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Mexico

Muere el artista Felipe Ehrenberg, fundador del colectivo Tepito Arte Acá

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Escultor dibujante, promotor cultural y pionero en el arte contemporáneo mexicano

Foto de portada: Carlos Rosillo

Ayer por la noche, los medios e instituciones culturales confirmaron la muerte del artista mexicano Felipe Ehrenberg: dibujante, pintor, escultor y diseñador. Pionero en el arte conceptual contemporáneo y promotor cultural en diferentes regiones del país.

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Fotografía Carlos Rosillo

Entre 1968 y 1974 vivió en Inglaterra y fundó la editorial Beau Gest Press, la cual se dedicaba  a publicar libros realizados por artistas. Esta editorial generó lo que conocemos como la emergencia del discurso conceptual a través de panfletos, carteles y catálogos de arte.

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Fotografía Héctor García / Agendia Reforma

Fundador del colectivo Tepito Arte Acá, en donde se realizan diferentes disciplinas artísticas bajo la interpretación y perspectiva de los fenómenos barriales.

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También del 2001 al 2006, Ehrenberg fue agregado cultural (embajador) de México en Brasil y al año siguiente fue nombrado director de relaciones internacionales de la Televisión América Latina (TAL).

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Foto: Itta Magazine.

Profesor de la Universidad Veracruzada y premiado por prestigiosas becas como Fulbright o Guggenheim.

Siempre pensé que el arte servía para dialogar con tu prójimo más cercano: tu mamá, tus primos, tus amigos de la escuela, tus vecinos, la persona que te arregla el auto, la que te lo vende, tu vecino inmediato.

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Con información El Universal , El País.

Latitud 2017, primer concurso nacional de arte urbano para librobuses 📚

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Artistas urbanos intervendrán librobuses en México

 Educal, la red de librerías de la Secretaría de Cultura, convocó a aficionados del arte urbano a un concurso para intervenir las fachadas de cuatro de los librobuses (camiones que se convierten en librerías y recorren regiones del país con poca infraestructura de librerías).

Latitud 2017 es el nombre de este proyecto. Los artistas interesados deben enviar su trabajo hasta el 4 de junio de este año con un diseño inédito y reinterpretando la frase: “La experiencia de leer”.

Los artistas urbanos Itzio Barberena (Kid ghe), Luis Romero (Watchavato) y Dhear One; el diseñador gráfico e ilustrador Manuel Monroy, y el escritor y artista gráfico Bernardo Fernández (BEF) conformarán el jurado que elegirá a los ganadores del certamen.

Los ocho diseñadores ganadores se darán a conocer el próximo 12 de junio a través de las redes sociales de Educal.

Grafiteros ingresan clandestinamente al metro de la CDMX y son detenidos ⚠

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Alemanes, suizos y mexicanos intentaron grafitear vagón de la Línea 8

Dando inicio al 10 de mayo, Gruding, Gert, Johan, Elton, Diana y Fernando esperaron que fueran las 3:50 de la mañana para que pudieran ingresar clandestinamente a la estación Doctores de la Línea 8 de la Ciudad de México y poder grafitear uno de los trenes estacionados. Joana y Fernando vigilaban las entradas de la estación, por si veían entrar algún policía y avisar a los demás. El plan no funcionó.

Los policías los arrestaron: Gruding y Elton, de nacionalidad alemana; Gert y Johan, de Suiza; y Diana y Fernando, residentes de la Ciudad de México. Inmediatamente los medios nacionales titularon la nota “Grafiteros detenidos”. Declaraciones de las autoridades inundaron los párrafos: “es que si grafitean, el tren tarda más de 20 días en volver a funcionar”. Usuarios de Facebook los defendían, otros aplaudían su detención. Como siempre, la red social se convirtió en plataforma de debate.

Latas de pintura, cámaras fotográficas y las cuerdas que usaron para ingresar a la estación fueron decomisadas. “Daños a la propiedad” refiere la demanda que les acaban de otorgar las autoridades mexicanas a cada uno de ellos.

