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Textured: la primera exposición individual de Rune Christensen

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La galería Helium cowboy presenta la primera exposición individual del artista

Si hay algo difícil de crear a la vista de los demás (no sólo en el ámbito artístico) es la formación de un estilo propio, esa marca que hace inigualable aquello que hacemos. El artista danés Rune Christensen es de aquellos quienes pueden presumir de haber creado una especie de grabado estilístico en todas sus obras, que hace inconfundible la autoría de los trabajos.

Dualidad, un término acuñado por muchos, expresado por otros tantos y ejecutado de muy diversas formas, podría considerarse el eje de la obra de Christensen. El pintor, ilustrador y grafitero, con sus trabajos evoca la sensación de aquello que mostramos cuando nos referimos a nustro “lado oscuro”.

Textured es la primera exposición individual de Christensen en Alemania. Mujeres con tatuajes, diferentes escenarios, personajes, siempre cubiertos de la boca miran fijamente al espectador, como preguntando, como incitando algo.

Las miradas penetrantes de los personajes femeninos en su obra resultan atrayentes por su intensidad, expuesta a través de colores sombríos; la textura y la técnica de sellado industrial, que recientemente ha implementado el artista en su obra, son características de su trabajo

Rune Christensen nació en Dinamarca en 1980. Su obra se basa en una serie de viajes que hizo a Perú, Bolivia, China, Nepal, Estados Unidos, Canadá, Indonesia, entre otros lugares del mundo. Chirstensen toma como punto de partida las culturas con las cuales tiene contacto durante sus estadías y las utiliza como un reflejo de su gusto por ellas.

La muestra estará en exhibición en la galería elicomcowboy, lugar que desde su inauguración, en 2002, tuvo como objetivo apoyar y difundir el trabajo de artistas jóvenes. Rune Christensen ha presentado proyectos en Nueva York, Miami, Basel, Colonia y Berlín. Su exposición estará hasta el 27 de mayo.

 

 

GARDEN CITY MEGA CITY: primera muestra de la firma arquitectónica WOHA en Latinoamérica

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Despacho WOHA de Singapur presenta exposición sobre ecosistemas urbanos

Fotografías: Cristina Ochoa

El Museo de la Ciudad de México se decoró de color verde: estructuras a escala que representan proyectos hechos por la firma de arquitectos WOHA, de Singapur, adornan el recinto que por fuera es un retorno a la época barroca, justo cuando fue realizado, por el arquitecto Francisco de Guerrero y Torres, y en su interior refleja una previsión de aquello en lo que puede convertirse la práctica arquitectónica contemporánea.

GARDEN CITY MEGA CITY: Ecosistemas Urbanos de WOHA, es la primera muestra del despacho asiático en Latinoamérica. 16 maquetas y una videoinstalación recorren el trabajo de los arquitectos a lo largo de más de 20 años.

Edificios repletos de flora, el desarrollo de la relación humana con la vegetación es la propuesta que WOHA busca impulsar como una de las soluciones a los problemas cotidianos de las mega ciudades.

Ciudades dentro de ciudades
Desde 1994, el despacho WOHA, impulsado por Mun Summ Wong y Richard Hassel, comenzó a operar lo que se convertiría en uno de los estilos de diseño sustentable más influyentes de los últimos tiempos.

La dupla define su trabajo como “ciudades dentro de ciudades”, proyectos que determinan nuevas formas de ver las estructuras urbanas, a la vez que tocan puntos importantes de la sociedad contemporánea: el cambio climático, el crecimiento demográfico y la urbanización global.

A través de sus proyectos WOHA ha recibido premios internacionales, como el Aga Khan Award (2007), el CTBUH Urban Habitat Award (2015) y en el World Architecture Festival. Aunque su trabajo ha sido presentado principalmente en países de Asia y en Australia, para la presentación de la primera muestra de la firma en Latinoamérica, el dueto comentó que las condiciones del continente podrían ser adaptables a sus diseños.

La muestra fue inaugurada dentro del marco del Festival Internacional de Arquitectura MEXTRÓPOLI y estará abierta hasta el 30 de abril.

