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enero 2017

Los rastros del punk en el arte contemporáneo ? Museo del Chopo

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Punk: sus rastros en el arte contemporáneo, una exhibición sobre movimientos, actitudes e ideas

Fotografías por Omar Ulises Callejas

La “melancolía” de la llegada de los años 70 comienza con el fin del sueño hippie, las constantes crisis económicas y el miedo al regreso de las ideas conservadoras. Ante la situación, el punk apareció como un movimiento que provocaba y rechazaba su entorno, generando consecuencias en la literatura, música, cine y el arte contemporáneo.

Punk: sus rastros en el arte contemporáneo es la exposición que se encuentra en Museo del Chopo y en la cual, a través de instalaciones, fotografías y videos, muestran cómo el espíritu cuestionador y crítico del punk repercutió en el mundo del arte, al hablar de temas de género, violencia, la sexualidad y el sistema político del mundo.

Más de 40 artistas nacionales e internacionales participaron con sus obras para esta exhibición. Israel Martínez, Semefo, Yoshua Ocon, Miguel Calderón, Docttor Lakra son algunos de los artistas mexicanos que colaboraron con sus trabajos para la exposición.

Foto Museo Chopo. Obra Doctor Lakra.

David G. Torres, curador de esta exposición, en entrevista para All City Canvas dijo que el arte contemporáneo había sido “especialmente poroso por la influencia del punk”, ya que nació en un contexto creativo para la música, el diseño, arte y moda.

Esta exposición ha estado también en Barcelona y Madrid. “Los contextos sociales y culturales de Barcelona a finales de los 70, el de México entre los 80 y 90 son distintos, pero ambos están marcados por el desencanto de una juventud que se revela frente a un panorama social y cultural que ofrece pocas opciones”, dijo G.Torres.

G.Torres mencionó que los rastros del punk en el arte contemporáneo son ideas y actitudes compartidas en un mismo contexto: ir en contra de una sociedad alineada por prejuicios y estereotipos.

 El “anti, el “hazlo-tú-mismo” sirvieron de frases para generar un territorio más cuestionador en el que la exposición, en palabras de su curador, postula un malestar que sigue presente en muchos de los trabajos del arte contemporáneo.

En el Museo del Chopo lo que se exhibe no es sobre el punk, sino a partir del punk.

Jack Tv: el canal de arte contemporáneo que tienes que ver

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Fundación MAXXI lanza el primer canal de arte contemporáneo en Italia

La cultura italiana es reconocida a nivel mundial por su gran nivel de tradicionalismo. El arte no es la excepción a esta regla: no hay quien no piense en Michelangelo, Botticelli o Tiziano (por mencionar algunos), cuando de obras artísticas en el país hablamos; sin embargo, a partir del 2009, el curso artístico, que hasta entonces se gestaba en los museos del país europeo, cambió gracias a la creación del Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), el cual también funge como fundación. La semana pasada el Museo creó su canal Jack Tv, para promover la cultura contemporánea y el intercambio internacional.

Jack Contemporary Arts TV (Jack Tv) es el espacio creado por el Museo y la empresa de software Engineering, como un soporte tecnológico a los proyectos de museos italianos e internacionales, a través del cual se promueve la creatividad contemporánea y el implemento de vínculos de intercambio cultural.

Los fundadores del canal eligieron “Jack”, por considerarlo un nombre que le resulta familiar a la mayoría de las personas, con ello se sigue el sentido de universalidad que buscan implementar en el sitio.

La plataforma, disponible en italiano e inglés, ya cuenta con la participación de instituciones nacionales, como la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma; e internacionales como el Foam de Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Estambul, entre otros.

Muestra Carlo Scarpa e il Giappone

MAXXI se cataloga como “un laboratorio de experimentación e innovación cultural, de estudio, investigación y producción de contenidos estéticos de nuestro tiempo”. El Museo y también fundación creada por Giovanna Melandri rompe con los estereotipos y la añoranza del arte antiguo.

Yona Friedman, Arquitectura móvil

Fotografía, arquitectura y diseño son los ejes rectores del proyecto de formas distintas: live streaming broadcsast, contribuciones de artistas en la modalidad “bloggera” y creación de contenido exclusivo (como videos sobre retrospectivas, análisis y exposiciones).

Además, siguiendo la idea de un verdadero intercambio con el público y las instituciones artísticas, la plataforma también cuenta con la realización de productos en lenguaje de señas.

 

Con información de MAXXICorriere della sera, La RepubblicaJack TvArt fix dialy y Artforum .

Provocan reacciones murales anónimos en Bruselas

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Los murales de Bruselas: un arte provocativo

¿Cuáles son los límites del arte que está hecho para provocar?, ¿qué es lo máximo aceptable? Dos murales que aparecieron en Bruselas hace unas semanas y volvieron a plantear la cuestión causando revuelo por la violencia explícita mostrada en las imágenes anónimas.

Las opiniones sobre las dos obras que aparecieron este enero en Bruselas están divididas. Algunos vecinos de la zona aseguran que sus hijos han tenido problemas para dormir por la aterradora vista fuera de sus ventanas, aunque por ahora, los murales van a permanecer a la vista, afirmó Ans Persoon, funcionaria de la ciudad.