 

Con información de El Universal y Sin Embargo

Las 10 razones por las que se recordará a Ramón Valdiosera, creador del color rosa mexicano

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Artista, diseñador, pintor, escritor; Valdiosera posicionó la moda mexicana en el mundo

La historieta, el diseño de modas, la ilustración y el cine fueron los campos en los que desarrolló proyectos y ganó premios el mexicano Ramón Valdiosera, conocido por ser el creador del color rosa mexicano, el cual fue punto de partida para posicionar internacionalmente a México como un país que difundía su cultura a través de la moda.

Valdiosera nació en Veracruz, lo llamaban “El Maestro”, fundó la Academia Mexicana de Arte Secuencial (AMAS), en la que también impartía clases. Defensor de la cultura nacional y sus tradiciones, el diseñador mexicano fue un referente de la moda en nuestro país.

Las 10 razones por las que Valdiosera será recordado

1.-Boutique fue la primera exposición de moda presentada en un museo del país. Museo Carrillo Gil albergó la exhibición en los años 90.  Posteriormente, publicó el libro 300 años de moda mexicana.

2.-Director de Chamaco Chico, primer modelo de publicación en forma de historieta.

3.- Fanático de los cómics, fundó los Estudios América, donde reunió un equipo de jóvenes dibujantes. De esta agrupación, se formaron grandes dibujantes como Ángel Mora y Antonio Gutiérrez; sus obras fueron adaptadas al cine y la televisión.

4.-Dos veces ganador del premio Ariel por sus documentales Himno Nacional (1948) y Los hombres pájaro (1949).

 

5.- Sus diseños de moda fueron relevantes, al ser los primeros en usar telas típicas de los indígenas mexicanos. En 1949, el hotel Waldorf-Astoria de Nueva York exhibió la línea de vestidos realizada por Valdiosera. La prensa estadounidense nombró al estilo colorido de sus diseños como Mexican pink.

6.- En 1960 Valdiosera creó su línea de ropa comercial que se vendía en 14 tiendas de la República Mexicana y una en Beverly Hills.

7.- En 2009, su exposición Rosa Mexicano. Moda e identidad: la mirada de dos generaciones en Casa Lago fue motivo para que Fashion Group International México le rindiera un homenaje en el Mercedes-Benz Fashion Week Mexico.

8.- En 1936 fue cronista y pintor taurino en Excélsior.

9.-En 1959 abrió el Museo de la Moda en la calle de Varsovia, Zona Rosa, de la Ciudad de México. Tenía una diversa colección de esculturas y joyerías prehispánicas.

10.- Su último trabajo fue una serie de murales para la línea 12 del metro de la Ciudad de México.

 

Con información de El Financiero, El Universal y Gatopardo

Exposición de Björk en México, la más grande de realidad virtual en el mundo😲

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Ocho salas conforman la exhibición en Foto Museo Cuatro Caminos

Fotografías por Eduardo Pacheco

Video por Luis Ángel Guerrero

Entrar al Foto Museo Cuatro Caminos es como llegar a otro mundo, a una realidad diferente de la que se vive afuera. Dos murales de impresión digital, con lo que pareciera ser una mujer creada con alambres, reciben a la gente. Las camisetas de los guías y las de las personas que están a punto de adentrarse a este lugar sólo tienen un nombre: Björk.

Las escaleras que llevan al primer piso dejan situada a la gente en una mesa con múltiples tablets y audífonos. “Esta es la aplicación oficial de Björk, pueden jugar en lo que comienza esta aventura”, mencional el guía, mientras mira la cara de confusión de las personas que presionan la pantalla.

La exposición de realidad virtual más grande del mundo de Björk, la cual ni siquiera el Museo de Arte Moderno de Nueva York tiene completa, está en México. “¿Fuiste al concierto de ayer o irás al del sábado?”, se escucha decir a un hombre con una playera negra de la cantante islandesa. La mayoría son fans de su música.

Un cuarto oscuro, dos pantallas muy grandes y 58 bocinas en las cuales se escucha al unísono: “My soul torn apart, my spirit is broken, into the fabric of all, he is woven”, es lo que se encuentra en esta primera sala. Disfrutar a Björk es lo que todo fanático quiere.

