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Los artistas fallecidos del 2017

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Entre ellos se encuentran figuras que rompieron paradigmas en el arte de México y el mundo

El 2017 ha sido un año que se ha caracterizado por llevarse a figuras muy queridas en el ámbito de la música, la pintura y el arte en general.  Este es un recuento de aquellos que serán recordados por destacar al imponer grandes cambios en el arte nacional e internacional.

José Luis Cuevas

Fue un escultor y pintor de la Ciudad de México, considerado un visionario y un rebelde para su época.

También es un representante de la Generación de la Ruptura,  un grupo de jóvenes que radicaban en México en la década de los 50 y que dejó a un lado la cultura hegemónica de la pintura en México desde la Revolución Mexicana, que se componía de trabajos plásticos con un contenido de izquierda, nacionalista y revolucionario, para  imponer nuevas vanguardias artísticas mexicanas con una visión más cosmopolita y abstracta.

Cuevas nombró Zona Rosal al corredor turístico ubicado cerca del Paseo de la Reforma; en dicho lugar realizó Mural Efímero, una obra que alude a las palabras del José Clemente Orozco sobre el estado perecedero de los trabajos artísticos que se realizan en espacios públicos. Entre otras de sus obras destaca el trabajo que hizo sobre lámina en apoyo al movimiento de estudiantes en el 68 y La Giganta, una escultura ubicada en el museo que lleva su nombre e inauguró en 1992.

Ramón Valdiosera

Fue un escritor, diseñador y pintor veracruzano que se desarrolló en el área del cine, la ilustración, la historieta y la moda. Es conocido por crear el color rosa mexicano y por posicionar a México como un lugar que expresa a su cultura por medio de la moda en el mundo.

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Boutique, una exhibición realizada por el artista, hizo historia por ser la primera exposición en un museo de México sobre moda.

Fundó la Academia Mexicana de Arte Secuencial (AMAS), Estudios América, y el Museo de la Moda en Zona Rosa. Recibió dos Arieles por sus filmes Himno Nacional (1948) y Los hombres pájaro (1949),  y tuvo su propia línea de ropa que estaba disponible en 14 tiendas alrededor de la república y una en Beverly Hills. El último trabajo que realizó fue una serie de murales para la Línea 12 del metro de la Ciudad de México.

Felipe Ehrenberg

Ehrenberg era un diseñador, escultor, pintor y dibujante mexicano, pionero en el arte contemporáneo y fundador del colectivo Tepito Arte Acá.

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Fue embajador de México en Brasil del 2001 al 2006 y director en relaciones internaciones de la Televisión América Latina (TAL). A lo largo de su vida, recibió becas como la Guggenheim y la Fullbright.

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El artista siempre pensó al arte como medio para entablar un diálogo con la gente que lo rodeaba.

Richard Hambleton, “Shadowman”

También conocido como  Shadowman, fue uno de los artistas conceptuales y urbanos más aclamados en la época de los 80 por las siluetas que realizaba de manera misteriosa en distintos edificios en Manhattan con pintura negra.

Al poco tiempo, sus obras, junto con las de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, fueron consideradas arte y sirvieron como inspiración para las siguiente generación de artistas urbanos en Nueva York y el mundo. Sus siluetas alcanzaron otros materiales, como el lienzo y el papel, lo cual le brindó el reconocimiento internacional que ahora tiene.

Lamentablemente, el artista vivió gran parte de su vida en una batalla en contra de las adicciones, que lo alejó de la escena del arte varios años y lo llevó a vivir en la calle. Cambió un tiempo a las siluetas por pintar paisajes, pero un “redescubrimiento” lo llevó a retomar su obra más aclamada hasta su fallecimiento.

Barkley L. Hendricks

Hendricks era un pintor  y fotógrafo estadounidense que incursionó en el retrato africano: un cambio de paradigma en su país, debido a que la gente de color todavía era vista con inferioridad en la década de los 60.