Aunque las escenas pueden parecer terriblemente actuales, en realidad son parte de las pinturas del siglo XVII: Los cadáveres de los hermanos Witt, del artista holandés Jan de Baen y El sacrificio de Isaac de Caravaggio; estos a su vez están basados, respectivamente, en un asesinato político y en el Viejo Testamento.

El sacrificio de Isaac

La identidad del artista es un misterio, aunque algunas personas del arte lo atribuyen al mismo que meses antes creó pinturas de genitales en las calles de Bruselas. El curador Bjorn Van Poucke piensa que con las obras aparecidas este año, el artista está tratando de dar una respuesta a todas las personas que hablaron en los medios sobre esos murales y que causaron reacciones en su momento.

El arte que escandaliza, como el de los murales en Bruselas, siempre revivirá la pregunta eterna sobre el arte: ¿hasta dónde puede llegar el límite de lo provocativo?

 

Con información de AP, Daily Journal, AP, Daily Mail y La Vanguardia.

 

El arte provocativo de Andrea Fraser

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Andrea Fraser: el arte que critica al arte

Fotografías y texto por Cristina Ochoa y Mariana Gaona

Artista estadounidense de performance,  imagen  clave de la llamada crítica institucional, conocida por sus prácticas artísticas que han sido calificadas como retadoras, provocativas e inteligentes. Ella es Andrea Fraser, actualmente  una de las figuras más importantes del arte contemporáneo.

La crítica institucional, dentro de la que se encuentran sus trabajos, es una corriente del mundo del arte surgida en los años 60 que se encargaba de cuestionar a museos, galerías y colecciones.  Las obras de Fraser nos retan a reflexionar sobre nuestro rol como espectadores: “No es cuestión de estar en contra de la institución. Nosotros somos la institución. La cuestión es qué clase de institución somos, qué clase de valores institucionalizamos, qué formas de práctica premiamos y a qué clase de premios aspiramos”, escribió en 2005.

¿Qué nos motiva a consumir el arte de nuestra preferencia?, ¿quién nos dice cómo debemos comportarnos en el museo?, ¿vamos guiados por nuestras propias convicciones o por las instituciones artísticas?  Son esas las reflexiones que Fraser busca dejar en sus trabajos.

En 2003  fue cuestionada por su video nombrado Sin título, en el que la artista mantiene relaciones sexuales con un coleccionista de arte, quien le pagó a Fraser 20 mil  dólares, y le propuso quedarse con una de las dos únicas copias del filme. La artista explicó que todo lo anterior fue  parte de un análisis respecto al vínculo económico con la institución artística.

El cuerpo de Fraser es elemento de sus investigaciones y parte fundamental en su trabajo; el cual está influenciado por temas feministas, sociológicos, económicos y psicológicos; además incluye reflexiones sobre el modo en que el arte puede servir de instrumento de distinción social.

Actualmente, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) presenta la primera muestra retrospectiva individual en México de la artista: L’1% c’est moi , con la curaduría de Cuahutémoc Medina y Hiuwai Chu, que incluye obras producidas a lo largo de sus más de 30 años de cuestionamiento al mundo del arte.


El nombre de la exhibición es el mismo que utilizó para   la revista alemana Texte Zur Kunst, en la cual escribió un ensayo exponiendo la relación entre la riqueza de coleccionistas y el crecimiento de la desigualdad social, criticando el valor monetario en el que se ha estado desenvolviendo el arte.

Las obras de Andrea Fraser nos llevan al análisis, la introspección, el cuestionamiento y a su definición de arte.

Art conflict: la respuesta artística de Irlanda ante la censura

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Arte y propaganda en los murales de Irlanda

Cuando la gente recorre las calles de Irlanda del Norte, las paredes les recuerdan sus conflictos con Gran Bretaña, fechas en las que hubo enfrentamientos con la policía o rostros de líderes activistas. Eran los años 70, la televisión escondía la verdad, el gobierno reprimía manifestaciones y los muros de casas y edificios se convirtieron en el único medio de expresión para la comunidad y artistas.

Art conflict es un documental de Netflix que expone la fusión entre arte y propaganda en Úlster, localidad de Irlanda del Norte en donde se dieron los principales enfrentamientos entre republicanos, el grupo de personas que abogaban por la libertad y paz; y los unionistas, que resaltaban su apoyo a los ingleses.

Actualmente, mucho de los murales unionistas han sido borrados con los tres millones de dólares que ha invertido el gobierno, ya que la mayoría de las pinturas estaban asociadas a grupos militares y la violencia que ejercían a civiles.

Danny Devenny es uno de los artistas irlandeses más conocidos dentro de este movimiento muralista. Sus murales hablaron de la libertad, la paz y retrataron los rostros de activistas y residentes fallecidos durante los enfrentamientos. Para Devenny, la iniciativa del gobierno de pintar de grises los murales, es una forma absurda de querer “borrar” un pasado, porque para él los verdaderos muros peligrosos son los prejuicios que albergan en la mente de cada persona.

Ahora, esos murales borrados, fueron reemplazados por figuras icónicas del deporte, la historia o del cine.