Las personas comenzaron a admirar más a Björk. Se nota porque ya hablan más de ella, ahora hasta discuten el sentido de sus canciones durante el camino a la siguiente exhibición. “Esta es la parte de realidad virtual”, menciona el guía al entrar a una explanada techada: bancos de metal giratorios, lentes muy grandes y audífonos esperan a la gente. Ahí existirían encuentros íntimos con Björk.

“El video de Mouth Mantra habla sobre el sufrimiento que tuvo por la casi pérdida de su voz, por ese esa escenografía. Ella está obsesionada con cantar bien”, dice la chica encargada de esa sala. Dos videos en concierto privado, como si Björk estuviera a centímetros de tocarlos es lo que se vive gracias a la realidad virtual. Es inevitable que los fanáticos coreen las canciones de su artista favorita.

We carry the same wound, but have different cures. Similar injuries, but opposite remedies”, se escucha en los oídos de las personas. Toda esta exposición está basada en el divorcio de Björk con Matthew Barney. El sufrimiento y la oscuridad están plasmados en las canciones de las primeras salas, para luego dar paso la superación de su duelo por medio del apoyo de sus familiares.

La exposición finaliza en un cine a pequeña escala donde se reproducen continuamente videos remasterizados de Björk. Además de poder disfrutar su música, esa sala también funciona como un lugar para reflexionar todo lo acontecido en las anteriores. “Me dijeron que Björk tuvo que realizar algunas escenas con traje verde para esta exposición. ¡Es una gran cantante!”, comenta un fanático, luego pide que le tomen una fotografía junto a los murales que ahora despiden a la gente.

Esta exposición logra el cometido de introducir a la gente en un nuevo universo. Los fans salen emocionados y con nuevas amistades. Los que no lo son, probablemente quieran escucharla un poco más para poder compartir la emoción que los seguidores reflejaban cada vez que se coreaba el mismo nombre: Björk.

La exhibición estará hasta el siete de mayo en Foto Museo Cuatro Caminos.

Hiperrealismo mexicano en galería de Alemania

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Galería exhibe muestra de dos mexicanos hiperrealistas

Se dice que la confrontación de generaciones resultan siempre en conflicto; sin embargo, el trabajo de la galería Benjamin Eck en Múnich, Alemania, ha comprobado que ello no siempre es cierto y que por el contrario, podría resultar un espacio de intercambio y aprendizaje. Así, lo ha demostrado su nueva muestra New Mexican Psychorealism, la cual exhibe obras de los reconocidos artistas Víctor Rodríguez y Alfredo Chamal.

La exposición, además de presentar el estilo artístico de dos personajes destacados en el estilo hiperrealista, explora lo que el animador estadounidense Chris Landreth definió como “psicorrealismo”: el punto medio entre el arte y la animación.

Víctor Rodríguez, el artista que no estudió para serlo, que considera la etiqueta de “hiperrealista”en su trabajo como un engaño; ha trabajado la mayor parte de su obra en Brooklyn, dentro de un estudio al que denomina “cueva asquerosa”. Es considerado uno de los más importantes en la actualidad por este estilo que se caracteriza por un parecido casi fotográfico pero que conserva las técnicas tradicionales de la pintura. Basa la mayoría de su trabajo en la exploración por la preservación de la memoria.

Una pluma es lo único que Alfredo Chamal necesita para hacer obras que se resultan en imágenes increíblemente parecidas a sus objetos de representación. El mexicano de 23 años estudió Diseño Gráfico y Artes Visuales y su trabajo es basado principalmente en el retrato, “fotorrealismo”. Además, se interesa por un análisis de lo que significa la “femineidad” , aspectos que explora también en su propia persona.

De esta forma, la galería Benjamin Eck sigue conservando su proyecto de presentar de forma simultánea, artistas emergentes y personajes consolidados dentro del mundo artístico, para lo cual se enfoca en creadores internacionales.

La muestra estará abierta en la galería ubicada en el centro de Múnich, hasta el próximo 19 de abril.