Su estilo fue realista y posmoderno, desde sus inicios en la pintura hasta el fin de sus días.  En sus retratos y pinturas, y a veces en poses no tan naturales, el artista presentaba a la cotidianidad de la comunidad afroamericana en Estados Unidos.

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Entre sus últimos trabajos, se encuentra Birth of the cool, exposición itinerante  que ha recorrido diversos espacios dentro de su país, desde el Museo de Arte Nasher en Carolina del Norte, hasta el Museo de Arte Contemporáneo en Houston, Texas.

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Danny Hogg, “Cool ‘Disco’”

Conocido también como Cool “Disco”, fue un artista urbano de Washington en la década de los 80,una época muy difícil para ejercer el arte en espacios públicos, debido a que el lugar era conocido en esa época como “la capital del asesinato”.

El artista siempre estuvo apegado al arte. Desde pequeño dibujaba, pero fue hasta su adolescencia que comenzó a hacer graffiti en distintos edificios de su ciudad.

Aunque dejó el graffiti en el 2000, el artista tuvo un sorpresivo regreso en el 2013 para el estreno de The Legend of Cool “Disco”, un documental que consigue contar la historia de Washington en esas épocas por medio de la vida de Hogg.

Eduardo del Río, “Rius”

Fue un caricaturista michoacano, que se dedicó a la sátira política gran parte de su vida que firmaba bajo el pseudónimo de “Rius”.

Su obra se compone de cientos de publicaciones. Entre sus libros más conocidos se encuentran Los Supermachos (1990) y Los agachados (1997).

Rius pensaba en su material gráfico no sólo como una forma de hacer que la gente se diera cuenta de cosas que en México se realizan con impunidad por medio del humor, sino que lo concebía como un puente para que las personas se interesaran en leer.

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Instalación artística convierte las selfie en una gran escultura 📸

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La pieza funciona con 29 cámaras y 85 mil LED’s

As We Are, de Matthew Mohr se encuentra en el Centro de Convenciones de Columbus, en Ohio

Matthew Mohr diseñó una escultura de poco más de cuatro metros de alto, la cual tiene forma de cabeza y que tituló As We Are (Como Somos), la obra está ubicada en el Centro de Convenciones de Columbus, Ohio y la pieza está disponible al público desde el pasado 2 de septiembre.

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La escultura de Mohr consta de una cabina en la parte trasera, en la cual los visitantes a través de 29 cámaras fotográficas pueden tomarse una selfie para que la escultura proyecte su rostro en la escultura, a través de una tecnología llamada fotogrametría, que se logra por medio de 850 mil LED’s.

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De acuerdo con el artista, la escultura pretende hacer reflexionar al espectador sobre su identidad ny presencia por medio de una versión amplificada de sí mismo; además de ser una obra que divierta y genere debate sobre las redes sociales, la diversidad y dinamismo del arte.

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Matthew Mohr es un artista que también se dedica a dar clases de diseño gráfico e imparte un seminario de posgrado, ha trabajado para Samsung, Newsweek y la NASA, además de ser copropietario de Wonder-Shirts una marca de camisetas que se dedica a alentar a los niños a leer.

 

Islandia ya tiene cruce peatonal en 3D

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El cruce es parte de un proyecto para prevenir los excesos de velocidad en el lugar

Un cruce que da la sensación de ser tridimensional y asemeja a las rayas de una zebra, se realizó en el pueblo pesquero de Ísafjörður, Islandia.

El cruce se hizo hace unos meses se realizó entre una colaboración entre la empresa de diseño Vegi GÍH, y el director de la secretaría de ambiente de la localidad, Ralf Trylla.

Las autoridades del pueblo esperan que está obra tenga una doble función: ser una obra de arte en el espacio público, y funcionar como una marca visual para que los motociclistas aminoren su velocidad al estar cerca, para así, mantener a los peatones seguros.

