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Nueva instalación de JR en frontera México-Estados Unidos

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La pieza se viralizó el primer día con 14 mil retweets

Kikito, JR

El artista JR se suma a las voces que critican la decisión de Donald Trump, al derogar el programa de Acción Diferida para los Llegados en la Infancia (DACA por sus siglas en inglés), el cual permitía a los dreammers seguir estudiando sin tener en regla su situación migratoria.

JR mexico border

Una mañana, los habitantes de Tecate, Baja California se despertaron y sobre las rejas de la barda que separa a México de Estados Unidos, estaba colagada una fotografía a gran escala, titulada Kikito, nombre de un niño que el artista fotografió en Tijuana.

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Foto El Diario de Yucatán

En conferencia de prensa en Tecate, JR dijo que siempre ha estado interesado en temas de migración y la idea de colocar una fotografía que representa un niño asomado hacia el “otro lado”, surgió en uno de sus sueños.

JR mexico border

En un comunicado, JR dijo que el niño podría estar “mirando por la frontera preocupado de que si las cosas se ponen más locas en el otro lado, la gente cruzará masivamente la frontera en su dirección”.

Kikito, JR

El artista dijo que esta pieza es una continuación del proyecto Inside Out 11M, el cual tiene como objetivo crear un retrato de Norteamérica que incluya a migrantes y sus descendientes.

La imagen puede contener: una persona, bicicleta y exterior

Primera exposición fotográfica sobre el arte urbano de Ecuador📷

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Carl Moore reflexiona sobre el futuro del arte urbano en Latinoamérica

La idea de este prometedor proyecto nace en 2010 cuando el fotógrafo y periodista estadounidense Carl Moore realizó por cuatro años constantes visitas a Ecuador y descubrió una parte de este país en la que nadie se había fijado: las intervenciones de arte realizadas en fachadas, puertas y paredes que en esencia pudieran parecer efímeras, pero han dejado una huella relevante en las ciudades de Quito, Cuenca, Ambato, Baños y Paguche.

A la par de la muestra, se integra la publicación de dos libros A full color y En blanco y negro; el primero plasma el trabajo de  25 artistas  y busca responder a la interrogante de cuál es el futuro del arte urbano en Ecuador; y el segundo, está conformado por una serie de grafitis para que sean coloreados, el autor pretende que las personas desarrollen su mundo creativo.

El prólogo del primer libro esta realizado por María Fernanda López quien es docente en la Universidad de las Artes de Ecuador y se especializa en arte urbano y en el cual resalta la importancia de mostrar la gráfica urbana como una posibilidad para que las personas piensen sobre el uso y apropiación de espacios públicos.

El trabajo de Moore resulta relevante, porque abre una posibilidad a que los visitantes y los artistas observen los diferentes estilos del arte urbano latinoamericano.

 

Diseñando México 32, la necesidad de difundir trabajos artísticos emergentes

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Arte, cine, diseño y fotografía son los proyectos artísticos que pretende descubrir

Diseñando México 32 (DMX32) es una plataforma incluyente que busca descubrir talentos, presentar los consolidados e impulsar las industrias creativas como la moda, diseño, fotografía, arte y cine.

Esta edición se llevó a cabo en Tamaulipas, donde los ganadores fueron Obed Basoria por artes visuales, Andrea Silva como mejor modelo y Palafox en la industria de la moda.

Conferencias, exposiciones de arte y desfiles de moda se llevaron a cabo desde el 11 de mayo cuando se abrieron las puertas de la exposición fotográfica de la diseñadora Gladys Tamez.

Algunos invitados a este magno festival fueron los fotógrafos Luis García Serrano y Khristio; además de Gustavo Prado, David Souza y los diseñadores Luciana Balderrama, Alfredo Martínez, Julia y Renata y Palafox.

Eventos de este estilo logran impulsar expresiones artísticas en México, para que en un futuro logre posicionarse como potencia en moda, fotografía o diseño.

