Art, Design & Culture + Soul = ⚡️ Uniqueness

Tag archive

contemporary art

Doble fondo: ¿cómo preservar el graffiti que está en las calles? 🤔

Blog/Español/Exhibiciones por

Proyectos Monclova presentó exposición de graffiti sobre el caso Ayotzinapa

Fotografías por Cristina Ochoa

De fondo se escucha una pieza de la serie de canciones de Gustav Mahler Kindertotenlieder (canciones para los niños muertos); la pantalla reproduce una a una las imágenes de protesta que desde el 2014 comenzaron a ser cotidianas en México tras las desaparición simultánea de 43 estudiantes en Ayotzinapa, Guerrero. Es la pieza “Gramática de la tristeza”, obra que formó parte de la exhibición Doble fondo, en la galería Proyectos Monclova.

La muestra fue realizada por el colectivo Tercerunquinto, conformado por los artistas regiomontanos Julio Castro, Rolando Flores y Gabriel Cazares y con el cual buscan hacer obras que vinculen la escultura, arquitectura y su relación con el espacio público y privado.

Doble fondo es un trabajo que hace una exploración a la idea de la rabia como un motor de creación en la realización del graffiti. A través de dos ejes principales: por un lado, lo relacionado con el caso de Ayotzinapa en México y por el otro, un acercamiento a la figura del graffitero, mediante la representación de un actor.

A través de una serie de paños, los artistas se encargaron de remover parte de 122 graffitis que se realizaron en la Ciudad de México durante las protestas por el caso Ayotzinapa.

“Mi nombre es Hugo Álvarez y tengo 19 años..” comienza el performance realizado en el Museo de Antioquia que conforma la pieza “Graffiti. Representación en grado cero”, una obra audiovisual en la cual se explora el papel del graffitero y la clandestinidad de la práctica. Para este video se obtuvieron permiso por parte de autoridades culturales del gobierno de Medellín, Colombia.

El piso también formó parte importante de la muestra, pues, sobre el suelo original del lugar se instaló uno nuevo. La idea fue hacer una reflexión de dónde estamos parados.

De esta forma, el colectivo logró lo que muy pocos: más allá de la preservación del graffiti como una práctica que puede dejar de ser considerada como efímera, hizo un acercamiento a la idea de la pinta como un canal para expresar la inconformidad y una especie de documento que plasma un problema que sigue vigente en el país latinoamericano.

Spectrum Indian Wells Art Show: the exceptional contemporary art show

Blog/English/Exhibiciones por

Artists like Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland will meet in California

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Spectrum Indian Wells Art Show is in the heart of the Coachella Valley in California, gathering some of the best artists and contemporary art galleries. It will be held from March 16 to 19, 2017 at the Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

This edition will have a committee of renowned exhibitors with outstanding reputations in the edition and development of the artist. Rigorous standards of aesthetics and attention to detail will be applied, providing an aerodynamic, crisp and clean place for gallery owners, designers, architects and collectors to enjoy.

Some of the artwork that will be exhibited at Spectrum will be paintings, photography, sculpture, glassworks and much more. This wide range of techniques achieve a great connection between artists, the jury and the people who will enjoy this artistic presentation. It also gives a great opportunity to emerging contemporary artists to participate on this demonstration.

Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland are among the artists that will be present at Spectrum.

Open Skies by Joëlle Blouin

Some of the galleries and photography studios that will exhibit are: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio, among others.

Lightning Bolt

NADA 2017, the fair every emerging artist needs to know about

Blog/English/Exhibiciones por

Aliens, dancing and lots of art in New York

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F & Paula Villanueva

You come home, open your bedroom door and, in front of your desk, you find a strange being typing at full speed, an alien that develops the same skill you would. No, it’s not an E.T.-type plot, it’s a piece by Jeremy Couillard, at this year’s New Art Dealers Alliance (NADA) 2017 edition.


The sixth edition of this fair, which according to its founders “is always looking for new ways to bring contemporary art to the public on behalf of our international exhibitors” hosted galleries like 11R, Carbon 12, Dutton, Glasgow International, Maki Fine Arts, among many others.


