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Obra Banksy a la venta en The Walled off Hotel

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El hotel está preparando Vandals Retreat, un acercamiento entre huéspedes y artistas del graffiti

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Una nueva tienda de regalos abrió sus puertas en The Walled Off Hotel , proyecto de Banksy,en el cual se venden piezas diseñadas por el artista.

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El famoso hotel ubicado frente al muro que divide Israel de Palestina, sólo recibe 25 minutos de luz al día debido a la sombra que produce dicho muro, además de que se tiene prohibido subir a la azotea pues antes debe obtenerse el permiso de los militares israelíes.

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Aunque algunas voces han criticado al artista, Banksy ha dejado en claro que las ganancias serán donadas para sostener el hotel de nueve habitaciones e impulsar programas sociales.

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Junto con la inauguración de la tienda, la gerencia del hotel ya está preparando un Vandals Retreat, en el cual invitarán a un artista del graffiti para que conviva con los huéspedes y de un taller de graffiti directamente en los muros del hotel.

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Si los muros hablaran, nuevo proyecto fílmico sobre el arte urbano en Latinoamérica

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El artista Inti colaboró con cineastas para documentar y difundir la importancia del arte urbano en Chile

Los directores de cine Daniela Zegarra y Gonzalo Navarrete se unieron con el artista urbano Inti Castro para iniciar el rodaje del documental Pachakuti- si los muros hablaran en diciembre de 2016, el cual se desarrolla en la ciudad de Arica en Chile y está próximo a estrenarse.
El proyecto pretende fusionar la esencia del arte urbano chileno y el cine a través del mural de Inti. Al respecto, ellos mencionan que:“Pachakuti es una oportunidad única, un momento que no volverá a repetirse que estábamos obligados a documentar”.

Actualmente son pocos los espacios en Latinoamérica destinados para este tipo de proyectos y es que en Arica, según los directores, al igual que en otras partes del mundo, abordar el tema de arte urbano todavía causa polémica y rechazo ya que es visto como una simple actividad callejera.

Por eso, el  arte urbano y el cine funcionan como una herramienta para manifestarse socialmente. Como mencionaron los creadores: “ la importancia de este tipo de filmes genera un diálogo con las personas que ven la película, les mostramos que hay otras formas tan válidas de ver o de hacer las cosas”.

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Sin embargo, es preciso mencionar que la nueva era del muralismo chileno se halla antes de Pachakuti, este mural es resultado del comienzo creativo de otra etapa del arte urbano en este país. En él, se combinan elementos estéticos y simbólicos de la región. No en todos lados se da esta combinación tan perfecta entre el arte y el espacio público.

Y al respecto del artista Inti, los directores mencionaron que más allá de ser un referente internacional del arte urbano, hay algo en su obra que lo acerca a esas tierras del norte de Chile, ya que el artista es originario de Valparaiso y conoce perfectamente las problemáticas por las que él mismo atravesó cuando intento realizar murales y fue censurado hace unos años.

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Es necesario que este tipo de proyectos cinematográficos sigan existiendo para que el arte urbano tenga una participación más significativa en los medios y en los festivales. También se deben romper desafíos como el financiamiento y la creación de espacios que alberguen,desarrollen y difundan más documentales. Por otro lado, se pretende que el proyecto llegue a otros países y festivales que mezclen lo audiovisual con arte urbano.

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Entrevista con Saner: el nuevo muralismo mexicano

Blog/Entrevistas/Español por

“El arte le da vida al espacio público y genera nuevos diálogos sobre los entornos urbanos”

Fotografías cortesía Saner
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Fotografía El Norte

Ilustrador, diseñador gráfico, artista visual e integrante de la generación del nuevo muralismo mexicano, en donde el arte plasmado en espacios públicos replantea una relación con los entornos urbanos y sus habitantes. No necesita más presentación, porque su nombre se ha escuahdo en Francia, Estados Unidos, Marruecos y por supuesto México. No hay más, estamos hablando de Saner, quien en entrevista para ALL CITY CANVAS nos contó sobre su más reciente mural en Monterrey.

Esta nueva generación de artistas declaran que ahora más que nunca los murales deben conectar con los entornos urbanos de la gente, ¿cómo logras que tu obra conecte con la urbe?

Lo primero es hacer una investigación sobre el lugar al que iré a pintar y cuando ya estoy en el sitio, poco a poco me doy cuenta de ciertos elementos que forman parte de la identidad tanto de la zona como de sus habitantes. Me inmiscuyo en su imaginario colectivo.

