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Pintura

¿Quién es Kyle Hughes Odgers?

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Durante la segunda mitad de año se encontrara pintando murales

El artista Kyle Hughes-Odgers, originario de Australia es conocido por sus pinturas cálidas, acompañadas de plantas hechas por figuras sencillas y el juego entre sus personajes y sus componentes con la geometría.

Durante la primer mitad del 2018 ha estado trabajando en nuevos proyectos, entre los que podemos destacar un libro que se enfoca en sus obras creadas en 2017, un nuevo mural en Kalgoorlie y la planeación de nuevos murales por todo el mundo.

Cortesía: Kyle Hughes-Odgers

Su más reciente publicación es un diario visual que se encuentra disponible ya en línea y engloba las obras que el artista desarrolló durante el año pasado, este memorama es algo muy importante para el artista, ya que es un archivo que va actualizando año con año.

Viendo de esta forma el cómo van evolucionando sus obras y sus intereses en torno al arte. A lo que viene muy de la mano el que ahora se ha centrado en las pinturas de estudio, creando algunas más grandes al igual que en sus murales, dejando el trabajo a pequeña escala atrás.

Cortesía: Kyle Hughes-Odgers

Algunas de estas nuevas pinturas las podemos encontrar en su próxima exposición en la Galería Outre de Melbourne, para la cual ha creado 12 nuevas pinturas, las cuales también se encuentran en cajas de madera. Esta muestra estará disponible del 25 de agosto al 2 de septiembre.

En tanto a su trabajo de muralismo, en la última edición del festival Heart Walk tuvo una intervención, donde se centró en la creación de narrativas visuales para al final unirlas y crear una gran historia en un gran mural.

Cortesía: Kyle Hughes-Odgers

Hasta el momento esas son las actualizaciones en cuanto a trabajo que Hughes – Odgers nos comparte, ya que son las únicas que puede hacer públicas, pero estaremos al pendiente de futuras intervenciones, ya que durante la próxima mitad de año se encontrara viajando para crear más arte a gran escala.

Cortesía: Kyle Hughes-Odgers

Pinturas de Leonora Carrington en GIFS

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14 pinturas fueron intervenidas por el estudio digital MAIZZ

El estudio visual MAIZZ ha creado 14 gifs que muestran pinturas de Leonora Carrington en movimiento, fungiendo como un pequeño homenaje a la artista que vienen trabajando desde el 2013.

Cortesía: MAIZZ

El mes de abril se cumplieron 101 años del nacimiento de la artista que llegó a México como refugiada y volvió al país su hogar hasta el día de su muerte. Es considerada una de las piezas fundamentales del movimiento surrealista y ahora con sus pinturas animadas, sus obras cobran otro sentido.

Cortesía: MAIZZ

La presentación final de todas las piezas animadas hasta el momento, fue hecha en el centro cultural La Casa del Tiempo en la UAM donde se realizó una retrospectiva digital de la artista en las paredes del inmueble.

Cortesía: MAIZZ

Las obras cobran vida gracias a la actividad de postproducción que se llevó a cabo el estudio durante los últimos 5 años y, a pesar de la intervención mantienen la esencia de misterio que la artista plasmaba en sus pinturas.

Este efecto de movimiento es hecho por efectos de pinceladas y llega a reforzar más la corriente surrealista que caracterizó a la pintora.

Cortesía: MAIZZ

Entre las creaciones animadas se encuentran “The Symphony” (2002), “Kron Flower” ( 1986) y “The Ancestor” (1968), así como varias obras que no tienen titulo, pero que son muy características de Carrignton.

A pesar de que se pueda entrar en conflicto por derechos de autor, los gifs animados han sido aprobados y son del agrado de la curaduría de arte de la UAM y el hijo de Leonora, Pablo Weisz.

Cortesía: MAIZZ

Actualmente en el Museo de Arte Moderno se lleva a cabo la exposición “Cuentos Mágicos”, donde se muestran desde objetos personales hasta la primer obra realizada por la artista en México, se encontrará hasta el 23 de septiembre.