El legado de Barkley L. Hendricks: pionero del retrato africano

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El pintor y artista estadounidense falleció a los 72 años

El pintor y fotógrafo estadounidense Barkley L. Hendricks murió el 18 de abril de 2017 por causas naturales a los 72 años.

Mayormente fue reconocido por sus retratos realistas y posmodernos de gente de color. Esta afición en sus obras nació en la década de los 60 y continuó hasta sus últimos días.

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Antes de incursionar en la pintura, Hendricks estudió fotografía, lo cual, en su vida, representó un cambio de paradigma, puesto que la sociedad aún veía con inferioridad a las personas de color. Con motivo de esto y sin sentirse menos ante los ojos de los demás, mencionó a Hyperallergic: “No comencé a pintar y tomar fotografías porque soy negro”.

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Personas comunes y corrientes en poses semi-naturales y realizando actividades comunes, son los personajes principales que plasma en su obra.

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Muchos artistas y curadores mencionan que Barkley L. Hendricks fue el artista que inició a retratar y pintar gente de color, pues como él mismo lo menciona: “el tema con el que estoy involucrado, sin embargo, siempre ha sido visto como sospechoso, dada la cultura fastidiada en la que vivimos”.

Creó una exposición itinerante: Birth of the cool, organizada por Trevor Schoonmaker en el Museo de Arte Nasher, Carolina del Norte, la cual ha viajado al Museo del Estudio en Harlem, Nueva York, al Museo de Arte de Santa Mónica, California, a la Academia de Bellas Artes de Filadelfia y al Museo de Arte Contemporáneo Houston, Texas.

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Festival Internacional de Diseño Costa Rica, uno de los más importantes del continente

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15 artistas de 12 países se dieron cita en el FID2017

El Festival Internacional de Diseño Costa Rica 2017 se llevó a cabo del 10 al 12 de marzo, en la antigua aduana en San José. En ella se dieron cita 15 artistas de 12 países diferentes: Estados Unidos, Holanda, Colombia, Australia, Reino Unido, España, Noruega, Suecia, Panamá, Francia, Japón y Argentina.

Algunos de los artistas que asistieron a este festival fueron: Gemma O’Brien, Snask, Rebecca Stambanis, Alejandro Magallanes, Amina Horozic y Sergio Caballero.

Técnicas y especialidades diferentes como el diseño gráfico e industrial, fotografía, música y publicidad convergieron en este magno evento, que se ha catalogado como uno de los más importantes del continente americano.

Además de exhibir las mejores obras de los artistas invitados, en el FID 17 se llevaron a cabo talleres, conferencias, concursos y charlas para las más de dos mil 200 personas asistentes que gustan del arte.

“Se trata de un espacio multidisciplinario, pues creemos que no se debe estar encasillado en una sola disciplina. Un diseñador gráfico se inspira en el diseño de moda para crear ideas nuevas y eso es vital. Es importante que la gente vea más allá de su disciplina y aprenda nueva formas de creatividad”, afirmó Alfredo Enciso, uno de los organizadores del evento.

Con información de: Terra

Spectrum Indian Wells Art, el excepcional show de arte contemporáneo

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Artistas como Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland se darán cita en California

Spectrum Indian Wells Art Show es un espectáculo en el corazón de California que recopila a algunos de los mejores artistas y galerías de arte contemporáneo. Se llevará a cabo del 16 al 19 de marzo de 2017. La sede es el Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

Esta edición contará con un comité de expositores  de cuatro personas con destacadas reputaciones en la edición y el desarrollo del artista. Se aplicarán normas rigurosas sobre la estética y atención al detalle, proporcionando un lugar aerodinámico, nítido y limpio para que los propietarios de galerías, diseñadores, arquitectos y coleccionistas disfruten.