El diseño en California: acercamientos a la contracultura

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Museo del Diseño en Londres tendrá muestra sobre diseño de los años 60 

California ha sido un referente en la historia de la contracultura. La ciudad estadounidense es sin duda uno de los lugares pioneros para el desarrollo de movimientos que desafían los sistemas estructurales, es por ello que el Museo del Diseño en Londres presentará la muestra Designed in California, una exposición que destaca el valor del diseño en todas las manifestaciones de contracultura hechas en los años 60.

La muestra está compuesta por 200 piezas distribuidas en cinco ejes temáticos: “Ve dónde tú quieras: Herramientas de movimiento y escape”; “Mira lo que quieres ver: Herramientas de percepción y fantasía”; “Di lo que tú quieras decir: Herramientas de autoexpresión y rebeldía”; “Haz lo que tú quieras: Herramientas de producción y autosuficiencia”; y “Únete con quien más te plazca: Herramientas de colaboración y comunidad”. La inauguración será el 25 de mayo y estará abierta hasta octubre de 2017.

Los objetos presentados en esta exposición serán los carteles políticos, la aparición de dispositivos tecnológicos como el GPS, el uso del LSD, o ilustraciones de películas, las cuales en conjunto, caracterizan a California como un lugar donde se desarrolló la contracultura.


Pero como la contracultura no tiene que ver únicamente con un sentido opuesto a los sistemas establecidos, sino también a nuevas propuestas de orden, en esta exhibición estarán presentes proyectos que fueron importantes en la época: por ejemplo, la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller, arquitecto que buscaba mejorar las condiciones de vida de las personas, a través de estructuras fáciles y económicas de realizar.

El Museo del Diseño busca con esta muestra, presentar a California como pionera en la creación de herramientas y canales que culminaron en las búsquedas hacia la libertad.

 

Con información de: Museo del Diseño de Londres,  ARCHITECTURAL DIGEST  y gráffica.

UNESCO premia a los mejores artistas árabes 🏆

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Artistas son premiados por su labor en la promoción de la cultura árabe

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) presentó a los nuevos galardonados con el premio UNESCO-Sharjah, enfocado en la promoción de la cultura árabe: Bahia Shehab y Fawzy Kalife, mejor conocido como El-Seed.

El premio fue anunciado por Abdullah Al Owais, jefe del Departamento de Cultura e Información de los Emiratos Árabes Unidos de Sharjah y será dado a los ganadores en abril.

Bahia Shehab es una artista, historiadora del arte y diseñadora gráfica egipcia, quien en 2010 su nombre fue replicado en medios internacionales cuando intervinó paredes de su ciudad con la campaña Mil veces no, durante el movimiento de la Primavera Árabe. Recopiló miles de símbolos de la escritura árabe que “juegan” con la palabra “no” para representar las múltiples facetas de opresión en las que han sido testigos los egipcios. Su trabajo se enfoca en el graffiti y el estudio de la caligrafía.

El-Seed es un artista franco-tunecino que ha basado sus investigaciones en la historia del arte en París, donde pasó su infancia, así como la caligrafía árabe. El año pasado el artista realizó una serie de pintas en 50 edificios ubicados en Jabal Al-Moqattam, y que si son vistos desde una parte específica de la ciudad, conforman una única frase, tomada de patriarca Athanasius “Cualquiera que quiera mirar la luz del sol, claramente debe limpiar sus ojos primero”.

Esta es la edición número 14 de un premio que surgió en 1998 como parte de un proyecto que busca promover un diálogo cultural y la revitalización de la cultura árabe

 

Con información de ahram online,  El- Seed y El Español

El diseño en la gastronomía: una experiencia visual

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En más de 11 ciudades se ha expuesto Tapas. Spanish design for food

Fue en el 2013 cuando el arquitecto Juli Capella comenzó el viaje por el estudio del diseño en la historia de la comida. Luego de un viaje por ciudades como México, Washington, Seúl, Tokio y otras 11 más, la exposición Tapas. Spanish design for food llegará a Barcelona, la ciudad que la vio nacer.

