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Nuestra Gente: generar “artistas para la vida” 👨‍👩‍👧‍👦

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Desde hace 30 años la cultura como defensa ante la violencia en Colombia

Colombia ha vivido procesos políticos que desencadenan situaciones de violencia y crimen, como el caso de la Comuna 2 de Medellín, antes conocida como la “casa de los locos”, pero ha salido adelante gracia a la Corporación Cultural Nuestra Gente.

Los 30 años de trayectoria de Nuestra Gente han transformado, en cierta medida, el panorama social de Colombia, pues su ideal de crear “artistas para la vida” concientiza a los residentes de las ventajas de construir comunidad a través de actividades culturales.

Estudiantes de actuación, dramaturgos, espectadores y gestores culturales han sido el motor de Nuestra Gente, un proyecto que transformó el territorio, desde dentro.

Muchas personas encuentran en Nuestra Gente un terreno donde la violencia no los alcanza y pueden desarrollarse libremente.

“Se ha logrado hacer de esta casa un lugar vital para la vida de la gente del sector, tanto así que por acá pasan hasta los mismos actores del conflicto, no en su rol intimidatorio, sino en su faceta de padres, cuando vienen a ver a sus hijos actuar”, apuntó Fredy Bedoya, director artístico del lugar.

Desde 1994, Nuestra Gente ha recibido distintas condecoraciones de importancia como la Beca de Creación en teatro, Colcultura, el Premio Nacional de Solidaridad y El Colombiano Ejemplar en la Cultura.

Siete instalaciones de arte en iglesias antiguas

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Bruce Munro, Gijs Van Vaerenbergh y Aaron Asis realizaron intervenciones

 Se crearon instalaciones en diversas iglesias de todo el mundo, con el fin de mostrar la interacción entre la arquitectura y la intervención realizada. Aquí te mostramos los siete proyectos:

1.- Les Voûtes Filantes-Atelier YokYok

Ubicada en Cahors, Francia, esta instalación crea una especie de pasadizos con una filtración de luz que permite observar los detalles arquitectónicos.

2.- Huge Skylight Church-Ferran Vizoso Architecture

Un antiguo templo en Corbera d’Ebre, España fue restaurado con esta instalación. Se quiso lograr que el sitio tuviera un nuevo uso multifuncional sin cambiar su estructura construida durante la Guerra Civil Española.

3.- Water-Towers-Bruce Munro

La ecología puede ser un recurso para crear arte, pues esta instalación con 15 mil botellas y 226 mil pies de fibra óptica en Salisbury, Inglaterra, iluminaron el claustro y otorgaron el efecto de ventanales coloridos.

4.- The Upside Dome-Gijs Van Vaerenbergh

Instalación que consiste en una cúpula al revés creada con cadenas en la iglesia de St. Michiel en Leuven, Bélgica.

5.- YOD pavilion-SCHEEMAA

Las paredes exteriores reflejan la luz y las imágenes proyectadas por los vitrales, permiten que el visitante interactué y sea testigo de una experiencia visual en la iglesia de Monpellier en Francia.

6.- Sin título- Studio Robert Stadler

Con motivo del festival Nuit Blanche de París, se creó esta instalación dentro de la iglesia de Saint-Paul Saint-Louis, donde el artista creó un asombroso ambiente lumínico con el juego de luces en la cúpula provocado por esferas flotantes que vistas desde una perspectiva forman un signo de interrogación.

7.- The Ci-Lines- Aaron Asis

La Capilla Colegial de San Andrés de Filadelfia, en Estados Unidos, creada en 1924 con un estilo gótico fue intervenida con más de seis mil 500 pies de hilo azul atado en columnas y postes de madera, los cuales siguen la trayectoria de la luz que entra al recinto religioso.

Información de: Architizer

¡Gothenburg Art 21 busca artistas para su próximo corredor de arte público!

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400 años de la ciudad de Gotemburgo serán celebrados con 21 kilómetros de arte

En el 2021, la ciudad de Gotemburgo, Suecia, cumplirá 400 años. Con motivo de esta celebración, se llevará a cabo Gothenburg Art 21, un concurso de arte a nivel mundial que seleccionará a 21 finalistas, quienes competirán para recibir diversos premios.

Las inscripciones estarán abiertas hasta el próximo seis de junio. Para decidir a los finalistas, cualquier persona podrá ejercer su voto y así seleccionar a su artista favorito a través de su página.

De los 21 finalistas seleccionados, 12 serán escogidos por un jurado de artistas y arquitectos  residentes de la ciudad, y serán nombrados del 16 al 20 de agosto durante el Festival de Cultura de Gotemburgo.

