Centro de Cultura Digital de la Ciudad de México.

Big Bang Data es una muestra colaborativa entre la Fundación Telefónica y el Centro de Cultura Digital que busca enfrentar a los visitantes con lo que significa el análisis de datos en el ciberespacio y poner en tela de juicio el papel que jugamos como piezas en ese mundo que nos parece tan cotidiano pero nos resulta tan ajeno.

El proyecto contó con la participación curatorial de la arquitecta y diseñadora Olga Subirós así como el periodista y teórico José Luis Vicente. La exhibición cuenta con 30 piezas para las cuales contribuyeron investigadores, periodistas, activistas, diseñadores, analistas, cartógrafos, comunicadores, arquitectos, programadores, economistas e ingenieros

Exposición en Barcelona.

La idea de la exposición es poner sobre la mesa la relación de la sociedad con los datos a través del arte, la política, el deporte y todas nuestras prácticas cotidianas.

 “Big Data” es un término desarrollado hace 10 años por el analista informático Kenneth Cukiera y el investigador Viktor Mayer- Schönberger y se refiere a la actividad de análisis, cuantificación y mercantilismo que se generan a partir del uso de plataformas digitales.
Exposición en Barcelona.

 “World Processor 1989-1015” es una serie de globos terráqueos en los cuales explora de manera gráfica datos sobre temas políticos, sociales, económicos, mediambientales, históricos y económicos.

Por su parte, el artista mexicano Rodrigo Sigal preparó una instalación sonora en la cual pretende hacer una reproducción de los sonidos generados por los aviones. “Minotauroses un circuito que conjunta el diseño y la tecnología para involucrarse en el tema de la informalidad laboral.

La exposición ha sido presentada también en Madrid, Londres, Singapur, Buenos Aires y Chile.

Exposición en Barcelona.

Huella digital”, el rastro que dejamos tras el número de interacciones que tenemos en la realidad virtual y el cual involucra no sólo la coexistencia en el universo intangible. Más allá de ser meros partícipes del mundo de opciones tecnológicas que se nos tenemos, Big Bang Data busca generar en nosotros una reflexión sobre cómo es que nos estamos enfrentando a estos.

 

 

Graffitis en el metro, una historia de rebeldía

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La pinta de trenes: un movimiento artístico urbano de los años 60

Lejos de las grandes ciudades, de los museos y galerías que abren sus puertas al arte urbano, hay una forma de expresión que sigue fiel a sus raíces de rebeldía y descontento: el graffiti hecho en el metro.
Esta forma de expresión nació en los años 60 y 70 en los vagones de Nueva York. Entre los artistas que marcaron esa escena están Taki 183, Phase 2, Tasta Macke, Futura, Blade, Bill Rock, Lady Pink, Dae, y Jon One, entre otros. Pero la libertad que sentían al pintar los vagones no duró para siempre: las autoridades empezaron a remover las pintas y a instalar materiales más fáciles de limpiar.
Martha Cooper – Cops in the metro, 1981
Los trabajadores de los trenes de carga ya pintaban en sus paredes las horas de salida, de llegada e información sobre las cargas que contenían. Ya en los años 80 esos trenes fueron pintados por artistas urbanos como Pnut, Tracy 168, Zuroc y Braze.
Aunque ha pasado mucho tiempo desde el movimiento artístico urbano del graffiti en los trenes; en mayo de 2016 la policía española arrestó a tres grafiteros que detenían un tren en movimiento al accionar la palanca de emergencia, salían a las vías, pintaban en el convoy y huían. Otro de muchos casos ocurrió en México: en febrero de 2015 la policía local detuvo a tres jóvenes que por la noche rompían las mallas de seguridad y accedían para pintar los túneles y algunos vagones…
La desilusión de los jóvenes por el desempleo y la crisis económica hizo del graffiti clandestino en el metro una forma de expresar su identidad y su pertenencia al barrio … porque actualmente el graffiti de los trenes es uno de los pocos que mantiene viva su esencia subversiva.

La quinta edición de Material Art Fair 2017 🎨

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La quinta edición de la feria de arte contemporáneo

Fotografía y texto por Mariana Gaona y Cristina Ochoa

Volvió uno de los eventos de arte contemporáneo más importantes de México: Material Art Fair, un espacio de búsqueda e investigación artística que exhibe piezas innovadoras en lenguaje, técnica y presentación. Realizada del nueve al 12 de febrero en Expo Reforma, la quinta edición de esta feria dio mucho de qué hablar.