People Matching Artworks: cuando la gente se vuelve parte del arte

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El fotógrafo Stefan Draschan hace nexos con piezas en museos y sus espectadores

El fotógrafo francés Stefan Draschan ocupa su tiempo en visitar museos, no sólo por las obras de arte, sino también por los visitantes. Él espera horas dentro de estos lugares para encontrar personas que combinen con las piezas expuestas; puede ser por su sombrero, su suéter o su falda.

Ello es parte de su proyecto People Matching Artworks (Gente a juego con obras de arte), el cual ha dado como resultado fotos muy entretenidas en donde se pueden ver las conexiones entre arte y espectador de manera no intencionada.

Todo el proyecto y su “detrás de cámaras” se puede seguir en la cuenta de Tumblr de Draschan.

 

 

Concluye Feria Internacional de Arte de Bogotá

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Entre las actividades de la feria destacan exhibiciones, mesas temáticas y talleres para acercar al público a las prácticas de arte contemporáneo

Del 26 al 29 de octubre se llevó a cabo la 13va edición de la Feria Internacional de Arte de Bogotá (ARTBO), la muestra más grande y de mayor trascendencia en Colombia. Entre sus actividades estuvieron exhibiciones, proyectos de artistas representados por galerías, programas de discusión  y talleres para acercar al público a las prácticas del arte contemporáneo.

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Marcius Galan, 2017.

Entre la selección para la exhibición principal de galerías se encontraron RGR-ART de Venezuela y México, Fortes D’Aloia y Gabriel de Brasil, Luis Adelantado de México,  la Galería Gregor Podmar de Alemania, entre otras.

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Legado de Carlos Arias en Galería Marso. México
Gustavo Arróniz. Artista María Edwards.CDMX
SUPERFLEX, 2017.
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Galería Elba Benítez. España.

Para la sección de proyectos de la feria, la curadora brasilera Kiki Mazzucchelli presentó Contra el Olvido, muestra que toca los temas de la democracia, las libertades civiles y los derechos humanos por medio de obras con narrativas simbólicas de artistas como Álvaro Seixas, Magali Arbo y Nohemí Pérez.

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Súper Chica de Atitlán, 2005. Fotografía de Walterio Iraheta
Nohemí Pérez, 2017.

La feria contó con Banco artístico de conocimiento experimental, un proyecto en donde se otorgaban herramientas al público para comprender los sistemas de valuación, producción, distribución y consume del arte.

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La próxima edición de la feria se llevará a cabo en los últimos días del mes de octubre del próximo año.

Obama escoge a Kehinde Wiley para pintar su retrato presidencial

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Con ello, Wiley se convierte en el primer artista de color en pintar un retrato presidencial oficial en Estados Unidos

La Galería Nacional de Retratos de los Estados Unidos anunció que Barack Obama, ex presidente de dicho país, ha seleccionado al retratista de hip hop, Kehinde Wiley, para que realice su retrato presidencial.

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Kehinde Wiley
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Obras de Kehinde Wiley

La decisión del ex líder estadounidense está haciendo historia, debido a que Wiley, junto a Amy Sherald, serán los primeros artistas de color en realizar los retratos oficiales de Barak y Michelle Obama, respectivamente.

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Amy Sherald
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Obras Amy Sherald

El trabajo de Wiley se destaca no sólo por ser vigoroso y juvenil, sino que se caracteriza por contar con influencias de la cultura afroamericana urbana mezclada con elementos europeos.

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Entre las obras más populares del artista se encuentran los retratos del rapero Ice T como el emperador Napoleón Bonaparte, y la pinrtura de LL Cool J como John Singer Sargent.

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Los retratos de los Obama se revelarán en la Galería Nacional de Retratos en Washington, D.C., el próximo año.

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Obra Banksy a la venta en The Walled off Hotel

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El hotel está preparando Vandals Retreat, un acercamiento entre huéspedes y artistas del graffiti

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Una nueva tienda de regalos abrió sus puertas en The Walled Off Hotel , proyecto de Banksy,en el cual se venden piezas diseñadas por el artista.