Cuéntanos un poco más sobre el proceso de investigación que realizas sobre el lugar al que irás a pintar

Leyendo noticias sobre lo que ha ocurrido en el lugar, artículos que hablen sobre su historia, tradiciones, su economía, para poder encontrar símbolos identitarios, como pueden ser plantas o animales. Y así la investigación se va reflejando en los bocetos. Fusión de investigación con estilo.

Saner realizó mural para Distrito Tec, iniciativa de regeneración urbana que impulsa y promueve el Tecnológico de Monterrey en colaboración con ciudadanos, organizaciones y autoridades para hacer de la ciudad un modelo de convivencia, emprendimiento y talento comunitario. Dentro de sus proyectos se encuentra el Programa de Arte Público, el cual pretende usar el arte como vehículo de comunicación urbana para generar diálogos encaminados hacia la construcción de una comunidad. El Programa está curado por  ARTO STUDIO, estudio mexicano con experiencia en proyectos artísticos y culturales de escala urbana.

Para el caso de Distrito Tec, ¿cuáles fueron esos elementos identitarios que investigaste para plasmarlos en el mural?

El objetivo en mi trabajo es siempre invitar al diálogo con la comunidad a través de mi obra. Primero que nada fue leer la información que nos enviaron sobre el proyecto Distrito Tec, luego me fui un poco más atrás, averiguar cómo se originó el Tec de Monterrey. Además el lugar donde estuve pintando, enfrente se encuentra un mural (El Triunfo de la Cultura) de Jorge González Camarena, símbolo de la Rectoría del Tecnológico de Monterrey, elemento clave para hablar de evolución por medio de mi mural.

De hecho, así titulas a tu mural: Evolución

Porque es una evolución de generación: el mural de Camarena y el mío. Porque la institución está evolucionando, quiere dialogar con los espacios urbanos y sus residentes, luego de una ola de violencia de la que sufrió Monterrey. La necesidad de una evolución social y espiritual en estos momentos a nivel mundial, porque sólo eso rompe fronteras. Tenemos que buscar nuevos lazos sociales y esperanzas.

Tu opinión sobre el Programa de Arte Público de Distrito Tec, de acuerdo a tu vivencia, ¿el arte genera comunidad?

Lo poco que conviví con las personas hablando sobre regeneración urbana, no sólo en el ámbito de infraestructura, sino hablando de tejido social, yo creo que el arte sí puede generar cambios. Lo interesante del Programa y del proyecto Distrito Tec es que buscan impactar a largo plazo. Los murales y todas las actividades que se organicen en espacios públicos son una especie de perfomance que hacen sentir a la sociedad que algo está pasando en el lugar donde viven.

El arte en espacios públicos es un disfrute y un beneficio a la ciudadanía porque se están generando nuevos diálogos sobre el entorno urbano.

 

 

Smithe y Seher One crean majestuosa escultura de una calavera 💀

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Los artistas mexicanos participaron en Millerntor Gallery, evento musical y artístico que se lleva a cabo dentro de un estadio

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Foto por Laura Müller

Millerntor Gallery es un evento cultural que incluye música, arte, conferencias y talleres; todo esto llevado a cabo en Hamburgo, en el estadio del equipo alemán FC St Pauli. Del 29 de junio al 2 de julio celebró su séptima edición y los artistas mexicanos Smithe y Seher One participaron creando en conjunto una grandiosa escultura de cráneo.

Foto por Stefan Groenveld

El evento de Millerntor Gallery es apoyado por Viva con Agua, proyecto que reúne a personas y organizaciones que desarrollen y promuevan iniciativas que logren llevar agua limpia a todo el mundo. Tanto este evento como la organización se presentan bajo el lema “Arte Crea Agua” (“Art Creates Water”).

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Foto por Stefan Groenveld

Cada edición tiene una temática diferente, para este año, la palabra con la que abrieron fue YOUTOPIC, que invita a los artistas y asistentes a expresar sus ideas utópicas, algo que creen que no pueda hacerse realidad…(o tal vez sí).

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Foto por Stefan Groenveld

La idea de realizar un evento artístico dentro de las instalaciones de un estadio se debió a que de acuerdo con los organizadores de Millerntor Gallery, es porque su espacio permite mayor creatividad, ya que se debe pensar cómo adaptar la pintura, escultura o instalaciones en puertas, paredes desgastadas, etcétera.