Devenny comenzó a pintar posterior a su salida de la cárcel, luego de ser encerrado por su participación en manifestaciones en los años 80. Uno de sus murales con mayor reconocimiento en la comunidad, es el que hizo para recordar a Bobby Sands, activista fallecido durante las huelgas de hambre, momento histórico en el que se protestaban por sus derechos como presos políticos.

En Irlanda, los años 70 y 80 fueron testigos de cómo el arte documentó una parte de su historia a través de las paredes de sus hogares.

 

 

Ball Parade, la exposición de arte urbano en balones de la NBA

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La mezcla de arte urbano y deporte en un mismo lugar

Fotografías: Mariana Gaona

¿Quién dijo que el arte y los deportes no pueden convivir en un mismo espacio? Ball Parade, una muestra de arte urbano en Paseo de la Reforma, de la Ciudad de México, quiere probar que no hay distancia entre ambas. Son 30 las obras hechas por artistas mexicanos representadas en balones con motivo de los dos juegos de la liga estadounidense que se celebraron la semana pasada en la capital mexicana.

Los Lakers de Los Ángeles, los Pistons de Detroit, los Suns de Phoenix…y todos los equipos de la liga estadounidense tienen una obra de arte que representa su carácter, sin dejar de lado los colores o símbolos que los identifican.

La muestra al aire libre se inauguró el 12 de enero y consta de 30 obras de arte urbano. Algunos de los artistas que formaron parte del diseño de estas piezas fueron Came Moreno, José Lepov, Lisa Curn, Román Zurita, Le Yad, Javier Capetillo, Edgar Galindo, entre otros.

De acuerdo con Román Zurita, ilustrador mexicano, quien habló para ALL CITY CANVAS, deporte y arte están relacionados por la pasión, además de que unen a las personas y le dan una perspectiva distinta sobre el mundo. En esta ocasión, Zurita pintó el balón representativo de los Mavericks de Dallas, donde además de plasmar los colores del equipo, incluyó personajes característicos de su trabajo como ilustrador.

La selección de artistas se hizo con base en un proyecto anterior de Ball Parade realizado en 2016, donde artistas mexicanos pintaron cascos y balones de futbol americano, los cuales fueron exhibidos también en Paseo de la Reforma.

En museos, galerías, paredes, y hasta equipamiento deportivo… que ya no nos sorprenda: el arte puede inmiscuirse en cualquier lugar.

¡Louis Vuitton y Supreme lanzan maletas, sudaderas, patinetas y mochilas!

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Las marcas se unen para mostrar la diversidad de estilos

Los rumores han sido callados: Louis Vuitton (LV) y Supreme lanzan una línea de ropa juntas. La unión busca crear un estilo “cosmopolita y relajado” constituido por la elegancia de Vuitton y el urbanismo de Supreme, considerada la firma de street wear más influyente en el mundo.

En 2000, ambas marcas protagonizaron uno de los conflictos más mediáticos en el mundo de la moda, luego de que el logo de LV fuera usado por Supreme en algunas de sus prendas.

El color rojo es el elemento principal  de Supreme, acompañado de la tipografía que ha utilizado la artista conceptual Barbara Kruger en sus obras desde 1979. Esta marca de street wear es conocida también por tener líneas de ropa exclusiva, que cada jueves son dadas a conocer y que artistas como Kanye West,  Kid Kudi y Chris Brown encabezan la lista de su principales compradores.

Tipografía Barbara Kruger

La alianza entre ambas marcas tiene algo distintivo en su colección: al centro de cada uno de los productos se puede ver en grande el nombre de la marca Supreme, dejando en una esquina inferior un pequeño y elegante LV.

Entre los productos de la línea otoño-invierno están maletas, sudaderas, patinetas y mochilas.

140 años de diferencia hay entre la apertura de ambas casas de moda; los estilos son diametralmente opuestos; pareciera que los conflictos del pasado sólo quedaron en la memoria de la prensa; LV y Supreme apuestan por la expansion de su mercado, sin dejar de lado la exclusividad que las distingue.

La línea de ropa masculina fue presentada en la semana de la moda de París y comenzará a tener difusion comercial el próximo 17 de julio.

 

Con información e imágenes de Bface Magazine, The New York Times, El País, Fashionista, Financial Times, Tumbrl.

 

 

? Conoce los 8 diseñadores de la serie de Netflix: “Abstract: The art of design”

in Blog/Español

Netflix estrenará serie-documental sobre el proceso creativo del diseño en sus diferentes áreas

Ocho episodios, ocho diseñadores: Abstract: The art of design, la nueva producción de Netflix que se estrenará el 10 de febrero en su plataforma. El tráiler fue publicado hace unos días, el cual comienza diciendo: “Es historia, es mensaje, es conexión: es diseño”.

Esta serie documental  pretende retratar el trabajo y proceso creativo de diseñadores reconocidos a nivel internacional en diferentes áreas: la ilustración, la fotografía, la arquitectura o el diseño industrial.

Inspiración, imaginación, arte: “Su trabajo, es nuestro mundo”.

