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marzo 2017

Ya viene el festival BLOOP 2017, de los más importantes en España?

in Blog/Español/Festivales

Regresa a Ibiza el festival de arte proactivo

Desde hace seis años, Ibiza es un destino turístico y un espacio para la creación del arte.

BLOOP, el festival de arte proactivo nació en el 2011 con el tema “Seres del océano”, seis ediciones después, el proyecto se consolida como uno de los más importantes en España.

Con la idea de realizar un evento que vinculara al público en general, y no sólo a las personas que frecuentan galerías y museos, el festival llevado a cabo en Ibiza fue creado por el estudio creativo Biokip Labs.

Este proyecto se conforma de trabajos hechos en distintas modalidades: murales, arte digital, música, esculturas, instalaciones, fotografía, pintura, video instalaciones y eventos especiales.

Los artistas participantes en este festival son colaboradores internacionales, por ejemplo, en él han participado INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper, entre otros.

Cada año se busca crear arte en torno a una temática general: los temas de las ediciones pasadas fueron “Seres del océano” (2011); “Apariencia” (2012); “Control” (2013); “THE BEST. Arrogance” (2014); “Universos paralelos” (2015); y “Sin miedo” (2016). Todos ellos buscan crear un momento de reflexión en los asistentes.

La edición 2017 se hará del 23 de agosto al 16 de septiembre. Atentos ?

Casa Prada llevará cine experimental a Italia

in Blog/Español/Exhibiciones

Después de 50 años New American Cinema regresa a Turín  

En mayo de 1967, Jonas Mekas junto con el New American Cinema Group (NACG) y la Unione Culturale di Torino comenzaron un movimiento de cine con un enfoque “anti narrativo” que buscaba separarse de la estructura hollywoodense típica: el New American Cinema, una exposición que causó revuelo y que la reconocida firma italiana de moda Prada volverá a llevar a la ciudad europea 50 años después.

Eran finales de los 60 y un grupo de 23 productores independientes se encargaron de presentar una serie de filmes cortos que poco tenían que ver con las estructuras narrativas cotidianas, y que desafiaban incluso el costo de las producciones, pues se realizaban con bajo costo.

Luego de un trabajo de investigación  y un proceso de digitalización, la Fundación Prada de la casa de modas italiana presentará del 1 al 30 de abril, 30 películas de las 63 originales que se realizaron durante la primera presentación. En concordancia con el programa del 67, la apertura del proyecto será el filme de Mekas, The Brig.

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Como parte de un proyecto que busca retomar la importancia de la influencia que causó, de la misma forma que durante la presentación del trabajo de NACG,  Casa Prada realizará una serie de debates y además exhibirá “Quaderno”, una recopilación de artículos y escritos inéditos donde se presentan transcripciones completas de los debates hechos en 1967.

De acuerdo con Mekas, el movimiento estaba orientado a fomentar “el aspecto poético de la autoexpresión” y con ello se lograba el desarrollo del lenguaje y la sintaxis.

La muestra corrió a cargo de Germano Celant, el crítico e historiador de arte quien acuñó el término de arte povera en 1967 para describir un movimiento artístico italiano en el que los materiales utilizados son desechos sustraídos de la naturaleza como hojas, madera y piedras.

 

Con información de: Casa Prada, arte.it,El Universal

Arte efímero: graffiti hecho con agua y luz

in Blog/Español

Waterlight Graffiti realizó instalación en un muro de 16 metros

La plaza mayor de Madrid celebró su cuarto aniversario con un muro de 16 metros de longitud creado por LEDs activados cuando son tocados por agua, todo esto llevado a cabo por el programa “Cuatro Estaciones” del Ayuntamiento de Madrid.

Waterlight Graffiti es un proyecto creado por el artista francés Antonin Fourneau, interesado siempre en temas de la cultura electrónica y popular, y Art2m, una empresa que realiza y apoya producciones de arte y nuevas tecnologías.

Waterlight Graffiti es especializado en este tipo de instalaciones, lo que busca es un nuevo tipo de material reactivo para dibujar o escribir mensajes efímeros hechos de luz.