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Foto por Stefan Groenveld
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Foto por Stefan Groenveld

Felipe Pantone, Shepard Fairey, Herakut han sido los artistas participantes en pasadas ediciones. El alcance e impacto de todo es empezar a generar vínculos con el equipo Viva Con Agua de Uganda y hacer viable el objetivo principal: conectar a la gente sobre la problemática del agua a través de un lenguaje global: el arte.

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Con información de Widewalls y Millerntor Gallery.

Las conferencias de Mural Festival: arte, moda y streetwear🎒🕶

Blog/Español/Festivales por

La responsabilidad del arte urbano: conectar con la gente

 Como es bien sabido, Mural Festival se ha consolidado como uno de los eventos de arte urbano más importantes a nivel mundial. Es por ello que esta propuesta involucra también eventos gastronómicos, musicales y conferencias con los artistas participantes, quienes hablaron sobre su trabajo y la responsabilidad que implica generar obras en entornos urbanos.

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El artista canadiense Armand Vaillancourt fue uno de los que se presentaron en la primera ronda de conferencias del festival. Vaillancourt, escultor y pintor involucrado en las posibilidades estéticas de los materiales y las técnicas de producción, llegó a Mural con el objetivo de transmitir los problemas mundiales actuales de los que somos testigos en su obra: la violencia, la justicia y el racismo.

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Uno de los artistas más esperados de todo el festival ha sido Ron English. Dotado de una amplia experiencia en el mundo del arte urbano, es uno de los creadores contemporáneos más divertidos, y al mismo tiempo crítico y ácido en sus pinturas. El artista sostuvo durante su charla presentada por la galería Lndmrk, que no es que él haya pensado sus obras con un sentido “negativo” desde el principio, sino que eso se fue dando conforme percibió las contradicciones de la vida y de lo cotidiano.

 

El streetwear

 El estilo urbano está en auge. Es por ello, que algunas marcas ha adoptado este estilo en sus productos, una apuesta que ha resultado satisfactoria tanto para los clientes como para los empresarios. De igual forma, algunos artistas se han inspirado en su labor dentro del graffiti para crear sus propias marcas. Es por ello que dentro del programa de conferencias durante Mural Festival algunos de los artistas hablaron de esta relación entre el arte y la creación de líneas de ropa.

OTH

Harry Drakopoulos y Angelo Destounis fundaron Off The Hook (OTH) en 1999, su línea de ropa urbana que los ha llevado a trabajar con marcas como Nike, Adidas y Vans.

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Montreal – la sede de Mural Festival – es el dónde se encuentra esta tienda de ropa y accesorios. Drakopoulos explicó su experiencia en de este mundo que cada vez se está expandiendo más.

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Ricardo Cavolo: el artista de “los otros”

“Para encontrar tu estilo tienes que ser honesto. Hay mucha gente que trabaja por años encontrando su propia forma de hacer arte; yo respeto eso, pero no me parece natural. En mi caso, eso fue surgiendo mientras me divertía: copiando los estilos que me gustaban y cuando los dominaba, seguía otro más”.

Cavolo inició en el diseño, una carrera que al final le dio las herramientas necesarias para dar el salto hacia el mundo artístico. Luego de trabajar en dicho rubro, decidió que no debía dedicarse a ello sólo por trabajo, sino que debería ser una forma de diversión. El tema central de su trabajo: “los otros”, aquella parte de la sociedad que no estamos acostumbrados a mirar y que sin embargo están ahí, reclamando atención.

Durante la conferencia, el artista afirmó que luego de la publicación de Periferia y 101 artists to listen before you die, libros escritos e ilustrados por él, el siguiente paso en su lista de cosas qué hacer fue su propia marca de ropa. Y prometió que cada colección estaría pensada como una exposición, en la cual los diseños estarán basados en temas específicos.

123 KLAN

Fundado por los franceses Scien y Mrs Klor, quiénes se han ido involucrado en el mundo del graffiti. Este dueto ha pintado alrededor del mundo y formó parte de la primera edición del festival RODEARTE en Guadalajara, México en 2015. También está involucrado en el mundo del streetwear, con una línea de ropa que impulsa su creatividad artística en otros ámbitos.

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Después de varios años de trabajar en diferentes países, decidieron establecerse en Montreal: realizando murales y construyendo una sucursal de su marca de ropa en esta ciudad.

Durante su conferencia, hablaron de lo importante que ha sido internet para los artistas urbanos, ya que se convierte en un medio de difusión de su trabajos.

Responsabilidad en el arte

Es evidente; los artistas no se pueden despegar del hecho de que trabajan para alguien más: el público, y es algo que en el mundo del arte urbano permea aún más; su facilidad de acceso supone a los muralistas contemporáneos un reto.

