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The 6th Urban Art Festival in Amsterdam comes to an end

Blog/English/Festivales por

The festival featured The Art of Painting, an exhibition that presented artworks by guest artists

Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh

Urban Art Festival in Amsterdam opened on October 18 with some 45 national and international guests attending. The participating artists included Artez from Serbia, Paola Delfín form Mexico, Remy Uno form France and Bifido from Italy.

Photography by Marco Buddingh

The festival featured The Art of Painting, an exhibition that gathered artworks by all the artists that participated in this edition.

Photography by Raymond Van Mil
Photography by Raymond Van Mil
Photography by Raymond Van Mil

The festival was created by Urban Art Now and Reflexo on Urban Art, two non profit organizations that participate in cultural exchanges, artist residencies, exhibitions and debates at local, national and international scale.

Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh

The festival held panels with urban art experts, street art tours, and a market, that offered urban art tools, exclusive pieces, toys and clothes.

Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh

The exhibition ran until Sunday, October 22.

Photography by Marco Buddingh
Photography by Marco Buddingh

Nicolás Romero Ever inaugura exposición individual en galería italiana 👌

Blog/Español por

El artista argentino presenta muestra individual en galería de Italia

Fotografías: Galería Varsi y Nicolás Romero

Rostros conocidos, expresiones destacadas, miradas que impactan… es el trabajo de Nicolás Romero, en el cual, los rostros adquieren significados totalmente alejados de lo que la reproducción hiperrealista podría representar. Es conocido por reinterpretar los cuerpos y mostrar a través de imágenes su perspectiva del mundo.

Pensar que las revoluciones se contaban en las paredes dice mucho de esto, digamos, que es una manifestación directa de la sociedad para ella misma. Creo que el graffiti es un nexo con la gente, por lo menos es lo que a mi me gusta explorar de este hermosa actividad.

 

Así es como define Romero su pasión por el graffiti, el artista que nació en Buenos Aires, Argentina y quien se inició en el mundo del arte urbano en los años 90. Descubrió su estilo al trazar la figura de su novia, a partir de ese momento, nació su interés por dibujar cuerpos humanos. Es considerado uno de los artistas más importantes en Latinoamérica.

Quiéreme, es la muestra individual del artista argentino que reúne una serie de trabajos que permiten generar cuestioanmiento y reflexiones al espectador sobre la relación que existe entre el cuerpo humano y el espacio público. La exposición se encuentra en Varsi, galería italiana.

La muestra curada por Chiara Pietropaoli estará abierta hasta el 15 de julio en

 

Con información de: galería Varsi, The City Loves You y Eversiempre.

Interview with Felipe Pantone at Mural Festival 2017

Blog/English/Entrevistas por

“The creative process is more important than the finished work”

Text by Victor Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

He painted the largest QR code in the world, created the largest mural in Lisbon, and his works stand out for the records he sets in terms of height or size. For Felipe Pantone, it is more relevant to show his work than his face.

“I prefer people to know me by my work than my face.”

ALL CITY CANVAS interviewed him during the inauguration of his exhibition Planar Direction at Station 16 gallery during the Art Fair that Mural Festival organizes every year.


Tell us a bit about the creative process of painting the world’s largest QR code on a mural.

The most difficult part was to convince the owner of the building to allow me to paint the code. He didn’t really care, but people like beauty, and QR codes are pretty ugly; the beauty of the piece lies in the concept.


Pantone started doing graffiti on the streets at the age of 12, which determined his taste for art. He completed his degree in Fine Arts in the United Kingdom. Always interested in making works in the public space, the artist has created sculptures and three-dimensional digital images.


Most of your works are on a large scale. You painted the largest mural in Lisbon and the biggest QR code in the world, what is your interest in making record-breaking pieces, is it part of an artistic style?

It’s the same style I used in graffiti. I like my work to stand out always and to be remembered for a specific feature. The larger the space and more public spaces I intervene, the better. You must adopt mechanisms for the work to prevail and know how to generate curiosity in people, make them feel attracted to it visually, give beauty to our daily lives, making it harder to erase the pieces.

It’s easier to erase a graffiti I did when I was young than to remove a 17-story mural.

Felipe Pantone looks at his artistic style as current, something from the present. In spite of the insistent comparisons with the op art of the 60’s (an artistic movement that tries to create effects of movements through the artworks) and futurist art, he doesn’t concur with the simile, but thinks of his work as something unique that he reinvents every day.

 

Why remain anonymous?

I didn’t choose my face, it has no relevance. It’s more interesting to show my work, what I am creating than to show my face, a face I did not choose. It’s arbitrary, my face is the least important I can offer visually.


How do you decide what you are going to do in your work? The shape, the colors, the place, etc.

 If it’s a piece on the street, the place gives it to me. You have to work with that. The street offers me things that I don’t get from anywhere else.