 

Con información de: Wide Walls, El Financiero,  arte feed,  Carruaje de pájaros y  Benjamin Eck Gallery .

Big Bang Data en el Centro de Cultura Digital de la Ciudad de México

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La exposición digital llega a México

Fotos Centro de Cultura Digital CDMX

Una montaña gigante de imágenes que te podrían resultar familiares: la repetición de poses, sonrisas y lugares son una constante en los impresos a los que te enfrentas. ¿Cómo hacemos uso de los espacios digitales? Es esa la pregunta que se hace Erik Kessels en su trabajo “24 hours in photos”, obra para la cual imprimió todas las fotografías que se subieron en un día a la plataforma Flickr, y que forma parte de la exposición Big Bang Data en el Centro de Cultura Digital de la Ciudad de México.

Big Bang Data es una muestra colaborativa entre la Fundación Telefónica y el Centro de Cultura Digital que busca enfrentar a los visitantes con lo que significa el análisis de datos en el ciberespacio y poner en tela de juicio el papel que jugamos como piezas en ese mundo que nos parece tan cotidiano pero nos resulta tan ajeno.

El proyecto contó con la participación curatorial de la arquitecta y diseñadora Olga Subirós así como el periodista y teórico José Luis Vicente. La exhibición cuenta con 30 piezas para las cuales contribuyeron investigadores, periodistas, activistas, diseñadores, analistas, cartógrafos, comunicadores, arquitectos, programadores, economistas e ingenieros

Exposición en Barcelona.

La idea de la exposición es poner sobre la mesa la relación de la sociedad con los datos a través del arte, la política, el deporte y todas nuestras prácticas cotidianas.

 “Big Data” es un término desarrollado hace 10 años por el analista informático Kenneth Cukiera y el investigador Viktor Mayer- Schönberger y se refiere a la actividad de análisis, cuantificación y mercantilismo que se generan a partir del uso de plataformas digitales.
Exposición en Barcelona.

 “World Processor 1989-1015” es una serie de globos terráqueos en los cuales explora de manera gráfica datos sobre temas políticos, sociales, económicos, mediambientales, históricos y económicos.

Por su parte, el artista mexicano Rodrigo Sigal preparó una instalación sonora en la cual pretende hacer una reproducción de los sonidos generados por los aviones. “Minotauroses un circuito que conjunta el diseño y la tecnología para involucrarse en el tema de la informalidad laboral.

La exposición ha sido presentada también en Madrid, Londres, Singapur, Buenos Aires y Chile.

Exposición en Barcelona.

Huella digital”, el rastro que dejamos tras el número de interacciones que tenemos en la realidad virtual y el cual involucra no sólo la coexistencia en el universo intangible. Más allá de ser meros partícipes del mundo de opciones tecnológicas que se nos tenemos, Big Bang Data busca generar en nosotros una reflexión sobre cómo es que nos estamos enfrentando a estos.

 

 

Graffitis en el metro, una historia de rebeldía

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La pinta de trenes: un movimiento artístico urbano de los años 60

Lejos de las grandes ciudades, de los museos y galerías que abren sus puertas al arte urbano, hay una forma de expresión que sigue fiel a sus raíces de rebeldía y descontento: el graffiti hecho en el metro.
Esta forma de expresión nació en los años 60 y 70 en los vagones de Nueva York. Entre los artistas que marcaron esa escena están Taki 183, Phase 2, Tasta Macke, Futura, Blade, Bill Rock, Lady Pink, Dae, y Jon One, entre otros. Pero la libertad que sentían al pintar los vagones no duró para siempre: las autoridades empezaron a remover las pintas y a instalar materiales más fáciles de limpiar.
Martha Cooper – Cops in the metro, 1981
Los trabajadores de los trenes de carga ya pintaban en sus paredes las horas de salida, de llegada e información sobre las cargas que contenían. Ya en los años 80 esos trenes fueron pintados por artistas urbanos como Pnut, Tracy 168, Zuroc y Braze.
Aunque ha pasado mucho tiempo desde el movimiento artístico urbano del graffiti en los trenes; en mayo de 2016 la policía española arrestó a tres grafiteros que detenían un tren en movimiento al accionar la palanca de emergencia, salían a las vías, pintaban en el convoy y huían. Otro de muchos casos ocurrió en México: en febrero de 2015 la policía local detuvo a tres jóvenes que por la noche rompían las mallas de seguridad y accedían para pintar los túneles y algunos vagones…
La desilusión de los jóvenes por el desempleo y la crisis económica hizo del graffiti clandestino en el metro una forma de expresar su identidad y su pertenencia al barrio … porque actualmente el graffiti de los trenes es uno de los pocos que mantiene viva su esencia subversiva.

