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Graffitis en el metro, una historia de rebeldía

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La pinta de trenes: un movimiento artístico urbano de los años 60

Lejos de las grandes ciudades, de los museos y galerías que abren sus puertas al arte urbano, hay una forma de expresión que sigue fiel a sus raíces de rebeldía y descontento: el graffiti hecho en el metro.
Esta forma de expresión nació en los años 60 y 70 en los vagones de Nueva York. Entre los artistas que marcaron esa escena están Taki 183, Phase 2, Tasta Macke, Futura, Blade, Bill Rock, Lady Pink, Dae, y Jon One, entre otros. Pero la libertad que sentían al pintar los vagones no duró para siempre: las autoridades empezaron a remover las pintas y a instalar materiales más fáciles de limpiar.
Martha Cooper – Cops in the metro, 1981
Los trabajadores de los trenes de carga ya pintaban en sus paredes las horas de salida, de llegada e información sobre las cargas que contenían. Ya en los años 80 esos trenes fueron pintados por artistas urbanos como Pnut, Tracy 168, Zuroc y Braze.
Aunque ha pasado mucho tiempo desde el movimiento artístico urbano del graffiti en los trenes; en mayo de 2016 la policía española arrestó a tres grafiteros que detenían un tren en movimiento al accionar la palanca de emergencia, salían a las vías, pintaban en el convoy y huían. Otro de muchos casos ocurrió en México: en febrero de 2015 la policía local detuvo a tres jóvenes que por la noche rompían las mallas de seguridad y accedían para pintar los túneles y algunos vagones…
La desilusión de los jóvenes por el desempleo y la crisis económica hizo del graffiti clandestino en el metro una forma de expresar su identidad y su pertenencia al barrio … porque actualmente el graffiti de los trenes es uno de los pocos que mantiene viva su esencia subversiva.

Nueve Arte Urbano, el proyecto mexicano que hace graffiti más allá de las paredes

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Nueve Arte Urbano organizará por primera vez Mextonia, un festival internacional de street art

Nueve Arte Urbano es una plataforma artística que labora en la ciudad Santiago de Querétaro. Desde hace seis años se dedican a regenerar, dignificar y resignificar los espacios público a través de la identidad y cultura. Con el paso del tiempo se han percatado que también son un “puente” que conecta a artistas, el arte y las comunidades. Este año es la primera vez que organizarán Mextonia, un festival de street art en el que México llevará a cabo murales, graffitis sobre Estonia, en el marco de su centenario como república.

ALL CITY CANVAS platicó con ellos sobre sus proyectos y actividades.

¿Cómo nace Nueve Arte Urbano?

Nace de una empresa queretana liderada por Édgar Sánchez, Incusa SA de CV; una cadena de tlapalerías a nivel local que durante 20 años ha logrado una excelente participación en el mercado local. Esta relación entre la empresa y los habitantes logró que el dueño Edgar invitara a grafiteros a participar en un concurso donde plasmaran sus obras respecto al tema del bicentenario de la independencia mexicana; Incusa les regaló materiales y gracias a la buena recepción del proyecto, los residentes también se involucraron en este proceso.

Después de 10 campañas de murales y más de 600 piezas de arte público en México y el mundo, hemos logrado generar lazos que enaltezcan  el espíritu colectivo.

 ¿Quiénes lo integran?

Somos un grupo de especialistas de diversas disciplinas: urbanismo, arquitectura, diseño gráfico, producción documental, antropología, sociología, artes plásticas, mercadotecnia, derecho y comunicación. Hemos conformado la carrera de 600 artistas y colaborado en varios festivales internacionales como el Meeting of Styles y el SeaWalls.

El arte y la comunidad

El arte puede crear lazos entre personas, basta conocer el trabajo de Master Peace (en la que pudimos participar) o lo que hace Shepard Fairey ahora con su línea We the people.

En el arte urbano mexicano, lo más bello que está pasando son las ideas plasmadas en los murales, ideas que pueden contribuir a generar algo en el país.

Nueve Arte Urbano ha trabajado con grafiteros locales, nacionales e internacionales como Jason Botkin, Kevin Ledo, N3O, Monk.e, Delio, Farid Rueda, Bonar Y Opire, Chicle, Janin Nuz, Galería Urbana de Medellín, Gleo, José Luis Noriega, Tony Collantes, entre otros.  Han estado en proyectos locales de la Ciudad de México, Cancún, Acapulco, Monterrey, Puebla, Toron, San Diego.