Como cada año, durante la semana del arte contemporáneo en México, se realizaron de manera simultánea tres ferias enfocadas en la promoción de artistas y galerías nacionales e internacionales emergentes: Zona Maco, Salón Acme y Material Art Fair.

Uno de los objetivos de Material es incentivar el coleccionismo y la participación del público en el arte. A través de obras que hablaban de la vida cotidiana; un espacio que permitía la contemplación pausada de las obras (gracias a la amplitud y bancas disponibles frente a las galerías); materiales que resultaban familiares a los espectadores y una serie de artistas quienes trabajaron con todo este conjunto, Material Art Fair se consolidó una vez más como una de las propuestas artísticas más prometedoras de los últimos años.

Esta edición ofreció pintura, escultura, fotografía, performance e instalación jóvenes. En esta ocasión participaron 54 galerías, espacios sin fines de lucro y proyectos independientes de 16 países y 31 ciudades. Galerías como Ginsberg (Lima), Exo Exo (París), Natalia Hug (Colonia) o Labor (Ciudad de México) ofrecieron lo mejor de su catálogo en arte contemporáneo.

Entre los proyectos más interesantes del programa estuvieron:

Christian Camacho

Artista contemporáneo seleccionado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y la Colección Fundación Jumex para realizar estudios en el extranjero, este artista mexicano ha expuesto su trabajo en Londres, Monterrey, Ciudad de México y Milán. La noche y el dibujo son constantes en su obra, que abarca desde la escultura y la instalación hasta, precisamente, el dibujo.

Héctor Zamora

El eje de su trabajo es el espacio más allá del que ocupa una galería o el designado para obras artísticas. A partir de su conocimiento sobre arquitectura de estructuras ligeras, ha construido, por ejemplo, una vivienda parasítica en la fachada del Museo Carrillo Gil (Paracaidista, 2004), o la intervención con muros de block en un restaurante de la Ciudad de México (Divisiones, 2006). 

Lauren Halsey

La artista egresada de la Universidad de Yale se presentó en la feria con Kingdom Splurge (4), de la mano de la galería Damen and the Love Guru. El proyecto, según la artista, es un reino compuesto de jardines hiperrealistas, paisajes de fantasía y piscinas de agua de belleza.

Marcos Castro

El artista mexicano quien ha trabajado en el mural, la pintura, el dibujo y la instalación  en recintos como el Palacio de Bellas Artes, presentó una serie de piezas que recuerdan a figuras de la mitología griega, al dibujo y las cuales despiertan en el público la idea de lo ancestral.

Además este año se sumó el proyecto IMMATERIAL, sección de performance y danza creada por jóvenes artistas. Producido y curado por el italiano Michelangelo Maccolis, algunas de las obras iniciaron dentro de la feria y de Expo Reforma sin previo aviso.

 

Salón ACME: arte emergente en México

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Un espacio único en la semana mexicana del arte

Fotografías por Mariana Gaona

Cuando los fundadores de Salón ACME se dieron cuenta de que no había en la semana del arte un espacio de exhibición para  artistas emergentes, decidieron fundar este que ahora es el escaparate de la producción artística del momento. Retomando el modelo de los antiguos salones de arte y apartándose del concepto de las  galerías, Salón ACME se consolida cada año como el termómetro del arte en México.

El proyecto fue ideado por tres artistas, un curador y un promotor cultural: Zazil Barba, Álvaro Ugarte, Sebastián Vizcaíno, Homero Fernández y Alejandro Gutiérrez Champion, respectivamente; y con el apoyo de Archipiélago, una empresa cultural mexicana.

Cada año lanzan una convocatoria abierta dirigida a artistas de la que un consejo curatorial selecciona las propuestas que son exhibidas en los cuatro días que dura la muestra.

Esta exhibición es diferente en muchos sentidos: la venta de la pieza se negocia directamente con el artista y el precio no puede rebasar los 20 mil pesos. Los fundadores están convencidos de que el arte no tiene por qué ser caro para ser de calidad. Alejandro Gutiérrez Champion, integrante de los fundadores de Salón ACME le dijo a ALL CITY CANVAS que “es muy triste cómo la gente sólo puede apreciar el arte yendo a un museo o a una feria, y no tener ni cerca los recursos para poder adquirir algo que te encanta y que te gustaría tener en tu casa”.

