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Textured: la primera exposición individual de Rune Christensen

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La galería eliumcowboy presenta la primera exposición individual del artista

Si hay algo difícil de crear a la vista de los demás (no sólo en el ámbito artístico) es la formación de un estilo propio, esa marca que hace inigualable aquello que hacemos. El artista danés Rune Christensen es de aquellos quienes pueden presumir de haber creado una especie de grabado estilístico en todas sus obras, que hace inconfundible la autoría de los trabajos.

Dualidad, un término acuñado por muchos, expresado por otros tantos y ejecutado de muy diversas formas, podría considerarse el eje de la obra de Christensen. El pintor, ilustrador y grafitero, con sus trabajos evoca la sensación de aquello que mostramos cuando nos referimos a nustro “lado oscuro”.

Textured es la primera exposición individual de Christensen en Alemania. Mujeres con tatuajes, diferentes escenarios, personajes, siempre cubiertos de la boca miran fijamente al espectador, como preguntando, como incitando algo.

Las miradas penetrantes de los personajes femeninos en su obra resultan atrayentes por su intensidad, expuesta a través de colores sombríos; la textura y la técnica de sellado industrial, que recientemente ha implementado el artista en su obra, son características de su trabajo

Rune Christensen nació en Dinamarca en 1980. Su obra se basa en una serie de viajes que hizo a Perú, Bolivia, China, Nepal, Estados Unidos, Canadá, Indonesia, entre otros lugares del mundo. Chirstensen toma como punto de partida las culturas con las cuales tiene contacto durante sus estadías y las utiliza como un reflejo de su gusto por ellas.

La muestra estará en exhibición en la galería elicomcowboy, lugar que desde su inauguración, en 2002, tuvo como objetivo apoyar y difundir el trabajo de artistas jóvenes. Rune Christensen ha presentado proyectos en Nueva York, Miami, Basel, Colonia y Berlín. Su exposición estará hasta el 27 de mayo.

 

 

Eduardo Kobra interviene muro de fábrica de chocolate en Brasil, su trabajo más grande hasta el momento

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Casi seis mil metros cuadrados (200 de largo por 30 de alto) abarca la obra de Eduardo Kobra

Eduardo Kobra interviene muro de fábrica de chocolate situada en una de las carreteras principales de Sao Paulo, Brasil.

Resultado de imagen para Eduardo Kobra graffiti más grande del mundo Este nuevo mural supera su anterior marca realizada en el mural Etnias. Todos somos uno para los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro en 2016, el cual está ubicado en el boulevard Olímpico, Plaza Mauá, Centro de la ciudad brasileña, y que además se encuentra registrado en el libro de los récords guinness por sus poco más de tres mil metros de longitud.

Su actual obra representan a un niño indígena de la zona del Amazonas en una canoa llena de cacao sobre una superficie de chocolate. Su característico toque de color en lugares grises ha marcado a la gente que observa su arte.

La empresa Cacau Show fue la encargada de contratar a este artista para intervenir su fachada. “Estoy muy contento con el resultado. La gente come chocolate, pero no sabe todo el trabajo que hay detrás”, mencionó Alexandre Costa, presidente de la misma.

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Kobra utilizó 12 grúas y más de cuatro mil botes de pintura para realizar su mayor obra hasta el momento.

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Para realizar este mural, Kobra basó su trabajo en la documentación iconográfica que realizó con un fotógrafo sobre el Amazonas. Gracias a estas fotos, realizó 30 dibujos antes de llegar al resultado final.

Sus siguientes destinos donde dejará su extraordinaria huella serán Malawi (pretende realizará dos murales internos en un hospital, inspirados en Nelson Mandela, todo gracias a la invitación de la cantante Madona), Murcia, Italia, Alemania y Portugal.

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Obras de Banksy, Warhol y Shepard Fairey en subasta en Los Ángeles

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Umbrella Rat, obra de Banksy que puede ser la mejor pagada

Sin duda, Bansky es de los nombres más sonados en el mundo del arte urbano. El artista británico no sólo ha sido controversial por su incógnita personalidad, o por sus trabajos cargados de una crítica socio-política, sino también por lo bien valuadas que resultan sus obras.

La casa de subastas Julien’s Auctions pondrá a la venta más de diez obras del artista británico el 31 de mayo. 