El Festival Mextonia es el primero que organizan a nivel internacional.

¿La temática de los murales que han organizado?

Todas  son construidas a partir del trabajo colectivo de los vecinos y los artistas. En el caso de Mextonia  se compone de íconos de la cultura de ese país y frases que buscan enseñarnos que podemos encontrar similitudes culturales y aprendizajes en distintas partes del mundo.

Háblenos un poco más de Mextonia: la organización, las actividades que habrá

Se realizará del 11 al 24 de junio de 2017, es un festival inspirado en el muralismo mexicano del siglo XX que será producido por TodoEsUno, Nueve Arte Urbano y el apoyo del Comité Gubernamental de Estonia. El objetivo  es celebrar el centenario de este país, y a través de nosotros, llevaremos artistas mexicanos que realicen murales.

La idea central detrás de Mextonia es encontrar los puntos que unifiquen a la humanidad como una cultura global respetando sus variantes locales como medios de enriquecimiento de un espíritu universal, de esta forma nos podremos encontrar en las similitudes y aprender de nuestras diferencias.

¿Alguna relación entre México y Estonia en el street art?

De momento no, somos pioneros en este tipo de relaciones internacionales (por así decirlo) pero todos los equipos, el estonio, el mexicano y el internacional están conectados a través de redes sociales y cada semana nos reunimos para tener talleres de culturización.

¿Alguna experiencia que me contaran que haya sido significativa respecto a cómo el arte logró transformar algo en una comunidad?

Durante una de las campañas de murales uno de los chicos se dio cuenta que la gente tenía problemas de seguridad porque de entrada, los vecinos ni se hablaban y una de las señoras siempre les deseaba buenos días y nadie le respondía, Sermob, el artista de esta barda escribió el muro de los buenos días como un recordatorio de que a veces solo basta ser amable para generar pequeños cambios que repercutan en transformaciones reales.

La frase

Unir Culturas a través del color.

10 artistas latinoamericanos que no te puedes perder

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De México a la Patagonia, el trabajo de estos artistas es inolvidable

Es hora de volver los ojos al sur y ver que el talento artístico se esconde (o no le ponemos suficiente atención) en países latinoamericanos llenos de artistas talentosos y con propuestas interesantes. ALL CITY CANVAS seleccionó estos diez artistas latinoamericanos para que apoyes al talento hecho en casa.

 

Ledania (Colombia)

Egresada de la carrera de Artes Visuales, Ledania es conocida por sus murales complejos, coloridos y con un toque de magia. Las pinturas de Diana Ordoñez (su verdadero nombre) pueden verse en Chapinero, una localidad de Bogotá, en Colombia. Además de arte urbano, Ledania tiene trabajos en fotografía, diseño gráfico y publicidad. Y para que no te quedes con la duda: su pseudónimo es una mezcla del personaje de la mitología griega Leda, quien fue seducida por Zeus, y su nombre de pila, Diana.

Twitter: @Ledania

Instagram: ledania

Gris One (Colombia)

“La pieza de arte es tuya mientras la estás creando. Cuando la terminas, le pertenece a todos, o a nadie, o a las calles, o a las personas que la tiene en un lienzo”. El trabajo del artista colombiano Gris One se caracteriza por tipografías entre planos geométricos abstractos. Sus pinturas y murales evocan la fuerza de la naturaleza y el caos de la metrópolis.

Facebook: Gris One Art 

Instagram: grisone

Yurika Uno (Colombia)

Pinta los muros de Bogotá desde hace más de 12 años porque cree que el graffiti “es una excusa para moverse a través de la calle y salirse de una realidad tediosa”. Se licenció en diseño gráfico por la Universidad Los Libertadores y actualmente pertenece al MDCrew y al colectivo Vértigo Graffiti, con quienes pintó el muro más alto de Bogotá en julio de 2013.

Facebook: Yurika mdc

Twitter: @Yurikauno

JB (México)

Los temas de su trabajo van desde la naturaleza hasta la humanidad (en el sentido más amplio de la palabra). Utiliza varias capas de pintura y eso le da a sus obras un toque muy característico. Con una gama de colores compuesta mayormente por colores pastel, el trabajo de JB te dejará hipnotizado.