Puedes ver la galería completa de Gifs en el siguiente enlace: Gifs Animados 

Cortesía: MAIZZ

Un oasis para Ritsona, lo último de Boa Mistura

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Pretende ser el primer espacio público en un campo de refugiados

El colectivo muralista, Boa Mistura, lo ha hecho de nuevo, ahora ha intervenido en un campo de refugiados en Grecia, llamándolo “Un Oasis para Ritsona”, con el motivo de dar identidad y crear un espacio público en el lugar.

Cortesía: Boa Mistura

Ritsona es un campo de refugiados que nació en marzo en 2016 y forma parte de los muchos campos que dan refugio a más de 50.000 personas migrantes y refugiados que han quedado varadas en la Unión Europea a espera de una solución que no ven.

A pesar de que estos espacios de refugiados, deberían ser temporales, muchas veces hay personas que se quedan años, perdiendo así parte de su identidad social y logrando no tener un sentido de pertenencia.

Cortesía: Boa Mistura

Boa Mistura, como otra obra de crear identidad en ciertos puntos sociales, se reunió para trabajar con Maidan Tent, un pequeño colectivo que se dedica a apoyar de cualquier manera a cada uno de los lugares que funjan como campo de refugiados y a los mismos integrantes de estos.

Cortes{ia: Boa Mistura

En conjunto lograron crear “Un Oasis para Ritsona” fue creado en colaboración con personas refugiadas y está inspirado en girih, un motivo geométrico tradicional del arte islámico.

El tamaño total el de 600m2 pintados sobre una losa de hormigón y pretende convertirse en el primer espacio público en un campo de refugiados.

Cortesía: Boa Mistura

Este proyecto también invita a hacerse otras preguntas acerca de los campos de refugiados, su temporalidad, el apoyo hacia los espacios y la resolución de los problemas que enfrentan las personas que se encuentran en un limbo en el cual no encuentran nada con que identificarse y salir adelante.

El proyecto en el campo de refugiados de Ritsona ha sido una experiencia imborrable para nosotros.Gracias a @maidan_tent , por contar con nosotros en este proyecto, esperemos pionero.A @ppgindustries , por donarnos la pintura y empujar tanto para que todo saliese bien.A @mppsocial , por creer en nuestro trabajo y proporcionarnos el material.A @lighthouserelief, @iamyourescue y CCS, por la labor tan importante que hacéis allá.A @danbarreri @fertaranco y @blurfilms por sumaros a esta aventura… y las que se nos vienen!Y sobre todo, a las personas refugiadas,que a pesar de estar en un lugar al que no pertenecen, nos han tratado como si fuese un hogar. GRACIAS! 💙💪🏾

Posted by BoaMistura on Wednesday, May 9, 2018

 

Klimt cobra vida en la fotografía

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Obras del famoso pintor son interpretas en escenarios fotográficos

La fotógrafa austriaca Inge Prader dentro de su vasto trabajo visual, que explora el montaje de espacios y la interacción de la dirección de arte con sus protagonistas, elaboró una serie que recrea a modo de homenaje en montajes, algunos de los trabajos mas icónicos del gran Gustav Klimt.

Recreación: “Beethoven Frieze”, Cortesía: Inge Prader
G. Klimt: “Beethoven Frieze”, Cortesía: Artfido

Con una precisión de admirar, los modelos posan de una manera exacta duplicando a los modelos de los cuadros cubiertos de dorado, característico de Klimt.

A pesar de que las fotografías provienen de una idea pre-concebida adquieren vida por sí solas también. Poseen un aura de esoterismo y de carnaval, que parecieran queremos transportar a un mundo lleno de exceso.

Recreación: “ Medicine”, Cortesía: Inge Prader
G. Klimt: “Medicine”, Cortesía: Artfido

 

De la serie resalta en particular la pieza de “Death and Life” que de gran manera retrata las texturas características del pintor, y las convierte en un pedestal dónde el momento se desarrolla de manera dramática, y la mirada de los modelos dota a este simbólico cuadro de algo un poco aún mas aterrador.