It was in 2002 that Elyse Derosia, President of NADA, and who is also part of the gallery Bodega in New York’s Lower East Side, together with gallery owner Augusto Arbizo, decided to found this proposal, which after six editions, has been consolidated as one of the most influential promotional events for emerging artists today.


International artists like Phoebe Berglund, Stefan Benochoam, Megan May Daalder, Cristina Tufino, Jennifer Rochlin, among others, participated in three art-filled days in the form of dance, sculpture, painting and installations.
For this edition, the project collaborated with Kickstarter, the most prominent creative works promotion platform. The partnership resulted in a series of lectures on art, education and other subjects involving the creative community as well as performances.

For this edition, the project collaborated with Kickstarter, the most prominent creative works promotion platform. The partnership resulted in a series of lectures on art, education and other subjects involving the creative community as well as performances.

SPRING/BREAK Art Show: arte al estilo Black Mirror

Blog/Entrevistas/Festivales por

400 artistas exhiben obras en el Armory art week

Texto en colaboración con Víctor Valencia

Fotografías: Briana Prieto 

Tan extraño como tener sexo con un puerco, tan futurista como el acaparamiento de la tecnología sobre nuestras actividades cotidianas, así se vivió SPRING/ BREAK Art Show, en el 4 Times Square.

Basado en la apertura de espacios para creadores emergentes, SPRING/ BREAK Art Show apareció en el 2009 con el dueto Andrew Gori y Ambre Kelly, especialistas en productos multimedia y pintura, respectivamente.

Casi 400 artistas fueron los participantes de la edición 2017 del proyecto cuya temática principal fue Black Mirror: El concepto va de crear con un auto retrato, una interpretación de sí mismo a través de la no-estética, como en su época lo hicieran Van Gogh, Jan van Eyck to Chuck Close, Frida Khalo, entre otros.

Performance, instalaciones y pintura fueron los principales ejes rectores de la propuesta que en 2017 presentó a artistas como Nicholas Fraser, Eve Sussman, James Woodruff, Chris Retsina, Rohitash Rao, entre otros.

Como una especie de reflejo de los artistas, las obras fungen como un reflector de todo un proceso creativo. el cual además, involucra la personalidad de su creador.

El proyecto busca presentar a los nuevos artistas en espacios que no fueron creados para la exhibición de arte, por lo que Gori y Kelly indagan en espacios abandonados para la presentación de los proyectos. Por ejemplo, en el 4 Times Square, fueron utilizados los pisos 23 y 24 para poner la muestra en la cual participaron alrededor de 150 curadores.

La idea es que los artistas que se presentan en la exhibición puedan darse a conocer y vender sus obras a un bajo costo, mismas que pueden ser adquiridas vía online.

 

 

SPRING/BREAK Art Show: Black Mirror art

Blog/English/Exhibiciones por

400 artists exhibit their work at Armory arts week

Text by Cristina Ochoa in collaboration with Víctor Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

 As strange as having sex with a pig, as futuristic as the hoarding of technology in our daily activities, we experienced SPRING / BREAK Art Show at 4 Times Square in New York City.

Based on the opening of spaces for emerging artists, SPRING / BREAK Art Show appeared in 2009 by the duet Andrew Gori and Ambre Kelly, specialists in multimedia products and painting, respectively.

Almost 400 artists participated in this edition whose main theme was Black Mirror. The concept was to create a self-portrait, an interpretation of themselves through non-aesthetics, like Van Gogh did in his time, Jan van Eyck to Chuck Close, Frida Kahlo, among others.


Performances, installations and paintings were the main guidelines of the 2017 proposal. Artists like Nicholas Fraser, Eve Sussman, James Woodruff, Chris Retsina, Rohitash Rao, Jonathan Rosen, among others were present at this edition.

For the artists, their artwork functions like a reflector of an entire creative process, which also involves the personality of its creator.

The project seeks to present new artists in spaces that were not originally created for an art exhibition, which is why Gori and Kelly look for abandoned spaces for project presentations. For example, at 4 Times Square, floors 23 and 24 were used to exhibit the pieces where about 150 curators participated.

