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Más de 16 artistas intervendrán el valle de Coachella, California

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El valle de Coachella, California será el lienzo ocupado por artistas como Doug Aitken

El paisaje desértico del valle de Coachella, California-Estados Unidos será el lienzo para los artistas participantes en el proyecto Desert X, el cual se llevará a cabo hasta el 30 de abril de este año.

16 artistas conocidos y emergentes, como Doug Aitken, Norma Jeane, Phillip K. Smith III, Juliao Sarmento y Gabriel Kuri, darán a conocer sus obras en este magno festival de arte.

Temas que van desde el cambio climático, cielos estrellados y cultura tribal e inmigrante (para difundir el turismo), estarán presentes en las obras artísticas.

Cada artista elige la ubicación que será sede de la obra que realizará. Instalaciones cerradas o al aire libre, cualquier escenario es ideal para plasmar la creatividad de cada uno.

Desert X toma el paisaje mismo como su espacio de exposición. Ofrecerá la oportunidad de explorar lo familiar y lo desconocido a través de los ojos de otros. “Si el desierto es dios sin el hombre, entonces Desert X es el arte sin construcción”, sentencia Neville Wakefield, director artístico del proyecto.

Susan Davis, fundadora de Desert X, quiere que los artistas se involucren tanto con el entorno impactante como con la mirada de problemas sociológicos que se enfrentan en la zona, para conjuntarlas y lograr crear un gran espectáculo artístico.

Yayoi Kusama inaugura exposición en Washington

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La obsesión por los puntos llegó a Estados Unidos de la mano de Yayoi Kusama

La artista japonesa de 87 años, Yayoi Kusama, estará presente con su exposición Infinity Mirrors en el Museo Hirshhorn, en Washington, Estados Unidos, hasta el 14 de mayo del 2017.

En esta exposición, los visitantes tendrán la oportunidad de deleitarse con seis salas de Infinity Mirror, junto con una selección de sus otras obras clave, incluyendo una serie de pinturas de su más reciente serie My Eternal Soul, que nunca se han mostrado en los Estados Unidos.

El Museo Hirshhorn es el primero en enfocarse tan detalladamente en sus salas con espejos, ya que presenta seis de ellas, entre las cuales se encuentran: “Love Forever”, de 1966; “Dots Obsession – Love Transformed Into Dots”, de 2007; “Aftermath of Obliteration of Eternity”, de 2009 y “The Souls of Millions of Light Years Away”, de 2013.

Desde su primera instalación de Infinity mirrors, en 1965, Yayoi Kusama ha deleitado a muchas personas con su arte que refleja una obsesión por los puntos, la perfección y los patrones; además, otorgan placer visual al observar estas salas con espejos y círculos por todos lados.

Precursora del arte pop, el arte feminista y con una gran inclinación hacia la psicodelia, Kusama deja una gran impresión a todos quienes observan sus obras, esto se pude saber gracias a las filas largas que se reúnen.

El Museo Hirshhorn también exhibirá esculturas como: Live (repetitive visión), de 1998; Flowers-overcoat, de 1964; y A snake, realizada en 1974.

Con información de: The New York Times

Buff Monster plasma muerte y decadencia con esculturas de helado 🍦

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Las metáforas de la vida en Melt with me, de Buff Monster

Fotografías por Briana Prieto

Buff Monster, artista neoyorkino influenciado por el pop art, la cultura japonesa, el helado y el graffiti, abrió su exhibición Melt with me en Nueva York, donde plasma profundas metáforas de la vida y la convivencia en sociedad a través de esculturas.

La exhibición es el resultado de un año de investigación escultórica. Buff Monster ha creado imágenes alrededor del helado durante 15 años, ¿por qué? “El helado es una metáfora de la vida”, dijo el artista.

“Míster melty”, el personaje de sus obras, es optimista, confiado y felizmente inconsciente de su (derretido) destino. ¿Suena a cualquier persona que conoces? Pues él es más afortunado que nosotros, porque al estar fabricado con concreto y fibra de vidrio mantendrá su estado de derretimiento para siempre; nosotros no tendremos tanta suerte…

Foto Buff Monster.

Una de las novedades de esta exhibición es el “Big Míster melty” de 60 centímetros y que estuvo en construcción por alrededor de un año; hecho a base de fibra de vidrio, resina de alto impacto y pintura automotriz.

Foto: street art news

Como asegura Buff, el tiempo impacta a todas las cosas, pero a nada tan dramáticamente como al helado. Así, lo que parecía ser un inocente postre que se disfruta en las tardes calurosas de verano, se convierte en “el perfecto símbolo moderno de la muerte y la decadencia”.

Foto Buff Monster.

Buff no se detiene ahí. Cree que “nuestra sociedad es un gran cono de helado derritiéndose hacia la nada”. Por si fuera poco, piensa que está sucediendo mucho más rápido de lo que cualquiera de nosotros podría haber imaginado.

Si tienes ganas de tener una pieza de Buff Monster en la sala de tu casa, los precios van desde los 75 a los 17 mil dólares, aunque uno de sus admiradores encontró una manera de tener las obra de Buff y nunca alejarse de ella: se tatuó un dibujo que el artista creó en su brazo.

Después de las metáforas de Buff el helado no tendrá el mismo sentido… ¿o sí?

 

 

Skate en el museo: una exposición con esculturas patinables🏂

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Resignificar lo existente es el objetivo de la primera exposición individual de Zarka en España

¿Patinetas deslizándose sobre las esculturas de un museo? Eso es lo que podrás ver en Espacio pavimentado, la primera exposición individual de Raphaël Zarka en España, un artista francés influenciado por el minimalismo y el land art; la mayoría de sus trabajos se centran en la historia de los objetos que expresa a través de la fotografía, el video, la escultura y el dibujo.

Esta exhibición se encuentra en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), un espacio español destinado al arte contemporáneo. El artista se basó en objetos científicos creados por el matemático y cristalógrafo alemán Arthur Schönflies; esta vez Raphaël Zarka amplió estas figuras y las adaptó al tamaño de las que utilizan los skaters en la calle.

La idea de las “esculturas documentales”, como Zarka llama a sus obras, es que los skaters se adapten a estas piezas al igual que lo hacen con los objetos públicos, pero en Espacio pavimentado espectadores y patinadores tienen que organizar sus propios marcos de convivencia y cohabitar el mismo espacio.

En la sala superior del museo hay una exposición fotográfica llamada Riding Modern Art, en la que Zarka muestra fotografías de esculturas públicas que son utilizadas  como superficie de patinaje. Serra, Deacon, Oteiza o Solano son algunos de los artistas retratados por fotógrafos especializados en skate.

De acuerdo con el artista, el skate es una especie de reescritura de espacios destinados a un uso particular, para posteriormente trasladarlos al quehacer artístico. Él mismo tiene experiencia en el patinaje que combina con su interés por el arte en el espacio público y la reinterpretación de lo existente.

Porque el arte y sus dinámicas cambian todo el tiempo, esta exposición demuestra una vez más que nada está prohibido dentro de un museo… al menos no en Espacio Pavimentado.

 

Con información de Valencia Plaza, Espai d’Art Contemporani de Castelló, Designboom, exit-express y El periódico mediterráneo.

Esculturas subacuáticas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

 

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo. México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

 

 

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo fotografía el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies. El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: el infinito es una metáfora inventada por la humanidad.

 

 

 

La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

 

 

Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

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