El interés de Capella sobre la forma en que ingerimos los alimentos lo  ha llevado a crear una muestra en la que se pone como tema central la importancia que ha tomado el diseño en la práctica culinaria: a través de los utensilios y el diseño de lo propios platillos, que hacen de ésta una experiencia sensorial y visual.


Tapas. Spanish design for food  es una exposición dividida en tres partes: la cocina, lugar parecido a un quirófano, en el cual los alimentos son diseccionados y modificados para crear una nueva forma de ellos; la mesa, un objeto cotidiano que sin embargo, dice mucho de quienes día con día se sientan a degustar sus alimentos y los utensilios.

A través de 200 objetos presentados en la muestra que estará abierta hasta el 16 de junio, Capella pone sobre la mesa una relación que ha existido siempre, pero de la que poco se ha hablado: diseño y gastronomía.
La exposición cuenta con la participación de dos artistas reconocidos internacionalmente por su trabajo respecto a estos temas: el diseñador Martí Guixé, y el artista  Antoni Miralda.

Diseño de chamarra causa polémica

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Diseñador mexicano crea prenda que causó controversia en redes sociales

Anuar Layón ha causado tendencia en redes sociales: no, no por las prendas de edición limitada que realizó para la banda Daft Punk, tampoco por su amplio conocimiento en el tema del street wear, ni por su participación en la semana de la moda en México, sino por una prenda en específico que ha desatado una discusión sobre los límites de la creatividad en la moda y la libertad de expresión.

En una chamarra negra se inscribe por detrás la frase “Mexico is the shit”. Un tweet bastó para repuntar una prenda que ha sido popular desde su salida en el 2016.

Personalidades como el fotógrafo Carlos Lang frente a la Torre Trump, y bandas como Warpaint y Death Metal en el Corona Capital, han hecho viral la creación de Layón. Sin embargo, fue una diputada mexicana quien hizo voltear la mirada de nuevo hacia la chaqueta.

La diputada posteó en su cuenta de Twitter un texto en el que subraya la falta de respeto de un hotel ubicado en la colonia Condesa de la Ciudad de México, tras haber aceptado la entrada de dos personas quienes portaban una de las piezas creadas por Layón, por considerarla una ofensa para el país.

Las reacciones no se hicieron esperar y luego de una serie de comentarios a favor y en contra de la propuesta del grupo Yosoymexicano, Anuar Layón, diseñador encargado del polémico accesorio, realizó un video en el cual explica que la intención de ésta ha sido lo contrario a lo que expuso la diputada: poner a México como un país con distintas cualidades. La propuesta de hacer la frase en inglés fue porque consideran que es una forma en la que el mensaje puede llegar a más personas.

Dentro de la pieza se puede leer el manifiesto del grupo: “Esto no solo es una chamarra, es una declaración, una oportunidad para recordar al mundo que México es grande, que todo lo hecho en México está bien hecho. Es un homenaje a todos aquellos mexicanos en todo el mundo que están cambiando la cultura global con sus hermosos corazones y mentes brillantes, es una manera de mostrar que somos muchos y que estamos juntos, elevando los estándares, recordando al mundo que nuestra voz importa. México is the shit es una comunidad, un sistema de apoyo y un movimiento que inspira amor, respeto y confianza, y lo mejor es que no tienes que ser mexicano para ser parte de él, solo hay que amar a México como nosotros lo hacemos. Spread the word”.

¿Te comprarías la prenda?

 

Con información de 24 horas , Milenio y Animal Político 

Fotografías e información: @mexicoistheshit

Forest of numbers: la idea futurista del mundo en una instalación🌎

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60 mil números usados para una instalación en el Centro Nacional de las Artes de Tokio

Fotos: Emanuelle Moureaux

Como parte del 10 aniversario del Centro Nacional de las Artes de Tokio, la arquitecta francesa Emmanuelle Moureaux, presenta Forest of numbers,  un trabajo hecho con más de 60 mil números que destacan su idea futurista del mundo en 10 años.

Conformada por 10 capas de números y por 100 colores que Moureaux ha utilizado en sus trabajos desde 2013, ha sido instaurada en un espacio de 200 mil metros cuadrados, lo cual resulta una experiencia visual impresionante para el espectador.

