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Jonathan LeVine Projects lanza convocatoria en busca de nuevos artistas para su próxima exposición

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El 5 de julio se cierra la convocatoria

Fotografías: Jonathan LeVine Projects

Jonathan LeVine es uno de los referentes más destacados en el mundo del arte actual; su inmersión en el terreno artístico surgió en la década de los 80 a través del graffiti, el punk, el cómic y los tatuajes. Hoy, Jonathan LeVine Projects (JLP) es uno de los espacios de exhibición más influyentes a nivel internacional y actualmente se encuentran en búsqueda de artistas de todo el mundo para su próxima exposición.

JLP se destaca por la diversidad de propuestas artísticas que presenta en cada exhibición.

Se seleccionarán los tres mejores proyectos y serán galardonados de la siguiente manera:

Primer lugar: exposición individual en JLP.

Segundo lugar: exposición colectiva en JLP.

Tercer lugar: promoción del proyecto en las redes sociales de Jonathan LeVine Projects.

A inicios de 2017, JLP cambió su sede ubicada desde 2005 en Chelsea, para mudarse a Nueva Jersey, lugar en el cual LeVine creció y donde surgió su interés por el mundo del arte. El espacio ha presentado a artistas como Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, entre otros.

El 5 de julio es la fecha límite de envío de las propuestas artísticas. Para conocer más sobre las bases de la convocatoria, consúltalas directamente en la página de JLP.

 

Jonathan LeVine Projects is looking for new artists for its first ever art competition!

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Delusional is its name

Text by Cristina Ochoa

Photos by Jonathan LeVine Projects
Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva


Jonathan LeVine is one of the most renowned figures in the art world today. His immersion in the artistic field sprung in the 80s through graffiti, punk, comics and tattoos. Today, Jonathan LeVine Projects (JLP) is one of the most influential exhibition spaces at the international level, and they’re currently looking for artists from all over the world for their next exhibition.


JLP stands out for the diversity of artistic proposals it presents in each exhibition. The three best projects will be selected and awarded as follows:

First place: an individual exhibition at JLP.

Second place: a collective exhibition at JLP.

Third place: promotion of the project on Jonathan LeVine Projects’ social networks.

In early 2017, JLP moved its headquarters from Chelsea, where it was located since 2005, to New Jersey, where LeVine grew and where his interest in art began. The space has featured artists such as Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, among others.

The deadline for submissions is July 5 and you can find the entry requirements right here. Best of luck to all “competing” artists!

¡Vhils presentó su primer performance en Lisboa! 🎭

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Periférico se presentará en BoCA 2017

Fotografías: Vhils y DN

Desde el año 2000, la práctica artística de Vhils ha sido de los referentes más fuertes en el arte urbano. Rostros que reflejan una intensidad expresiva,  pero que siempre respetan la esencia del lugar que se está interviniendo, forman parte de la personalidad de su obra. Sin embargo, el artista demostró la versatilidad de su propuesta mediante un performance que presentó en BoCA.

El 7 y 8 de abril,  Vhils presentó Periférico, su primer perfomance con el cual buscó hacer una reflexión respecto a la transición que ha vivido el mundo de la contracultura urbana.

Mediante una serie de coreografías interpretadas por seis bailarines inmersos en el hip hop, Periférico fue un acercamiento a la contracultura de Portugal durante la década de los 80 hasta el año 2000. La propuesta está basada  en un análisis general y en una autoexploración, ya que en este tiempo fue cuando Vhils comenzó adentrarse al mundo artístico.

Asimismo, el performance de Vhils coloca el debate respecto a la tan peleada barrera entre el concepto del “arte callejero” y el “arte establecido”.

BoCA es una bienal de arte que busca reflexionar sobre el mundo contemporáneo y el ambiente sociocultural, así como ser un soporte para la creación artística del futuro. El evento inició el 17 de marzo y finalizará el 30 de abril; ha sido realizado de manera simultánea en Lisboa (lugar de la presentación de Vhils) y Porto con la finalidad de crear lazos estrechos entre galerías, museos y demás espacios de exhibición entre las ciudades.

La bienal abarca la creación de artes visuales, performance y música en la que participan artistas nacionales e intenacionales.