Algunos de los trabajos que se exhibirán en Spectrum serán pinturas, fotografía, escultura, glassworks y más. Esta amplia gama de técnicas logran una gran conexión entre artistas, el jurado y las personas que disfrutarán esta presentación artística; también le otorga una gran oportunidad a los artistas contemporáneos emergentes que entren a esta demostración.

Entre los artistas que estarán presentes en Spectrum, se contará con la presencia de: Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland.

Parte de las galerías y estudios de fotografía que expondrán algunas de sus obras son: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio.

Fotografía mexicana contemporánea, exposición en el Centro de la lmagen

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XVII Bienal de fotografía: un retrato inquietante de México

Fotografías por Mariana Gaona

La Bienal de Fotografía es la muestra de fotografía mexicana contemporánea más importante del país. Realizada anualmente, la selección de este año incluye trabajos de 49 fotógrafos que van desde la documentación periodística hasta el uso de medios electrónicos.

¿Qué puede hacer un fotógrafo en la época de bombardeo incansable de imágenes? Ese es el tema central en la Bienal que cada año brinda una oferta diversa de temas y que deja al espectador construir su propia perspectiva.

Este año el jurado otorgó el primer lugar del Premio de Adquisición Arca a Sofía Ayarzagoitia por su trabajo Every night temo ser la dinner, mientras que Diego Berruecos se llevó el segundo lugar con 26 used to be Gasoline Stations in México. Aunque también hubo menciones honoríficas para Jota Izquierdo, Abigail Marmolejo, Isolina Peralta, entre otros.

También hay una sección de fotógrafos seleccionados, muchos de ellos tienen preocupaciones en común como la relación entre imagen y tecnología o la imposibilidad de representar la violencia que azota al país desde hace más de una década.

Entre los seleccionados para esta edición se encuentra Juan Carlos Coppel, fotógrafo mexicano que retrata la vida cotidiana de los agricultores, sobre todo en el norte del país. En esta edición participa con su serie La quema, en la que capta el incendio de neumáticos que realizan los campesinos para cuidar la temperatura del campo en  temporada de invierno.

Con la pluralidad en propuestas de imagen que la caracterizan, la XVII Bienal de Fotografía sigue mostrando un mosaico inigualable de la fotografía mexicana.

Primer museo subacuático en Europa con esculturas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

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Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo.

México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo documenta el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies.

El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: “el infinito es una metáfora inventada por la humanidad”.

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La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

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Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

Brassaï, el fotógrafo que documentó el graffiti de los años 20

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El Centro Pompidou expuso fotografías del graffiti de los años 20

Si hablamos de París, es necesario (de verdad) hablar de Brassaï, un artista húngaro llamado “el fotógrafo de la noche”, quien ha sido reconocido por documentar a través de su lente el graffiti de la década de los 20, el cual era expresado con grabados en las paredes. Así es: el graffiti tiene historia y no empieza con aerosol.

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¿Cómo alcanzó Brassaï el punto más alto en su carrera? Llegó a París en 1924 para estudiar pintura y luego conoció al escritor estadounidense Henry Miller, e iniciaron caminatas nocturnas por las calles parisinas, donde descubrió los graffitis y empezó a fotografiarlos: animales y rostros que parecían ser personajes de películas de terror o de la mitología griega.

Muchas de sus imágenes por primera vez fueron exhibidas al público en el Centro Pompidou, uno de los museos de arte moderno más importante de Europa que se encuentra en París.

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¿Por qué esta exposición fueimportante? Uno, porque se fueron expuestos los orígenes de lo que hoy llamamos graffiti y dos, porque el Centro festejó su 40 aniversario y es calificado como uno de los espacios más revolucionarios de su tiempo: por su arquitectura y la apertura de temas artísticos que se han exhibido.

La exhibición de Brassaï estuvo abierta hasta el 30 de enero de esteño en la Galería Fotográfica del Centro.
Para este fotógrafo, el graffiti “es una piedra indestructible destinada a la eternidad”.

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Con información L´oiel de la photographie, Time Out y Arch Daily

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