The idea is that artists that were featured in the exhibition can get exposure and sell their work at an affordable price; these can also be purchased online.

The best artwork of The Armory Show 🗽

Blog/English/Exhibiciones por

More than 200 art galleries from around the world gathered at the art fair.

Text by Victor Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

More than 200 galleries and artists from 30 different countries gathered at The Armory Show 2017 on March 2nd to 5th. The best art works of the 20th and 21st century reunited at this great fair.

Self Portrait by Bruce High Quality Foundation

The presentation of the artwork was divided in five different sections, in which the work of classic artists such as Picasso and emerging artists could be observed.

Les Déjeuners, 1961 by Pablo Picasso

With a tradition dating back to 1994, The Armory Show (named after the legendary 19th century exhibit of great European artists never seen before in the United States) showed the best of contemporary art in countries such as the United States, Spain, Denmark, Norway, Greece, France, United Kingdom and Mexico.

Afternoon (#1121) by Yayoi Kusama

Some of the galleries that showed their artwork this year were: Marianne Boesky Gallery, Mor Charpentier, Praz-Delavallade, Marc Selwyn Fine Art and Leila Heller Gallery.

FMLMBD, 2017 by Rachel Lee Hovnanian

Artists such as Franco Calarota, Matthias Dornfeld, Francisco Ugarte, Diana Fonseca, Levi Von Veluw, Yayoi Kusama and Jordi Mayoral were also present.

As every year, The Armory Show hosts more than 65,000 art lovers from all over the world; it has become one of the largest fairs in the world.

Drunk by Otterness, Tom

Lo mejor de la feria de arte contemporáneo SCOPE🎨

Blog/Español/Festivales por

SCOPE: un espacio para el arte contemporáneo emergente

Texto en colaboración con Víctor Arturo Valencia

Fotografías: Briana Prieto

Objetos desbordados, niños en situación de peligro, Donald Trump teniendo sexo con mujeres mexicanas, esculturas que dan la apariencia de ser personas reales; todo eso es lo que se vivió en SCOPE, una de las feria de arte contemporáneo más importante del mundo.

15 años han pasado desde la primera emisión de SCOPE, para 2017, el evento de arte contemporáneo más grande en el mundo: reúne alrededor de 1.2 millones de visitantes.


El artista, especialista en arquitectura y fundador de SCOPE, Alexis Hubshman, decía para la revista Forbes que su proyecto surgió como un evento en el que se buscaba “crear eventos de arte que fueran más íntimos, sexys y emocionantes. (…) nosotros hicimos performance antes de que el performance en el arte fuera cool”. Una oportunidad para los artistas emergentes de hacer cosas que no podían haber hecho en ningún otro lugar.

 

El proyecto, que ha realizado alrededor de 75 ferias, presenta el trabajo de más de 60 galerías, entre las que se encuentran Adelson  Galleries,    Art  Unified,  Arte  Berri,  Cantor  Fine  Art,  Gallery  G-77,  Victor Lope Arte Contemporáneo, otras.

Escultura, pintura e instalaciones son algunas de las cosas que se pueden encontrar en la magno exhibición que se presenta en Nueva York; los temas son variados,  pero tienen en común la idea que difunde el festival: promover proyectos emergentes en el arte contemporáneo.

The best of SCOPE, contemporary art fair

Blog/English/Exhibiciones por

SCOPE: a space for emerging contemporary art

Text by Cristina Ochoa in collaboration with Víctor Arturo Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

Overloaded objects, children in distress, Donald Trump having sex with Mexican women, sculptures that give the appearance of being real people; all that is what was lived at SCOPE, one of the most important contemporary art fairs in the world.

Heart of Sambo by King Saladeen
Orgasm by Dan Lam (left)

15 years have passed since the first issue of SCOPE, one of the largest contemporary art events in the world: it gathers around 1.2 million visitors.


Alexis Hubshman, an architecture specialist and founder of SCOPE, told Forbes magazine that his project emerged as an event that sought to “create art events that were more intimate, sexy and exciting. (…) we did performance before the performance in art was cool.” An opportunity for emerging artists to do things they could not have done anywhere else.