Nueve Arte Urbano, el proyecto mexicano que hace graffiti más allá de las paredes

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Nueve Arte Urbano organizará por primera vez Mextonia, un festival internacional de street art

Nueve Arte Urbano es una plataforma artística que labora en la ciudad Santiago de Querétaro. Desde hace seis años se dedican a regenerar, dignificar y resignificar los espacios público a través de la identidad y cultura. Con el paso del tiempo se han percatado que también son un “puente” que conecta a artistas, el arte y las comunidades. Este año es la primera vez que organizarán Mextonia, un festival de street art en el que México llevará a cabo murales, graffitis sobre Estonia, en el marco de su centenario como república.

ALL CITY CANVAS platicó con ellos sobre sus proyectos y actividades.

¿Cómo nace Nueve Arte Urbano?

Nace de una empresa queretana liderada por Édgar Sánchez, Incusa SA de CV; una cadena de tlapalerías a nivel local que durante 20 años ha logrado una excelente participación en el mercado local. Esta relación entre la empresa y los habitantes logró que el dueño Edgar invitara a grafiteros a participar en un concurso donde plasmaran sus obras respecto al tema del bicentenario de la independencia mexicana; Incusa les regaló materiales y gracias a la buena recepción del proyecto, los residentes también se involucraron en este proceso.

Después de 10 campañas de murales y más de 600 piezas de arte público en México y el mundo, hemos logrado generar lazos que enaltezcan  el espíritu colectivo.

 ¿Quiénes lo integran?

Somos un grupo de especialistas de diversas disciplinas: urbanismo, arquitectura, diseño gráfico, producción documental, antropología, sociología, artes plásticas, mercadotecnia, derecho y comunicación. Hemos conformado la carrera de 600 artistas y colaborado en varios festivales internacionales como el Meeting of Styles y el SeaWalls.

El arte y la comunidad

El arte puede crear lazos entre personas, basta conocer el trabajo de Master Peace (en la que pudimos participar) o lo que hace Shepard Fairey ahora con su línea We the people.

En el arte urbano mexicano, lo más bello que está pasando son las ideas plasmadas en los murales, ideas que pueden contribuir a generar algo en el país.

Nueve Arte Urbano ha trabajado con grafiteros locales, nacionales e internacionales como Jason Botkin, Kevin Ledo, N3O, Monk.e, Delio, Farid Rueda, Bonar Y Opire, Chicle, Janin Nuz, Galería Urbana de Medellín, Gleo, José Luis Noriega, Tony Collantes, entre otros.  Han estado en proyectos locales de la Ciudad de México, Cancún, Acapulco, Monterrey, Puebla, Toron, San Diego.

El Festival Mextonia es el primero que organizan a nivel internacional.

¿La temática de los murales que han organizado?

Todas  son construidas a partir del trabajo colectivo de los vecinos y los artistas. En el caso de Mextonia  se compone de íconos de la cultura de ese país y frases que buscan enseñarnos que podemos encontrar similitudes culturales y aprendizajes en distintas partes del mundo.

Háblenos un poco más de Mextonia: la organización, las actividades que habrá

Se realizará del 11 al 24 de junio de 2017, es un festival inspirado en el muralismo mexicano del siglo XX que será producido por TodoEsUno, Nueve Arte Urbano y el apoyo del Comité Gubernamental de Estonia. El objetivo  es celebrar el centenario de este país, y a través de nosotros, llevaremos artistas mexicanos que realicen murales.