Emmanuelle Moureaux podría hacerse llamar “la artista del color”: basada en el concepto que ella misma desarrolló, “shikiri”, que significa “crear espacio con color”. La arquitecta francesa, quien ha vivido en Tokio desde el año 1996, ha conseguido crear espacios tridimensionales usando los matices como protagonistas.  

La gama de colores que Moureaux utiliza se centra en la experiencia de color que se puede encontrar, para lo cual, la francesa crea una atmósfera que da a los visitantes la sensación de profundidad y tranquilidad en el bosque de arcoiris.

La experiencia es una acotación al futuro como una historia sin final, por lo abrumante que podría resultar el giro constante de cifras y la cantidad de elementos que conforman a la pieza que  ya ha atraído a más de 20 mil visitantes.

 

Con información de Emmanuelle Mureaux architecture 

Lo mejor de Zona Maco 2017

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La feria de arte contemporáneo más  importante en Latinoamérica

Fotografías por Cristina Ochoa

Instalaciones que causan extrañeza, pinturas que se desbordan de la configuración de sus cuadros, videos que proyectan el arte y la vida cotidiana, artistas internacionales que conviven en la feria de arte contemporáneo más importante en latinoamérica.  En ALL CITY CANVAS te presentamos lo mejor de Zona Maco 2017.

Porque no todo en el arte son pinturas que tratan sobre la historia clásica: porque la disputa sobre si la práctica contemporánea debería ser considerada arte está más que rebasada (o al menos eso parece), una vez más se realizó la feria creada en el 2002 por Zélika García en el Centro Citibanamex.

Gente de distintas partes del mundo, expositores internacionales (algunos de ellos, presentándose por primera vez en México), galerías emergentes, coleccionistas extravagantes y mucho arte es lo que se vivió en la edición 14 de Zona Maco.

Lucas Simões de MARSO Galería rompió (literalmente) su obra, con lo que dejó fascinados a la mayoría de los visitantes a su stand con un trabajo en el que los participantes pudieron experimentar mediante el contacto con la obra misma.

Y porque el hecho de asimilar nuevas posibilidades de interpretación, experimentación y exhibición no quiere decir que se descarte la idea del arte clásico, este año se contó con una sección dedicada a creadores importantes del siglo XX, como Diego Rivera y Orozco.

SAMPLE: Tropezando con Montañas fue la muestra colectiva que contó con la curaduría de Humberto Moro y en la cual se planteó la posibilidad de interacción entre las Nuevas Propuestas del programa. En SAMPLE participaron Juan Carlos Coppel de Celaya Brothers Gallery; Tezontle, de Peana Projects; Diego Barruecos, de Galería Machete; Adam Chamandy, de Yam Gallery, entre otros.

En esta edición, la diversidad de temas, galerías y proyectos destacó más que en otras ocasiones. Pintura, escultura, arte y diseño se involucraron para satisfacer la exigencia del público.

 

Proyectos que independientemente de su materialización, hablan sobre nuestra forma de vida cotidiana, los problemas socio-políticos de la actualidad, nuestra interacción con todo ello. Es por eso que nuevamente Zona Maco se consolida como una de las más prominentes a nivel internacional.

Ya viene Pow! Wow!, uno de los festivales de arte más importantes en el mundo

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Artistas internacionales se unen para crear arte

Una semana entera para disfrutar del arte en cualquiera de sus presentaciones: pintura, instalaciones, música, cine; todo esto sucederá en la el vecindario de Kaka’ako, Hawái, la próxima semana.

Pow!, el impacto del arte en una persona; Wow!, la reacción que el arte provoca en el espectador, así se definen los integrantes del festival el cual ha logrado instaurarse como uno de los más importantes a nivel internacional por el número de artistas participantes, la magnitud de sus eventos y la diversidad de actividades.

Pow! Wow! es un encuentro de baile, canto y personas, el cual busca generar lazos entre los participantes y las personas que visitan el lugar. Del 11 al 18 de febrero se realizará la edicición del 2017, en la cual además, participarán músicos de electrónica como Steve Aoki y Autoerotique. Se realizará la proyección del documental Saving Bansky, sobre una de las figuras más representantes del street art.