Recreación: “Danae”, Cortesía: Inge Prader
G. Klimt: “Danae”, Cortesía: Artfido

El trabajo de la fotógrafa tiene grandes dotes con los cuales defenderse, y sigue dejando abierta la oportunidad de seguir explorando las reinterpretaciones entre técnicas, ya que sin duda elementos particulares de cada una, fusionados están ofreciendo resultados interesantes.

Recreación: “Death and Life”, Cortesía: Inge Prader
G. Klimt: “Death and Life”, Cortesía: Artfido

Record de visitantes para ver los retratos de los Obama en National Portrait Gallery

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Las pinturas se expondrán de forma permanente en National Portrait Gallery

Los retratos de la ex pareja presidencial (Barack y Michelle Obama) creados por Kehinde Wiley y Amy Sherald que se exponen en National Portrait Gallery en Washington, han recaudado el mayor número de visitantes en el museo, tan solo el 24 de marzo, el registro fue de casi 40 mil asistentes.

Durante el Día de la marcha por nuestras vidas, el museo registró 35,968 visitas, tanto fue la aglomeración que hubo un acceso por tandas, para esperar a que cada uno de los asistentes pudiera ver las pinturas con detenimiento.

Cortesía: National Portrait Gallery

Esta organización ha llevado a que se creen hasta dos filas de espera, una para ver con detenimiento la obra y una segunda para tomarse la famosa selfie con las pinturas.

Mismas que durante la euforia de los asistentes, la directora del museo, Kim Sajet, recalcó que las pinturas formarían parte de la exposición permanente del museo, haciendo la invitación a que habrá tiempo para disfrutar de las pinturas.

A pesar de ser por el momento una de las principales atracciones de la exposición America´s Presidents, los asistentes ven los otros retratos en la exposición y dan un paseo por toda la galería.

Cortesía: Los Ángeles Times

Los retratos oficiales de Michelle y Barack Obama fueron realizados, respectivamente, por Amy Sherald y Kehinde Wiley, la primera muestra a la primera dama con un vestido blanco adornado con figuras geométricas y el segundo al 44° presidente de los Estados Unidos con un fondo con flora muy verde.

Pero el crecimiento de los visitantes al museo no fue lo único que aumento, también las ventas en Internet de los suvenires de la exposición. Las ventas aumentaron un 200%, tan solo con la mercancía de Obama.

Retrospectiva de Delacroix en Louvre

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Uno de los pintores más importantes de París

Este mes de abril se inaguró la retrospectiva del pintor Eugene Delacroix en el museo de Louvre en París, estará abierta al público hasta el 23 de julio.

Después de 50 años de haber expuesto por última vez las obras del pintor, el mueseo crea una retrospectiva donde se da un largo viaje por gran parte de sus obras y su vida como uno de los artistas más reconocidos de su época.

“Delacroix es el más grande pintor romántico del mundo. Su pintura es una de las obras más emblemáticas aquí. Pero sigue siendo un misterio” declaró el director de pintura del museo de Louvre, Sebastien Allard.

Cerca de 200 obras entre las que se encuentran acuarelas, oleos, pinturas a gran escala y diarios íntimos, dan testimonio de la gran influencia que tuvo el pintor para generaciones y corrientes artísticas posteriores.

20 de estas obras fueron prestadas desde Estados Unidos, sin embargo el número no fue suficiente para hacer una exposición más amplia. La gran escala de las obras que trabajó el artista imposibilitó el transporte de otras pinturas clave para poder entender más a fondo el fenómeno que provocó en su época.

Entre las obras más destacadas del pintor se encuentran “La libertad guiando al pueblo”, “La muerte de Sardanápalo”, “La matanza de Quíos” y “Mujeres de Argel en su departamento”, muchas de ellas homenajeadas en todo el mundo.

huge amount of specular highlights in the painting

Durante su vida, el museo de Louvre sirvió de refugio para su inspiración, ya que observaba pinturas de artistas como Rubens y el Barón Gros, además de contar actualmente con cerca de diez cuadros en su exposición permanente.

Por esa razón es el lugar indispensable para iniciar una retrospectiva que continuara en New York a finales de año.