Palazzo Butera by Massimo Listri

 The project, which has held around 75 fairs, presents the work of more than 60 galleries, among which are Adelson Galleries, Art Unified, Arte Berri, Cantor Fine Art, Gallery G-77, Victor Lope Arte Contemporáneo, among others.

Palm Springs II by Dean West

 

Sculpture, painting and installations are some of the things that were found in the great exhibition that was presented in New York last week; the themes are varied, but they share the core idea of ​​the festival: to promote emerging projects in contemporary art.

by Sarah Bahbah
Blindness Purple Rain and Blindness Reaction of the Past by Javier Martin

 

 

Forest of numbers: la idea futurista del mundo en una instalación🌎

Blog/Español/Exhibiciones por

60 mil números usados para una instalación en el Centro Nacional de las Artes de Tokio

Fotos: Emanuelle Moureaux

Como parte del 10 aniversario del Centro Nacional de las Artes de Tokio, la arquitecta francesa Emmanuelle Moureaux, presenta Forest of numbers,  un trabajo hecho con más de 60 mil números que destacan su idea futurista del mundo en 10 años.

Conformada por 10 capas de números y por 100 colores que Moureaux ha utilizado en sus trabajos desde 2013, ha sido instaurada en un espacio de 200 mil metros cuadrados, lo cual resulta una experiencia visual impresionante para el espectador.

Emmanuelle Moureaux podría hacerse llamar “la artista del color”: basada en el concepto que ella misma desarrolló, “shikiri”, que significa “crear espacio con color”. La arquitecta francesa, quien ha vivido en Tokio desde el año 1996, ha conseguido crear espacios tridimensionales usando los matices como protagonistas.  

La gama de colores que Moureaux utiliza se centra en la experiencia de color que se puede encontrar, para lo cual, la francesa crea una atmósfera que da a los visitantes la sensación de profundidad y tranquilidad en el bosque de arcoiris.

La experiencia es una acotación al futuro como una historia sin final, por lo abrumante que podría resultar el giro constante de cifras y la cantidad de elementos que conforman a la pieza que  ya ha atraído a más de 20 mil visitantes.

 

Con información de Emmanuelle Mureaux architecture 

All Big Letters: ¿en qué se inspiran los grafiteros antes de pintar?👌

Blog/Español/Exhibiciones por

Cantor Fitzgerald Gallery presenta la exposición curada por RJ Rushmore

Fotografías: Cantor Fitzgerald Gallery

¿Qué hay detrás de las pintas a las que nos enfrentamos todos los días por las calles?, ¿existe cierto grado de anhelo de reconocimiento, por parte de los artistas urbanos al crear sus trabajos? Son esas las cuestiones que busca resolver All Big Letters, la muestra curada por RJ Rushmore que explora la práctica del graffiti más allá de los muros.

La exposición es un compendio de todo un mundo: el trabajo finalizado, los materiales, el artista, sus intereses, qué lo llevó a realizar su pinta, el lugar…para ello, sólo un experto en el tema como RJ Rushmore podría encargarse de dicho análisis: experto en graffiti, editor en jefe del blog Vandalog, curador del proyecto Art in Ad Places y escritor. Rushmore es un experto en el tema del arte urbano.

Una exhibición sobre el estilo, las herramientas y la técnica del graffiti, la muestra se presenta en Cantor Fitzgerald Gallery, el proyecto del Haverford College en el cual participa la comunidad del instituto y con el cual buscan hacer trabajos de análisis en torno a la cultura contemporánea.

Rushmore realizó una exploración de las pintas, desde el surgimiento del inicio del graffiti en la década de los 60 y 70 hasta nuestros días. No importa que la pared refleje únicamente un nombre, siempre hay algo más por decir de ello: la constante repetición de un nombre en distintas partes de la ciudad, hace un reclamo de atención, por ejemplo.

All Big Letters, pensar y leer entre líneas, hacer de una pieza, algo más allá de su presentación física: “Quería exhibir la mente del graffitero en una galería… eso significa, apreciar no sólo la pieza terminada sino cómo y por qué se hizo”, dijo Rushmore para la publicación Brooklyn Street Art.