Un poco de los ocho de Abstract: The art of design:

1.- Paula Scher, una de las diseñadoras gráficas estadounidenses más reconocidas a nivel internacional. Actual directora de Pentagram, estudio de diseño de gran relevancia mundial, generalmente sus proyectos van asociados con la arquitectura, identidad, grafismo e interiores.

En la década de los 90, el nombre de Scher se posicionó en el mundo del diseño, al darle una diferente perspectiva gráfica a las instituciones culturales de Nueva York, con el nuevo sistema de identidad y promoción teatral para The Public Theather: una tipografía llamativa a través del graffiti. Su trabajo ha sido expuesto en el Museo de Arte Moderno, el Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París, entro otros.

2.- Christoph Niemann, ilustrador y diseñador gráfico alemán; también ha publicado libros en temas del diseño y para público infantil. Cuenta con su propio estudio (Christoph Niemann). Algunos de sus clientes son Google, The New York Times, The New Yorker. Galardonado por Art Directors Club y The Lead Awards.

Ha expuesto por París, Alemania, Nueva York, Taiwan.

3.- Tinker Hatfield, su nombre ha sido googleado por haber realizado los diseños más creativos para los tenis Nike. Estudió Arquitectura, en donde se caracterizó por hacer dibujos que estaban influenciados en aviones, coches o animales. Hoy es reconocido por haber catalogado un diferente proceso de diseño en los tenis.

 

4.- Es Devlin, diseñadora inglesa especializada en la escenografía. Su trabajo se reconoce por el uso de esculturas y luces entrelazadas para teatro, espectáculos de danza, festivales de cine o conciertos.  Ha creado escenarios en colaboración con Beyoncé, Kanye West, U2, Jay Z, Adele y The Weeknd.

Diseñó la Ceremonia de Clausura Olímpica de Londres y la Ceremonia de Apertura Olímpica de Río.

5.- Platon, fotógrafo inglés que trabajó al lado John Hind, el director creativo de la Vogue británica, punto de partida para que empezara a inmiscuirse en retratos e imágenes de moda. Ha trabajado para Time Magazine, The New Yorker, Rolling Stone, The New York Times Magazine, Vanity Fair, entre otras.

En 2007, fotografió al primer ministro ruso, Vladimir Putin, para la portada de “Person of The Year “de la revista Time, imagen que fue premiada en el World Press Photo Contest.

Ha publicado cuatro libros respecto a su obra.

 

6.- Ilse Crawford es una diseñadora inglesa de interiores. Fundadora de su actual estudio Studioilse, el cual, está integrado por un equipo multidisciplinario, liderados bajo la filosofía de su diseño: “crear entornos en los que los seres humanos se sientan cómodos.  Directora y creadora de la Design Academy Eindhoven.

7.- Ralph Gilles, diseñador canadiense de automóviles. Ha sido presidente y director ejecutivo de Chrysler y SRT. Para Guilles, el Porsche fue el auto que lo motivó a especializarse y adentrarse a esta área del diseño.

Su trabajo se ha caracterizado por los detalles colocados en el interior de los coches, aunque también parte del proceso creativo es basarse en normas de seguridad y precios de combustible.

8.- Bjarke Ingels, arquitecto danés que dirige el BIG Bjarke Ingels Group, el cual fundó en 2006. Su trabajo es reconocido por la mezcla entre la arquitectura, el arte, la cultura y política. Ha sido galardonado internacionalmente por sus proyectos.

Su estudio está integrado por diseñadores, urbanistas y diseñadores de interiores, los cuales laboran con base en el pensamiento de Ingels, una arquitectura que se adapte a la vida contemporánea inmersa en tecnología, nuevos espacios públicos y necesidades comunicativas.

Con información de Gráfica, HipertextualDriving y nfgraphics.

The creative chaos in Gola Hundun’s work: art and nature

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The artistic universe of Gola Hundun: when nature creates art

Text by Mariana Gaona – Translation by Briana Prieto Fuentes

Gola Hundun’s 2016 marked his artistic career. When walking through the streets of San Pedro Macoris, a town in the Dominican Republic, a building captured his attention; it was an abandoned masonic temple that, in the artist’s words, construction was already a work of art. The combination of a quiet vegetation in an imposing architecture.

 

 

In this way, the building intervened, adding a small detail to draw people’s attention to the building’s construction: three large strips of fabric in green and blue tones spread over the facade; the most striking, placed in the middle, a large red circle at the top surrounded by figures that resemble the diversity of trees that exist in the location.

 

 

The work of Gola Hundun, an italian artist, is characterized by showing the relation of human beings with nature; explores topics such as the communication between species, shamanism, vegetarianism and spirituality. His artistic universe is influenced by sacred art, psychedelic and zoology.

 

 

In 2010 he was in an artistic residence in Canada, which kickoff his career internationally. Currently his work goes beyond the limits of painting: he also performs installations involving fiber, living plants, electronic music and performance.

 

 

 

Gola Hundun’s intervention for Artesan Project is nothing more than “the dichotomy between the creative chaos of nature and the human need to define the laws of the universe,” he described.

 

 

With information from Gola HundunTost FilmsRemolacha and The Artesan Project.