 The most beautiful thing in art is not the finished piece, but the path to the result: the problems you face, the quest for solutions, the unknown factors, the mysteries and the street allows me to discover and appreciate this process better. Working in a studio makes the process more controlled and what helps me to evolve are the new things; that’s what allows me to continue looking for new things and to experiment.

 

Food for thought: metáforas de la comida 🍽

Blog/Español/Exhibiciones por

Proyectos Monclova presenta la muestra más reciente de Raúl Ortega Ayala

Fotografías: Mónica Vázquez y Cristina Ochoa

Un cúmulo de gente al borde de la desnudez, la multitud en medio de la enjundia se pinta de pronto de color rojo, las personas invaden aquello que en cualquier otra situación habría sido representación de lo invasivo: es  la Tomatina, el festival en España cuyo origen se ha perdido con el paso del tiempo.

La video instalación forma parte de la muestra Food for thought, la más reciente exposición de Raúl Ortega Ayala. ¿Es la comida un medio para satisfacer únicamente una necesidad fisiológica o será que esta actividad podría vincularse con otros rubros de la sociedad, como la política, por ejemplo? Es la pregunta que rige la muestra del artista mexicano radicado en Nueva Zelanda.

La cinta sobre el festival español se encuentra paralela a otra video instalación: un chico que come a toda velocidad un conjunto de hot dogs, en el restaurante Nathan’s, en Coney Island, lugar conocido por realizar competencias de comida. Las secuencias resultan grotescas, pero es justo la sensación de lo extravagante y caricaturesco lo que envuelve la intención de esta propuesta: el absurdo derroche de alimentos en contraste con las miles de personas en situación de hambre.

Arte y comida

“No es necesariamente que yo trate de vincular el arte con la comida, sino que estoy tratando de hablar de la comida a través de los elementos que existen en ese mundo, que terminan siendo culinarios o diferentes a la comida”, comenta para ALL CITY CANVAS, Raúl Ortegael artista cuyo trabajo se centra en investigaciones de muy diversa índole; para esta muestra en específico, se inmiscuyó en el oficio de la carnicería.

– Utilizas pintura, video, la misma comida como parte de la muestra, ¿cómo surge esta heterogeneidad en la elección de la forma en que expones tu trabajo?

– La serie tiene muchas salidas, de alguna manera busco la manera de juntar todos estos elementos para que se haga énfasis en algunas de las ideas de la serie. No están todas, pero siempre busco cuál será la mejor salida para cada una de las piezas

– ¿En qué punto convergen estas piezas?

– Yo siento que el punto de los ciclos, la idea del gasto innecesario o derroche, en la generación de expectativas, y al mismo tiempo esta descomposición de las mismas. En cómo se nos presenta una cosa de una manera y resulta ser otra cosa.

En la sala inferior de la galería Proyectos Monclova se presentan una serie de elementos que podrían considerarse un componente disruptivo en el proyecto del artista: un recorrido histórico por uno de los momentos sociopolíticos más impactantes de todos los tiempos, el ataque a las Torres Gemelas, el 11 de septiembre de 2001. Una serie de pósters, mapas, periódicos y fotografías se exhiben en la pequeña sala. Al final, una mesa llena de apetitosos bocadillos se encuentra a la espera de los visitantes. El artista explica que durante su investigación, algunos de los materiales con los cuales fueron realizados los platos fueron reutilizados de los componentes de los edificios de Estados Unidos.

“Si la gente termina reflexionando un poco sobre la comida, más allá del mero sustento y piensa en los elementos políticos, identitarios (individual y colectivamente), para mí ya es una ganancia”, finaliza Ortega Ayala sobre la muestra que estará abierta hasta el 10 de junio.

 

Shepard Fairey exhibirá obras en Portugal 🤚

Blog/Español por

La galería Underdogs será el espacio donde estarán las obras

En julio de 2017, la galería Underdogs, con sede en Lisboa, Portugal, será el espacio donde Shepard Fairey, artista estadounidense, exhibirá sus obras.

Fairey extendió la fama de sus obras al crear la campaña propagandística de Barack Obama para las elecciones presidenciales de Estados Unidos en 2008.

Los colores rojo y azul, integrados a un estilo de arte pop, se convirtió en uno de los más afamados. También es creador de la marca de ropa Obey, la cual fue inaugurada en 2001.

El también muralista, en 2008, colaboró con la editorial Penguin Books para realizar la portada del libro 1984 de George Orwell.

Su última participación en la escena política fue en la marcha que realizaron miles de personas en contra de la elección de Donald Trump. El lema We the people encabeza los carteles que realizó este artista.