 

 

Con información de: Vhils, BoCA,  DN y effe 

Obras de Banksy, Warhol y Shepard Fairey en subasta en Los Ángeles

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Umbrella Rat, obra de Banksy que puede ser la mejor pagada

Sin duda, Bansky es de los nombres más sonados en el mundo del arte urbano. El artista británico no sólo ha sido controversial por su incógnita personalidad, o por sus trabajos cargados de una crítica socio-política, sino también por lo bien valuadas que resultan sus obras.

La casa de subastas Julien’s Auctions pondrá a la venta más de diez obras del artista británico el 31 de mayo. 

La pieza que los organizadores consideran puede ser la mejor pagada es el dibujo original hecho con aerosol, Umbrella Rat, el cual estiman puede ir de los 30 a los 100 mil dólares. También estarán ofertados Black Bobby, Bomb Love, entre otros.

 

Michael Doyle, representante de Julien’s Auctions considera que el trabajo de Banksy mantiene su importancia por la carga política de su mensaje. Comentó que es muy raro encontrar obras de artistas urbanos que sean verdaderamente provenientes de las calles.

En la subasta que se realizará en Los Ángeles también se incluirán trabajos de Shepard Fairey y una serigrafía hecha por Andy Warhol a Mick Jagger, vocalista de los Rolling Stones, en 1975.

En el 2008 fue vendida la obra de Banksy más cara del mundo: Keep it Spotless fue subastada por 1.8 millones de dólares. Otros de los trabajos del artista británico más costosos han sido Laugh now en el 2013; Kissing Coopers en 2016; Space girl and bird (cuyo precio se estimaba en 30 mil dólares); Think Tank en 2013, entre otros.

 

Con información de: Wide Walls, ABC Cultura, Milenio y Channel NewsAsia

Polish artist intervenes largest bus for Nuart Festival

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Pontoon: the metaphor for migration

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Nuart Festival

A truck is a medium of transportation we use and are accustomed to on a daily basis: its drivers, the people that use it, the destinations; but imagine if all these elements were foreign to you and the only thing you had in common with the other passengers is the need to save their lives. This is how the Polish artist M-City defines the phenomenon of migration, a metaphor he depicted in his intervention on one of the largest buses of Nuart Festival in Norway.

Pontoon is the title of M-City’s intervention on the bus, making reference to the maritime transport that hundreds of migrants use to reach the European coasts.


M-City is a Polish artist that has participated in Nuart in numerous occasions. His style, which focuses on the use of stencil, combines political and industrial issues, materialized in large-scale murals.

But the Polish artist is not the only one exhibiting the issue of migration. A few days ago, Chinese artist and activist Ai Weiwei – after a series of visits to 20 migrant shelters around the world – created Law of the Journey, an installation of 258 pieces depicting human rights violations.

Stavanger: a project to become Art City

 Since 2016, Nuart Festival has one goal: to make Stavanger an Art City, a reference for cultural exchange, resulting from the various artworks created by international artists. A city that qualifies as a tourist destination thanks to its ongoing cultural activities.

Part of the Art City project is Street Art Buses, which are run by the local Kolumbus bus company. A year ago, artists Add Fuel, Ernest Zacharevic, Martin Whatson and Hama Woods participated in taking buses for this project.

With information from NuArt and Cbcnews

Artistas demandan a empresario por borrar sus graffitis

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23 artistas de 5Pointz actuarán legalmente

El arte urbano es una práctica que ha cobrado auge en los últimos años, de la misma forma, ha sucedido con los derechos de las personas que se dedican a su realización. En el 2013, el caso de 23 artistas cuyas obras fueron removidas sin previo aviso en Nueva York causaron controversia entre la comunidad del graffiti. Cuatro años después, actuarán legalmente contra el responsable de esta acción.

Jerry Wolkoff, propietario del edificio en el cual se alberga el trabajo del colectivo 5Pointz mandó borrar el trabajo de 23 artistas en el 2013, en un acto aún más clandestino que la propia práctica clásica grafitera: una noche las pintas se vieron desplazadas por una plasta de pintura blanca.

Wolkoff mencionaba en ese entonces que el acto fue “lo más humano” que pudo haber hecho. La idea de demoler el edificio que albergaba más de mil pintas en su estructura con las pintas aún en ella –para poder realizar una serie de construcciones con departamentos de lujo– le parecía más cruel, por lo cual decidió pintarlas primero. El dueño dijo que incluso lloró con la decisión, pues, dijo, los trabajos hechos en su propiedad eran de su agrado.