Video tour of Vhils’ first exhibition in Hong Kong

in Blog/English

A virtual tour of Vhils’ work at HOCA and on the streets of Hong Kong

Text by Monica Vazquez – Translation by Briana Prieto Fuentes

Identity and life in the urban context are the topics of the exhibition Debris at Hong Kong Contemporary Art (HOCA), by Alexandre Farto, better known as Vhils. The exhibition ran from march 21 to april 4, 2016 and for all those who wanted to see it, the artist shared a virtual tour of the exhibition and his work on the streets.

Vhils is a portuguese artist, who is known for using the walls to sculpt, to put collages on them and, in this occasion, to fill them with neon lights. The urban life and contemporary societies have been his subjects of interest during his artistic trajectory.

Vhils in Hong Kong: a bit of context

It was his first individual exhibition in this asian region. A series of interventions in emblematic places and most traveled of Hong Kong invited the residents and tourists to think about their urban environment and cultural landscape from the artist’s perspective; besides part of his work was exposed at HOCA. The artist used the gallery and the streets as spaces of exhibitions and expressions.


Time, geometric elements, and images that have turned into symbols of Hong Kong, were also part of Vhils’ inspiration to intervene a trolley car with portraits of citizen’s histories; besides placing compositions of neon and metal in the middle of the streets, showing an extremely transited region wrapped in his own cultural diversity.



With this exhibition, HOCA, an organization founded in 2014, fulfilled one of his principal aims: to promote and to develop access to contemporary art in Hong Kong.

 

With information from Vhils, HOCA, We Heart and Artsy.

El caos creativo en la obra de Gola Hundun: arte y naturaleza

in Blog/Español
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El universo artístico de Gola Hundun: cuando la naturaleza crea arte

El 2016 de Gola Hundun marcó su carrera artística. Caminaba por las calles de San Pedro Macoris, localidad de República Dominicana, cuando un edificio capturó su atención; era un templo masónico abandonado que, en palabras del artista, la construcción ya era por sí misma una obra de arte. La combinación de vegetación silenciosa en una arquitectura imponente.

 

 

De esta manera, intervino el edificio, agregando un pequeño detalle para llamar la atención de las personas sobre la construcción: tres grandes franjas de tela en tonos verdes y azules desplegadas sobre la fachada; la más llamativa, colocada en medio, un gran círculo rojo en la parte superior, rodeado por figuras que asemejan la diversidad de árboles que existen en la localidad.

 

 

El trabajo de Gola Hundun, artista italiano, se caracteriza por mostrar la relación de los seres humanos con la naturaleza; explora temas como la comunicación entre especies, chamanismo, vegetarianismo y espiritualidad. Su universo artístico está influenciado por el arte sagrado,  psicodélico y la zoología.

 

 

En 2010 estuvo en una residencia artística en Canadá, que despegó su carrera a nivel internacional. Actualmente su trabajo rebasa los límites de la pintura: también realiza instalaciones que involucran fibra, plantas vivas, música electrónica y performance.

 

 

La intervención que hizo Gola Hundun para Artesano Project no es más que “la dicotomía entre el caos creativo de la naturaleza y la necesidad humana de definir las leyes del universo”, así la describió.

 

Con información de Gola Hundun, Tost Films, Remolacha y The Artesan Project.

Positive Propaganda: haz arte, no guerra

in Blog/Español

El street art no ignora los problemas sociales

El arte puede ser una expresión artística  y política, eso lo saben perfectamente en Positive Propaganda, una organización sin fines de lucro asentada en Múnich, Alemania, que se dedica a poner arte contemporáneo y sociopolítico en espacios urbanos. Los Derechos Humanos o la protección al medio ambiente son parte de sus temas más recurrentes.

Algunos de los artistas que han colaborado con Positive Propaganda son Aryz, Kripoe, Mark Jenkins, Shepard Fairey, Blu, el dúo Cyrcle, entre otros. Con ellos han desarrollado murales de gran formato sobre temas que van desde la influencia de las empresas petroleras en la política global, la destrucción que dejan a su paso; hasta el cuestionamiento del acceso restringido al arte que hay en algunas localidades internacionales.

Una de sus premisas es que el arte no sólo debería entretener al espectador, sino sorprenderlo y provocar una reacción en él, permitiendo una apertura crítica y visionaria sobre su realidad.

La mayoría de las actividades de la organización consisten en invitar artistas para que pinten murales de gran formato en distintos puntos de la ciudad, así como diseño de ilustraciones sátiras que retraten nuestro sistema político. Positive Propaganda organiza muestras en su galería con el fin de construir diálogos entre los ciudadanos respecto a la situaciones actuales de su país.

 “El arte por el arte” es una frase que alude la organización para argumentar que las obras artísticas no son ajenas a la realidad social en la que estamos inmersos…y sus exhibiciones lo prueban. En 2014 albergaron la muestra 50 años de infierno, en la que remarcaban el 50° aniversario de la Conferencia de Seguridad de Múnich, reunión celebrada  anualmente donde se discuten temas de seguridad internacional.

En 2016 produjeron el documental sobre la exhibición VICTORY IS PEACE #2, que se presentó en su galería y en la que participaron Shepard Fairey y NoNÅMe. En este trabajo mostraron temas globales como la pérdida  de principios morales y éticos, además del estado frágil de la democracia.