Además Salón ACME estrenó sede este año: Casa Prim, una casona de dos pisos de la colonia Juárez en la Ciudad de México. Eso no fue lo único nuevo: en esta edición se incorporaron nuevas secciones como Bodega ACME, donde se mostraron piezas de artistas participantes en años anteriores; Proyectos Invitados, donde algunas de  las galerías más importantes de México llevaron propuestas artísticas no necesariamente representadas por ellas mismas. También reservaron un  espacio para editoriales especializadas, como La caja de cerillos, Sextopiso, Museo Tamayo o revistas como La Tempestad, Terremoto o Vice. Además de la propuesta artística del estado invitado, Guanajuato, este año hubo mesas de debate y charlas que tuvieron como eje central “el dinero en el arte”.

El Salón ACME de este año es único  por el contexto en el que se desarrolla. En entrevista con ALL CITY CANVAS, Zazil Barba aseguró que “resulta muy pertinente en este 2017, que arranca en el mundo de una manera bastante caótica, tener una muestra que es muy política, una postura muy clara”. Referencias a temas políticos o a fenómenos mediáticos son sólo algunos de los temas abordados por los artistas en esta quinta edición.

Lo mejor de Salón ACME

Para esta edición, los artistas que debes seguirle la pista son: Alejandro Palomino, quien involucra lo digital en muchas de sus obras. El cine y la pintura son sus mayores influencias.

Isa Carrillo, artista de Guadalajara presenta en sus obras el lado oscuro de la cotidianidad, ha participado en ferias nacionales de arte contemporáneo. Emmanuel García, el dibujo y el grabado son las técnicas artísticas que más utiliza en su trabajo, ha hecho residencias en Canadá y México.

I see you. Alejandro Palomino.

Eblem Santana, artista conceptual que retrata la muerte en la mayoría de sus obras, con ayuda de la fotografía ha realizado obras que se han expuesto en galerías internacionales y nacionales. Fabián Ramos estudió Arquitectura, actualmente reside en Argentina, realizó residencia en Berlín; sus exposiciones individuales han sido en Buenos Aires.

Eblem.

El dibujo fue el inicio de la carrera artística de Christian Becerra, ahora también emplea la fotografía; el blanco y negro son los colores característicos de sus obras. Su más reciente exposición se llamó Mexicanofilia, en la cual expone pictóricamente los ataques racistas hacia México.

Christian Becerra. Mexicanofilia.

Ivan Krassoievtich estudió dos años Diseño Industrial, ha tomado cursos en serigrafía, cine y videoarte. La identidad, memoria y animalidad son los temas de sus obras. Trabajó en 2005 como asistente de curaduría en La Colección Jumex.

Christian Camacho,  becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México y la Fundación Jumex Arte Contemporáneo. Actualmente trabaja en el área de Educación del Museo Jumex.

Pintura, escultura, performance, fotografía, instalación, video y las propuestas de arte contemporáneo en México que no están en una galería o en un museo, sino en un salón llamado ACME.

 

Lo mejor de Zona Maco 2017

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La feria de arte contemporáneo más  importante en Latinoamérica

Fotografías por Cristina Ochoa

Instalaciones que causan extrañeza, pinturas que se desbordan de la configuración de sus cuadros, videos que proyectan el arte y la vida cotidiana, artistas internacionales que conviven en la feria de arte contemporáneo más importante en latinoamérica.  En ALL CITY CANVAS te presentamos lo mejor de Zona Maco 2017.

Porque no todo en el arte son pinturas que tratan sobre la historia clásica: porque la disputa sobre si la práctica contemporánea debería ser considerada arte está más que rebasada (o al menos eso parece), una vez más se realizó la feria creada en el 2002 por Zélika García en el Centro Citibanamex.

Gente de distintas partes del mundo, expositores internacionales (algunos de ellos, presentándose por primera vez en México), galerías emergentes, coleccionistas extravagantes y mucho arte es lo que se vivió en la edición 14 de Zona Maco.

Lucas Simões de MARSO Galería rompió (literalmente) su obra, con lo que dejó fascinados a la mayoría de los visitantes a su stand con un trabajo en el que los participantes pudieron experimentar mediante el contacto con la obra misma.