La pieza que los organizadores consideran puede ser la mejor pagada es el dibujo original hecho con aerosol, Umbrella Rat, el cual estiman puede ir de los 30 a los 100 mil dólares. También estarán ofertados Black Bobby, Bomb Love, entre otros.

 

Michael Doyle, representante de Julien’s Auctions considera que el trabajo de Banksy mantiene su importancia por la carga política de su mensaje. Comentó que es muy raro encontrar obras de artistas urbanos que sean verdaderamente provenientes de las calles.

En la subasta que se realizará en Los Ángeles también se incluirán trabajos de Shepard Fairey y una serigrafía hecha por Andy Warhol a Mick Jagger, vocalista de los Rolling Stones, en 1975.

En el 2008 fue vendida la obra de Banksy más cara del mundo: Keep it Spotless fue subastada por 1.8 millones de dólares. Otros de los trabajos del artista británico más costosos han sido Laugh now en el 2013; Kissing Coopers en 2016; Space girl and bird (cuyo precio se estimaba en 30 mil dólares); Think Tank en 2013, entre otros.

 

Con información de: Wide Walls, ABC Cultura, Milenio y Channel NewsAsia

Artistas demandan a empresario por borrar sus graffitis

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23 artistas de 5Pointz actuarán legalmente

El arte urbano es una práctica que ha cobrado auge en los últimos años, de la misma forma, ha sucedido con los derechos de las personas que se dedican a su realización. En el 2013, el caso de 23 artistas cuyas obras fueron removidas sin previo aviso en Nueva York causaron controversia entre la comunidad del graffiti. Cuatro años después, actuarán legalmente contra el responsable de esta acción.

Jerry Wolkoff, propietario del edificio en el cual se alberga el trabajo del colectivo 5Pointz mandó borrar el trabajo de 23 artistas en el 2013, en un acto aún más clandestino que la propia práctica clásica grafitera: una noche las pintas se vieron desplazadas por una plasta de pintura blanca.

Wolkoff mencionaba en ese entonces que el acto fue “lo más humano” que pudo haber hecho. La idea de demoler el edificio que albergaba más de mil pintas en su estructura con las pintas aún en ella –para poder realizar una serie de construcciones con departamentos de lujo– le parecía más cruel, por lo cual decidió pintarlas primero. El dueño dijo que incluso lloró con la decisión, pues, dijo, los trabajos hechos en su propiedad eran de su agrado.

Según el periódico The New York Times, el conjunto de artistas lleva la delantera, pues el 31 de marzo un juez determinó que sí es un asunto que puede trasladarse a la corte. Wolkoff señala que él es propietario del lugar y que, además, el grafiti es considerado una práctica efímera; sin embargo, el juez puntualizó que los artistas debieron ser notificados previamente para que tuvieran la posibilidad de proteger su trabajo pues no se trataba de la práctica del grafiti de manera clandestina sino de un trato que hicieron con el empresario.

5Pointz es conocido en el mundo del street art como “La Meca del grafiti”, el lugar ubicado en Long Island, Nueva York ha albergado la propuesta de artistas nacionales e internacionales. El lugar ha sido curado por Jonathan Cohen el artista urbano quien comenzó su carrera a los 13 años, mejor conocido como Meres1, y quien ha expuesto que este es un caso que puede hacer visible la práctica del street art como digna de protección.

 

Con información de: The New York Times, 5Pointz y  swissinfo . 

 

Arte efímero: graffiti hecho con agua y luz

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Waterlight Graffiti realizó instalación en un muro de 16 metros

La plaza mayor de Madrid celebró su cuarto aniversario con un muro de 16 metros de longitud creado por LEDs activados cuando son tocados por agua, todo esto llevado a cabo por el programa “Cuatro Estaciones” del Ayuntamiento de Madrid.

Waterlight Graffiti es un proyecto creado por el artista francés Antonin Fourneau, interesado siempre en temas de la cultura electrónica y popular, y Art2m, una empresa que realiza y apoya producciones de arte y nuevas tecnologías.

Waterlight Graffiti es especializado en este tipo de instalaciones, lo que busca es un nuevo tipo de material reactivo para dibujar o escribir mensajes efímeros hechos de luz.

El desarrollo de Waterlight Graffiti fue realizado en una residencia de Antonin Fourneau en Digitalarti Artlab, desde entonces, este proyecto ha estado en ciudades como Taiwán, Shenzhen, Dallas y en La Habana.

