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Jonathan LeVine Gallery está de vuelta con Welcome to Jersey

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La primera exhibición de la galería en su nueva sede

Fotografías de Briana Prieto y Doménica Armendáriz

Si hay una palabra que define a Jonathan LeVine Gallery es “multidisciplinariedad”, el espacio de arte que fue fundado por el propietario del mismo nombre, es uno de los lugares que conjunta de manera perfecta el estilo característico del arte urbano y lo abstracto del mundo contemporáneo. Esta galería abrió su primera muestra tras la apertura de su sede en Nueva Jersey: Welcome to New Jersey.

Milk Made Momma. Ron English. Foto: Jonathan LeVine Gallery

Tras 11 años hospedados en la ciudad de Nueva York, Jonathan LeVine decidió transferir el domicilio de la galería a Nueva Jersey, la urbe donde creció y cimentó su pasión por el arte a través del punk. El propósito de esta muestra integrada por artistas internacionales es continuar con la meta propuesta desde su estancia en Nueva York: presentar una diversidad de trabajos y la promoción del arte que amalgama la práctica propia del estilo urbano.

Diego Gravinese, Welcome to Jersey. Foto: Jonathan LeVine Gallery
Love lies bleeding. Adam Wallacavage.
Grey Terrarium Keeper. Jeff Soto. Foto: Jonathan LeVine Galle.

Street art, surrealismo pop e hiper realismo son las líneas que siguen la mayoría de estos trabajos, que sin embargo, resultan muy distintos entre sí.

Alessandro Gallo, Welcome to Jersey
Grand Central. Matt Grabelsky. Foto: Jonathan LeVine Galle

Entre los artistas que participan en Welcome to New Jersey. (abierta hasta el 18 de marzo) están:

TaraMcPherson, cuyo trabajo está enfocado en la representación de la inocencia a través de la intersección entre mito, leyenda y astronomía; el famoso artista urbano Shepard Fairey; Erik Jones, artista que aborda temas sobre el realismo geométrico; Diego Gravinese, con su estilo hiperrealista: Alessandro Gallo, a quien es reconocido por sus obras que representas las acciones y los hábitos en los animales, cosa que plasma en cada uno de sus trabajos con tintes surrealistas; entre otros.

Icon Collage. Shepard Fairey.
Nose Pick. Haroshi.
Bloom. Erik Jones.

Considerada una de las galerías de arte más importantes de los últimos tiempos, Jonathan LeVine Gallery es un espacio dedicado a la promoción de artistas y proyectos que cuestionan la propia práctica del arte contemporáneo. La exhibición es un trabajo en conjunto con Mana Contemporary, la organización dedicada a la promoción de proyectos artísticos.

 

 

Please come back. ¿El mundo como prisión?, nueva muestra en el MAXXI

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26 artistas de todo el mundo participan en la muestra

Fotografías Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI)

La prisión, ¿espacio configurado por muros que recluyen a las personas o metáfora de la vida contemporánea? Esa es la pregunta que se hace Please come back. ¿El mundo como prisión?, la nueva muestra en el Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), en Roma, conformada por 26 artistas internacionales y 50 obras.

La exposición se divide en tres secciones:

“Detrás de los muros”: la parte dedicada a la historia a través de la exploración a cárceles famosas y la experiencia personal de algunos artistas que estuvieron en prisión, como es el caso de Gülsün Karamustafa y Zhang Yue.

“Fuera de los muros”: zona conformada por videos y performances, principalmente; también expone los regímenes de control y vigilancia.

“Más allá de los muros”: el apartado destinado a la reflexión de la idea de la prisión más allá de un control físico. En él se hace una exploración a momentos como el atentado del 11 de septiembre en Estados Unidos y el papel que la tecnología tiene en esta nueva forma de presidio.

El nombre del proyecto viene de una obra del colectivo parisino Clarire Fontaine, hecha en el 2008 y en la que utilizaban la frase “Please come back” escrita con letras neón, en diferentes versiones haciendo referencia al trabajo intenso como una forma de reclusión.

La exhibición fue curada por Hou Hanru, crítico de arte y actual director artístico del museo, y Luigia Lonarelli, especialista en arquitectura y fotografía.

 

 Con información del Museo Nazionale delle Arti del XXi secolo (MAXXI).

La quinta edición de Material Art Fair 2017 🎨

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La quinta edición de la feria de arte contemporáneo

Fotografía y texto por Mariana Gaona y Cristina Ochoa

Volvió uno de los eventos de arte contemporáneo más importantes de México: Material Art Fair, un espacio de búsqueda e investigación artística que exhibe piezas innovadoras en lenguaje, técnica y presentación. Realizada del nueve al 12 de febrero en Expo Reforma, la quinta edición de esta feria dio mucho de qué hablar.

Como cada año, durante la semana del arte contemporáneo en México, se realizaron de manera simultánea tres ferias enfocadas en la promoción de artistas y galerías nacionales e internacionales emergentes: Zona Maco, Salón Acme y Material Art Fair.

Uno de los objetivos de Material es incentivar el coleccionismo y la participación del público en el arte. A través de obras que hablaban de la vida cotidiana; un espacio que permitía la contemplación pausada de las obras (gracias a la amplitud y bancas disponibles frente a las galerías); materiales que resultaban familiares a los espectadores y una serie de artistas quienes trabajaron con todo este conjunto, Material Art Fair se consolidó una vez más como una de las propuestas artísticas más prometedoras de los últimos años.

Esta edición ofreció pintura, escultura, fotografía, performance e instalación jóvenes. En esta ocasión participaron 54 galerías, espacios sin fines de lucro y proyectos independientes de 16 países y 31 ciudades. Galerías como Ginsberg (Lima), Exo Exo (París), Natalia Hug (Colonia) o Labor (Ciudad de México) ofrecieron lo mejor de su catálogo en arte contemporáneo.