Y porque el hecho de asimilar nuevas posibilidades de interpretación, experimentación y exhibición no quiere decir que se descarte la idea del arte clásico, este año se contó con una sección dedicada a creadores importantes del siglo XX, como Diego Rivera y Orozco.

SAMPLE: Tropezando con Montañas fue la muestra colectiva que contó con la curaduría de Humberto Moro y en la cual se planteó la posibilidad de interacción entre las Nuevas Propuestas del programa. En SAMPLE participaron Juan Carlos Coppel de Celaya Brothers Gallery; Tezontle, de Peana Projects; Diego Barruecos, de Galería Machete; Adam Chamandy, de Yam Gallery, entre otros.

En esta edición, la diversidad de temas, galerías y proyectos destacó más que en otras ocasiones. Pintura, escultura, arte y diseño se involucraron para satisfacer la exigencia del público.

 

Proyectos que independientemente de su materialización, hablan sobre nuestra forma de vida cotidiana, los problemas socio-políticos de la actualidad, nuestra interacción con todo ello. Es por eso que nuevamente Zona Maco se consolida como una de las más prominentes a nivel internacional.

Ya viene Pow! Wow!, uno de los festivales de arte más importantes en el mundo

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Artistas internacionales se unen para crear arte

Una semana entera para disfrutar del arte en cualquiera de sus presentaciones: pintura, instalaciones, música, cine; todo esto sucederá en la el vecindario de Kaka’ako, Hawái, la próxima semana.

Pow!, el impacto del arte en una persona; Wow!, la reacción que el arte provoca en el espectador, así se definen los integrantes del festival el cual ha logrado instaurarse como uno de los más importantes a nivel internacional por el número de artistas participantes, la magnitud de sus eventos y la diversidad de actividades.

Pow! Wow! es un encuentro de baile, canto y personas, el cual busca generar lazos entre los participantes y las personas que visitan el lugar. Del 11 al 18 de febrero se realizará la edicición del 2017, en la cual además, participarán músicos de electrónica como Steve Aoki y Autoerotique. Se realizará la proyección del documental Saving Bansky, sobre una de las figuras más representantes del street art.

Curado por Andrew Hosner, el evento tiene como objetivo hacer una exploración en lo que significa el arte contemporáneo.

El proyecto cuenta demás con instalaciones y un programa educativo en arte y música, con lo cual también pretenden involucrar a las personas de la localidad.

Taiwan, Israel, Singapur, Nueva Zelanda y Alemania son algunas de las naciones que han participado en el evento, que cuenta con más de 100 artistas.

En esta edición participarán Amandalyyn, Dave Van Peten, Drew Merritt, Bounce, 1010, Fafi, Kevin Lyons, entre otros.

Mural Dave Van Peter

 

Mural Amandalynn

 

Mural Drew Merritt

En épocas de cambio e incerteza, sólo el sentido de comunidad puede salvarnos de una crisis nerviosa. El arte es el pretexto perfecto para conjuntar gustos, costumbres y expresiones.

 

Con información de Pow! Wow!

Get ready for Pow! Wow!, one of the most important art festivals in the world

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International artists unite to create art

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto Fuentes

A whole week to enjoy art by any of its presentations: paintings, installations, music and cinema. All of this will happen next week in the neighborhood of Kaka’ako in Hawaii.

Pow!, the impact of art has on a person; Wow!, the reaction art provokes in the viewer; this is how festival members are defined. It has been established as one of the most important festivals internationally by the number of participating artists, the magnitude of their events and the diversity of activities.

Pow! Wow! is a gathering that honors culture and seeks to create links between the participants and the people who visit the place. From February 11th to the 18th the edition of 2017 will be made, which will include electronic musicians such as Steve Aoki and Autoerotique. In addition, the documentary Saving Banksy will be screened on one of the most representative figures of street art.


Curated by Andrew Hosner, the event aims to make an exploration into what contemporary art means. The project counts with facilities and an educational program in art and music, with which they also intend to involve people from the neighborhood.

Taiwan, Israel, Singapore, New Zealand and Germany are some of the nations that have participated in the event, which has featured more than 100 artists.

In this edition Amandalyn, Dave Van Peten, Drew Merritt, Bounce, 1010, Fafi, and Kevin Lyons will participate among others.

