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Obras de Banksy, Warhol y Shepard Fairey en subasta en Los Ángeles

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Umbrella Rat, obra de Banksy que puede ser la mejor pagada

Sin duda, Bansky es de los nombres más sonados en el mundo del arte urbano. El artista británico no sólo ha sido controversial por su incógnita personalidad, o por sus trabajos cargados de una crítica socio-política, sino también por lo bien valuadas que resultan sus obras.

La casa de subastas Julien’s Auctions pondrá a la venta más de diez obras del artista británico el 31 de mayo. 

La pieza que los organizadores consideran puede ser la mejor pagada es el dibujo original hecho con aerosol, Umbrella Rat, el cual estiman puede ir de los 30 a los 100 mil dólares. También estarán ofertados Black Bobby, Bomb Love, entre otros.

 

Michael Doyle, representante de Julien’s Auctions considera que el trabajo de Banksy mantiene su importancia por la carga política de su mensaje. Comentó que es muy raro encontrar obras de artistas urbanos que sean verdaderamente provenientes de las calles.

En la subasta que se realizará en Los Ángeles también se incluirán trabajos de Shepard Fairey y una serigrafía hecha por Andy Warhol a Mick Jagger, vocalista de los Rolling Stones, en 1975.

En el 2008 fue vendida la obra de Banksy más cara del mundo: Keep it Spotless fue subastada por 1.8 millones de dólares. Otros de los trabajos del artista británico más costosos han sido Laugh now en el 2013; Kissing Coopers en 2016; Space girl and bird (cuyo precio se estimaba en 30 mil dólares); Think Tank en 2013, entre otros.

 

Con información de: Wide Walls, ABC Cultura, Milenio y Channel NewsAsia

Spectrum Indian Wells honors the best of contemporary art in California

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Yenny Cocq, Hollander Gallery and Essence Arts were awarded for the 2017 edition

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Spectrum / Robert J. Hibbs

 

Spectrum Indian Wells has come to an end, one of the most important contemporary art fairs took place in Coachella. This year, the jury recognized the best in painting, installation, sculpture, and other artwork, and awarded both galleries and artists.

Some of the awards granted by Spectrum were:

1. Best sculpture: Yenny Cocq is an artist interested in natural landscapes.

She works with various mediums such as architecture, engraving, sculpture and painting. As an artist, she seeks to explore artificial structures, represent their emotions, imagination and repressions.

2. Best new exhibition: Vandegraaff Gearheardt, artist who works with both new and old objects in his pieces. Handicraft, sounds and technology are part of the beginning of every creative process he initiates. He has a compilation of electronic music that he uses for his different artworks.

3. Best international exhibition: Renssen Art Gallery. Erick Renssen is a Dutch artist, renowned for his lithographic and linocut work. He has recurring themes in his work, including portraits, still life, urban landscapes and family life. He has his own gallery located in Amsterdam.

4. Best booth design: Essence Arts, a design and art studio where colors, images and objects converge dynamically in a shared space. For this edition of Spectrum, they exhibited the work of artist Tom Boatright in their booth, who uses his paintings to create physical and psychological experiences.

Artworks by Tom Boatright and Essence Arts

Christopher Williams was the artist chosen to create a specific exhibition for this edition of the fair. He is part of the Desert Aids Project Art Gallery, an affiliation that has given him the opportunity to grow professionally.


Thanks to Spectrum, the heart of the Coachella valley created a union between art enthusiast and artists, giving people the opportunity to meet authors like Jeffrey Bisaillon, Anita Lewis, Lisa Ashinoff, James Paterson, among many others.
Live demonstrations by artists such as Maria McDonough, Greg Barnhart, Juan-Manuel Alonso, Robin Raznick and Alan Krugs also took place.

The fair achieved a very interesting integration between art collectors, universities, local art institutions, alternative venues, emerging artists and spectators.