Según el periódico The New York Times, el conjunto de artistas lleva la delantera, pues el 31 de marzo un juez determinó que sí es un asunto que puede trasladarse a la corte. Wolkoff señala que él es propietario del lugar y que, además, el grafiti es considerado una práctica efímera; sin embargo, el juez puntualizó que los artistas debieron ser notificados previamente para que tuvieran la posibilidad de proteger su trabajo pues no se trataba de la práctica del grafiti de manera clandestina sino de un trato que hicieron con el empresario.

5Pointz es conocido en el mundo del street art como “La Meca del grafiti”, el lugar ubicado en Long Island, Nueva York ha albergado la propuesta de artistas nacionales e internacionales. El lugar ha sido curado por Jonathan Cohen el artista urbano quien comenzó su carrera a los 13 años, mejor conocido como Meres1, y quien ha expuesto que este es un caso que puede hacer visible la práctica del street art como digna de protección.

 

Con información de: The New York Times, 5Pointz y  swissinfo . 

 

Artistas italianos crean mural que el gobierno busca borrar

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Mrfijodor y Seacreative realizan mural para WALK the LINE

Una variación de tonalidades en la escala de grises decora parte de la vía Aldo Moro. El rostro de un anciano y el paisaje tras de él, hacen pensar en dos cosas: primero, en la práctica de la pesca en Génova; y segundo, en ilustraciones de libros para niños.

La tradición marítima de la ciudad italiana y su puerto, fueron el referente de Fijodor Benzo y SeaCreative para realizar su intervención.

La colaboración fue realizada como parte de WALK the LINE, un proyecto en la ciudad de Génova que busca crear un festival para los ciudadanos y turistas, para lo cual construye una galería abierta de tres kilómetros, a lo largo de Sopraelevata.

El mural ha causado controversia. Tanto así, que desde hace un mes, a través de una petición en change.org, el festival de muralismo lanzó una campaña para impedir que la pinta sea borrada. Las razones de las autoridades italianas para remover el trabajo de los artistas es porque son “muy oscuros, no representan las características de la raza caucásica”, entre otras.

Fijodor Benzo, inició su trabajo artístico en 1994. Del graffiti al performence, Benzo usa las figuras de los seres humanos como canales que transmiten un mensaje, principalmente críticas sociales y ecológicas.

Fabrizio Sarti, creó en el 2000 SeaCreative, un proyecto que llevó su arte a una intersección entre el uso tradicional del graffiti, acrílicos y otros elementos, que le han permitido ser un referente en el diseño y el street wear en el país europeo.

 

Con información de Mr. Fijodor,  SeaCreative, WALK the LINE, Genova Il secolo XIX y Gorgo

Artista polaco interviene el autobús más grande de Nuart Festival

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Pontoon: la metáfora de la migración

Fotografías: Nuart Festival

El camión es un medio de transporte que resulta tan cotidiano: sus conductores, la gente que viaja en él, los destinos a los que se dirige; pero imagina que todos estos elementos te resultaran ajenos y lo único que tienes en común con los demás pasajeros es la necesidad de salvar sus vidas. Es así como el artista polaco M-City define el fenómeno de la migración, metáfora que plasmó en la intervención que realizó en uno de los autobuses más grandes de Nuart Festival, en Noruega.

Pontoon es el título de la intervención que hizo M-City a este autobús, el cual nombró de esta forma para hacer referencia al medio de transporte marino en el que viajan cientos de migrantes para llegar a las costas europeas.

M-City es un artista polaco que ha participado en otras ocasiones en Nuart. Su estilo, enfocado en el uso del esténcil, es una combinación de temas políticos e industriales, materializado en pintas a gran escala.

Pero el artista polaco no es el único en poner sobre la mesa nuevamente el tema de la migración. Hace unos días, el artista y activista chino Ai Weiwei, tras una serie de visitas a 20 refugios para migrantes en el mundo, creó Law of the Journey , (La Ley de la Travesía) una instalación hecha con 258 piezas que muestra las violaciones a Derechos Humanos.