Entre los proyectos más interesantes del programa estuvieron:

Christian Camacho

Artista contemporáneo seleccionado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y la Colección Fundación Jumex para realizar estudios en el extranjero, este artista mexicano ha expuesto su trabajo en Londres, Monterrey, Ciudad de México y Milán. La noche y el dibujo son constantes en su obra, que abarca desde la escultura y la instalación hasta, precisamente, el dibujo.

Héctor Zamora

El eje de su trabajo es el espacio más allá del que ocupa una galería o el designado para obras artísticas. A partir de su conocimiento sobre arquitectura de estructuras ligeras, ha construido, por ejemplo, una vivienda parasítica en la fachada del Museo Carrillo Gil (Paracaidista, 2004), o la intervención con muros de block en un restaurante de la Ciudad de México (Divisiones, 2006). 

Lauren Halsey

La artista egresada de la Universidad de Yale se presentó en la feria con Kingdom Splurge (4), de la mano de la galería Damen and the Love Guru. El proyecto, según la artista, es un reino compuesto de jardines hiperrealistas, paisajes de fantasía y piscinas de agua de belleza.

Marcos Castro

El artista mexicano quien ha trabajado en el mural, la pintura, el dibujo y la instalación  en recintos como el Palacio de Bellas Artes, presentó una serie de piezas que recuerdan a figuras de la mitología griega, al dibujo y las cuales despiertan en el público la idea de lo ancestral.

Además este año se sumó el proyecto IMMATERIAL, sección de performance y danza creada por jóvenes artistas. Producido y curado por el italiano Michelangelo Maccolis, algunas de las obras iniciaron dentro de la feria y de Expo Reforma sin previo aviso.

 

Lo mejor de Zona Maco 2017

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La feria de arte contemporáneo más  importante en Latinoamérica

Fotografías por Cristina Ochoa

Instalaciones que causan extrañeza, pinturas que se desbordan de la configuración de sus cuadros, videos que proyectan el arte y la vida cotidiana, artistas internacionales que conviven en la feria de arte contemporáneo más importante en latinoamérica.  En ALL CITY CANVAS te presentamos lo mejor de Zona Maco 2017.

Porque no todo en el arte son pinturas que tratan sobre la historia clásica: porque la disputa sobre si la práctica contemporánea debería ser considerada arte está más que rebasada (o al menos eso parece), una vez más se realizó la feria creada en el 2002 por Zélika García en el Centro Citibanamex.

Gente de distintas partes del mundo, expositores internacionales (algunos de ellos, presentándose por primera vez en México), galerías emergentes, coleccionistas extravagantes y mucho arte es lo que se vivió en la edición 14 de Zona Maco.

Lucas Simões de MARSO Galería rompió (literalmente) su obra, con lo que dejó fascinados a la mayoría de los visitantes a su stand con un trabajo en el que los participantes pudieron experimentar mediante el contacto con la obra misma.

Y porque el hecho de asimilar nuevas posibilidades de interpretación, experimentación y exhibición no quiere decir que se descarte la idea del arte clásico, este año se contó con una sección dedicada a creadores importantes del siglo XX, como Diego Rivera y Orozco.

SAMPLE: Tropezando con Montañas fue la muestra colectiva que contó con la curaduría de Humberto Moro y en la cual se planteó la posibilidad de interacción entre las Nuevas Propuestas del programa. En SAMPLE participaron Juan Carlos Coppel de Celaya Brothers Gallery; Tezontle, de Peana Projects; Diego Barruecos, de Galería Machete; Adam Chamandy, de Yam Gallery, entre otros.

En esta edición, la diversidad de temas, galerías y proyectos destacó más que en otras ocasiones. Pintura, escultura, arte y diseño se involucraron para satisfacer la exigencia del público.

 

Proyectos que independientemente de su materialización, hablan sobre nuestra forma de vida cotidiana, los problemas socio-políticos de la actualidad, nuestra interacción con todo ello. Es por eso que nuevamente Zona Maco se consolida como una de las más prominentes a nivel internacional.

Video tour of Vhils’ first exhibition in Hong Kong

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A virtual tour of Vhils’ work at HOCA and on the streets of Hong Kong

Text by Monica Vazquez – Translation by Briana Prieto Fuentes

Identity and life in the urban context are the topics of the exhibition Debris at Hong Kong Contemporary Art (HOCA), by Alexandre Farto, better known as Vhils. The exhibition ran from march 21 to april 4, 2016 and for all those who wanted to see it, the artist shared a virtual tour of the exhibition and his work on the streets.

Vhils is a portuguese artist, who is known for using the walls to sculpt, to put collages on them and, in this occasion, to fill them with neon lights. The urban life and contemporary societies have been his subjects of interest during his artistic trajectory.

Vhils in Hong Kong: a bit of context

It was his first individual exhibition in this asian region. A series of interventions in emblematic places and most traveled of Hong Kong invited the residents and tourists to think about their urban environment and cultural landscape from the artist’s perspective; besides part of his work was exposed at HOCA. The artist used the gallery and the streets as spaces of exhibitions and expressions.


Time, geometric elements, and images that have turned into symbols of Hong Kong, were also part of Vhils’ inspiration to intervene a trolley car with portraits of citizen’s histories; besides placing compositions of neon and metal in the middle of the streets, showing an extremely transited region wrapped in his own cultural diversity.



With this exhibition, HOCA, an organization founded in 2014, fulfilled one of his principal aims: to promote and to develop access to contemporary art in Hong Kong.

 

With information from Vhils, HOCA, We Heart and Artsy.

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