La idea central detrás de Mextonia es encontrar los puntos que unifiquen a la humanidad como una cultura global respetando sus variantes locales como medios de enriquecimiento de un espíritu universal, de esta forma nos podremos encontrar en las similitudes y aprender de nuestras diferencias.

¿Alguna relación entre México y Estonia en el street art?

De momento no, somos pioneros en este tipo de relaciones internacionales (por así decirlo) pero todos los equipos, el estonio, el mexicano y el internacional están conectados a través de redes sociales y cada semana nos reunimos para tener talleres de culturización.

¿Alguna experiencia que me contaran que haya sido significativa respecto a cómo el arte logró transformar algo en una comunidad?

Durante una de las campañas de murales uno de los chicos se dio cuenta que la gente tenía problemas de seguridad porque de entrada, los vecinos ni se hablaban y una de las señoras siempre les deseaba buenos días y nadie le respondía, Sermob, el artista de esta barda escribió el muro de los buenos días como un recordatorio de que a veces solo basta ser amable para generar pequeños cambios que repercutan en transformaciones reales.

La frase

Unir Culturas a través del color.

Hugs Not Walls; regresarle dignidad a las fronteras

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Organización logra abrir frontera México-EEUU; fotógrafos documentaron encuentro de familiares

 Fotografías Sisel Lan

El 28 de enero de este año  la organización Alianza Fronteriza de los Derechos Humanos (Border Network for Human Rights -BNHR) logró que durante tres minutos se abriera la frontera entre El Paso, Texas y Ciudad Juárez. Parte de su equipo organizador habló para ALL CITY CANVAS sobre el proceso de ejecución de este proyecto, así como su experiencia.

-Durante tres minutos se abrieron las fronteras entre Texas y Ciudad Juárez, ¿Sisel Lan, cuál fue tu experiencia como persona y como fotógrafo?

-Cuando hablamos de fronteras creo que hacemos alusión a rejas, bardas, muros, a una barrera física que impide el paso de un lado al otro. Fue muy impactante presenciar que no había nada de lo anterior, no había ninguna barrera física que justificara la separación de estas familias por hasta 27 años. Creo que no se abrieron las fronteras, más bien creo que todo el evento fue un recordatorio que las fronteras no existen y que por más que los gobiernos se esfuercen en crearlas, construirlas, fortalecerlas y reforzarlas en el plano material, en el plano humano quedan desmoronadas.

Gabriela Castañeda es coordinadora y representante de BNHR, organización que ha laborado en temas de derechos civiles, migración, vivienda, salud, cultura, medio ambiente, entre otros. El proyecto en el que lograron reunir alrededor de 400 familias que vivían en México y Estados Unidos se llama Hugs Not Walls, y en el cual el equipo estaba conformado por Mónica Lozano, fotógrafa encargada del área de producción y co-organizadora; Samuel Rodríguez Medina, escritor y guionista del proyecto; Sisel Lan, fotógrafo que documentó el encuentro de familias; Félix Rosell, Gerardo Nava y Alicia Fernández. El equipo se dividió en dos: un camarógrafo y un fotógrafo por cada lado fronterizo.

 

Hugs Not Walls: la frontera inexistente

“Es necesario abogar por fronteras nobles, dignas, en donde la sociedad pueda reencontrase,  por una frontera que no corte los flujos humanos sin piedad, sino que los promueva, por una  frontera que no degrade al individuo,  sino que lo respete y lo procure”. Un mundo mejor. Abrazos a mitad del Río Bravo de Samuel Rodríguez Medina.

En cuanto el proyecto fue publicado en un evento en Facebook, las familias comenzaron a contactar a la organización, por mensajes y llamadas telefónicas, para que durante la apertura de la frontera, lograran ver a sus parientes. La difusión también se hizo por radio y televisión.