Entre más húmedo sea el trazo, más brillante se proyectará en los LEDs. El agua entra en contacto con los bordes del LED, esto hace que la corriente eléctrica sea conducida, para así crear un puente que permita el paso de la corriente a través del circuito, lo cual ilumina al LED bajo la superficie de los paneles.

Este muro crea una convergencia entre la arquitectura, el arte y las nuevas tecnologías; además, logra un acercamiento de la gente con las expresiones artísticas urbanas.

UNESCO premia a los mejores artistas árabes 🏆

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Artistas son premiados por su labor en la promoción de la cultura árabe

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) presentó a los nuevos galardonados con el premio UNESCO-Sharjah, enfocado en la promoción de la cultura árabe: Bahia Shehab y Fawzy Kalife, mejor conocido como El-Seed.

El premio fue anunciado por Abdullah Al Owais, jefe del Departamento de Cultura e Información de los Emiratos Árabes Unidos de Sharjah y será dado a los ganadores en abril.

Bahia Shehab es una artista, historiadora del arte y diseñadora gráfica egipcia, quien en 2010 su nombre fue replicado en medios internacionales cuando intervinó paredes de su ciudad con la campaña Mil veces no, durante el movimiento de la Primavera Árabe. Recopiló miles de símbolos de la escritura árabe que “juegan” con la palabra “no” para representar las múltiples facetas de opresión en las que han sido testigos los egipcios. Su trabajo se enfoca en el graffiti y el estudio de la caligrafía.

El-Seed es un artista franco-tunecino que ha basado sus investigaciones en la historia del arte en París, donde pasó su infancia, así como la caligrafía árabe. El año pasado el artista realizó una serie de pintas en 50 edificios ubicados en Jabal Al-Moqattam, y que si son vistos desde una parte específica de la ciudad, conforman una única frase, tomada de patriarca Athanasius “Cualquiera que quiera mirar la luz del sol, claramente debe limpiar sus ojos primero”.

Esta es la edición número 14 de un premio que surgió en 1998 como parte de un proyecto que busca promover un diálogo cultural y la revitalización de la cultura árabe

 

Con información de ahram online,  El- Seed y El Español

Doble fondo: ¿cómo preservar el graffiti que está en las calles? 🤔

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Proyectos Monclova presentó exposición de graffiti sobre el caso Ayotzinapa

Fotografías por Cristina Ochoa

De fondo se escucha una pieza de la serie de canciones de Gustav Mahler Kindertotenlieder (canciones para los niños muertos); la pantalla reproduce una a una las imágenes de protesta que desde el 2014 comenzaron a ser cotidianas en México tras las desaparición simultánea de 43 estudiantes en Ayotzinapa, Guerrero. Es la pieza “Gramática de la tristeza”, obra que formó parte de la exhibición Doble fondo, en la galería Proyectos Monclova.

La muestra fue realizada por el colectivo Tercerunquinto, conformado por los artistas regiomontanos Julio Castro, Rolando Flores y Gabriel Cazares y con el cual buscan hacer obras que vinculen la escultura, arquitectura y su relación con el espacio público y privado.

Doble fondo es un trabajo que hace una exploración a la idea de la rabia como un motor de creación en la realización del graffiti. A través de dos ejes principales: por un lado, lo relacionado con el caso de Ayotzinapa en México y por el otro, un acercamiento a la figura del graffitero, mediante la representación de un actor.

A través de una serie de paños, los artistas se encargaron de remover parte de 122 graffitis que se realizaron en la Ciudad de México durante las protestas por el caso Ayotzinapa.

“Mi nombre es Hugo Álvarez y tengo 19 años..” comienza el performance realizado en el Museo de Antioquia que conforma la pieza “Graffiti. Representación en grado cero”, una obra audiovisual en la cual se explora el papel del graffitero y la clandestinidad de la práctica. Para este video se obtuvieron permiso por parte de autoridades culturales del gobierno de Medellín, Colombia.

El piso también formó parte importante de la muestra, pues, sobre el suelo original del lugar se instaló uno nuevo. La idea fue hacer una reflexión de dónde estamos parados.

De esta forma, el colectivo logró lo que muy pocos: más allá de la preservación del graffiti como una práctica que puede dejar de ser considerada como efímera, hizo un acercamiento a la idea de la pinta como un canal para expresar la inconformidad y una especie de documento que plasma un problema que sigue vigente en el país latinoamericano.