Positive Propaganda también logró que Kripoe, artista alemán, pintara una fachada en Múnich en colaboración con Amnistía Internacional. Ha sido hasta el momento, el mural más grande que ha hecho dentro de su trayectoría artística.  Hands up for gun control fue titulado el mural de Kripoe y fue un llamado por un mundo más justo sin armamento alemán.

Sebastian Pohl, director artístico de la organización, no piensa que el street art deba ser apolítico, aunque como dice “por más que a los alemanes nos vaya bien…en términos generales” , y que la calle no sólo debe ser el espacio donde transitamos, hay algo más que nace de ella y eso, Positive Propaganda lo conoce, lo sabe y lo interviene.

 

Con información de Positive Propaganda e Instituto Goethe.

La segunda edición de Wall Dialogue estuvo en México

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Artistas nacionales e internacionales intervienen paredes en “La Merced”

Texto por Cristina Ochoa y Mariana Gaona

Chucho y Ánika se conocieron en Berlín, lugar donde cursaron un programa artístico estudiantil. Fundaron  Nuestro Barrio, proyecto que tiene el objetivo de intercambiar experiencias artísticas entre las ciudades de México y Berlín. Actualmente, se encuentran dirigiendo la segunda parte de Wall Dialogue, un festival de muralismo que reúne a artistas nacionales e internacionales para intervenir paredes de diferentes localidades, en colaboración con sus habitantes; en ésta, su segunda edición, le tocó a México y a “La Merced”..

La edición mexicana (la primera fue realizada en Berlín) del Wall Dialogue contó con la presencia de artistas como Paola Delfín, colectivo La Piztola, Blo, Johannes Mundinger, Mernywernz, Said Dokins, Billy, Nelio, Libre HEM y Lucía Revilla, entre otros.

 

Wall Dialogue 2 . Fotografía: Diego Benítez

 

Atea es la organización mexicana que principalmente apoyó para que se realizaran los murales cerca de su ubicación, en Topacio 25, lugar en el que han expuesto obras de artistas e impartido talleres, con el fin de construir vínculos artísticos con la comunidad.  Al fondo del estacionamiento, Lucía Revilla, la chica proveniente de Tulum subía y bajaba haciendo trazos con pinceladas gruesas mientras sostenía su boceto. “Por ahora estoy trabajando con una serie sobre niños. Ella es la hija de mi mejor amiga”, comentó la artista.

 

Mural Lucía Revilla. Fotografía: Diego Benítez

 

Nelio. Foto por Cristina Ochoa.

“¿Recuerdan esa epidemia de influenza en 2010? Este es el taller  en el que se hacían los cubre bocas para repartir en las escuelas. De pronto, el espacio fue insuficiente y pasando por aquí, vi un letrero que decía ‘Se renta’. ‘De aquí soy’, pensé”, comentó Chucho al referir la historia de Atea, el proyecto cultural, el cual junto con Titan (programa curatorial de Ánika) organizan el Wall Dialogue.

 

Chucho. Foto por Diego Benítez

 

Además de impartir talleres de serigrafía, los artistas y colectivos realizaron actividades con la gente: murales que representaron la abstracción, la imaginación, el color; todo en conjunto: el sentido de pertenencia y la multiculturalidad.

“Para mí es importante hacer esto en ´La Merced´, especialmente para hablar del desarrollo y gentrificación de la ciudad. El intercambio de ideas sobre las posibilidades que tenemos (o no) para contribuir a un cambio, haciendo algo que también conecta a la comunidad internacional y los habitantes, es crucial” afirma Ánika.

Talleres infantiles. Foto Diego Benítez.

 

Foto por Cristina Ochoa

Mexicanos protagonistas

Fue en los primeros meses del 2015 que los reflectores de los medios de comunicación voltearon a Londres, específicamente a ver la intervención artística del colectivo oaxaqueño, La Piztola sobre la desaparición de 43 estudiantes en Ayotzinapa, justo  en la fecha en la que el presidente mexicano acudiría a la ciudad europea. El mismo año realizaron un mural en compañía de Said Dokins, para conmemorar el aniversario de lo sucedido en la localidad de Guerrero. Hoy, se encuentran trabajando en conjunto de nuevo.

Foto por Cristina Ochoa

La pared más grande del estacionamiento se encuentra pintada de rojo, sobre ella, destacaron ciertos trazos geométricos y una silueta justo al centro. “Lo que hicimos La Piztola y yo para este trabajo fue platicar con personas del barrio durante los talleres. De ahí, hicimos una selección de personajes y poemas que creamos con ellos. Este mural será el resultado de eso”, dice Dokins, experto en caligraffiti.

 

Said Dokins trabajando sobre el mural colectivo con La Piztola. Fotografía: Diego Benítez

 

Mural La Piztola y Said

 

El estacionamiento de Atea es ocupado principalmente por trabajadores del mercado y locales alrededor. Durante el festival, las personas y sus respectivos vehículos llegaban y salían, no sin antes,  detenerse a observar lo que estaba pasando en su comunidad.

“Es un género diferente, pero es arte”, comentó uno de los residentes.