Curado por Andrew Hosner, el evento tiene como objetivo hacer una exploración en lo que significa el arte contemporáneo.

El proyecto cuenta demás con instalaciones y un programa educativo en arte y música, con lo cual también pretenden involucrar a las personas de la localidad.

Taiwan, Israel, Singapur, Nueva Zelanda y Alemania son algunas de las naciones que han participado en el evento, que cuenta con más de 100 artistas.

En esta edición participarán Amandalyyn, Dave Van Peten, Drew Merritt, Bounce, 1010, Fafi, Kevin Lyons, entre otros.

Mural Dave Van Peter

 

Mural Amandalynn

 

Mural Drew Merritt

En épocas de cambio e incerteza, sólo el sentido de comunidad puede salvarnos de una crisis nerviosa. El arte es el pretexto perfecto para conjuntar gustos, costumbres y expresiones.

 

Con información de Pow! Wow!

Get ready for Pow! Wow!, one of the most important art festivals in the world

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International artists unite to create art

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto Fuentes

A whole week to enjoy art by any of its presentations: paintings, installations, music and cinema. All of this will happen next week in the neighborhood of Kaka’ako in Hawaii.

Pow!, the impact of art has on a person; Wow!, the reaction art provokes in the viewer; this is how festival members are defined. It has been established as one of the most important festivals internationally by the number of participating artists, the magnitude of their events and the diversity of activities.

Pow! Wow! is a gathering that honors culture and seeks to create links between the participants and the people who visit the place. From February 11th to the 18th the edition of 2017 will be made, which will include electronic musicians such as Steve Aoki and Autoerotique. In addition, the documentary Saving Banksy will be screened on one of the most representative figures of street art.


Curated by Andrew Hosner, the event aims to make an exploration into what contemporary art means. The project counts with facilities and an educational program in art and music, with which they also intend to involve people from the neighborhood.

Taiwan, Israel, Singapore, New Zealand and Germany are some of the nations that have participated in the event, which has featured more than 100 artists.

In this edition Amandalyn, Dave Van Peten, Drew Merritt, Bounce, 1010, Fafi, and Kevin Lyons will participate among others.

Mural by Dave Van Peter

 

Mural by Amandalynn

 

Mural by Drew Merritt

 

In times of change and uncertainty, only the sense of community can save us from a nervous breakdown. Art is the perfect excuse for combining tastes, customs and expressions.

 

With information from Pow! Wow!

 

Rockwell by Parra, la marca de street wear que tienes que conocer

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Peter Parra: el diseñador que ha expuesto en el Museo de Arte Moderno

Versatilidad es la palabra que bien podría definir a Peter Parra Jensen, el artista holandés que trabaja con pintura, escultura, ropa y accesorios (ha trabajado con marcas como Nike, Vans y Zoo York) y además, tiene un grupo de música electrónica.

El artista comenzó trabajando con carteles de pequeño formato en los que anunciaba conciertos en la ciudad de Ámsterdam, después comenzó a realizar creaciones que son consideradas como u arte “post-pop”.

Colores saturados, figuras curvilíneas que asemejan cuerpos híbridos (mezcla de humanos con animales), tipografías que el artista realiza a mano, forman parte del universo creativo de Parra. Todo ello, nos hace pensar en imágenes pertenecientes al surrealismo o quizá al pop art de Pollock.

De creador gráfico a artista consolidado, el trabajo de Parra ha sido llevado a recintos importantes, el más sonado fue el caso del Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco (Sfmoma), en donde expuso Weirded out,  una exhibición donde llamaba la atención un mural de casi 20 metros de altura, en el que por supuesto, los elementos principales de su trabajo estuvieron presentes.

El atractivo visual de su propuesta lo ha llevado a tener un gran éxito con su marca Rockwell by Parra, una colección de playeras, sudaderas, gorros, patinetas, entre otros.

Además, Parra es miembro de Le Le, una banda de música electrónica en cuyos videos (claro) destacan los gráficos del holandés.

A pesar de la versatilidad de su obra, lo cierto es que el estilo característico del holandés, está presente en cualquiera de sus productos.

Con información de The City Loves You, 20 minutos, ByParra

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