Underdogs fue creada en 2010, encabezada por Pauline Foessel y Alexandre Farto, mejor conocido como Vhils. Esta galería contribuye a construir relaciones entre el artista y los espectadores, a través de un lenguaje visual inspirado de la cultura urbana.

Sin fechas confirmadas, Sherpad Fairey expondrá en el mismo lugar donde lo hacen Felipe Pantone y Wasted Rita.

Spectrum Indian Wells Art Show: the exceptional contemporary art show

Blog/English/Exhibiciones por

Artists like Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland will meet in California

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Spectrum Indian Wells Art Show is in the heart of the Coachella Valley in California, gathering some of the best artists and contemporary art galleries. It will be held from March 16 to 19, 2017 at the Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

This edition will have a committee of renowned exhibitors with outstanding reputations in the edition and development of the artist. Rigorous standards of aesthetics and attention to detail will be applied, providing an aerodynamic, crisp and clean place for gallery owners, designers, architects and collectors to enjoy.

Some of the artwork that will be exhibited at Spectrum will be paintings, photography, sculpture, glassworks and much more. This wide range of techniques achieve a great connection between artists, the jury and the people who will enjoy this artistic presentation. It also gives a great opportunity to emerging contemporary artists to participate on this demonstration.

Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay and Marc Strikland are among the artists that will be present at Spectrum.

Open Skies by Joëlle Blouin

Some of the galleries and photography studios that will exhibit are: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio, among others.

Lightning Bolt

Artistas instalan mural en EEUU con 37 frases misóginas de políticos

Blog/Español por

We hold these truths to be self-evident, un mural anti-sexismo

We hold these truths to be self-evident es un mural de casi 10 metros de longitud, creado por Zoë Buckman y Natalie Frank, el cual captura 37 citas de políticos estadounidenses que denigraron la figura de la mujer y sus derechos. Esta obra está instalada en la New York Live Arts Ford Foundation Live Gallery, un espacio donde se expresan diferentes técnicas artísticas.

“Este proyecto basado en la investigación se refiere a los efectos acumulativos de la negatividad, el odio y el abandono de la ciencia que nos ha desconcertado completamente a las mujeres y las niñas”, mencionó Buckman acerca del mural durante su presentación el 13 de febrero del presente año.

Zoë Buckman es una fotógrafa, escultora y muralista británica. Gracias a su acercamiento con los ideales feministas, logró darse cuenta sobre el poder que tiene el lenguaje para beneficiar o dañar la integridad de las personas.

Bill Clinton, Mike Pence, John F. Kennedy, Roger Rivard y Donald Trump, son algunos de los personajes citados que se presentan en el mural. Cada una de las frases se encuentra numerada para saber por quién fue dicha.

Antes del lanzamiento de We hold these truths to be self-evident, Buckman compartió en su cuenta de Instagram, algunas frases de estos políticos.

“Quiero que este proyecto inicie una conversación sobre la responsabilidad, particularmente en la forma que criamos a nuestros hijos. Estoy muy preocupada por los mensajes que la próxima generación va a recibir… Realmente quiero que el diálogo sea acerca de la rendición de cuentas y para que la gente que no está teniendo estas conversaciones llegue reconocer la inmensidad de estas declaraciones y se de cuenta cómo el lenguaje se alimenta en acciones e ideología “, sentenció Zoë Buckman acerca de la finalidad de su obra.

Instagram: zoebuckman

Jonathan LeVine Gallery is back with Welcome to New Jersey

Blog/English/Exhibiciones por

The first exhibition of the gallery in its new location

Text by Cristina Ochoa; Translation by Briana Prieto

Photos by Briana Prieto  and Doménica Armendáriz

If there is one word that defines Jonathan LeVine Gallery is “multidisciplinarity”, the art space that was founded by the owner, Jonathan LeVine, is one of the places that perfectly combine the characteristic style of urban art and the abstract of the contemporary world. This gallery opened its doors for the first time in its new location, New Jersey, with the exhibition: Welcome to New Jersey.

Milk Made Momma. Ron English. Photo: Jonathan LeVine Gallery
Big Boys Don’t Cry. Ron English. Photo: Jonathan LeVine Gallery

After 11 years of living in New York, Jonathan LeVine decided to transfer the gallery’s address to New Jersey, where he grew up and cemented his passion for art through punk. The purpose of this exhibition, integrated by international artists, is to continue with his goal proposed since his stay in New York: presenting a work diversity and the promotion of art that combines the practice of urban style.

Diego Gravinese, Welcome to Jersey. Photo: Jonathan LeVine Gallery
Love lies bleeding. Adam Wallacavage.
Marshmallow Meltdown. Nychos.

Street art, pop surrealism and hyperrealism are the lines that follow most of these works, which are very different from each other.