Página: http://jbfmx.tumblr.com/ 

El decertor (Perú)

Pintor y muralista, El decertor (sí, con ‘c’) es uno de los artistas peruanos más reconocidos. Sus trabajos se caracterizan por el uso de iconografías peruanas, además de un estilo entre lo abstracto y lo realista. Daniel Cortéz Torres, su verdadero nombre, no se queda atrás con el uso de colores amables y con tonalidades pastel.

Facebook: Decertor

Franco Fasoli JAZ (Argentina)

Fue uno de los pioneros en pintar las calles de Buenos Aires en la década de los noventa. Después de muchos años, ha pintado murales en Canadá, México, Italia, Francia, Austria, Turquía, entre muchos otros. Su estilo característico incluye fondos claros sobre los que plasma conflictos, referencias a la cultura popular y tradiciones locales de América Latina.

Facebook: Franco Faosli JAZ

Página: http://www.francofasoli.com.ar/

Letop (Colombia)

Sus murales, pinturas y dibujos están inundados por la naturaleza y su conexión con los seres humanos. Para Andrés Pedroza Salas, mejor conocido como Letop, crear es canalizar toda la energía  de su ser hacia un objeto concreto: el arte mural. En palabras del artista, sus murales son una respuesta al sentimiento de omnipotencia que ha experimentado el hombre desde que inició la industrialización.

Spaik (México)

Este artista mexicano se inspira en el folclor latinoamericano para crear obras coloridas y con referencias a cuentos autóctonos de la región. Ha pintado murales en México, pero también en países de Centro y Sudamérica.

Facebook: Spaik

Página: http://spaikspike.tumblr.com/

Bastardilla (Colombia)

Personajes que podrían ser fantásticos con miradas envolventes y lugares íntimos conforman el trabajo de esta artista colombiana. En los muros que interviene cuenta historias de personajes caminantes que se encuentran en la vida cotidiana.

Página: http://www.bastardilla.org/blog

Facebook: Bastardilla

Entes y Pésimo (Perú)

Después de más de quince años de pintar muros han desarrollado un estilo único en el trazo, el dibujo, el color y la composición. Sus trabajos están completamente influenciados por su ciudad, Lima. Una de sus obras más destacados es un mural pintado en contenedores de 12 metros.

Facebook: Entes & Pésimo

Ahora ya los conoces: diez artistas latinoamericanos que no puedes dejar de seguir. ¿Quién dijo que no hay muchísimo talento en América Latina?

 

¿Ahora qué hizo 281 Anti Nuke, “el Banksy japonés”?👀

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Stickers de Trump en Tokio fueron noticia internacional

281 Anti Nuke es uno de los artistas urbanos más polémicos. Conocido como el “el Banksy japonés”, sus obras se han caracterizado por los temas polémicos y controversiales que expresa en ellas. Y esta vez… Trump no fue la excepción.

En postes de luz y muros de Shibuya, un importante centro comercial y de entretenimiento en Tokio, aparecieron stickers en los que se ve a Donald Trump acompañado de figuras que hacen referencia a miembros del Ku Klux Klan, organización de extrema derecha.

A 281 Anti Nuke siempre lo verás con gafas y mascarillas de cirujano, porque dice proteger su identidad ante posibles represalias. La pega de stickers de Trump, ha declarado para los medios, fue arte producido ante “el miedo a lo que podría pasarle a Japón por ese líder horripilante”.

Actualmente es uno de los artistas japoneses más polémicos. Ha hablado respecto a temas como la energía nuclear o de personajes como el primer ministro Shinzo Abe, a quien retrata en muchos en sus trabajos.

 

En palabras del artista, entre más político sea un sticker, más rápidamente es retirado. En Japón este tipo de arte es fuertemente castigado y a pesar de eso 281 Anti Nuke lo seguirá usando para decir algo que quizá todos hemos pensado.

 

 

Con información de Reuters, 281 Anti Nuke, BT, Pulse y Fatcap.

Brassaï, el fotógrafo del graffiti antes del aerosol

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El Centro Pompidou expondrá fotografías del graffiti de los años 20

Si hablamos de París, es necesario (de verdad) hablar de Brassaï, un artista húngaro llamado “el fotógrafo de la noche”, quien ha sido reconocido por documentar a través de su lente el graffiti de la década de los 20, el cual era expresado con grabados en las paredes. Así es: el graffiti tiene historia y no empieza con aerosol.