Los dos primeros lugares irán a Gotemburgo a realizar su obra para el corredor artístico y recibirán dos mil euros, los restantes 10 participantes mandarán sus bocetos para que ciudadanos en situación de desempleo colaboren en la creación de pinturas y murales, pues ese es el objetivo principal de Sätt Färg På, proyecto que ayuda a personas sin empleo y que está involucrado en la organización y logística de Gothenburg Art 21.

Entre los principales objetivos de Gothenburg Art 21 es dar a conocer las diferentes ideas creativas de cada artista, así como construir oportunidades de empleo entre los ciudadanos.

Entrevista a Matteo Amadio, uno de los fundadores de BLOOP festival👌

El festival tiene como objetivo llevar el arte a todo público

 “Ibiza me enamoró. Sucedió por casualidad, pero decidí que quería pasar aquí tanto tiempo como fuera posible, no sólo porque es una isla de la fiesta, creatividad y transgresión, sino también, y sobre todo, por la tolerancia”, dijo Matteo Amadio, fundador de Bloop.  En ALL CITY CANVAS lo entrevistamos para que nos contara sobre los inicios del festival y las razones por las cuales es necesarios expandir el arte a toda la gente.

BLOOP, el festival de arte proactivo, regresa este 2017 con una nueva palabra temática: Cambios. Ibiza será la sede del festival, una isla construida con base en prejuicios sobre el descontrol y los excesos, mismos que se quieren deshacer con las propuestas de Bloop.

Desde hace seis años que se lleva a cabo este festival. La idea de llevar arte a todo público de manera gratuita, es para generar interacción entre la obra y los espectadores, rompiendo las barreras entre el arte y los asistentes.

¿Por qué elegir la palabra Cambios como la temática de este año?

Venimos de un gran período de crisis económica. Sumémosle los cambios inesperados, como la elección del Reino Unido de salir de la Unión Europea y la decisión de Estados Unidos de elegir a Trump como presidente que despiertan grandes incógnitas. También basta pensar en cómo la relación con la tecnología ha cambiado nuestra forma de socializar. Es decir, si miramos el presente, el pasado o el futuro, el tema más candente hoy parece precisamente eso.

Foto Por Marc Colomines

Cada año la elección de tema por edición de festival es elegida con base en experiencias y anécdotas del mundo de Matteo Amadio. En algún momento, luego de haber sido engañado por su novia, reunió a artistas que habían pasado por la misma situación y querían expresar su sentir por medio de obras de arte.

“Cuando mi ex novia me engañó, decidí organizar en Milán una exposición con artistas cornudos que quisieran expresar a través de arte sus experiencias con sus exes. Con Bloop buscamos ampliar un poco más el horizonte, miramos la realidad de escenarios culturales, sociales y geopolíticos”, contó Amadio.

Foto por Mar Colomines.

El arte logra que las barreras de nacionalidades se rompan, ¿crees que BLOOP pueda cruzar fronteras?

Sin duda nos gustaría que esta experiencia se pudiera repetir en otras ciudades. Sin embargo, antes de aventurarnos a un nuevo territorio, debemos entenderlo perfectamente, sobre todo si llevamos una propuesta como Bloop, tenemos que encontrar socios locales para así mantener el espíritu que hemos creado en Ibiza.

Cada año el objetivo se cumple. La sociedad se acerca al arte. La gente se mezcla y el arte gana terreno para crear un nuevo turismo. Los cambios no sólo son en el escenario o en la temática del festival, sino en todo lo que rodea al mundo. 

 

Esta nueva edición de BLOOP, la cual se llevará a cabo del 23 de agosto al 16 de septiembre de este año, pretende continuar la esencia con la cual se creó: hacer arte para todos, esto se ha logrado desde los estilos de algunos artistas como INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper.

Cada vez está más cerca este importante festival. ¡ATENTOS!

 

70 años después: arte cubano en Museo de EEUU

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El Museo de Bellas Artes de Houston trajo la exhibición

70 años tuvieron que pasar para que el arte cubano regresara a Estados Unidos.

La última vez que se había expuesto arte de Cuba en Estados Unidos fue en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1944, con la exhibición Pintores cubanos modernos.

Adiós utopía: sueños y engaños en el arte cubano desde 1950 es el título de esta nueva exposición, la cual constará de más de 100 obras de artistas y diseñadores cubanos.

La exposición ya estaba contemplada mucho tiempo antes de que las relaciones entre Estados Unidos y Cuba se restauraran, ya que la intención es ayudar a los artistas cubanos a promover sus obras más allá de su país.