Mónica Lozano es una fotógrafa interesada en temas de migración y fronteras, después de haber hecho una residencia en School of Visual Arts en Nueva York, regresó a la frontera, lugar donde nació, y trajo el proyecto Inside Out, el cual los rostros de personas son impresos en lienzos de gran formato y pegados en la calle, dicho proyecto fue iniciativa del artista urbano JR, otorgándole el premio TED.

Lozano y Samuel Rodríguez Medina platicaron de realizar un proyecto audiovisual que mostrara y documentara todo lo que iba suceder durante el evento, para así darle mayor alcance al tema. “Somos voluntarios que apoyamos la causa”, expresó la fotógrafa.

Para Samuel Rodríguez Medina, el guionista de Hugs Not Walls, el abrazo representó la defensa humana ante la situación actual sobre el muro, además comentó que las fronteras también se construyen con mentalidades donde las personas sean catalogadas como “peligrosas” o “sospechosas”. “El abrazo es el primer paso para establecer esta defensa del individuo”, dijo.

Con todo el material audiovisual y visual documentado durante este proyecto, comentó Rodríguez Medina, se pretende realizar un cortometraje, además de compartir las fotografías a medios,  fundaciones o asociaciones en áreas académicas y culturales.

Los rastros del punk en el arte contemporáneo 🤘 Museo del Chopo

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Punk: sus rastros en el arte contemporáneo, una exhibición sobre movimientos, actitudes e ideas

Fotografías por Omar Ulises Callejas

La “melancolía” de la llegada de los años 70 comienza con el fin del sueño hippie, las constantes crisis económicas y el miedo al regreso de las ideas conservadoras. Ante la situación, el punk apareció como un movimiento que provocaba y rechazaba su entorno, generando consecuencias en la literatura, música, cine y el arte contemporáneo.

Punk: sus rastros en el arte contemporáneo es la exposición que se encuentra en Museo del Chopo y en la cual, a través de instalaciones, fotografías y videos, muestran cómo el espíritu cuestionador y crítico del punk repercutió en el mundo del arte, al hablar de temas de género, violencia, la sexualidad y el sistema político del mundo.

Más de 40 artistas nacionales e internacionales participaron con sus obras para esta exhibición. Israel Martínez, Semefo, Yoshua Ocon, Miguel Calderón, Docttor Lakra son algunos de los artistas mexicanos que colaboraron con sus trabajos para la exposición.

Foto Museo Chopo. Obra Doctor Lakra.

David G. Torres, curador de esta exposición, en entrevista para All City Canvas dijo que el arte contemporáneo había sido “especialmente poroso por la influencia del punk”, ya que nació en un contexto creativo para la música, el diseño, arte y moda.

Esta exposición ha estado también en Barcelona y Madrid. “Los contextos sociales y culturales de Barcelona a finales de los 70, el de México entre los 80 y 90 son distintos, pero ambos están marcados por el desencanto de una juventud que se revela frente a un panorama social y cultural que ofrece pocas opciones”, dijo G.Torres.

G.Torres mencionó que los rastros del punk en el arte contemporáneo son ideas y actitudes compartidas en un mismo contexto: ir en contra de una sociedad alineada por prejuicios y estereotipos.

 El “anti, el “hazlo-tú-mismo” sirvieron de frases para generar un territorio más cuestionador en el que la exposición, en palabras de su curador, postula un malestar que sigue presente en muchos de los trabajos del arte contemporáneo.

En el Museo del Chopo lo que se exhibe no es sobre el punk, sino a partir del punk.

La segunda edición de Wall Dialogue estuvo en México

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Artistas nacionales e internacionales intervienen paredes en “La Merced”

Texto por Cristina Ochoa y Mariana Gaona

Chucho y Ánika se conocieron en Berlín, lugar donde cursaron un programa artístico estudiantil. Fundaron  Nuestro Barrio, proyecto que tiene el objetivo de intercambiar experiencias artísticas entre las ciudades de México y Berlín. Actualmente, se encuentran dirigiendo la segunda parte de Wall Dialogue, un festival de muralismo que reúne a artistas nacionales e internacionales para intervenir paredes de diferentes localidades, en colaboración con sus habitantes; en ésta, su segunda edición, le tocó a México y a “La Merced”..