 

Casa Prada llevará cine experimental a Italia

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Después de 50 años New American Cinema regresa a Turín  

En mayo de 1967, Jonas Mekas junto con el New American Cinema Group (NACG) y la Unione Culturale di Torino comenzaron un movimiento de cine con un enfoque “anti narrativo” que buscaba separarse de la estructura hollywoodense típica: el New American Cinema, una exposición que causó revuelo y que la reconocida firma italiana de moda Prada volverá a llevar a la ciudad europea 50 años después.

Eran finales de los 60 y un grupo de 23 productores independientes se encargaron de presentar una serie de filmes cortos que poco tenían que ver con las estructuras narrativas cotidianas, y que desafiaban incluso el costo de las producciones, pues se realizaban con bajo costo.

Luego de un trabajo de investigación  y un proceso de digitalización, la Fundación Prada de la casa de modas italiana presentará del 1 al 30 de abril, 30 películas de las 63 originales que se realizaron durante la primera presentación. En concordancia con el programa del 67, la apertura del proyecto será el filme de Mekas, The Brig.

Resultado de imagen para the brig filme mekas

Como parte de un proyecto que busca retomar la importancia de la influencia que causó, de la misma forma que durante la presentación del trabajo de NACG,  Casa Prada realizará una serie de debates y además exhibirá “Quaderno”, una recopilación de artículos y escritos inéditos donde se presentan transcripciones completas de los debates hechos en 1967.

De acuerdo con Mekas, el movimiento estaba orientado a fomentar “el aspecto poético de la autoexpresión” y con ello se lograba el desarrollo del lenguaje y la sintaxis.

La muestra corrió a cargo de Germano Celant, el crítico e historiador de arte quien acuñó el término de arte povera en 1967 para describir un movimiento artístico italiano en el que los materiales utilizados son desechos sustraídos de la naturaleza como hojas, madera y piedras.

 

Con información de: Casa Prada, arte.it,El Universal

Doble fondo: ¿cómo preservar el graffiti que está en las calles? 🤔

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Proyectos Monclova presentó exposición de graffiti sobre el caso Ayotzinapa

Fotografías por Cristina Ochoa

De fondo se escucha una pieza de la serie de canciones de Gustav Mahler Kindertotenlieder (canciones para los niños muertos); la pantalla reproduce una a una las imágenes de protesta que desde el 2014 comenzaron a ser cotidianas en México tras las desaparición simultánea de 43 estudiantes en Ayotzinapa, Guerrero. Es la pieza “Gramática de la tristeza”, obra que formó parte de la exhibición Doble fondo, en la galería Proyectos Monclova.

La muestra fue realizada por el colectivo Tercerunquinto, conformado por los artistas regiomontanos Julio Castro, Rolando Flores y Gabriel Cazares y con el cual buscan hacer obras que vinculen la escultura, arquitectura y su relación con el espacio público y privado.

Doble fondo es un trabajo que hace una exploración a la idea de la rabia como un motor de creación en la realización del graffiti. A través de dos ejes principales: por un lado, lo relacionado con el caso de Ayotzinapa en México y por el otro, un acercamiento a la figura del graffitero, mediante la representación de un actor.

A través de una serie de paños, los artistas se encargaron de remover parte de 122 graffitis que se realizaron en la Ciudad de México durante las protestas por el caso Ayotzinapa.

“Mi nombre es Hugo Álvarez y tengo 19 años..” comienza el performance realizado en el Museo de Antioquia que conforma la pieza “Graffiti. Representación en grado cero”, una obra audiovisual en la cual se explora el papel del graffitero y la clandestinidad de la práctica. Para este video se obtuvieron permiso por parte de autoridades culturales del gobierno de Medellín, Colombia.

El piso también formó parte importante de la muestra, pues, sobre el suelo original del lugar se instaló uno nuevo. La idea fue hacer una reflexión de dónde estamos parados.

De esta forma, el colectivo logró lo que muy pocos: más allá de la preservación del graffiti como una práctica que puede dejar de ser considerada como efímera, hizo un acercamiento a la idea de la pinta como un canal para expresar la inconformidad y una especie de documento que plasma un problema que sigue vigente en el país latinoamericano.