 

Mural Libre HEM. Fotografía: Diego Benítez

El arte crea comunidad y es quizá es el pretexto perfecto para que un grupo de artistas se junten para hablar, intercambiar experiencias y se inmiscuyan con el lugar y sus habitantes. Propuestas como el Wall Dialogue involucran a la gente con el arte en sus diferentes expresiones.

 

Con información de: Brooklyn Street Art , I heart Berlin, atea

En video, el recorrido de la primera exhibición de Vhils en Hong Kong

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Un recorrido virtual por el trabajo de Vhils en HOCA y en las calles de Hong Kong

La identidad y la vida en el contexto urbano es el tema de la exposición Debris  en  Hong Kong Contemporary Art  (HOCA), de Alexandre Farto, mejor conocido como Vhils. La exposición estuvo del 21 de marzo al 4 de abril de 2016 y para todos los que se quedaron con ganas de verla, el artista compartió en su página un recorrido virtual de la exhibición y de su trabajo en las calles.

Vhils es un artista portugués conocido  por usar las paredes para esculpirlas, colocarles collages y, en esta ocasión, llenarlas de luces de neón. La vida urbana y las sociedades contemporáneas han sido sus temas de interés durante su trayectoria artística.

Vhils en Hong Kong: un poco de contexto

Fue la primera exposición individual del artista en esta región asiática. Una serie de intervenciones en los lugares emblemáticos y más transitados de Hong Kong invitó a los residentes y turistas a reflexionar sobre su entorno urbano y paisaje cultural desde la perspectiva del artista; además de que otra parte de su trabajo se expuso en HOCA. El artista utilizó la galería y la calle como espacios de exposiciones y expresiones.

El tiempo, los elementos geométricos e imágenes que se han convertido en símbolos de Hong Kong, fueron también parte de la inspiración de Vhils para intervenir un tranvía con retratos de las historias de los ciudadanos; además de colocar composiciones hechas de neón y metal en medio de las calles, mostrando así una región sumamente transitada envuelta entre su propia diversidad cultural.

Con esta exposición, HOCA, organización fundada en 2014, cumplió uno de sus principales objetivos: promover y desarrollar el acceso al arte contemporáneo en Hong Kong.

 

 

Con información de Vhils, HOCA, We Heart y Artsy.

Ladfest, el festival más importante de diseño en Latinoamérica

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Latinoamérica, fuente de inspiración para el diseño y las artes visuales

Perú se alistó para recibir al festival más importante de diseño en Latinoamérica: el Ladfest, que estará celebrando su tercera edición del nueve al 11 de febrero en Perú. El objetivo es crear redes entre diseñadores y artistas visuales a través de un encuentro creativo.

Para esta edición se llevarán a cabo por primera vez los LAD Awards, donde se premiará a lo mejor del diseño latinoamericano, y los 10 finalistas podrán exhibir su trabajo durante el festival así como formar parte del libro que se publicará sobre este evento.

El Teatro Municipal de Lima será la sede este encuentro, uno de los recintos con más historia en Latinoamérica. En los tres días que durará el festival habrá reconocidas personalidades del ámbito del diseño y las artes visuales como Grand Chamaco (México), Malika Favre (Francia), Lobo (Brasil), Mario Esquenazi (Argentina) o Elliot Tupac (Perú), entre otros.

Un design market, charlas, talleres, y workshops  serán parte del programa del festival; asimismo Mario Eskenazi, diseñador argentino, coordinará un taller de cinco horas, del que resultará la nueva identidad visual para los autobuses de Lima.

Elliot Tupac, Marina Flor, Javier Jaén, Atolón de Morora o Futura son algunos de los ponentes relacionados en los temas respecto a la tipografía en el arte urbano, ilustración en 3D y diseño editorial en la comunicación cultural.

El Ladfest rompe con las fronteras entre el diseño y el arte al exponer trabajos que plasman la vida cotidiana de manera creativa y estética.

 

Con información de Ladfest, La República (Perú), Crehana, Mercado Negro, y Publimetro (Perú).

Primer museo subacuático en Europa con esculturas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

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Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo.

México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo documenta el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies.

El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: “el infinito es una metáfora inventada por la humanidad”.

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La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

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Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

Jonathan LeVine Gallery regresa a Nueva Jersey: el lugar donde empezó todo

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La galería que rompe con lo convencional

Nueva York se despide de una de las galerías más emblemáticas del distrito de Chelsea. Luego de 12 años,  Jonathan LeVine Gallery regresa a sus orígenes: Nueva Jersey, el lugar donde su fundador Jonathan LeVine se influenció del graffiti, los tatuajes, cómics y el punk de la década de los 80 para retratar la cultura de una época donde las reglas comenzaban a romperse.

CBGB, Webster Hall, Max Fish y Maxwell’s fueron los clubes del rock y punk en  Nueva York y Nueva Jersey donde LeVine organizó sus  primeras exposiciones en 1994 y al mismo tiempo empezaba a trazar el inicio de una etapa artística experimental y multidisciplinaria.