 

Chuck D presenta su primer solo show “Behind the Seen”

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El vocalista de Public Enemy y Prophets of Rage muestra otro lado artístico

El rapero Chuck D presentó por primera vez sus obras en una exhibición titulada Behind the Seen en Gallery 30 South en California, mostrando otro lado artístico del reconocido rapero que nos adentra en la escena de la música desde la pintura.

Cortesía: Gallery 30 South

Carlton Ridenhour, nombre real del rapero, estudió diseño gráfico, pero su carrera de diseñador no se vio tan enaltecida como la de cantante. Ahora se “reivindica” presentando este trabajo gráfico que lleva a sus raíces.

Cortesía: Gallery 30 South

Junto a Public Enemy y Prophets of Rage, el cantante ha vivido inmerso en la cultura popular por poco más de 30 años. La música rap, rock y los temas políticos que se han abordado en las letras de cada tema, se ven ahora reflejadas en las obras de Chuck D.

Fue creando las piezas a través de sus giras con ambas agrupaciones y se puede ver en cada una la presencia de elementos representativos de las bandas en un estilo de acuarela con trazos muy definidos.

Cortesía: Gallery 30 South

Las acuarelas del miembro del Rock And Roll Hall of Fame también están a la venta. La muestra es una oportunidad de evidenciar momentos íntimos de las dos bandas y un poco de historia musical.

¿Dónde?

Lugar: Gallery 30 South, 30 S. Wilson Avenue, Pasadena, California, 91106.

Hora: Miércoles a viernes de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. / sábados y domingos de 12 a.m. a 6:00 p.m.

Duración: 1 – 31 de marzo, 2018

Colectivo Tomate busca artistas para Villahermosa

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Conviértete en el intérprete de la comunidad con Ciudad Mural Villahermosa

Colectivo Tomate lleva su proyecto Ciudad Mural a otro rincón de la república mexicana; esta vez se trata de Villahermosa, y lanzaron una convocatoria a estudiantes, diseñadores, artistas y personas creativas de más de 18 años, capaces de convertirse en intérpretes de la comunidad, pues es por y para ella que Ciudad Mural Villahermosa se realiza.

Foto: Colectivo Tomate

Ciudad Mural Villahermosa es un proyecto que busca mostrar la identidad de esta maravillosa ciudad tabasqueña. Esto se logrará con artistas que escuchen e interpreten, a través del muralismo, las historias de las personas. Se enfoca en la participación ciudadana y la recuperación de espacios públicos para uso de la comunidad.

Foto: Colectivo Tomate

Se pretente crear un documental respecto al proceso de Ciudad Mural Villahermosa por lo que se hará un registro visual y fotográfico de los artistas seleccionados, en entrevistas pequeñas y durante el proceso de sus murales. La idea de Ciudad Mural Villahermosa es encontrar artistas, pintoras/es, diseñadoras/es y/o personas creativas “que tengan la disposición y apertura de escuchar con el corazón”.  Asimismo, busca incluir  artistas locales, de la región y lograr una mayor participación de artistas mujeres.

Foto: Colectivo Tomate

Si tienes experiencia en arte, diseño y creatividad, ¡no lo dudes más! Tú puedes ser el siguiente intérprete de la comunidad a través de tu creación artística. Consulta todas las bases aquí. La convocatoria cierra el 19 de febrero de 2018 a las 8 pm.

“Voz Contra Muro”: uniendo al hip hop con el muralismo

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Los murales más importantes de México reinterpretados por raperos

El muralismo surgió a principios del siglo XX, buscando transformar el contexto social y político de México, enalteciendo la identidad nacional. El proyecto Voz Contra Muro, creado por PHONO, revive este movimiento junto con el hip hop y su impacto social e histórico a través de la rima y lírica hablada.
El proyecto reúne a los principales representantes del rap nacional actual que se encargarán de interpretar las obras de los muralistas más representativos del movimiento en México. Con un compilado de canciones creadas por Eptos Uno, Serko Fu, Danger, Proof, Afromega, Jezzy P e Hispana, podrás realizar un recorrido turístico por cada uno de los murales más representativos de la ciudad, pintados por David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco.
A continuación, te presentamos a algunos de los raperos que se encargarán de representar a los muralistas más importantes de México, a través de una manifestación musical urbana, como lo es el rap.
  • Danger AK

Nativo de Tijuana, Baja California. En 2011, recibió el premio “Hip hop Awards México 2011” como “Revelación del año”. Ha sido premiado por su labor social, ayudando a jóvenes a enfocar su pasión por la música hacia aspectos positivos.