Spectrum Indian Wells Art Show: the exceptional contemporary art show

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Artists like Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland will meet in California

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Spectrum Indian Wells Art Show is in the heart of the Coachella Valley in California, gathering some of the best artists and contemporary art galleries. It will be held from March 16 to 19, 2017 at the Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

This edition will have a committee of renowned exhibitors with outstanding reputations in the edition and development of the artist. Rigorous standards of aesthetics and attention to detail will be applied, providing an aerodynamic, crisp and clean place for gallery owners, designers, architects and collectors to enjoy.

Some of the artwork that will be exhibited at Spectrum will be paintings, photography, sculpture, glassworks and much more. This wide range of techniques achieve a great connection between artists, the jury and the people who will enjoy this artistic presentation. It also gives a great opportunity to emerging contemporary artists to participate on this demonstration.

Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland are among the artists that will be present at Spectrum.

Open Skies by Joëlle Blouin

Some of the galleries and photography studios that will exhibit are: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio, among others.

Lightning Bolt

NADA 2017, the fair every emerging artist needs to know about

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Aliens, dancing and lots of art in New York

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F & Paula Villanueva

You come home, open your bedroom door and, in front of your desk, you find a strange being typing at full speed, an alien that develops the same skill you would. No, it’s not an E.T.-type plot, it’s a piece by Jeremy Couillard, at this year’s New Art Dealers Alliance (NADA) 2017 edition.


The sixth edition of this fair, which according to its founders “is always looking for new ways to bring contemporary art to the public on behalf of our international exhibitors” hosted galleries like 11R, Carbon 12, Dutton, Glasgow International, Maki Fine Arts, among many others.


It was in 2002 that Elyse Derosia, President of NADA, and who is also part of the gallery Bodega in New York’s Lower East Side, together with gallery owner Augusto Arbizo, decided to found this proposal, which after six editions, has been consolidated as one of the most influential promotional events for emerging artists today.


International artists like Phoebe Berglund, Stefan Benochoam, Megan May Daalder, Cristina Tufino, Jennifer Rochlin, among others, participated in three art-filled days in the form of dance, sculpture, painting and installations.
For this edition, the project collaborated with Kickstarter, the most prominent creative works promotion platform. The partnership resulted in a series of lectures on art, education and other subjects involving the creative community as well as performances.

For this edition, the project collaborated with Kickstarter, the most prominent creative works promotion platform. The partnership resulted in a series of lectures on art, education and other subjects involving the creative community as well as performances.

SPRING/BREAK Art Show: arte al estilo Black Mirror

Blog/Entrevistas/Festivales por

400 artistas exhiben obras en el Armory art week

Texto en colaboración con Víctor Valencia

Fotografías: Briana Prieto 

Tan extraño como tener sexo con un puerco, tan futurista como el acaparamiento de la tecnología sobre nuestras actividades cotidianas, así se vivió SPRING/ BREAK Art Show, en el 4 Times Square.

Basado en la apertura de espacios para creadores emergentes, SPRING/ BREAK Art Show apareció en el 2009 con el dueto Andrew Gori y Ambre Kelly, especialistas en productos multimedia y pintura, respectivamente.

Casi 400 artistas fueron los participantes de la edición 2017 del proyecto cuya temática principal fue Black Mirror: El concepto va de crear con un auto retrato, una interpretación de sí mismo a través de la no-estética, como en su época lo hicieran Van Gogh, Jan van Eyck to Chuck Close, Frida Khalo, entre otros.

Performance, instalaciones y pintura fueron los principales ejes rectores de la propuesta que en 2017 presentó a artistas como Nicholas Fraser, Eve Sussman, James Woodruff, Chris Retsina, Rohitash Rao, entre otros.

Como una especie de reflejo de los artistas, las obras fungen como un reflector de todo un proceso creativo. el cual además, involucra la personalidad de su creador.