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“Para mí, pintar en la calle es incluso más importante que tener una pintura en un museo. Tú decides ir o no a él, pero no puedes hacer lo mismo respecto a caminar en la calle. Tienes que ver las pinturas seguramente. Como artista tienes que tratar de darle al público algo agradable de ver”, explicó Cavolo.

Por su parte, 123 KLAN concluyó que la responsabilidad de los artistas radica en darle algo diferente al estilo del graffiti. Una tarea que no resulta sencilla, pensando en el cúmulo de artistas emergentes que están impulsando su obra. Para los franceses, la diferencia entre el trabajo de estudio y de calle siempre tendrá relación con la posibilidad de interacción con el público.

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Esta primer semana de actividades en Mural Festival ha estado intensa, pero no se despeguen de nuestra cobertura, ¡que tendremos mucho más hasta le 18 de junio!

Disputa en el Munal porque artista convoca a bailar salsa dentro del museo

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Comunidad artística exige tolerancia y apertura en las actividades culturales

El viernes  26 de mayo los medios nacionales en su sección de Cultura publicaron notas en las que el tema generó y sigue generando diversas opiniones. El Museo Nacional de Arte (MUNAL) de la Ciudad de México canceló una actividad que desde hace una semana convocaba al público a bailar salsa en el Salón de Recepciones y el Patio de los Leones en el marco de la exposición Melancolía, luego de que en la plataforma Change.org lanzará una petición que denunciaba supuestos daños al recinto, además de cuestionar dicha iniciativa.

El evento llamado “Salón Munal. Donde las penas se van bailando”, fue una invitación por parte del artista Daniel Godínez Nivón, que formaba parte de cuatro fechas y que el viernes fueron canceladas y retiradas de las redes sociales del Munal.

La petición por Change argumentaba que la iniciativa “desvirtuaba el espacio y era un peligro para la conservación del mismo”. Asimismo explicaban que el “bailar salsa” era una actividad para “nacos”, por lo que posteriormente, miembros del colectivo de Godínez Nivón publicaron una réplica en esa plataforma y acudieron al museo para reanudar las actividades.

Foto: Agencia EL UNIVERSAL/Juan Carlos Reyes/JMA

Los miembros del colectivo del artista reunieron 235 firmas, dice que el piso no fue dañado  y que había sido supervisado por personal del museo y Protección Civil. Ante la petición, las personas asistieron a bailar a salida del museo, en la Plaza Tolsá.

Músicos, escritores, artistas comentaban en redes que las instituciones culturales debían mostrarse a favor de la apertura, tolerancia y diversificación de expresiones culturales. Al parecer el Munal dijo que la actividad se seguirá realizando, pero en el Patio de los Leones.

Foto: Agencia EL UNIVERSAL/Juan Carlos Reyes/JMA

 

Con información La Vanguardia, El Universal.

Diseñando México 32, la necesidad de difundir trabajos artísticos emergentes

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Arte, cine, diseño y fotografía son los proyectos artísticos que pretende descubrir

Diseñando México 32 (DMX32) es una plataforma incluyente que busca descubrir talentos, presentar los consolidados e impulsar las industrias creativas como la moda, diseño, fotografía, arte y cine.

Esta edición se llevó a cabo en Tamaulipas, donde los ganadores fueron Obed Basoria por artes visuales, Andrea Silva como mejor modelo y Palafox en la industria de la moda.

Conferencias, exposiciones de arte y desfiles de moda se llevaron a cabo desde el 11 de mayo cuando se abrieron las puertas de la exposición fotográfica de la diseñadora Gladys Tamez.

Algunos invitados a este magno festival fueron los fotógrafos Luis García Serrano y Khristio; además de Gustavo Prado, David Souza y los diseñadores Luciana Balderrama, Alfredo Martínez, Julia y Renata y Palafox.

Eventos de este estilo logran impulsar expresiones artísticas en México, para que en un futuro logre posicionarse como potencia en moda, fotografía o diseño.

Nuestra Gente: generar “artistas para la vida” 👨‍👩‍👧‍👦

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Desde hace 30 años la cultura como defensa ante la violencia en Colombia

Colombia ha vivido procesos políticos que desencadenan situaciones de violencia y crimen, como el caso de la Comuna 2 de Medellín, antes conocida como la “casa de los locos”, pero ha salido adelante gracia a la Corporación Cultural Nuestra Gente.