En Voz Contra Muro, Danger se encargará de reinterpretar la obra   SUEÑO DE UNA TARDE DOMINICAL EN LA ALAMEDA CENTRAL de Diego Rivera.

Foto: I REQUIRE ART
Foto: Voz Contra Muro
  • Afromega

Originaria de la CDMX. Durante 2018 saldrá a la luz su nueva referencia musical que llevará por titulo “shuò yué” ; en este material colabora con grandes representantes de la escena hip hop mexicana.

Esta rapera chilanga, revivirá a través de sus rimas KATHARSIS de José Clemente Orozco.

Foto: Los murales del MPBA
Foto: Voz Contra Muro
  • Serko Fu

Serko tiene una trayectoria por más de 15 países y participando en más de 20 festivales con reconocimiento internacional. Para Voz Contra Muro, este experimentado rapero presentará una interpretación muy a su estilo de una obra grandiosa de Diego Rivera: La Epopeya del Pueblo Mexicano.

Foto: El muralismo mexicano
Foto: El muralismo mexicano
Foto: Voz Contra Muro
  • Jezzy P

Representante de la escena femenina del rap en México durante 15 años, en Voz Contra Muro le da vida al mural La nueva democracia de David Alfaro Siqueiros.

Foto: MPBA
Foto: Voz Contra Muro
Checa la página oficial de Voz Contra Muro para encontrar a muchos más representantes del rap en México, así como la obra que se encargarán de reinterpretar, su biografía y la biografía del muralista que “representan”.
 
A partir del 9 de febrero podrás conocer los primeros dos tracks de este compilado y cada semana se revelarán un par de tracks, hasta el 9 de marzo de este año.
 
Voz Contra Muro tiene es una propuesta tremenda, pues se encarga de fusionar dos manifestaciones artísticas que pueden parecer distintas, pero su fin resulta común: ambas pugnan por una transformación social.

¡Caravaggio estará en el MUNAL!

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El museo confirmó que la muestra exhibirá una obra de uno de los máximos exponentes del arte barroco 

El Museo Nacional de Arte (MUNAL) anunció a principios de este mes la fecha de inauguración de Caravaggio. De Italia a México, una exhibición con una obra de este artista italiano, considerado uno de los exponentes más importantes del barroco.

Aunque no se ha dado mucha información al respecto, se sabe que la exposición estará compuesta de obras del acervo nacional e internacional con una obra del artista. En nuestras época sólo se registran 50 pinturas que sobreviven del artista.

La obra de Caravaggio recurre a los claroscuros, que, acompañados de imágenes llenas de movimiento, provoca a las emociones y encuentra la belleza en un brutal realismo en su narrativa. Aunque en su época fue muy criticado por su estilo,  varios estudios que se realizaron de sus obras en el siglo XX enaltecieron la estética e importancia de sus obras.

En su cuenta de Twitter, el MUNAL confirmó que la exposición comenzará el 22 de febrero y estará disponible hasta el primero de julio de este año.

Obras inéditas de Carrington se exhibirán en el Museo de Arte Moderno

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La exposición contará con obras que son propiedad de galerías y colecciones privadas

El Museo de Arte Moderno inaugurará Cuentos Mágicos, una exhibición con 150 obras de la artista plástica Leonora Carrington, en abril de este año. Esta exposición no sólo mostrará obras inéditas de la artista británica, sino que se realizará en conmemoración del primer centenario de su natalicio.

Entre las obras que se mostrarán por primera vez en nuestro país, se encuentra  un autorretrato de Leonora, que forma parte del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. Ello ha sido posible por el apoyo de la disposición que se ha dado de colecciones privadas y de galerías que cuentan con su trabajo para la realización de esta exposición.