“America Needs Brains”, nuevo mural de Saturno Art y Tristan Eaton

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Culver City se llenó de spray gracias a la colaboración de Saturno Art y Tristan Eaton

America Needs Brains es el título del nuevo mural creado  por Saturno Art y Tristan Eaton en las calles de Culver City, California- Estados Unidos.

Con una mezcla entre el retrato y el surrealismo captado por el spray, esta obra del arte callejero ejemplifica la situación política que viven los Estados Unidos.

Tristan Eaton realiza sus obras a escala colosal. Cuenta con un collage meticuloso y visual de imágenes pop mezcladas con su estilo propio, todo ejecutado con una técnica a mano alzada con pintura en spray.

Esta técnica no es nueva para ambos, pues comenzaron a pintar desde corta edad, gracias a influencias como el cine y la publicidad. Han creado pintas en diferentes partes del mundo como Londres, Shanghái y Estaos Unidos.

Con esta nueva obra en las calles de California, estos artistas callejeros continúan consolidándose como unos de los mejores graffiteros, y dejan ver el talento conjunto que pueden proporcionar.

Augustine Kofie inaugura exposición en París ✌️

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Openspace Gallery aloja los nuevos trabajos del artista estadounidense

El artista estadounidense Augustine Kofie inauguró su exposición individual Build From Memory en la galería parisina Openspace, donde muestra su nueva serie de collage, pintura e instalación.

Build From Memory empezó con el reto que se impuso el artista de producir movimientos dinámicos a partir de una base estable y estática (el lienzo). Encontró la respuesta en líneas perspectivas que producen volumen, inmersión y profundidad, cuyas raíces se encuentran en la escritura de letras 3D en el graffiti.

El nombre de la exhibición habla de la capacidad de los seres humanos para adquirir conocimientos y aplicarlos repetidamente al mundo material, porque estamos definidos por la habilidad para manipular la naturaleza y por la experiencia de estar en el tiempo.

Las pinturas de Kofie empiezan como un bosquejo, pero esa idea no es trasladada exactamente igual al lienzo; actualmente el artista pinta como lo haría en una pared: “El cuerpo se involucra, es ejercicio. Los lienzos se hacen en chorros rápidos y repetidos, es un estilo de pintura que aprendí del trabajo en la calle”.

Kofie fue reconocido en los 90 como artista urbano, pero empezó a exhibir su trabajo en galerías a partir de 2002. Es considerado como uno de los representantes más importantes del grupo denominado graffuturismo, además de estar renovando el enfoque de la pintura abstracta contemporánea.

Referencias vintage también son constantes en su trabajo, como las revistas antiguas que utiliza para sus collages, fragmentos que han sido salvados de la destrucción, y que contienen memorias, además de ser portales a un momento específico.

El estilo de Kofie, con raíces en el graffiti, domina el color, la perspectiva y el acomodo de las formas, lo que resulta en obras abstractas que dialogan con la arquitectura que intervienen.

 

Con información de Celaya Brothers Gallery.

All Big Letters: ¿en qué se inspiran los grafiteros antes de pintar?👌

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Cantor Fitzgerald Gallery presenta la exposición curada por RJ Rushmore

Fotografías: Cantor Fitzgerald Gallery

¿Qué hay detrás de las pintas a las que nos enfrentamos todos los días por las calles?, ¿existe cierto grado de anhelo de reconocimiento, por parte de los artistas urbanos al crear sus trabajos? Son esas las cuestiones que busca resolver All Big Letters, la muestra curada por RJ Rushmore que explora la práctica del graffiti más allá de los muros.

La exposición es un compendio de todo un mundo: el trabajo finalizado, los materiales, el artista, sus intereses, qué lo llevó a realizar su pinta, el lugar…para ello, sólo un experto en el tema como RJ Rushmore podría encargarse de dicho análisis: experto en graffiti, editor en jefe del blog Vandalog, curador del proyecto Art in Ad Places y escritor. Rushmore es un experto en el tema del arte urbano.

Una exhibición sobre el estilo, las herramientas y la técnica del graffiti, la muestra se presenta en Cantor Fitzgerald Gallery, el proyecto del Haverford College en el cual participa la comunidad del instituto y con el cual buscan hacer trabajos de análisis en torno a la cultura contemporánea.