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El famoso hotel ubicado frente al muro que divide Israel de Palestina, sólo recibe 25 minutos de luz al día debido a la sombra que produce dicho muro, además de que se tiene prohibido subir a la azotea pues antes debe obtenerse el permiso de los militares israelíes.

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Aunque algunas voces han criticado al artista, Banksy ha dejado en claro que las ganancias serán donadas para sostener el hotel de nueve habitaciones e impulsar programas sociales.

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Junto con la inauguración de la tienda, la gerencia del hotel ya está preparando un Vandals Retreat, en el cual invitarán a un artista del graffiti para que conviva con los huéspedes y de un taller de graffiti directamente en los muros del hotel.

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Si los muros hablaran, nuevo proyecto fílmico sobre el arte urbano en Latinoamérica

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El artista Inti colaboró con cineastas para documentar y difundir la importancia del arte urbano en Chile

Los directores de cine Daniela Zegarra y Gonzalo Navarrete se unieron con el artista urbano Inti Castro para iniciar el rodaje del documental Pachakuti- si los muros hablaran en diciembre de 2016, el cual se desarrolla en la ciudad de Arica en Chile y está próximo a estrenarse.
El proyecto pretende fusionar la esencia del arte urbano chileno y el cine a través del mural de Inti. Al respecto, ellos mencionan que:“Pachakuti es una oportunidad única, un momento que no volverá a repetirse que estábamos obligados a documentar”.

Actualmente son pocos los espacios en Latinoamérica destinados para este tipo de proyectos y es que en Arica, según los directores, al igual que en otras partes del mundo, abordar el tema de arte urbano todavía causa polémica y rechazo ya que es visto como una simple actividad callejera.

Por eso, el  arte urbano y el cine funcionan como una herramienta para manifestarse socialmente. Como mencionaron los creadores: “ la importancia de este tipo de filmes genera un diálogo con las personas que ven la película, les mostramos que hay otras formas tan válidas de ver o de hacer las cosas”.

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Sin embargo, es preciso mencionar que la nueva era del muralismo chileno se halla antes de Pachakuti, este mural es resultado del comienzo creativo de otra etapa del arte urbano en este país. En él, se combinan elementos estéticos y simbólicos de la región. No en todos lados se da esta combinación tan perfecta entre el arte y el espacio público.

Y al respecto del artista Inti, los directores mencionaron que más allá de ser un referente internacional del arte urbano, hay algo en su obra que lo acerca a esas tierras del norte de Chile, ya que el artista es originario de Valparaiso y conoce perfectamente las problemáticas por las que él mismo atravesó cuando intento realizar murales y fue censurado hace unos años.

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Es necesario que este tipo de proyectos cinematográficos sigan existiendo para que el arte urbano tenga una participación más significativa en los medios y en los festivales. También se deben romper desafíos como el financiamiento y la creación de espacios que alberguen,desarrollen y difundan más documentales. Por otro lado, se pretende que el proyecto llegue a otros países y festivales que mezclen lo audiovisual con arte urbano.

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Entrevista con Saner: el nuevo muralismo mexicano

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“El arte le da vida al espacio público y genera nuevos diálogos sobre los entornos urbanos”

Fotografías cortesía Saner
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Fotografía El Norte

Ilustrador, diseñador gráfico, artista visual e integrante de la generación del nuevo muralismo mexicano, en donde el arte plasmado en espacios públicos replantea una relación con los entornos urbanos y sus habitantes. No necesita más presentación, porque su nombre se ha escuahdo en Francia, Estados Unidos, Marruecos y por supuesto México. No hay más, estamos hablando de Saner, quien en entrevista para ALL CITY CANVAS nos contó sobre su más reciente mural en Monterrey.

Esta nueva generación de artistas declaran que ahora más que nunca los murales deben conectar con los entornos urbanos de la gente, ¿cómo logras que tu obra conecte con la urbe?

Lo primero es hacer una investigación sobre el lugar al que iré a pintar y cuando ya estoy en el sitio, poco a poco me doy cuenta de ciertos elementos que forman parte de la identidad tanto de la zona como de sus habitantes. Me inmiscuyo en su imaginario colectivo.