¿Cómo alcanzó Brassaï el punto más alto en su carrera? Llegó a París en 1924 para estudiar pintura y luego conoció al escritor estadounidense Henry Miller, e iniciaron caminatas nocturnas por las calles parisinas, donde descubrió los graffitis y empezó a fotografiarlos: animales y rostros que parecían ser personajes o de películas de terror o de la mitología griega.

Muchas de sus imágenes por primera vez van a ser exhibidas al público y la sede para ir a verlas va ser el Centro Pompidou, el museo de arte moderno más importante de Europa que se encuentra en París.

¿Por qué esta exposición es importante? Uno, porque se verán expuestos los orígenes de lo que hoy llamamos graffiti y dos, porque pues sí, este Centro está festejando su 40 aniversario y ha sido calificado como uno de los más revolucionarios de su tiempo: por su arquitectura y la apertura de temas artísticos que se han exhibido.

 

Como dato, la exhibición de Brassaï estará disponible hasta el 30 de enero en la Galería Fotográfica del Centro.
Ahora ya sabes, si estás en reuniones familiares y por ahí alguien dice: “el graffiti no es arte”, puedes responder que “no es graffiti, es una piedra indestructible destinada a la eternidad”, no creo que te pidan derechos de autor por usar la frase de Brassaï.

 

Con información L´oiel de la photographie, Time Out y Arch Daily

5 libros de Street Art que no puedes dejar de leer.

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Como lo he mencionado en ocasiones anteriores, el movimiento de arte urbano a nivel global ha cambiado mucho durante en los últimos años. Para muchos –tanto artistas como espectadores–, siempre es difícil desasociar el fenómeno del grafiti del movimiento actual del arte público, ya que aunque ambos siguen manifestándose, no siempre tienen una relación directa.

Es por eso que les quiero recomendar una selección de cinco libros de arte urbano que explican acertadamente el contexto del movimiento, la transición actual de los artistas a nuevos formatos y la nueva experimentación que crean dentro de las galerías.

 

  1. Carlo McCormick, Ethel Seno, Marc & Sara Schiller. A History of Uncommissioned Urban Art. Taschen, 2010.

 

Editado por varios artistas, Trespass. A History of Uncommissioned Urban Art recapitula la historia del arte urbano a nivel global, y revive grandes obras históricas y transgresoras del espacio público que los artistas, en tono de protesta, elaboraron a merced del paisaje urbano del espectador.

Este libro inicia con un prólogo escrito por Banksy e incluye imágenes inéditas de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, precursores del movimiento a principios de los ochenta en Nueva York y ahora codiciados en el mundo del arte contemporáneo.

Otros de los artistas que repasa el libro son JR, Spencer Tunick, Os Gemeos, Jenny Holzer, Sam3, Barry McGee, Gordon Matta-Clark, Shepard Fairey, Blu, Billboard Liberation Front, Guerrilla Girls, entre muchos más.

Este libro es un must en la biblioteca personal de cualquier apasionado del arte urbano.

 

  1. Maximiliano Ruiz, Walls & Frames. Fine Art from the Streets. Gestalten, 2011.

Walls & Frames. Fine Art from the Streets es un excelente trabajo de documentación de la actual transición del movimiento del arte urbano a la galerías. El libro muestra el trabajo de varios jóvenes artistas que, sin perder la conexión con el espacio público, han logrado llevar exitosamente su propuesta a las galerías. Apropiándose de formatos más tradicionales y experimentando con nuevas técnicas, esta nueva generación de artistas está encontrando un lugar en el mercado del arte a nivel global.

 

3. Felipe Pantone & Omar Quiñones, Race Flag. The Grifters Publishing, 2016.

 

Hablando de experimentación de formatos, he aquí uno de mis libros favoritos de este año. Race Flag de Felipe Pantone, artista plástico que se inició en el grafiti y ahora ha llevado su propuesta visual a lugares como el Palais de Tokyo en París y al estudio del mismísimo padre del arte cinético, Carlos Cruz Diez, en Panamá, crea este libro de arte en colaboración con Omar Quiñones, también artista, fotógrafo, y además gran amigo de Felipe.

El libro es una interesante conversación visual entre los artistas, donde el texto es remplazado en su totalidad por imágenes, lo que le otorga una libertad de interpretación al lector. Felipe y Omar establecen un juego perspicaz en el cual el primero hace una pregunta en un formato característico de su obra, y el otro responde con una fotografía en relación a una abstracción, ambos generando un significado único referente a su arte.