Stavanger: un proyecto para convertirse en una ciudad del arte

Desde el 2016, Nuart Festival tiene un objetivo: que la ciudad de Stavanger se perciba como una ciudad del arte (Art City), un lugar que sea referente para el intercambio cultural, producto de los diferentes trabajos de artistas internacionales. Una ciudad que se reconozca como destino turístico, gracias a sus constantes actividades culturales.

Parte del proyecto de Art City, es Street Art Buses, en el cual colabora con la compañía local de autobuses Kolumbus. Hace un año los artistas Add Fuel, Ernest Zacharevic, Martin Whatson y Hama Woods participaron interviniendo autobuses para este proyecto.

 

Con información de: NuArt, Cbcnews

Nuria Mora realiza instalación en mural del Tec de Monterrey

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El mural es parte del Programa de Arte Público curado por ARTO STUDIO 

Fotografías por ARTO STUDIO

Nuria Mora es reconocida por su capacidad de insertar su estilo abstracto en el arte urbano. La española volvió a México para participar en el Programa de Arte Público de DistritoTec, el cual pretende usar el arte como vehículo de comunicación urbana para generar diálogos encaminados hacia la construcción de una comunidad, dicho Programa está curado por ARTO STUDIO, estudio mexicano con experiencia en proyectos artísticos y culturales de escala urbana.

DistritoTec es una iniciativa de regeneración urbana que impulsa y promueve el Tecnológico de Monterrey en colaboración con ciudadanos, organizaciones y autoridades para hacer de la ciudad un modelo de convivencia, emprendimiento y talento comunitario.

Un túnel. El pasaje que conecta con la Rectoría del Tec de Monterrey se ha llenado de color. ¿La culpable? Nuria Mora, quien mediante una serie de trazos geométricos, colores llamativos y el desborde de sus delineados intervinieron un mural, del cual, la comunidad de DistritoTec fue testigo del proceso creativo.

Mora es además conocida por su interés en formar parte de las comunidades donde trabaja, ésta no fue la excepción: mediante una serie de conversatorios, la artista pudo tener contacto con los estudiantes de la institución.

En el proyecto también colaboró el artista mexicano de la ciudad de Guadalajara, Arre VRS, quien realizo un mural localizado en la avenida Junco de la Vega y Fernando García Roel. De esta manera, la institución continúa con su propuesta de reactivar el espacio público. Además, tamién intervino bancas para DistrtioTec.

En noviembre 2016, dio inicio el Programa de Arte Público, donde participó Agostino Iacurci quien tomó de referencias las frutas para expresar “el trasfondo de lo complejo”, el inicio y el fin de un ciclo. También estuvo Katie Merz, quien intervino mural a través del uso de jeroglíficos basados en lo que la artista llama “la experiencia que está viviendo justo en el momento en el que está”.

Ya viene el festival BLOOP 2017, de los más importantes en España😯

Blog/Español/Festivales por

Regresa a Ibiza el festival de arte proactivo

Desde hace seis años, Ibiza es un destino turístico y un espacio para la creación del arte.

BLOOP, el festival de arte proactivo nació en el 2011 con el tema “Seres del océano”, seis ediciones después, el proyecto se consolida como uno de los más importantes en España.

Con la idea de realizar un evento que vinculara al público en general, y no sólo a las personas que frecuentan galerías y museos, el festival llevado a cabo en Ibiza fue creado por el estudio creativo Biokip Labs.

Este proyecto se conforma de trabajos hechos en distintas modalidades: murales, arte digital, música, esculturas, instalaciones, fotografía, pintura, video instalaciones y eventos especiales.

Los artistas participantes en este festival son colaboradores internacionales, por ejemplo, en él han participado INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper, entre otros.

Cada año se busca crear arte en torno a una temática general: los temas de las ediciones pasadas fueron “Seres del océano” (2011); “Apariencia” (2012); “Control” (2013); “THE BEST. Arrogance” (2014); “Universos paralelos” (2015); y “Sin miedo” (2016). Todos ellos buscan crear un momento de reflexión en los asistentes.

La edición 2017 se hará del 23 de agosto al 16 de septiembre. Atentos 🚨

Top 10: Most Influential Women in Urban Contemporary Art 2017

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Tattoos, murals and paintings come together in this feminine ranking

Text by Victor Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Since March is Women’s History Month, All City Canvas was given the task of creating this ranking that brings you the top 10 women in street art around the world.