Lost in thought. Alessandro Gallo & Beth Cavener.
Grand Central. Matthew Grabelsky. Photo: Jonathan LeVine Gallery

Among the artists participating in Welcome to New Jersey (open until March 18th) are:

TaraMcPherson, whose work is focused on the representation of innocence through the intersection of myth, legend and astronomy; the famous urban artist Shepard Fairey; Erik Jones, artist who tackles themes about geometric realism; Diego Gravinese, with his hyperrealistic style; Alessandro Gallo, to whom he is recognized by his work that represents actions and habits in animals, which he places in each of his works with surrealistic dyes; among others.

Shepard Fairey.
Nose Pick #3. Haroshi
Bloom. Erik Jones.

Considered one of the most important art galleries of recent times, Jonathan LeVine Gallery is a space dedicated to promote artists and projects that challenge practice itself and contemporary art. The exhibition is a joint work with Mana Contemporary, the organization dedicated to the promotion of artistic projects.

Jonathan LeVine Gallery está de vuelta con Welcome to Jersey

Blog/Español/Exhibiciones por

La primera exhibición de la galería en su nueva sede

Fotografías de Briana Prieto y Doménica Armendáriz

Si hay una palabra que define a Jonathan LeVine Gallery es “multidisciplinariedad”, el espacio de arte que fue fundado por el propietario del mismo nombre, es uno de los lugares que conjunta de manera perfecta el estilo característico del arte urbano y lo abstracto del mundo contemporáneo. Esta galería abrió su primera muestra tras la apertura de su sede en Nueva Jersey: Welcome to New Jersey.

Milk Made Momma. Ron English. Foto: Jonathan LeVine Gallery

Tras 11 años hospedados en la ciudad de Nueva York, Jonathan LeVine decidió transferir el domicilio de la galería a Nueva Jersey, la urbe donde creció y cimentó su pasión por el arte a través del punk. El propósito de esta muestra integrada por artistas internacionales es continuar con la meta propuesta desde su estancia en Nueva York: presentar una diversidad de trabajos y la promoción del arte que amalgama la práctica propia del estilo urbano.

Diego Gravinese, Welcome to Jersey. Foto: Jonathan LeVine Gallery
Love lies bleeding. Adam Wallacavage.
Grey Terrarium Keeper. Jeff Soto. Foto: Jonathan LeVine Galle.

Street art, surrealismo pop e hiper realismo son las líneas que siguen la mayoría de estos trabajos, que sin embargo, resultan muy distintos entre sí.

Alessandro Gallo, Welcome to Jersey
Grand Central. Matt Grabelsky. Foto: Jonathan LeVine Galle

Entre los artistas que participan en Welcome to New Jersey. (abierta hasta el 18 de marzo) están:

TaraMcPherson, cuyo trabajo está enfocado en la representación de la inocencia a través de la intersección entre mito, leyenda y astronomía; el famoso artista urbano Shepard Fairey; Erik Jones, artista que aborda temas sobre el realismo geométrico; Diego Gravinese, con su estilo hiperrealista: Alessandro Gallo, a quien es reconocido por sus obras que representas las acciones y los hábitos en los animales, cosa que plasma en cada uno de sus trabajos con tintes surrealistas; entre otros.

Icon Collage. Shepard Fairey.
Nose Pick. Haroshi.
Bloom. Erik Jones.

Considerada una de las galerías de arte más importantes de los últimos tiempos, Jonathan LeVine Gallery es un espacio dedicado a la promoción de artistas y proyectos que cuestionan la propia práctica del arte contemporáneo. La exhibición es un trabajo en conjunto con Mana Contemporary, la organización dedicada a la promoción de proyectos artísticos.

 

 

I Don’t Scream for an Audience, I Shout at the Holy

ACC TV/English por

We had the chance to talk with Canadian artist Carlito Dalceggio about his latest exhibition ‘I Do Not Scream For An Audience, I Shout At The Holy’ at Celaya Brothers Gallery in Mexico City.

He presented a series of rebel, multidisciplinary, profoundly spiritual and
symbolic artworks. Butterfly wings, kites, peacock feathers, masks, organic motifs that
remind us of Mexican popular art with a peculiar reminiscence of Picasso’s cubism,
Rauschenberg’s abstract expressionism and Matisse’s primitivism. The explosion of color, the
energetic compositions and the liberating gesture of the strokes awaken the senses, the
instincts and the imagination.

This short story shows how Carlito sees the world and his creative process demonstrates us that he doesn’t scream for an audience, he shouts at the holy.

Dalceggio reminds us of the bohemians that Balzac and Baudelaire spoke of;
those characters with a wandering, nostalgic and cheerful existence, in search of social
regeneration; romantic revolutionaries against the system. It is all about escaping from
conformity, which is why his work is not conceived as a mise-en-scène to merely
entertain an audience, but as a ritual, a cry – of one and all – to liberate our spirits.

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