El bloqueo, obra realizada por el artista cubano Tonel en 1989, llama la atención dentro de la exhibición, pues consiste en un conjunto de bloques de cemento en forma de Cuba. La muestra de arte estará abierta hasta el 29 de mayo de este año.

¡Museo Guggenheim publica 200 libros en línea para ser descargados!

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La fundación Guggenheim puso al alcance de todos su acervo artístico

El arte se está democratizando. Cada vez es más fácil acceder a libros y publicaciones sobre este tema. Para volverlo más sencillo, la fundación Guggenheim puso al alcance de la gente más de 200 libros sobre arte que forman parte de su acervo.

En total son 200 textos en inglés y dos en español. La digitalización estuvo a cargo del museo Solomon R. Guggenheim, la cual comenzó hace más de 10 años.

Entre este gran acervo artístico se encuentran autores como Kandinsky; además de las obras: Max Ernst: una retrospectiva, Picasso y los años de guerra, 1937-1945 y Arte de este siglo: el Museo Guggenheim y su colección.

Los textos se pueden descargar en formato PDF y ePub.

Para poder acceder al acervo, entra aquí. 

 

 

Documenta: importante muestra de arte contemporáneo en el mundo

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Por primera vez en la historia tendrá dos sedes: Kassel y Atenas

La 14° entrega de Documenta tendrá por primera vez en su historia dos sedes: la ciudad alemana de Kassel y Atenas, Grecia.

Este festival, la mayor muestra de arte contemporáneo internacional, se realiza cada cinco años desde su primera exhibición en 1955, de la mano de Arnold Bode, quien tenía como objetivo impulsar el arte en la situación de la posguerra.

En estos momentos no se vive una guerra, pero sí en una situación de crisis económica, política y social que abarcan muchas partes del mundo. Por eso Atenas, ciudad griega, será sede, ya que ha sido un país muy asediado por las crisis en los últimos años.

Con el título de Documenta 14: Aprende de Atenas, se llevará a cabo este enorme festival con una duración de 100 días, el cual se inauguró el ocho de abril de este año, para luego dar paso a la realización en Kassel el próximo 10 de junio.

La idea de la realización de Documenta 14 es “reflejar la situación actual en Europa y poner de relieve las tensiones palpables entre el norte y el sur”, dijo Adam Szymczyk, director artístico de la feria.

El festival contará con la presencia de varios artistas como: Akinbode Akinbiyi, Michel Auder, Moyra Davey, Guillermo Galindo, Olaf Holzapfel y Nikhil Chopra.

Pinturas, esculturas, instalaciones, exhibiciones públicas, documentales, algunos homenajes y conciertos conformarán las actividades que se podrán disfrutar durante el lapso de Documenta 14: Aprende de Atenas.

ENTREVISTA: Ernesto Ríos, primer latinoamericano en ganar Premio Artes Visuales SIEMENS

La galería SISMO albergará su nueva exposición

Ernesto Ríos presenta Constelaciones, su nueva exposición en la galería SISMO, de la Ciudad de México.

Artista multidisciplinario nacido en Cuernavaca, México. Ha expuesto individualmente en Nueva York, Melbourne, La Habana, Ciudad de México, entre otras ciudades;  además de colaborar en más de 60 exhibiciones colectivas.

Para Ríos, los cerillos representan la vida a través de la madera y al mismo tiempo la muerte al transformarse en ceniza. Son claros de un lado y oscuros del otro; generan luz, calor, fuego y al final se transforman en pequeños restos carbonizados. La dualidad entre la vida y la muerte.

En ALL CITY CANVAS lo entrevistamos y nos habló de cómo surgieron los intereses en los temas plasmados de su exposición Constelaciones:

 

 

Para Ernesto Ríos, la siguiente playlist es su fiel acompañante en cada proceso creativo:

 

La Primera Bienal de la Antártida: artistas intervienen glaciares

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Artistas, científicos y pensadores presentes en esta bienal

 Fotografías por: Miquel Molina y Eugene Kaspersky

El estrecho de Gerlache, ubicado en la península de Antártida, fue testigo de los performances e intervenciones realizados por varios artistas internacionales que formaron parte de la Primera Bienal de la Antártida, llevada a cabo por la fundación Quo Artis y por el filósofo, marinero y artista ruso, Alexander Ponomarev.

La Bienal es un arte multidisciplinario y multicultural que tiene por objetivo explorar el futuro de la Antártida y las profundidades del océano desde una perspectiva artística con base en cuatro principios: supranacionalidad, interdisciplanariedad, exploración intercultural y mobilis in mobili.

Más de 100 pasajeros de 30 países observaron espectáculos y obras en este lugar durante el trayecto en barco, el cual partió de Ushuaia, ciudad argentina.