La edición mexicana (la primera fue realizada en Berlín) del Wall Dialogue contó con la presencia de artistas como Paola Delfín, colectivo La Piztola, Blo, Johannes Mundinger, Mernywernz, Said Dokins, Billy, Nelio, Libre HEM y Lucía Revilla, entre otros.

 

Wall Dialogue 2 . Fotografía: Diego Benítez

 

Atea es la organización mexicana que principalmente apoyó para que se realizaran los murales cerca de su ubicación, en Topacio 25, lugar en el que han expuesto obras de artistas e impartido talleres, con el fin de construir vínculos artísticos con la comunidad.  Al fondo del estacionamiento, Lucía Revilla, la chica proveniente de Tulum subía y bajaba haciendo trazos con pinceladas gruesas mientras sostenía su boceto. “Por ahora estoy trabajando con una serie sobre niños. Ella es la hija de mi mejor amiga”, comentó la artista.

 

Mural Lucía Revilla. Fotografía: Diego Benítez

 

Nelio. Foto por Cristina Ochoa.

“¿Recuerdan esa epidemia de influenza en 2010? Este es el taller  en el que se hacían los cubre bocas para repartir en las escuelas. De pronto, el espacio fue insuficiente y pasando por aquí, vi un letrero que decía ‘Se renta’. ‘De aquí soy’, pensé”, comentó Chucho al referir la historia de Atea, el proyecto cultural, el cual junto con Titan (programa curatorial de Ánika) organizan el Wall Dialogue.

 

Chucho. Foto por Diego Benítez

 

Además de impartir talleres de serigrafía, los artistas y colectivos realizaron actividades con la gente: murales que representaron la abstracción, la imaginación, el color; todo en conjunto: el sentido de pertenencia y la multiculturalidad.

“Para mí es importante hacer esto en ´La Merced´, especialmente para hablar del desarrollo y gentrificación de la ciudad. El intercambio de ideas sobre las posibilidades que tenemos (o no) para contribuir a un cambio, haciendo algo que también conecta a la comunidad internacional y los habitantes, es crucial” afirma Ánika.

Talleres infantiles. Foto Diego Benítez.

 

Foto por Cristina Ochoa

Mexicanos protagonistas

Fue en los primeros meses del 2015 que los reflectores de los medios de comunicación voltearon a Londres, específicamente a ver la intervención artística del colectivo oaxaqueño, La Piztola sobre la desaparición de 43 estudiantes en Ayotzinapa, justo  en la fecha en la que el presidente mexicano acudiría a la ciudad europea. El mismo año realizaron un mural en compañía de Said Dokins, para conmemorar el aniversario de lo sucedido en la localidad de Guerrero. Hoy, se encuentran trabajando en conjunto de nuevo.

Foto por Cristina Ochoa

La pared más grande del estacionamiento se encuentra pintada de rojo, sobre ella, destacaron ciertos trazos geométricos y una silueta justo al centro. “Lo que hicimos La Piztola y yo para este trabajo fue platicar con personas del barrio durante los talleres. De ahí, hicimos una selección de personajes y poemas que creamos con ellos. Este mural será el resultado de eso”, dice Dokins, experto en caligraffiti.

 

Said Dokins trabajando sobre el mural colectivo con La Piztola. Fotografía: Diego Benítez

 

Mural La Piztola y Said

 

El estacionamiento de Atea es ocupado principalmente por trabajadores del mercado y locales alrededor. Durante el festival, las personas y sus respectivos vehículos llegaban y salían, no sin antes,  detenerse a observar lo que estaba pasando en su comunidad.

“Es un género diferente, pero es arte”, comentó uno de los residentes.

 

Mural Libre HEM. Fotografía: Diego Benítez

El arte crea comunidad y es quizá es el pretexto perfecto para que un grupo de artistas se junten para hablar, intercambiar experiencias y se inmiscuyan con el lugar y sus habitantes. Propuestas como el Wall Dialogue involucran a la gente con el arte en sus diferentes expresiones.

 

Con información de: Brooklyn Street Art , I heart Berlin, atea

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