El proyecto busca presentar a los nuevos artistas en espacios que no fueron creados para la exhibición de arte, por lo que Gori y Kelly indagan en espacios abandonados para la presentación de los proyectos. Por ejemplo, en el 4 Times Square, fueron utilizados los pisos 23 y 24 para poner la muestra en la cual participaron alrededor de 150 curadores.

La idea es que los artistas que se presentan en la exhibición puedan darse a conocer y vender sus obras a un bajo costo, mismas que pueden ser adquiridas vía online.

 

 

SPRING/BREAK Art Show: Black Mirror art

Blog/English/Exhibiciones por

400 artists exhibit their work at Armory arts week

Text by Cristina Ochoa in collaboration with Víctor Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

 As strange as having sex with a pig, as futuristic as the hoarding of technology in our daily activities, we experienced SPRING / BREAK Art Show at 4 Times Square in New York City.

Based on the opening of spaces for emerging artists, SPRING / BREAK Art Show appeared in 2009 by the duet Andrew Gori and Ambre Kelly, specialists in multimedia products and painting, respectively.

Almost 400 artists participated in this edition whose main theme was Black Mirror. The concept was to create a self-portrait, an interpretation of themselves through non-aesthetics, like Van Gogh did in his time, Jan van Eyck to Chuck Close, Frida Kahlo, among others.


Performances, installations and paintings were the main guidelines of the 2017 proposal. Artists like Nicholas Fraser, Eve Sussman, James Woodruff, Chris Retsina, Rohitash Rao, Jonathan Rosen, among others were present at this edition.

For the artists, their artwork functions like a reflector of an entire creative process, which also involves the personality of its creator.

The project seeks to present new artists in spaces that were not originally created for an art exhibition, which is why Gori and Kelly look for abandoned spaces for project presentations. For example, at 4 Times Square, floors 23 and 24 were used to exhibit the pieces where about 150 curators participated.

The idea is that artists that were featured in the exhibition can get exposure and sell their work at an affordable price; these can also be purchased online.

The best artwork of The Armory Show 🗽

Blog/English/Exhibiciones por

More than 200 art galleries from around the world gathered at the art fair.

Text by Victor Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

More than 200 galleries and artists from 30 different countries gathered at The Armory Show 2017 on March 2nd to 5th. The best art works of the 20th and 21st century reunited at this great fair.

Self Portrait by Bruce High Quality Foundation

The presentation of the artwork was divided in five different sections, in which the work of classic artists such as Picasso and emerging artists could be observed.

Les Déjeuners, 1961 by Pablo Picasso

With a tradition dating back to 1994, The Armory Show (named after the legendary 19th century exhibit of great European artists never seen before in the United States) showed the best of contemporary art in countries such as the United States, Spain, Denmark, Norway, Greece, France, United Kingdom and Mexico.

Afternoon (#1121) by Yayoi Kusama

Some of the galleries that showed their artwork this year were: Marianne Boesky Gallery, Mor Charpentier, Praz-Delavallade, Marc Selwyn Fine Art and Leila Heller Gallery.

FMLMBD, 2017 by Rachel Lee Hovnanian

Artists such as Franco Calarota, Matthias Dornfeld, Francisco Ugarte, Diana Fonseca, Levi Von Veluw, Yayoi Kusama and Jordi Mayoral were also present.

As every year, The Armory Show hosts more than 65,000 art lovers from all over the world; it has become one of the largest fairs in the world.

Drunk by Otterness, Tom

Lo mejor de la feria de arte contemporáneo SCOPE🎨

Blog/Español/Festivales por

SCOPE: un espacio para el arte contemporáneo emergente

Texto en colaboración con Víctor Arturo Valencia

Fotografías: Briana Prieto

Objetos desbordados, niños en situación de peligro, Donald Trump teniendo sexo con mujeres mexicanas, esculturas que dan la apariencia de ser personas reales; todo eso es lo que se vivió en SCOPE, una de las feria de arte contemporáneo más importante del mundo.

15 años han pasado desde la primera emisión de SCOPE, para 2017, el evento de arte contemporáneo más grande en el mundo: reúne alrededor de 1.2 millones de visitantes.