Algunos de los artistas participantes fueron Adrian Balseca, Cinemateque de Tangiers, Constant Dullaart, Eli Maria Lundgaard, Emile Brout, Maxine Marion, Emmy Skensved, Gregoire Blunt, Etienne de France, Eva and Franco Mattes, entre otros.

Canciones, bailes, proyecciones e instalaciones formaron parte de las distintas exhibiciones durante este proyecto antártico.

Lo más llamativo de esta expedición fue Glaciator, una instalación alimentada por energía solar, creada por Joaquín Fargas, estos robots compactan la nieve en hielo y la adhieren a los glaciares. Esta acción tiene como idea crear conciencia sobre el cambio climático y el derretimiento de los polos.

Con información de La Vanguardia Kaspersky Lab 

Artista filipino crea obras de arte con rayos solares 🌞

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Jordan Mang-osan plasma paisajes y retratos en sus pirograbados

El artista filipino Jordan Mang-osan crea obras de arte en madera con sólo una lupa y los rayos solares.

Los pirograbados están basados en la cultura Ignot, grupo étnico donde Mang-osan creció. En ellos plasma paisajes montañosos, bosques o retratos.

Mang-osan descubrió su vocación artística a los 19 años, momento desde el cual mantiene muy arraigadas sus tradiciones, al grado que utiliza materiales indígenas o rústicos, dependiendo el fin de su obra.

En las tablas de madera que utiliza dibuja un boceto, el cual comienza a quemar al proyectar los rayos solares a través de una lupa. Pareciera un técnica sencilla, pero conlleva un arduo trabajo y gran precisión.

Información de: My Modern Met y Cultura Colectiva

De almacenes industriales a galerías, un proyecto en Los Ángeles

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14 obras colaborativas son la base de este proyecto

Situado en el Corazón de Los Ángeles, el nuevo proyecto artístico The 14th Factory, abrió sus puertas el 11 de marzo de 2017, y será el lugar donde exista una convergencia entre el arte oriental y occidental para crear un nuevo concepto.

Esta monumental instalación de arte multimedia transformó un almacén industrial vacío en un universo mítico creado de manera colaborativa a través de video, instalación, escultura, sonido, pinturas y actuaciones en vivo.

Esta conversión de lugares sin vida es la misión de The 14th Factory, la cual quiere entregar nuevos sitios para la reproducción, creación y admiración para la gente que gusta del arte.

Concebido por la mente del artista británico Simon Birch, la visión de The 14th Factory es crear un nuevo paradigma independiente para el arte socialmente comprometido, una especie de acción guerrillera donde el arte ocupa y re-energiza los espacios urbanos subutilizados o incluso abandonados.

Este proyecto está compuesta por 14 obras que aluden a raíces históricas en las “trece fábricas” de la región de Cantón en la China del siglo XVIII, durante la cual los barrios comerciales designados formaron un establecimiento culturalmente heterogéneo para comerciantes europeos y chinos.

Algunos de los artistas que colaboran son: Cang Xin, Dominique Fung, Doug Foster, Paul Kember, Stanley Wong y Scott Sporleder.

Información de: The 14th Factory

Festival Internacional de Diseño Costa Rica, uno de los más importantes del continente

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15 artistas de 12 países se dieron cita en el FID2017

El Festival Internacional de Diseño Costa Rica 2017 se llevó a cabo del 10 al 12 de marzo, en la antigua aduana en San José. En ella se dieron cita 15 artistas de 12 países diferentes: Estados Unidos, Holanda, Colombia, Australia, Reino Unido, España, Noruega, Suecia, Panamá, Francia, Japón y Argentina.

Algunos de los artistas que asistieron a este festival fueron: Gemma O’Brien, Snask, Rebecca Stambanis, Alejandro Magallanes, Amina Horozic y Sergio Caballero.

Técnicas y especialidades diferentes como el diseño gráfico e industrial, fotografía, música y publicidad convergieron en este magno evento, que se ha catalogado como uno de los más importantes del continente americano.

Además de exhibir las mejores obras de los artistas invitados, en el FID 17 se llevaron a cabo talleres, conferencias, concursos y charlas para las más de dos mil 200 personas asistentes que gustan del arte.

“Se trata de un espacio multidisciplinario, pues creemos que no se debe estar encasillado en una sola disciplina. Un diseñador gráfico se inspira en el diseño de moda para crear ideas nuevas y eso es vital. Es importante que la gente vea más allá de su disciplina y aprenda nueva formas de creatividad”, afirmó Alfredo Enciso, uno de los organizadores del evento.

Con información de: Terra

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