Cuéntanos un poco más sobre el proceso de investigación que realizas sobre el lugar al que irás a pintar

Leyendo noticias sobre lo que ha ocurrido en el lugar, artículos que hablen sobre su historia, tradiciones, su economía, para poder encontrar símbolos identitarios, como pueden ser plantas o animales. Y así la investigación se va reflejando en los bocetos. Fusión de investigación con estilo.

Saner realizó mural para Distrito Tec, iniciativa de regeneración urbana que impulsa y promueve el Tecnológico de Monterrey en colaboración con ciudadanos, organizaciones y autoridades para hacer de la ciudad un modelo de convivencia, emprendimiento y talento comunitario. Dentro de sus proyectos se encuentra el Programa de Arte Público, el cual pretende usar el arte como vehículo de comunicación urbana para generar diálogos encaminados hacia la construcción de una comunidad. El Programa está curado por  ARTO STUDIO, estudio mexicano con experiencia en proyectos artísticos y culturales de escala urbana.

Para el caso de Distrito Tec, ¿cuáles fueron esos elementos identitarios que investigaste para plasmarlos en el mural?

El objetivo en mi trabajo es siempre invitar al diálogo con la comunidad a través de mi obra. Primero que nada fue leer la información que nos enviaron sobre el proyecto Distrito Tec, luego me fui un poco más atrás, averiguar cómo se originó el Tec de Monterrey. Además el lugar donde estuve pintando, enfrente se encuentra un mural (El Triunfo de la Cultura) de Jorge González Camarena, símbolo de la Rectoría del Tecnológico de Monterrey, elemento clave para hablar de evolución por medio de mi mural.

De hecho, así titulas a tu mural: Evolución

Porque es una evolución de generación: el mural de Camarena y el mío. Porque la institución está evolucionando, quiere dialogar con los espacios urbanos y sus residentes, luego de una ola de violencia de la que sufrió Monterrey. La necesidad de una evolución social y espiritual en estos momentos a nivel mundial, porque sólo eso rompe fronteras. Tenemos que buscar nuevos lazos sociales y esperanzas.

Tu opinión sobre el Programa de Arte Público de Distrito Tec, de acuerdo a tu vivencia, ¿el arte genera comunidad?

Lo poco que conviví con las personas hablando sobre regeneración urbana, no sólo en el ámbito de infraestructura, sino hablando de tejido social, yo creo que el arte sí puede generar cambios. Lo interesante del Programa y del proyecto Distrito Tec es que buscan impactar a largo plazo. Los murales y todas las actividades que se organicen en espacios públicos son una especie de perfomance que hacen sentir a la sociedad que algo está pasando en el lugar donde viven.

El arte en espacios públicos es un disfrute y un beneficio a la ciudadanía porque se están generando nuevos diálogos sobre el entorno urbano.

 

 

Smithe y Seher One crean majestuosa escultura de una calavera 💀

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Los artistas mexicanos participaron en Millerntor Gallery, evento musical y artístico que se lleva a cabo dentro de un estadio

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Foto por Laura Müller

Millerntor Gallery es un evento cultural que incluye música, arte, conferencias y talleres; todo esto llevado a cabo en Hamburgo, en el estadio del equipo alemán FC St Pauli. Del 29 de junio al 2 de julio celebró su séptima edición y los artistas mexicanos Smithe y Seher One participaron creando en conjunto una grandiosa escultura de cráneo.

Foto por Stefan Groenveld

El evento de Millerntor Gallery es apoyado por Viva con Agua, proyecto que reúne a personas y organizaciones que desarrollen y promuevan iniciativas que logren llevar agua limpia a todo el mundo. Tanto este evento como la organización se presentan bajo el lema “Arte Crea Agua” (“Art Creates Water”).

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Foto por Stefan Groenveld

Cada edición tiene una temática diferente, para este año, la palabra con la que abrieron fue YOUTOPIC, que invita a los artistas y asistentes a expresar sus ideas utópicas, algo que creen que no pueda hacerse realidad…(o tal vez sí).