Rushmore realizó una exploración de las pintas, desde el surgimiento del inicio del graffiti en la década de los 60 y 70 hasta nuestros días. No importa que la pared refleje únicamente un nombre, siempre hay algo más por decir de ello: la constante repetición de un nombre en distintas partes de la ciudad, hace un reclamo de atención, por ejemplo.

All Big Letters, pensar y leer entre líneas, hacer de una pieza, algo más allá de su presentación física: “Quería exhibir la mente del graffitero en una galería… eso significa, apreciar no sólo la pieza terminada sino cómo y por qué se hizo”, dijo Rushmore para la publicación Brooklyn Street Art.

 

Con información de Street Art Brooklyn y Haverford. 

Aerosoles cruzados: exposición de Pablito Zago en Ciudad de México

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La Alianza Francesa en México (AFM) presentó el evento de arte urbano

Fotografías por Cristina Ochoa

Si hay algo que puede atribuirse al street art, es el grado de implicación con la comunidad que genera, haciendo de éste un movimiento creativo que vincula al público con los artistas. La Alianza Francesa en México (AFM) inauguró el 25 de febrero el proyecto Aerosoles cruzados, con una serie de conferencias, talleres, venta de artículos y exposición del artista urbano Pablito Zago.

Pablito Zago es un artista francés reconocido por su variedad de intereses: música, ilustración, pintura y actuación son las pasiones en las cuales el perlirrojo ha incursionado. Influenciado por el cómic norteamericano y por la cultura de las comunidades con las que tiene contacto, Zago es uno de los referentes del graffiti internacional más destacados de la actualidad.

Los muros del estacionamiento en la AFM se llenaron de color: participantes graffiteros de aproximadamente 15 años de edad, pintaron las paredes del lugar para ganarse un lugar en el taller impartido por Pablito Zago.

Se realizaron talleres que la institución creó para la práctica del graffiti; junto a ellos, playeras, separadores y artículos sobre arte urbano hacían juego con todo el panorama. Personas de distintas edades se encontraban pintando sobre papel diversos diseños creados por ellos.

El artista francés, quien ha dedicado su trabajo a la ilustración y el graffiti, presenta dentro del proyecto, su exposición Cuadernos de viaje, un compendio de ilustraciones hechas en sus viajes a través del mundo y cuyo trabajo, a pesar de estar repleto de frases, no cuenta con una traducción, por ser para Zago algo casi innecesario en el arte, pues vale más la experiencia que este causa.

Mucho se dice sobre los artistas y su separación con el público; personajes como Zago que se vinculan con la población para crear sus trabajos y proyectos como los de AFM hacen ver que una de las vías para acercar al arte con el espectador, puede ser el estilo urbano.

Graffitis en el metro, una historia de rebeldía

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La pinta de trenes: un movimiento artístico urbano de los años 60

Lejos de las grandes ciudades, de los museos y galerías que abren sus puertas al arte urbano, hay una forma de expresión que sigue fiel a sus raíces de rebeldía y descontento: el graffiti hecho en el metro.
Esta forma de expresión nació en los años 60 y 70 en los vagones de Nueva York. Entre los artistas que marcaron esa escena están Taki 183, Phase 2, Tasta Macke, Futura, Blade, Bill Rock, Lady Pink, Dae, y Jon One, entre otros. Pero la libertad que sentían al pintar los vagones no duró para siempre: las autoridades empezaron a remover las pintas y a instalar materiales más fáciles de limpiar.
Martha Cooper – Cops in the metro, 1981
Los trabajadores de los trenes de carga ya pintaban en sus paredes las horas de salida, de llegada e información sobre las cargas que contenían. Ya en los años 80 esos trenes fueron pintados por artistas urbanos como Pnut, Tracy 168, Zuroc y Braze.
Aunque ha pasado mucho tiempo desde el movimiento artístico urbano del graffiti en los trenes; en mayo de 2016 la policía española arrestó a tres grafiteros que detenían un tren en movimiento al accionar la palanca de emergencia, salían a las vías, pintaban en el convoy y huían. Otro de muchos casos ocurrió en México: en febrero de 2015 la policía local detuvo a tres jóvenes que por la noche rompían las mallas de seguridad y accedían para pintar los túneles y algunos vagones…
La desilusión de los jóvenes por el desempleo y la crisis económica hizo del graffiti clandestino en el metro una forma de expresar su identidad y su pertenencia al barrio … porque actualmente el graffiti de los trenes es uno de los pocos que mantiene viva su esencia subversiva.
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