Además, la retrospectiva de la artista tiene como otro de sus objetivos el entablar un diálogo entre la distintas disciplinas que exploró y las relaciones históricas en las que se concibieron.

Además de Cuentos Mágicos, la Universidad Autónoma Metropolitana ha anunciado la compra de la casa de la pintora para convertirla en museo. En ella, estará disponible la biblioteca de Carrington, esculturas, litografías y demás pertenencias de ella y su esposo, el fotógrafo Emerico Weisz.

Código gris: el arte futurista de Fusca en el Centro Cultural Panteón

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La artista expone su muestra individual Código gris

Fotografía por Cristina Ochoa

 En entrevista para Dálmata, Pilar Cárdenas, artista sinaloense, mejor conocida como Fusca, mencionó que el  origen de su seudónimo se debió a su forma de vestir y a su convivencia con los niños de su barrio que eran considerados como “mala influencia”. Los amigos de su hermano comenzaron a llamarla por su alias. Posteriormente, el significado de Fusca iba también con su estilo artístico.

 Fusca presenta su muestra individual Código gris en el Centro Cultural Panteón de la Ciudad de México. La artista reconoce que el color es uno de los elementos principales en el arte, es por ello que para esta muestra ha decidido quitar la expresividad de los tonos en los matices y con ello dar paso a otro tipo de detalles que destaquen  su trabajo.

Código gris está conformado por trabajos que tienen una especie de futurismo y bien podrían recordarte a alguna banda de música electrónica, con cascos, y el anonimato como elemento destacado en su anatomía; pero el sentido de la muestra va más allá: Fusca pretende ser una idea futurística en el arte, que el acercamiento hacia los detalles, permitan a los espectadores cuestionar sus percepciones o significados de sus obras.

“ Las imágenes de esta muestra no han salido de mi imaginación, sino de percepciones muy concretas de mi realidad. Son el resultado de un comienzo de descodificación de la información que he encontrado rezagada dentro de mí y lo que me rodea…”, declaración de la artista que fue trasncrita para el texto curatorial de la exposición.

Código gris es la reafirmación de su arte, de su estilo y de su vida.

El legado de Barkley L. Hendricks: pionero del retrato africano

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El pintor y artista estadounidense falleció a los 72 años

El pintor y fotógrafo estadounidense Barkley L. Hendricks murió el 18 de abril de 2017 por causas naturales a los 72 años.

Mayormente fue reconocido por sus retratos realistas y posmodernos de gente de color. Esta afición en sus obras nació en la década de los 60 y continuó hasta sus últimos días.

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Antes de incursionar en la pintura, Hendricks estudió fotografía, lo cual, en su vida, representó un cambio de paradigma, puesto que la sociedad aún veía con inferioridad a las personas de color. Con motivo de esto y sin sentirse menos ante los ojos de los demás, mencionó a Hyperallergic: “No comencé a pintar y tomar fotografías porque soy negro”.

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Personas comunes y corrientes en poses semi-naturales y realizando actividades comunes, son los personajes principales que plasma en su obra.

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Muchos artistas y curadores mencionan que Barkley L. Hendricks fue el artista que inició a retratar y pintar gente de color, pues como él mismo lo menciona: “el tema con el que estoy involucrado, sin embargo, siempre ha sido visto como sospechoso, dada la cultura fastidiada en la que vivimos”.

Creó una exposición itinerante: Birth of the cool, organizada por Trevor Schoonmaker en el Museo de Arte Nasher, Carolina del Norte, la cual ha viajado al Museo del Estudio en Harlem, Nueva York, al Museo de Arte de Santa Mónica, California, a la Academia de Bellas Artes de Filadelfia y al Museo de Arte Contemporáneo Houston, Texas.

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Las 10 mejores artistas del street art 2017

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Tatuajes, murales y pinturas convergen en este ranking femenino

Puesto que continuamos en el mes de la mujer, ALL CITY CANVAS te trae a las 10 mujeres en el street art alrededor del mundo.