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Foto por Stefan Groenveld

La idea de realizar un evento artístico dentro de las instalaciones de un estadio se debió a que de acuerdo con los organizadores de Millerntor Gallery, es porque su espacio permite mayor creatividad, ya que se debe pensar cómo adaptar la pintura, escultura o instalaciones en puertas, paredes desgastadas, etcétera.

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Foto por Stefan Groenveld
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Foto por Stefan Groenveld

Felipe Pantone, Shepard Fairey, Herakut han sido los artistas participantes en pasadas ediciones. El alcance e impacto de todo es empezar a generar vínculos con el equipo Viva Con Agua de Uganda y hacer viable el objetivo principal: conectar a la gente sobre la problemática del agua a través de un lenguaje global: el arte.

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Con información de Widewalls y Millerntor Gallery.

Las conferencias de Mural Festival: arte, moda y streetwear🎒🕶

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La responsabilidad del arte urbano: conectar con la gente

 Como es bien sabido, Mural Festival se ha consolidado como uno de los eventos de arte urbano más importantes a nivel mundial. Es por ello que esta propuesta involucra también eventos gastronómicos, musicales y conferencias con los artistas participantes, quienes hablaron sobre su trabajo y la responsabilidad que implica generar obras en entornos urbanos.

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El artista canadiense Armand Vaillancourt fue uno de los que se presentaron en la primera ronda de conferencias del festival. Vaillancourt, escultor y pintor involucrado en las posibilidades estéticas de los materiales y las técnicas de producción, llegó a Mural con el objetivo de transmitir los problemas mundiales actuales de los que somos testigos en su obra: la violencia, la justicia y el racismo.

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Uno de los artistas más esperados de todo el festival ha sido Ron English. Dotado de una amplia experiencia en el mundo del arte urbano, es uno de los creadores contemporáneos más divertidos, y al mismo tiempo crítico y ácido en sus pinturas. El artista sostuvo durante su charla presentada por la galería Lndmrk, que no es que él haya pensado sus obras con un sentido “negativo” desde el principio, sino que eso se fue dando conforme percibió las contradicciones de la vida y de lo cotidiano.

 

El streetwear

 El estilo urbano está en auge. Es por ello, que algunas marcas ha adoptado este estilo en sus productos, una apuesta que ha resultado satisfactoria tanto para los clientes como para los empresarios. De igual forma, algunos artistas se han inspirado en su labor dentro del graffiti para crear sus propias marcas. Es por ello que dentro del programa de conferencias durante Mural Festival algunos de los artistas hablaron de esta relación entre el arte y la creación de líneas de ropa.

OTH

Harry Drakopoulos y Angelo Destounis fundaron Off The Hook (OTH) en 1999, su línea de ropa urbana que los ha llevado a trabajar con marcas como Nike, Adidas y Vans.

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Montreal – la sede de Mural Festival – es el dónde se encuentra esta tienda de ropa y accesorios. Drakopoulos explicó su experiencia en de este mundo que cada vez se está expandiendo más.

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Ricardo Cavolo: el artista de “los otros”

“Para encontrar tu estilo tienes que ser honesto. Hay mucha gente que trabaja por años encontrando su propia forma de hacer arte; yo respeto eso, pero no me parece natural. En mi caso, eso fue surgiendo mientras me divertía: copiando los estilos que me gustaban y cuando los dominaba, seguía otro más”.

Cavolo inició en el diseño, una carrera que al final le dio las herramientas necesarias para dar el salto hacia el mundo artístico. Luego de trabajar en dicho rubro, decidió que no debía dedicarse a ello sólo por trabajo, sino que debería ser una forma de diversión. El tema central de su trabajo: “los otros”, aquella parte de la sociedad que no estamos acostumbrados a mirar y que sin embargo están ahí, reclamando atención.