 

Con información de Street Art Brooklyn y Haverford. 

Pantone inaugura exposición colectiva en Nueva York

Blog/Español/Exhibiciones por

Artistas internacionales inauguran exposición en galería de NY

Fotografías Briana Prieto

El arte óptico es un movimiento creativo que comenzó a tomar terreno en la década de los 60. GR Gallery de Nueva York nos presenta una exhibición que  demuestra lo mucho que falta por explorar en el tema de la percepción visual : Interferences: Contemporary Op and Kinetic Art.

El arte cinético y el óptico son corrientes que buscan explorar a través de la estética del movimiento, priorizando la experiencia visual del espectador.

En la exhibición participan Gilbert Hsiao, Sandi Renko, Nadia Costantini y Felipe Pantone, artistas que han trabajado el uso de la línea como elemento fundamental en sus obras.

El trabajo de Felipe Pantone es reconocido por su acercamiento con el graffiti, los colores que nos hacen recordar videojuegos o cualquier imagen de la era digital a través de creaciones abstractas.

Gilbert Hsiao ha trabajado el tema de la percepción visual desde 1980,  su obras se centran en creación de “olas” producto de la relación espacio-movimiento.  Trazos sencillos pero destacados, conforman las piezas que presenta en la muestra de la galería de origen italiano.

Sandi Renko es reconocido por su colaboración en el diseño industrial. A través de obras que destacan los colores acrílicos, la italiana nos muestra una serie de trabajos en los cuales explora el movimiento a través de figuras tridimensionales.

Nadia Costantini, la pintora y escultora italiana que trabaja con el contraste positivo-negativo para crear la ilusión de movimiento en sus trabajos, nos presenta una serie de obras con figuras geométricas que nos dan la sensación de profundidad.

Porque no todo está dicho en la exploración del arte óptico, GR Gallery nos presentará hasta el próximo 16 de abril a los creadores más destacados hasta el momento, en este tema.

Pantone opens collective exhibition in New York

Blog/English/Exhibiciones por

International artists inaugurate exhibition in New York gallery

Text by Cristina Ochoa; Translation by Briana Prieto

Photos by Briana Prieto

Optical art is a creative movement that began to take shape in the 1960s. The GR Gallery of New York presents an exhibition that shows how much there is to be explored in the field of visual perception: Interferences: Contemporary Op and Kinetic Art.

Kinetic and optical art are currents that seek to explore through the aesthetics of movement, prioritizing the viewer’s visual experience.

“Gyro” – Gilbert Hsiao

The exhibition includes Gilbert Hsiao, Sandi Renko, Nadia Costantini and Felipe Pantone, artists who use the line as a fundamental element in their work.

The work of Felipe Pantone is recognized for his approach to graffiti, the colors that remind us of video games or any image of the digital era through abstract creations.

“Scroll Panorama 10” “Scroll Panorama 8” -Felipe Pantone
“Chromadynamica 16” -Felipe Pantone
“Optichromie 85” -Felipe Pantone

Gilbert Hsiao has worked on the visual perception subject since 1980, his work focuses on creating “waves”, product of the space-movement connection. Simple but outstanding strokes make up the pieces that he presents in this exhibition of the Italian origin gallery.

“Hum and Noise” – Gilbert Hsiao
“Sound Clash” -Gilbert Hsiao

Sandi Renko is renowned for his collaboration in industrial design. Through works that emphasize the acrylic colors, the Italian shows us a series of work in which he explores the movement through three-dimensional figures.

“Dinamicaverde”- Sandi Renko
“Stripe 416” -Sandi Renko
“KROG915” -Sandi Renko

Nadia Costantini, Italian painter and sculptor who works with the positive-negative contrast to create the illusion of movement in her work, presents a series of work with geometric figures that give us the feeling of depth.

“Scansioni di superficie” -Nadia Costantini
“Scansioni di Superficie” -Nadia Costantini
“Scansioni di Superficie” -Nadia Costantini

Because not everything is said in the exploration of optical art, until April 16th GR Gallery will present to us the most outstanding creators so far in this subject.

Ir a Arriba