1.- Indie 184

Nacida en Nueva York en 1980, Indie 184 estuvo influenciada desde sus inicios en el grafitti por el expresionismo abstracto y el arte pop. Estos dos estilos crearon una mezcla en su arte que resalta a la vista: tonos muy vivos que se contraponen con retratos en escalas de grises, trazos gruesos con pintura cayendo y las típicas letras abombadas que se encuentran en las calles de cualquier ciudad.

Gracias a su fama, se creó un cómic con ella como personaje principal: Indie 184 Destroys, además de contar su propia marcar de ropa de street art  Kweenz Destroy.

Su obra ha sido exhibida en galerías, museos como el Museo del Barrio en Nueva York y Völklingen Ironworks Museum, en Saarbrücken, Alemania, Paris, entre otros. 

Página: http://www.indie184.com/

IG: @indie184

2.- Hyuro

Sus obras representan las figuras humanas, en su mayoría femeninas, en las cuales refleja ciertas acciones cotidianas de la sociedad que pretenden ser una crítica hacia la misma, los cuales reflejan nostalgia y miedo hacie el porvenir de la gente.

Esta artista de origen argentino se caracteriza por su arte en blanco y negro, el cual se puede ver en diferentes partes del mundo, como Italia, España y Noruega; además de haber realizado algunas exposiciones en galerías de arte contemporáneo.

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Página: http:///

IG: @h_y_u_r_o

3.- Faith47

Desde Sudáfrica para el mundo, con su obra, Faith47 quiere representar el examen que ha hecho del lugar de la sociedad en el mundo, a través de sus diferentes experiencias.

Esta artista rescata lugares que un ojo normal no puede ver más que como escombros, pues con sus diferentes técnicas, las cuales incluyen pintura, proyecciones, instalaciones, grabados y dibujos, logra otorgar virtuosidad a estos lugares y objetos olvidados.

Desde los 19 años comenzó su carrera artística, la cual la ha llevado a exhibir su arte en muchos países del mundo como: Suecia, Reino Unid, Francia, Túnez, Estados Unidos, Australia, España, Italia, Sudáfrica, Austria, Suiza y Alemania.

Página: https://faith47.com/

IG: @faith47

4.- Christina Angelica

Artista urbana nacida en Venice, California, plasma en sus murales figuras femeninas con diferentes tonos, los cuales van desde una monocromía en azul, hasta colores más vivos. Estos retratos realizados con una técnica realista, resaltan los rasgos faciales del personaje retratado en sus murales, puesto que no quiso quedar restringida al pequeño espacio en una galería. Además, en ellos refleja la inspiración que le causó el lugar donde se plasmó.

Alemania, Estados Unidos y Brasil, son algunos de los países que albergan su arte urbano. Esta fama le ha traído varios clientes reconocidos, como: Nike, Nylon Magazine, Microsoft, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, CAA, Heineken, Neiman Marcus y Christian Louboutin.

Página: https://www.christinaangelina.com/

IG: @starfightera

5.- Kashink

Las obras e instalaciones de Kashink siempre reflejan un rostro masculino, gordo y peludo, el cual lo representa de diferentes maneras. Estos son decorados con colores vivos, los cuales hacen resaltar su estilo abstracto y surrealista, además de estar creados con líneas gruesas que hacen enfatizar el interior del retrato. La artista  se ha inspirado en sus obras a través de los trabajos de Gilbert y George, Keith Haring, Frida Kahlo y Charles Burns.

Algo que la caracteriza a la hora de realizar su arte, es que durante el proceso creativo se dibuja un bigote.

Londres, Viena, Ibiza, Bristol, Madrid, Berlín y París, son ciudades que han visto a esta artista francesa realizar y dejar para la posteridad su arte urbano.

Página: http://www.kashink.com/

IG: @kashink1

6.- Bastardilla

Artista colombiana que se mantiene en el anonimato. Su obra artística es una crítica hacia la sociedad latinoamericana sobre la violencia, los abusos; con un tinte feminista, defiende todo los derechos de las mujeres y por medio de su obra, denuncia la violencia de género.

“Como mujer, he tenido que luchar contra este tipo de realidades, contra el hecho de que la gente quiere asaltarme, que no soy tomada en consideración por muchas cosas. Y he tenido que luchar contra un mundo que todavía se está volviendo principalmente alrededor de los hombres”, mencionó la artista en una de las pocas entrevistas que ha realizado.