El artista, especialista en arquitectura y fundador de SCOPE, Alexis Hubshman, decía para la revista Forbes que su proyecto surgió como un evento en el que se buscaba “crear eventos de arte que fueran más íntimos, sexys y emocionantes. (…) nosotros hicimos performance antes de que el performance en el arte fuera cool”. Una oportunidad para los artistas emergentes de hacer cosas que no podían haber hecho en ningún otro lugar.

 

El proyecto, que ha realizado alrededor de 75 ferias, presenta el trabajo de más de 60 galerías, entre las que se encuentran Adelson  Galleries,    Art  Unified,  Arte  Berri,  Cantor  Fine  Art,  Gallery  G-77,  Victor Lope Arte Contemporáneo, otras.

Escultura, pintura e instalaciones son algunas de las cosas que se pueden encontrar en la magno exhibición que se presenta en Nueva York; los temas son variados,  pero tienen en común la idea que difunde el festival: promover proyectos emergentes en el arte contemporáneo.

The best of SCOPE, contemporary art fair

Blog/English/Exhibiciones por

SCOPE: a space for emerging contemporary art

Text by Cristina Ochoa in collaboration with Víctor Arturo Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

Overloaded objects, children in distress, Donald Trump having sex with Mexican women, sculptures that give the appearance of being real people; all that is what was lived at SCOPE, one of the most important contemporary art fairs in the world.

Heart of Sambo by King Saladeen
Orgasm by Dan Lam (left)

15 years have passed since the first issue of SCOPE, one of the largest contemporary art events in the world: it gathers around 1.2 million visitors.


Alexis Hubshman, an architecture specialist and founder of SCOPE, told Forbes magazine that his project emerged as an event that sought to “create art events that were more intimate, sexy and exciting. (…) we did performance before the performance in art was cool.” An opportunity for emerging artists to do things they could not have done anywhere else.

Palazzo Butera by Massimo Listri

 The project, which has held around 75 fairs, presents the work of more than 60 galleries, among which are Adelson Galleries, Art Unified, Arte Berri, Cantor Fine Art, Gallery G-77, Victor Lope Arte Contemporáneo, among others.

Palm Springs II by Dean West

 

Sculpture, painting and installations are some of the things that were found in the great exhibition that was presented in New York last week; the themes are varied, but they share the core idea of ​​the festival: to promote emerging projects in contemporary art.

by Sarah Bahbah
Blindness Purple Rain and Blindness Reaction of the Past by Javier Martin

 

 

Forest of numbers: la idea futurista del mundo en una instalación🌎

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60 mil números usados para una instalación en el Centro Nacional de las Artes de Tokio

Fotos: Emanuelle Moureaux

Como parte del 10 aniversario del Centro Nacional de las Artes de Tokio, la arquitecta francesa Emmanuelle Moureaux, presenta Forest of numbers,  un trabajo hecho con más de 60 mil números que destacan su idea futurista del mundo en 10 años.

Conformada por 10 capas de números y por 100 colores que Moureaux ha utilizado en sus trabajos desde 2013, ha sido instaurada en un espacio de 200 mil metros cuadrados, lo cual resulta una experiencia visual impresionante para el espectador.

Emmanuelle Moureaux podría hacerse llamar “la artista del color”: basada en el concepto que ella misma desarrolló, “shikiri”, que significa “crear espacio con color”. La arquitecta francesa, quien ha vivido en Tokio desde el año 1996, ha conseguido crear espacios tridimensionales usando los matices como protagonistas.  

La gama de colores que Moureaux utiliza se centra en la experiencia de color que se puede encontrar, para lo cual, la francesa crea una atmósfera que da a los visitantes la sensación de profundidad y tranquilidad en el bosque de arcoiris.

La experiencia es una acotación al futuro como una historia sin final, por lo abrumante que podría resultar el giro constante de cifras y la cantidad de elementos que conforman a la pieza que  ya ha atraído a más de 20 mil visitantes.

 

Con información de Emmanuelle Mureaux architecture 

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