Mural by Dave Van Peter

 

Mural by Amandalynn

 

Mural by Drew Merritt

 

In times of change and uncertainty, only the sense of community can save us from a nervous breakdown. Art is the perfect excuse for combining tastes, customs and expressions.

 

With information from Pow! Wow!

 

Rockwell by Parra, la marca de street wear que tienes que conocer

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Peter Parra: el diseñador que ha expuesto en el Museo de Arte Moderno

Versatilidad es la palabra que bien podría definir a Peter Parra Jensen, el artista holandés que trabaja con pintura, escultura, ropa y accesorios (ha trabajado con marcas como Nike, Vans y Zoo York) y además, tiene un grupo de música electrónica.

El artista comenzó trabajando con carteles de pequeño formato en los que anunciaba conciertos en la ciudad de Ámsterdam, después comenzó a realizar creaciones que son consideradas como u arte “post-pop”.

Colores saturados, figuras curvilíneas que asemejan cuerpos híbridos (mezcla de humanos con animales), tipografías que el artista realiza a mano, forman parte del universo creativo de Parra. Todo ello, nos hace pensar en imágenes pertenecientes al surrealismo o quizá al pop art de Pollock.

De creador gráfico a artista consolidado, el trabajo de Parra ha sido llevado a recintos importantes, el más sonado fue el caso del Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco (Sfmoma), en donde expuso Weirded out,  una exhibición donde llamaba la atención un mural de casi 20 metros de altura, en el que por supuesto, los elementos principales de su trabajo estuvieron presentes.

El atractivo visual de su propuesta lo ha llevado a tener un gran éxito con su marca Rockwell by Parra, una colección de playeras, sudaderas, gorros, patinetas, entre otros.

Además, Parra es miembro de Le Le, una banda de música electrónica en cuyos videos (claro) destacan los gráficos del holandés.

A pesar de la versatilidad de su obra, lo cierto es que el estilo característico del holandés, está presente en cualquiera de sus productos.

Con información de The City Loves You, 20 minutos, ByParra

Jack Tv: el canal de arte contemporáneo que tienes que ver

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Fundación MAXXI lanza el primer canal de arte contemporáneo en Italia

La cultura italiana es reconocida a nivel mundial por su gran nivel de tradicionalismo. El arte no es la excepción a esta regla: no hay quien no piense en Michelangelo, Botticelli o Tiziano (por mencionar algunos), cuando de obras artísticas en el país hablamos; sin embargo, a partir del 2009, el curso artístico, que hasta entonces se gestaba en los museos del país europeo, cambió gracias a la creación del Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), el cual también funge como fundación. La semana pasada el Museo creó su canal Jack Tv, para promover la cultura contemporánea y el intercambio internacional.

Jack Contemporary Arts TV (Jack Tv) es el espacio creado por el Museo y la empresa de software Engineering, como un soporte tecnológico a los proyectos de museos italianos e internacionales, a través del cual se promueve la creatividad contemporánea y el implemento de vínculos de intercambio cultural.

Los fundadores del canal eligieron “Jack”, por considerarlo un nombre que le resulta familiar a la mayoría de las personas, con ello se sigue el sentido de universalidad que buscan implementar en el sitio.

La plataforma, disponible en italiano e inglés, ya cuenta con la participación de instituciones nacionales, como la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma; e internacionales como el Foam de Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Estambul, entre otros.

Muestra Carlo Scarpa e il Giappone

MAXXI se cataloga como “un laboratorio de experimentación e innovación cultural, de estudio, investigación y producción de contenidos estéticos de nuestro tiempo”. El Museo y también fundación creada por Giovanna Melandri rompe con los estereotipos y la añoranza del arte antiguo.

Yona Friedman, Arquitectura móvil

Fotografía, arquitectura y diseño son los ejes rectores del proyecto de formas distintas: live streaming broadcsast, contribuciones de artistas en la modalidad “bloggera” y creación de contenido exclusivo (como videos sobre retrospectivas, análisis y exposiciones).

Además, siguiendo la idea de un verdadero intercambio con el público y las instituciones artísticas, la plataforma también cuenta con la realización de productos en lenguaje de señas.

 

Con información de MAXXICorriere della sera, La RepubblicaJack TvArt fix dialy y Artforum .

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