Los 30 años de trayectoria de Nuestra Gente han transformado, en cierta medida, el panorama social de Colombia, pues su ideal de crear “artistas para la vida” concientiza a los residentes de las ventajas de construir comunidad a través de actividades culturales.

Estudiantes de actuación, dramaturgos, espectadores y gestores culturales han sido el motor de Nuestra Gente, un proyecto que transformó el territorio, desde dentro.

Muchas personas encuentran en Nuestra Gente un terreno donde la violencia no los alcanza y pueden desarrollarse libremente.

“Se ha logrado hacer de esta casa un lugar vital para la vida de la gente del sector, tanto así que por acá pasan hasta los mismos actores del conflicto, no en su rol intimidatorio, sino en su faceta de padres, cuando vienen a ver a sus hijos actuar”, apuntó Fredy Bedoya, director artístico del lugar.

Desde 1994, Nuestra Gente ha recibido distintas condecoraciones de importancia como la Beca de Creación en teatro, Colcultura, el Premio Nacional de Solidaridad y El Colombiano Ejemplar en la Cultura.

Siete instalaciones de arte en iglesias antiguas

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Bruce Munro, Gijs Van Vaerenbergh y Aaron Asis realizaron intervenciones

 Se crearon instalaciones en diversas iglesias de todo el mundo, con el fin de mostrar la interacción entre la arquitectura y la intervención realizada. Aquí te mostramos los siete proyectos:

1.- Les Voûtes Filantes-Atelier YokYok

Ubicada en Cahors, Francia, esta instalación crea una especie de pasadizos con una filtración de luz que permite observar los detalles arquitectónicos.

2.- Huge Skylight Church-Ferran Vizoso Architecture

Un antiguo templo en Corbera d’Ebre, España fue restaurado con esta instalación. Se quiso lograr que el sitio tuviera un nuevo uso multifuncional sin cambiar su estructura construida durante la Guerra Civil Española.

3.- Water-Towers-Bruce Munro

La ecología puede ser un recurso para crear arte, pues esta instalación con 15 mil botellas y 226 mil pies de fibra óptica en Salisbury, Inglaterra, iluminaron el claustro y otorgaron el efecto de ventanales coloridos.

4.- The Upside Dome-Gijs Van Vaerenbergh

Instalación que consiste en una cúpula al revés creada con cadenas en la iglesia de St. Michiel en Leuven, Bélgica.

5.- YOD pavilion-SCHEEMAA

Las paredes exteriores reflejan la luz y las imágenes proyectadas por los vitrales, permiten que el visitante interactué y sea testigo de una experiencia visual en la iglesia de Monpellier en Francia.

6.- Sin título- Studio Robert Stadler

Con motivo del festival Nuit Blanche de París, se creó esta instalación dentro de la iglesia de Saint-Paul Saint-Louis, donde el artista creó un asombroso ambiente lumínico con el juego de luces en la cúpula provocado por esferas flotantes que vistas desde una perspectiva forman un signo de interrogación.

7.- The Ci-Lines- Aaron Asis

La Capilla Colegial de San Andrés de Filadelfia, en Estados Unidos, creada en 1924 con un estilo gótico fue intervenida con más de seis mil 500 pies de hilo azul atado en columnas y postes de madera, los cuales siguen la trayectoria de la luz que entra al recinto religioso.

Información de: Architizer

¡Gothenburg Art 21 busca artistas para su próximo corredor de arte público!

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400 años de la ciudad de Gotemburgo serán celebrados con 21 kilómetros de arte

En el 2021, la ciudad de Gotemburgo, Suecia, cumplirá 400 años. Con motivo de esta celebración, se llevará a cabo Gothenburg Art 21, un concurso de arte a nivel mundial que seleccionará a 21 finalistas, quienes competirán para recibir diversos premios.

Las inscripciones estarán abiertas hasta el próximo seis de junio. Para decidir a los finalistas, cualquier persona podrá ejercer su voto y así seleccionar a su artista favorito a través de su página.

De los 21 finalistas seleccionados, 12 serán escogidos por un jurado de artistas y arquitectos  residentes de la ciudad, y serán nombrados del 16 al 20 de agosto durante el Festival de Cultura de Gotemburgo.

Los dos primeros lugares irán a Gotemburgo a realizar su obra para el corredor artístico y recibirán dos mil euros, los restantes 10 participantes mandarán sus bocetos para que ciudadanos en situación de desempleo colaboren en la creación de pinturas y murales, pues ese es el objetivo principal de Sätt Färg På, proyecto que ayuda a personas sin empleo y que está involucrado en la organización y logística de Gothenburg Art 21.