 

  1. Elian Chali, Hábitat. TRImarchi, 2016.

El artista urbano argentino Elian Chali nos sorprendió hace un par de meses publicando este libro, en el cual no nos presenta su característica abstracción geométrica, sino una narrativa a través de fotografías que ha tomado a lo largo de sus múltiples viajes en los últimos años.

Autodefinido como un libro conceptual, Elian encuentra en Hábitat un espacio para discutir el fenómeno sociocultural de las ciudades, tratando de entender cómo los seres humanos se desenvuelven, conviven y se desarrollan en ellas.

El libro incluye tres ensayos, 143 fotos y un prólogo por la reconocida fotógrafa estadounidense Martha Cooper, una de las principales documentalistas del movimiento del grafiti y del arte urbano desde sus inicios.

 

  1. Alexandre Farto aka Vhils, Entropy. Editions Gallimard, 2014.

 

Termino con esta recomendación, y no hay mejor forma de hacerlo que con esta obra de uno de los principales representantes actuales del movimiento del arte urbano a nivel internacional, Alexandre Farto, mejor conocido como Vhils.

Entropy, que viene del griego “transformar,” es de alguna forma una autobiografía y documenta los últimos años del artista. Vhils es conocido por crear a través de la destrucción, y la mayoría de sus obras se encuentran en las principales capitales del mundo, pero sobre todo en paredes a las cuales les otorga una segunda vida, plasmando en ellas retratos de ciudadanos comunes y corrientes, que poco a poco, han sido desplazados a raíz del avance de la globalización.

El artista nos invita a apreciar la interconexión que existe entre los habitantes de las ciudades y los espacios públicos donde se encuentra su obra. Vhils ejecuta una excelente crítica desde una obra artística a favor del ser humano y de su espacio en la sociedad.

Publicado originalmente en:

Hootbook, tomo 23. (septiembre — noviembre 2016). http://hotbook.com.mx/street-art/

Said Dokins: when calligraphy finds graffiti

Blog/English por

For Said Dokins calligraphy and graffiti are intermediate practices of inscription and trace, of twisting symbolic orders and of political enunciation. Dokins lives and works in Mexico City. His cultural practice takes on contemporary art production, research and cultural management. He has put on curatorial projects related to urban arts and a number of political issues happening in his country. Among other awards, is the winner of the Iberoamerican Contemporary Art Creation Prize, Cortes de Cadiz, Juan Luis Vasallo 2015 in Cadiz, Spain. His work as an artist has been shown nationally and internationally in countries as Spain, Germany, Holland, Belgium, United Kingdom, Argentina, Chile, Brasil, El Salvador, Peru and others. It takes up the economy of medieval calligraphy, the energy and expressiveness of japanese calligraphy, besides creating a poetic based on pre-phonetic writing. For Dokins every experience is a trace, a psychic impression that creates a texture in our symbolic universe. In that sense, calligraphy and graffiti aren’t just on paper and ink, on the walls and spray, but on every event of our existence.

Said Dokins Vesperide, 2016. Skatepark of Darwin Cultural Space, Bordeaux, France. Photo: Leonardo Luna

This year, IBUg Festival took place in a small textile factory in Limbach,  abandoned just after the  fall of the Berlin Wall. The project “The Hidden Text”, attempts to elaborate a reflection on history and the marks that certain events leave behind. In Germany, the former division remains there in a different way, it’s visible through architecture, people’s life style, economy, or even social control and politics.

Said Dokins ‘Die verborgene Schrift’, 2016. IBUg Street Art Festival, Limbach Germany. Photo: Patrick Richter

In Halle, another connotation is added to the project. It is an abandoned neighborhood, that is going through a recovery process. OpenSpaceGallery has created a recovery program through art, creating murals among other strategies of neighborhood improvement, which favor dialogue with the community, and also elaborate participative prognosis, where the inhabitants share their needs and inquiries.

Currently, they’re going through a stage of building community gathering places, including a park, music jams, discussion spaces, and the most important of all, they are creating strategies to avoid this improvements to led to gentrification, by intercede in public policies so the inhabitants can afford to buy their houses and improve them.

At the present moment, Said is in the beautiful city of Bordeaux, France, working on an exhibit and a wall for the Cox Gallery in collaboration with Monkey Bird Collective.

IKON: Nychos solo exhibition debut

Blog/English/Exhibiciones por

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This Saturday June 26, we attended to the solo exhibition of Nychos IKON at Jonathan LeVine Gallery in New York City. The illustrator and street artist presented a series of artworks inspired on the 1980s icons and fictional characters some of us we grew up with.