Página: http://www.bastardilla.org/

IG: #bastardilla

7.- Eva Bracamontes

Artista mexicana que representa la figura femenina en sus obras urbanas con una conjugación de sus conocimientos como ilustradora y graffitera.

Eva Bracamontes crea un estilo de caricatura en sus obras, donde líneas muy gruesas y colores vivos para los rasgos de las mujeres retratadas resaltan. En sus murales, quiere enaltecer su contexto veracruzano a través de lo ancestral y cultural con la pintura.

Página: https://www.facebook.com/eva.bracamontes

IG: @evabracamontes01

8.- Pum Pum

Artista urbana proveniente de Coghlan, Argentina, mantiene el anonimato, tanto de su nombre como de su rostro. Desde su formación en diseño adoptó el pseudónimo de Pum Pum para hacer referencia a ese personaje único y muy colorido que realiza obras de arte urbano.

Comenzó con los graffiteros de la vieja escuela a plasmar sus dibujos, pero luego adoptó otro material para expresarse: pintura látex. A partir de esta elección, más la fusión que tiene Pum Pum de personajes animados como Hello Kitty, crea representaciones con colores vivos y claros encerrados en un contorno muy fino que se encuentran caracterizados por cabezas muy grandes en comparación con su cuerpo.

Actualmente forma parte de los artistas que conforman la galería UNIÓN.

Página: http://www.pum-pum.com.ar/

IG: @holapumpum

9.- Meg McNiel

Es una tatuadora en Phoenix, Arizona, la cual se encuentra encerrada en un pequeño cubículo de metal donde crea su arte a través de la máquina y la tinta. Esta artista se caracteriza por usar colores oscuros, muy pesados, que muchos otros tatuadores no se atreven.

Este estilo único la ha llevado a participar y ganar en algunos concursos de tatuajes, como el Festival Ink-N-Iron en el Queen Mary en Long Beach y la Arizona Tattoo Expo.

Página: https://www.facebook.com/pg/megmcniel/about/?ref=page_internal

IG: @megmcniel

10.- Tamara Alves

Nacida en Portugal, y con residencia en Lisboa, Tamara Alves genera su arte desde diferentes técnicas: de la pintura hasta los tatuajes.

La figura humana y los animales salvajes son representados por ella. Con obras tanto en blanco y negro, como a color, la mayoría de ellas tiene algo que las distingue: ojos sin iris ni pupila. Esta falta de expresión con los ojos genera un sentimiento de incomodidad y profundidad a la hora de ser vistos.

En su obra quiere representar cuerpos sin nada, sin órganos pero con las sensaciones animales a flor de piel. Esta conversión erótica del ser hace de sus obras una muestra de arte urbano espectacular.

Página: http://www.tamaraalves.com/

IG: @tamara_aalves

Ex integrante de la banda Mew exhibirá sus pinturas

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El ex integrante de Mew presentó su exposición Den Bulede Verden en la galería Benoni

Bo Rune Madsen, ex integrante de Mew, abandonó a la banda en 2015 para centrarse en su trabajo artístico. Hoy anuncia su exposición Den Bulede Verden, la cual será exhibida en la galería Benoni.

Desde su perspectiva, Rune Madsen pinta su alrededor, no plasma el objeto empírico, sino que expresa sus sentimientos en su obra. “Pinto, por lo tanto, no sólo lo que veo, sino lo que siento”, menciona el artista.

Del código musical entró al visual creado por imágenes que pueden provocar algo en el espectador. “Busco una expresión comprimida de un estado de ánimo, no la perfección”, sentenció Rune Madsen acerca de su obra.

En su obra trata la fragmentación de un mundo natural que ha sido modificado por las manos humanas, y como estas acciones desvían a la sociedad a experimentar un mundo lleno de baches, impredecible.

A través de los ojos de Rune Madsen, se podrá observar todas las abolladuras que rodean el ambiente donde se vive, la desmoronación y descomposición orgánica que provoca la sociedad.

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