1.-Indie 184

Born in New York in 1980. Since the beginning Indie 184 has been influenced in graffiti especially by Abstract Expressionism and Pop Art. These two styles created a blend of art that stands out from her eye: very vivid tones that contrast with gray scale portraits, thick lines with dripping paint and the typical domed letters found on the streets of any city.

In addition to her own line of street wear Kweez Destroys, thanks to her fame, a comic was created with her as main character: Indie 184 Destroys.

Her work has been exhibited not only in the streets, but galleries and museums such as, El Museo del Barrio in New York and Völklingen Ironworks Museum, in Saarbrücken, Germany, to mention a few.

 Website: http://www.indie184.com/

IG: @indie184 

2.-Hyuro

Her work represents human figures, mostly female, reflecting everyday actions in society that seeks to be a criticism of it; a reflection of nostalgia and fear for the people’s future.

This Argentine artist is characterized by her black and white art, which can be seen in different parts of the world, such as Italy, Spain and Norway; she has also exhibited her work in contemporary art galleries.

 

Website: http://www.hyuro.es/

IG: @h_y_u_r_o 

3.-Faith47

From South Africa to the world. Through her work and her different experiences, Faith47 wants to represent the examination she has made of society’s place in the world.

She rescues places that a normal eye can only see as debris, because with its different techniques, which include painting, projections, installations, engravings and drawings, she manages to grant visibility to these forgotten places and objects.

She began her artistic career at the age of 19, which has led her to exhibit her art in many countries such as Sweden, United Kingdom, France, Tunisia, United States, Australia, Spain, Italy, South Africa, Austria, Switzerland and Germany.

Website: https://faith47.com/

IG: @faith47 

  4. Christina Angelica
Born in Venice, California, she depicts female figures with different shades in her murals, ranging from a monochrome in blue to more vivid colors.

Since she did not want to be restricted to the gallery space, these portraits with a realistic technique, highlight the facial features of the character portrayed in her murals. Through them, she reflects the inspiration the place exudes.

Germany, the US and Brazil are some of the countries that house her urban art. Nike, Nylon Magazine, Microsoft, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, CAA, Heineken, Neiman Marcus and Christian Louboutin are some of the brands that have elevated her fame.

Página: https://www.christinaangelina.com/

IG: @starfightera 

5.-Kashink

The works and installations of Kashink always reflect a masculine face, fat and hairy, represented in different ways. These are decorated with vivid colors, which highlight their abstract and surreal style, as well as being created with thick lines that highlight the interior of the portrait.

This artist is inspired by Gilbert and George, Keith Haring, Frida Kahlo and Charles Burns.

Something that characterizes her at the time of creating art is that during the creative process she draws a mustache on her face.

London, Vienna, Ibiza, Bristol, Madrid, Berlin and Paris are some of the cities that have seen this French artist make and leave posterity for her urban art.

Página: http://www.kashink.com/

IG: kashink1

6.-Bastardilla

This urban artist of Colombian origin remains anonymous because she doesn’t want to be like others; she does not want to exalt her image in a world where everyone wants to be famous.

Her artistic work is a criticism of Latin American society, a subcontinent that does not let people rest from violence and abuses. With a feminist tinge, she defends all the rights of women and tries to raise awareness of the mistreatment they suffer.

With thick lines and matte colors within the contours she creates, she creates a light sensation for those who observe her pieces. She also achieves scenes where women are the main focus.

“As a woman, I have had to fight against these kinds of realities, against the fact that people want to assault me, that I am not taken into account for many things, and I have had to fight against a world that still revolves around men,” says the artist in one of the few interviews she has given.

Página: http://www.bastardilla.org/

IG: #bastardilla

7.-Eva Bracamontes

Mexican artist that represents the feminine figure in her urban pieces, mixing her knowledge as an illustrator and a great handling of the spray can. With a caricaturesque style, Bracamontes creates her artworks by highlighting thick and colorful lines to emphasize the traits of the women she portrays.

In her murals, she wants to enhance her Mexican context through ancestral and cultural techniques. Through her work, she seeks to make people pay attention to the details that she creates thanks to her perfectionism.

Página: https://www.facebook.com/eva.bracamontes

IG: @evabracamontes01 

8.-Pum Pum

An urban artist from Coghlan, Argentina, she maintains the anonymity of both her name and face. From her background in design, she adopted the pseudonym Pum Pum to refer to that unique and very colorful character that creates urban artwork.