Entre los principales objetivos de Gothenburg Art 21 es dar a conocer las diferentes ideas creativas de cada artista, así como construir oportunidades de empleo entre los ciudadanos.

Entrevista a Matteo Amadio, uno de los fundadores de BLOOP festival👌

El festival tiene como objetivo llevar el arte a todo público

 “Ibiza me enamoró. Sucedió por casualidad, pero decidí que quería pasar aquí tanto tiempo como fuera posible, no sólo porque es una isla de la fiesta, creatividad y transgresión, sino también, y sobre todo, por la tolerancia”, dijo Matteo Amadio, fundador de Bloop.

En ALL CITY CANVAS lo entrevistamos para que nos contara sobre los inicios del festival y las razones por las cuales es necesario expandir el arte a toda la gente.

BLOOP, el festival de arte proactivo, regresa este 2017 con una nueva palabra temática: Cambios. Ibiza será la sede del festival, una isla construida con base en prejuicios sobre el descontrol y los excesos, mismos que se quieren deshacer con las propuestas de Bloop.

Desde hace seis años que se lleva a cabo este festival. La idea de llevar arte a todo público de manera gratuita, es para generar interacción entre la obra y los espectadores, rompiendo las barreras entre el arte y los asistentes.

¿Por qué elegir la palabra Cambios como la temática de este año?

Venimos de un gran período de crisis económica. Sumémosle los cambios inesperados, como la elección del Reino Unido de salir de la Unión Europea y la decisión de Estados Unidos de elegir a Trump como presidente que despiertan grandes incógnitas. También basta pensar en cómo la relación con la tecnología ha cambiado nuestra forma de socializar. Es decir, si miramos el presente, el pasado o el futuro, el tema más candente hoy parece precisamente eso.

Cada año la elección de tema por edición de festival es elegida con base en experiencias y anécdotas del mundo de Matteo Amadio. En algún momento, luego de haber sido engañado por su novia, reunió a artistas que habían pasado por la misma situación y querían expresar su sentir por medio de obras de arte.

“Cuando mi ex novia me engañó, decidí organizar en Milán una exposición con artistas cornudos que quisieran expresar a través de arte sus experiencias con sus exes. Con Bloop buscamos ampliar un poco más el horizonte, miramos la realidad de escenarios culturales, sociales y geopolíticos”, contó Amadio.

El arte logra que las barreras de nacionalidades se rompan, ¿crees que BLOOP pueda cruzar fronteras?

Sin duda nos gustaría que esta experiencia se pudiera repetir en otras ciudades. Sin embargo, antes de aventurarnos a un nuevo territorio, debemos entenderlo perfectamente, sobre todo si llevamos una propuesta como Bloop, tenemos que encontrar socios locales para así mantener el espíritu que hemos creado en Ibiza.

Cada año el objetivo se cumple. La sociedad se acerca al arte. La gente se mezcla y el arte gana terreno para crear un nuevo turismo. Los cambios no sólo son en el escenario o en la temática del festival, sino en todo lo que rodea al mundo. 

 

Esta nueva edición de BLOOP, la cual se llevará a cabo del 23 de agosto al 16 de septiembre de este año, pretende continuar la esencia con la cual se creó: hacer arte para todos, esto se ha logrado desde los estilos de algunos artistas como INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper.

Cada vez está más cerca este importante festival. ¡ATENTOS!

 

70 años después: arte cubano en Museo de EEUU

Blog/Español/Exhibiciones por

El Museo de Bellas Artes de Houston trajo la exhibición

70 años tuvieron que pasar para que el arte cubano regresara a Estados Unidos.

La última vez que se había expuesto arte de Cuba en Estados Unidos fue en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en 1944, con la exhibición Pintores cubanos modernos.

Adiós utopía: sueños y engaños en el arte cubano desde 1950 es el título de esta nueva exposición, la cual constará de más de 100 obras de artistas y diseñadores cubanos.

La exposición ya estaba contemplada mucho tiempo antes de que las relaciones entre Estados Unidos y Cuba se restauraran, ya que la intención es ayudar a los artistas cubanos a promover sus obras más allá de su país.

El bloqueo, obra realizada por el artista cubano Tonel en 1989, llama la atención dentro de la exhibición, pues consiste en un conjunto de bloques de cemento en forma de Cuba. La muestra de arte estará abierta hasta el 29 de mayo de este año.

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