 

En febrero de 2001, LeVine abrió su propia galería llamada Tin Man Alley en New Hope, Pennsylvania, pero fue hasta 2005 que la renombró para mudarse a Chelsea y sus exposiciones fueron temas de artículos y notas de medios culturales. Augustine Kofie, Seonna Hong, Joel Rea, Jeremy Gedder, Dylan Egon, son algunos de los artistas que han exhibido en Jonathan LeVine Gallery, un espacio que define sus exposiciones como la construcción de nuevos diálogos a través de la ruptura de lo convencional.

LeVine ha dado a conocer que Mana Contemporary, un destino artístico líder dedicado al proceso creativo en Nueva Jersey, será sede de muchos de sus proyectos, asimismo trabajarán en conjunto para desarrollar programas artísticos emergentes,mismos que ha declarado le  seguirá permitiendo   establecer relaciones con artistas y coleccionistas.

Bienvenidos a Nueva Jersey, es la primera exposición de Jonathan LeVineGallery en su nueva locación, que se inaugurará  el 18 de febrero. Contará con la participación de artistas como Shepard Fairey, Tara McPherson, Adam Wallacavage, AJ Fosik, Alessandro Gallo, Alexis Diaz,  Augustine Kofie, Camille Rose García, entre muchos más que colaboran en decirle “hola de nuevo”a Nueva Jersey.

 

 

Con información de Jonathan LeVine Gallery, artsy y Street Art NY

Sixe Paredes: el universo abstracto de la cultura

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El artista catalán inaugurará su primera exposición individual del año en Alice Gallery

“El artista urbano catalán más internacional”, así describe la prensa a Sixe Paredes, quien inició su carrera en la década de los 80 a través del graffiti y en los años 90 se convirtió en un artista multidisciplinario, ya que  por medio de la pintura, escultura e instalación exponía sus más grandes intereses, y que hasta la fecha son característicos de su trabajo: la naturaleza y lo místico y el vínculo entre el pasado y presente, temas que él define y engloba como “Futurismo Ancestral”: lo tradicional trasladado a una perspectiva artística contemporánea.

La obra de Sixe te sumerge en un universo abstracto colorido, en el cual los simbolismos y las formas geométricas, de acuerdo con el artista, crean circuitos que hacen “conectar al espectador con una realidad más profunda”.

En Barcelona es recordado por pintar el mural más grande de esa ciudad que hizo para el festival de arte urbano Open Walls Conference, el año pasado. Mil 200 metros cuadrados de puro color que pueden admirarse en el barrio El Guinardó. Y en Moscú también realizó uno de los murales más altos en un edificio de 16 pisos.

Mural en Barcelona

 

Mural Moscú

Sus pinturas y murales se han exhibido en el Museo Nacional Británico de Arte Moderno, y en 2008 fue uno de los únicos seis artistas del mundo que pintó la fachada del edificio especialmente para una muestra de street art.

Ha realizado diversos viajes por el continente americano y en Perú es donde vivió sus más importantes experiencias místicas, mismas que fueron punto de partida para encontrar el estilo que define su actual obra. Asimismo, durante esos recorridos estuvo en contacto con diferentes materiales, como la cerámica y el telar, que ahora incluye en sus trabajos.

Con exhibiciones e intervenciones por todo el mundo, Sixe inaugura el 19 de enero su primera muestra individual del año “El Espíritu de la Montaña”, en Alice Gallery (Bruselas, Bélgica), que estará abierta al público hasta el 17 de marzo y la cual es descrita por el artista como el resultado de la conjunción de los elementos de la montaña y la naturaleza. Una exposición que por medio de la pintura nos traslada a las tradiciones de la cultura antigua de Perú, pero que recalca un contundente mensaje: el pasado como parte del presente humano.

 

Con información de Sixe Paredes, Alice Galery, Open Walls Conference y El País

Brassaï, el fotógrafo que documentó el graffiti de los años 20

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El Centro Pompidou expuso fotografías del graffiti de los años 20

Si hablamos de París, es necesario (de verdad) hablar de Brassaï, un artista húngaro llamado “el fotógrafo de la noche”, quien ha sido reconocido por documentar a través de su lente el graffiti de la década de los 20, el cual era expresado con grabados en las paredes. Así es: el graffiti tiene historia y no empieza con aerosol.

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¿Cómo alcanzó Brassaï el punto más alto en su carrera? Llegó a París en 1924 para estudiar pintura y luego conoció al escritor estadounidense Henry Miller, e iniciaron caminatas nocturnas por las calles parisinas, donde descubrió los graffitis y empezó a fotografiarlos: animales y rostros que parecían ser personajes de películas de terror o de la mitología griega.

Muchas de sus imágenes por primera vez fueron exhibidas al público en el Centro Pompidou, uno de los museos de arte moderno más importante de Europa que se encuentra en París.

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¿Por qué esta exposición fueimportante? Uno, porque se fueron expuestos los orígenes de lo que hoy llamamos graffiti y dos, porque el Centro festejó su 40 aniversario y es calificado como uno de los espacios más revolucionarios de su tiempo: por su arquitectura y la apertura de temas artísticos que se han exhibido.

La exhibición de Brassaï estuvo abierta hasta el 30 de enero de esteño en la Galería Fotográfica del Centro.
Para este fotógrafo, el graffiti “es una piedra indestructible destinada a la eternidad”.

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Con información L´oiel de la photographie, Time Out y Arch Daily

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