She started creating with old school graffiti artists, but then adopted another material to express herself: latex paint. With this material and Pum Pum’s fusion of animated characters like Hello Kitty, she creates representations with bright and clear colors enclosed in a very fine contour that are characterized by very large heads in comparison with their bodies.

She is currently one of the artists that make up the gallery UNIÓN in Buenos Aires.

Página: http://www.pum-pum.com.ar/

IG: @holapumpum 

9.-Meg McNiel

She is a tattoo artist in Phoenix, Arizona, who is locked in a small metal cubicle where she creates her art with a machine and ink.

McNiel’s work is characterized by using dark, very heavy colors that other tattoo artists don’t dare to expriment with.

This unique style has led her to participate and win a few tattoo contests, like the Ink-N-Iron Festival at the Queen Mary in Long Beach and the Arizona Tattoo Expo.

Página: https://www.facebook.com/pg/megmcniel/about/?ref=page_internal

IG: @megmcniel 

10.-Tamara Alves

Born in Portugal and living in Lisbon, Tamara Alves creates her art from different techniques, ranging from paintings to tattoos.

She represents human figures and wild animals with artwork in black and white as well as in color. Most of them have something that distinguishes them: eyes without an iris or pupils, for example. This lack of expression with the eyes generates a feeling of discomfort and depth at the time of being seen.

In her work she wants to depict empty bodies, without organs but with animal sensations running high. This erotic conversion of being makes her artwork an exhibition of spectacular urban art.

Página: http://www.tamaraalves.com/

IG: @tamara_aalves 

 

 

 

 

 

Los mejores murales de HK Walls, el festival de street art en China

Español/Exhibiciones por

Artistas realizan murales en Hong Kong

HK Walls es un festival de street art que nace en el 2014 de la mano de Jason Dembski, Stan Wu y Maria Wong. El objetivo del proyecto es crear comunidad artística a través de una serie de murales, basados en la idea de las pintas clandestinas nacidas en Alemania de los años 90.

Del 18 al 26 de marzo, artistas provenientes de Tailandia, Hong Kong, Indonesia, Italia, Reino Unido y Estados Unidos, presentaron su trabajo en la ciudad de Wong Chuk Hang.

En ALL CITY CANVAS seleccionamos para ti los cinco mejores murales de la cuarta edición de HK Walls:

1. Sin título – Pixel Pancho

El artista italiano nacido en Turín, y quien trabaja el tema de los robots y la manera en que los seres humanos nos aferramos a nuestros deseos, realizó un mural que explora el tema de la migración.

Pixel Pancho inscribe al final de una fotografía hecha sobre su mural la frase “La única guerra que la humanidad puede cuidar es la guerra contra su propia extinción’, recuerden “¡TODOS SOMOS INMIGRANTES!”.

2. Midnight in a perfect world– SNIK

El dueto oriundo del Reino Unido es uno de los conjuntos especializados en el esténcil más destacados a nivel internacional. Su propuesta fue llevada este año al festival de Hong Kong y resultó ser una de las más interesantes.

 

3. Umbrellas – Zoerism

Del diseño de fanzines al uso del aerosol como herramienta para crear obras que representan un vaivén de significados políticos, sociales y culturales; el mural que Zoerism creó para la cuarta edición de HK Walls, impacta por su tamaño, composición y el uso de la percepción 3D.

4. Hunting Man Hunting Hunting Dream Hunting Success Hunt to get what we need for pleasure– JECKS

Colores cálidos, personajes desproporcionados y expresivos. Un trabajo entre el realismo y la caricatura es lo que podría definir las pintas de JECKS. El artista creó un mural que sin duda es merecedor de un lugar en cualquier ranking.

5. Sin título- Spok Brillor

El trabajo de Spok Brillor resulta casi indefinible. El artista español trabaja pintas que resultan un acercamiento a la mitología, el muralismo tradicional y el graffiti convencional. El proyecto que creó exclusivamente para HK Walls, además de impresionante por su magnitud, resulta una marca inconfundible del artista.

 

  Con información de: HK walls, Brooklyn streetart, Widewalls, SNIK,  Zoerism,  Bizarre beyond belief Magazine. 

 

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