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The Austrian artist uses colorful cartoon-like characters that explore their skeletal structure, making the audience see more through the core elements of the artworks, which are the flesh and bones. With the evolution of pop culture and the development of society, Nychos seeks to create awareness of the social-ecological crises by confronting the people to explore his pieces, as is the case in the exhibition with a Barbie doll whose face is melting into a cancerous drip. If you’re around Chelsea, we recommend you take a look at his solo show which will be open until July 23, 2016.

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Meggs: The environment matters.

Blog/English/Entrevistas por

Meggs : Medi

Meggs is an artist based in L.A. and born in Melbourne, Australia. He’s one of the founders of the Everfresh Crew, a unique collective of street artists that opened Everfresh Studio in 2004. Meggs is known for his unique and very expressive style filled with references to pop-culture, the natural world and socio-cultural issues. He painted one of the main walls of the festival, making reference to the environmental conscience we need to build up.

 

By: Andrés Medina / @delabuena

How did you get into the graffiti world?

The thing that attracted me to graffiti, I guess as a young kid, I saw graffiti when I cought the train to school and stuff like that, and comic characters really inspired me. I actually wasn’t heavy into graffiti during my teen years, I was more into skateboarding, but I knew a lot of friends in graffiti so… But when I went to university, I studied graphic design, I really didn’t know at that point what an art career was… being a professional artist, but I obviously liked drawing and creating stuff, so graphic design was the obvious choice. I started to do some networking and with a group of guys we started the Everfresh Studio. Some of those guys were more into the graffiti scene, some others where into putting out posters, others stencil… but when I got involved in that, kind of gathered techniques, and that’s when I really got into it.

 

In terms of the walls you’ve painted around the world, what differences do you find between them?

That’s a good question; actually at some point, I worked the existing textures of the walls and their personality, but I think there’s always the excitement of painting places with out permission or painting in abandoned buildings; there’s always a character and a story there, and that’s why those walls are interesting to paint because it’s almost like you do less on them, but you know that’s what gives them something cool. I love that. Photographically they look really cool. I really like places where the graffiti culture is not that big you know, like recently I painted in Hilo, Hawaii… in these kinds of walls, the environment has a really big impact because they’re not used to it, so it has a very big response, you know? And this wall is more into the aesthetics, and you know it’s a festival… I’ve never really painted in a festival that was also into music and other stuff.

 

What’s your mural about?

I kind of have an ongoing series of work now that is very aligned with my own life path. I’ve become more environmental aware, I’m motivated to try to live in a more sustainable way and communicate a message within my work that allows us to appreciate the environment and evaluate, you know? That’s why the Sea Walls Project was so important for me. So, this piece in particular is a photo of me holding a conch, it represents a lot of what I absorbed when I was there and so it’s kind of appreciating and understanding that the ocean is a giver of life and that’s something we should all be aware of. Doing it here is bringing a piece of Hawaii to Montreal, as much as creating a beautiful image that people can appreciate is about people getting into taking care of nature and the ocean.

Meggs 2 : Medi

(Meggs 2 / Photo by: Medi)

So this year’s Mural edition has been magical, with lots of music, art and messages from the street art community. We are very excited to hear about next year’s edition, but until then, we salute all of the street art lovers and embrace you to keep doing the effort of traveling to Montreal and living this great cultural experience.

Jason Botkin: Community spirit

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Interviewing an artist from Montreal was important for me cause the perspective is very different from the artists that only come for the festival. Local artists have other things to say, have other opinions about the festival. Jason Botkin is probably the most involved artist with Mural Festival because he is very close to the founders and actually part of the equation that resulted in the birth of Mural.

 

By: Andrés Medina / @delabuena

How did art come to your life?

As a kid I always liked art, I drew. But It wasn’t my passion, I was really into snowboarding, it was hot sh*t for me. I went to Calgary, in Alberta, and picked up a semester of art school there. The plan was I would do school there until December; snow comes, boom I’m off to the mountains and build up as a professional of snowboarding. But the first day, the first class, it was so intense it blew my mind.

 

You were actually thinking of being a professional snowboarder?