Durante la conferencia, el artista afirmó que luego de la publicación de Periferia y 101 artists to listen before you die, libros escritos e ilustrados por él, el siguiente paso en su lista de cosas qué hacer fue su propia marca de ropa. Y prometió que cada colección estaría pensada como una exposición, en la cual los diseños estarán basados en temas específicos.

123 KLAN

Fundado por los franceses Scien y Mrs Klor, quiénes se han ido involucrado en el mundo del graffiti. Este dueto ha pintado alrededor del mundo y formó parte de la primera edición del festival RODEARTE en Guadalajara, México en 2015. También está involucrado en el mundo del streetwear, con una línea de ropa que impulsa su creatividad artística en otros ámbitos.

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Después de varios años de trabajar en diferentes países, decidieron establecerse en Montreal: realizando murales y construyendo una sucursal de su marca de ropa en esta ciudad.

Durante su conferencia, hablaron de lo importante que ha sido internet para los artistas urbanos, ya que se convierte en un medio de difusión de su trabajos.

Responsabilidad en el arte

Es evidente; los artistas no se pueden despegar del hecho de que trabajan para alguien más: el público, y es algo que en el mundo del arte urbano permea aún más; su facilidad de acceso supone a los muralistas contemporáneos un reto.

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“Para mí, pintar en la calle es incluso más importante que tener una pintura en un museo. Tú decides ir o no a él, pero no puedes hacer lo mismo respecto a caminar en la calle. Tienes que ver las pinturas seguramente. Como artista tienes que tratar de darle al público algo agradable de ver”, explicó Cavolo.

Por su parte, 123 KLAN concluyó que la responsabilidad de los artistas radica en darle algo diferente al estilo del graffiti. Una tarea que no resulta sencilla, pensando en el cúmulo de artistas emergentes que están impulsando su obra. Para los franceses, la diferencia entre el trabajo de estudio y de calle siempre tendrá relación con la posibilidad de interacción con el público.

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Esta primer semana de actividades en Mural Festival ha estado intensa, pero no se despeguen de nuestra cobertura, ¡que tendremos mucho más hasta le 18 de junio!

Disputa en el Munal porque artista convoca a bailar salsa dentro del museo

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Comunidad artística exige tolerancia y apertura en las actividades culturales

El viernes  26 de mayo los medios nacionales en su sección de Cultura publicaron notas en las que el tema generó y sigue generando diversas opiniones. El Museo Nacional de Arte (MUNAL) de la Ciudad de México canceló una actividad que desde hace una semana convocaba al público a bailar salsa en el Salón de Recepciones y el Patio de los Leones en el marco de la exposición Melancolía, luego de que en la plataforma Change.org lanzará una petición que denunciaba supuestos daños al recinto, además de cuestionar dicha iniciativa.

El evento llamado “Salón Munal. Donde las penas se van bailando”, fue una invitación por parte del artista Daniel Godínez Nivón, que formaba parte de cuatro fechas y que el viernes fueron canceladas y retiradas de las redes sociales del Munal.

La petición por Change argumentaba que la iniciativa “desvirtuaba el espacio y era un peligro para la conservación del mismo”. Asimismo explicaban que el “bailar salsa” era una actividad para “nacos”, por lo que posteriormente, miembros del colectivo de Godínez Nivón publicaron una réplica en esa plataforma y acudieron al museo para reanudar las actividades.

Foto: Agencia EL UNIVERSAL/Juan Carlos Reyes/JMA

Los miembros del colectivo del artista reunieron 235 firmas, dice que el piso no fue dañado  y que había sido supervisado por personal del museo y Protección Civil. Ante la petición, las personas asistieron a bailar a salida del museo, en la Plaza Tolsá.

Músicos, escritores, artistas comentaban en redes que las instituciones culturales debían mostrarse a favor de la apertura, tolerancia y diversificación de expresiones culturales. Al parecer el Munal dijo que la actividad se seguirá realizando, pero en el Patio de los Leones.

Foto: Agencia EL UNIVERSAL/Juan Carlos Reyes/JMA

 

Con información La Vanguardia, El Universal.

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