Yeah! But after that very first class, I was completely changed… I snowboarded five times that year, and then I just quit. It was an instant transition, it wasn’t even a transition, it was just like there was no more confusion about who I wanted to be or what I wanted to do at that point. But you know, the whole exercise was… the teacher asked us to go out into the hill and pick a tree and draw it as well as you could, the very first day. And everyone was kind of stressed to draw the best tree; we did that for like an hour and a half. We came back, took a break, and then he was like, “Ok spend another hour and a half, same tree, same position and now draw the tree as badly as you possibly can. Do the poorest drawing you can.” Fuck that! All right! By he time we had to talk about the two drawings, I realized that the better drawing was really a drawing about insecurity and about how nervous I was about drawing; it was a shitty drawing. The other drawing wasn’t great, but it had so much fluidity and freedom of just being itself… that’s when I realized that drawing could be talking about movement, relationship about body and surface, ideas, emotions; it could be anything. It blew my mind because at that point I thought art was about illustration, I was really excited, and I realized that I understood only a very small amount of the subject.

 

When did you start working on the street?

Well, after I graduated I stopped making art completely for a long time; I just decided it was bullshit. I got lots of different jobs, I went to Japan, I studied ceramics… I really didn’t understand it anymore, the whole politics of the role of art, and all the weird shit that was in relationship with the artists… the galleries, the institution… I was not down with it. I was doing shit at school, drawing in napkins or a piece of newspaper and the whole idea was that the drawing was going to live but only for two days. So I was doing a version of street art, a version of something that had no value, had no longevity of life. It has always been that way. But then, in 2003, I got back into doing art maybe, and around 2008, I did a show at a gallery; in 2009 I did another one… and then right after that second show, I started the En Masse project that was all about black and white collaborative drawing, working with different artists from different backgrounds. That happened in 2009 and then the project started expanding quickly, many of those artists where street artists, graffiti artists. And so, that was my first introduction to that community. So the fact that street art didn’t really have a value or the fact that it was temporary, was immediate for me, it was like, “Yeah that’s f*cking rad!” And for me the biggest influences in school where the Mexican muralists. That was the sh*t for me, I was always political and passionate about social issues, and fearlessness… So that was my introduction to street art.

 

Talking about the situation that makes us evolves as human beings, does your art have a speech? Does it have a socially conscient message?

It depends on the context. Originally, when I was approached, not the festival but the business association of Saint-Laurent, my first reaction was to do a series of homeless people on the street, portraits of homeless people. Not to glamorize their situation but just to paint a portrait of hope and compassion, because I think homeless people, part of the reason we are afraid of them, is because they are like us but without the nice clothes and sh*t like that; they are us but naked and very vulnerable and often very disturbed. And there’s a big problem with homeless people on that street… the business association was like, “No! Can’t have that, that’s too much, that’s a problem for us, we want to get rid of the problem…”, and I was like, “No! It’s the elephant in the room, you can’t pretend it’s not there, it’s f*cking huge and it’s sitting right down on your lap.” So I said, ok, what is the alternative? They said, “We would love it if you could paint some waves and plants… nicer stuff, colorful; we want colors.” So, at the end of the day, the goal is the same: we want to improve our community, we want to improve the environment, we want to be able to do things better. The tools are different, but I’m still able to talk about it you know? So every time the press comes or whatever, we are able to have this conversation.

 

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(Jason Botkin / Photo by: Medi)

La Madre Secular by INTI

Blog/English por

La Madre Secular INTI’s new mural was produced in collaboration with the Galerie Saint Laurent, at the classic and crowded Marche aux Puces.

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Place where the Mediterranean Europe and Northern Africa coexist under the premise of mutual respect in their religious and cultural differences.

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Here some amazing details of the mural:

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¿Quién no es Smithe?

ACC TV/Español por

Una de las preguntas más díficiles que nos pueden hacer es: ¿Quién eres?

En un juego retórico y existencialista–siempre–es más fácil expresar lo que no somos, y es así como también logramos reforzar quiénes somos en realidad.

Esta vez les presentamos el trabajo de Smithe, un creativo, en toda la extención de la palabra, y como no fuimos capaces de encasillarlo en una sola oración, jugamos con una serie de dobles negaciones que afirman, y re-afirman todo aquello que Smithe no es y, por lo tanto, sí es.

Bienvenidos al mundo de un loco lúcido al que admiramos de sobremanera, y no sabemos cómo le alcanza el tiempo para crear de la manera en la que lo hace.

La música del video corre a cargo de .Stendal. Pueden descargar su disco aquí: https://stendal.bandcamp.com/

¡Disfruten y compartan!

✌️👀

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