El desarrollo de Waterlight Graffiti fue realizado en una residencia de Antonin Fourneau en Digitalarti Artlab, desde entonces, este proyecto ha estado en ciudades como Taiwán, Shenzhen, Dallas y en La Habana.

Entre más húmedo sea el trazo, más brillante se proyectará en los LEDs. El agua entra en contacto con los bordes del LED, esto hace que la corriente eléctrica sea conducida, para así crear un puente que permita el paso de la corriente a través del circuito, lo cual ilumina al LED bajo la superficie de los paneles.

Este muro crea una convergencia entre la arquitectura, el arte y las nuevas tecnologías; además, logra un acercamiento de la gente con las expresiones artísticas urbanas.

Las 10 mejores artistas del street art 2017

in Blog/Español

Tatuajes, murales y pinturas convergen en este ranking femenino

Puesto que continuamos en el mes de la mujer, ALL CITY CANVAS te trae a las 10 mujeres en el street art alrededor del mundo.

1.- Indie 184

Nacida en Nueva York en 1980, Indie 184 estuvo influenciada desde sus inicios en el grafitti por el expresionismo abstracto y el arte pop. Estos dos estilos crearon una mezcla en su arte que resalta a la vista: tonos muy vivos que se contraponen con retratos en escalas de grises, trazos gruesos con pintura cayendo y las típicas letras abombadas que se encuentran en las calles de cualquier ciudad.

Gracias a su fama, se creó un cómic con ella como personaje principal: Indie 184 Destroys, además de contar su propia marcar de ropa de street art  Kweenz Destroy.

Su obra ha sido exhibida en galerías, museos como el Museo del Barrio en Nueva York y Völklingen Ironworks Museum, en Saarbrücken, Alemania, Paris, entre otros. 

Página: http://www.indie184.com/

IG: @indie184

2.- Hyuro

Sus obras representan las figuras humanas, en su mayoría femeninas, en las cuales refleja ciertas acciones cotidianas de la sociedad que pretenden ser una crítica hacia la misma, los cuales reflejan nostalgia y miedo hacie el porvenir de la gente.

Esta artista de origen argentino se caracteriza por su arte en blanco y negro, el cual se puede ver en diferentes partes del mundo, como Italia, España y Noruega; además de haber realizado algunas exposiciones en galerías de arte contemporáneo.

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IG: @h_y_u_r_o

3.- Faith47

Desde Sudáfrica para el mundo, con su obra, Faith47 quiere representar el examen que ha hecho del lugar de la sociedad en el mundo, a través de sus diferentes experiencias.

Esta artista rescata lugares que un ojo normal no puede ver más que como escombros, pues con sus diferentes técnicas, las cuales incluyen pintura, proyecciones, instalaciones, grabados y dibujos, logra otorgar virtuosidad a estos lugares y objetos olvidados.

Desde los 19 años comenzó su carrera artística, la cual la ha llevado a exhibir su arte en muchos países del mundo como: Suecia, Reino Unid, Francia, Túnez, Estados Unidos, Australia, España, Italia, Sudáfrica, Austria, Suiza y Alemania.

Página: https://faith47.com/

IG: @faith47

4.- Christina Angelica

Artista urbana nacida en Venice, California, plasma en sus murales figuras femeninas con diferentes tonos, los cuales van desde una monocromía en azul, hasta colores más vivos. Estos retratos realizados con una técnica realista, resaltan los rasgos faciales del personaje retratado en sus murales, puesto que no quiso quedar restringida al pequeño espacio en una galería. Además, en ellos refleja la inspiración que le causó el lugar donde se plasmó.

Alemania, Estados Unidos y Brasil, son algunos de los países que albergan su arte urbano. Esta fama le ha traído varios clientes reconocidos, como: Nike, Nylon Magazine, Microsoft, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, CAA, Heineken, Neiman Marcus y Christian Louboutin.

Página: https://www.christinaangelina.com/

IG: @starfightera

5.- Kashink

Las obras e instalaciones de Kashink siempre reflejan un rostro masculino, gordo y peludo, el cual lo representa de diferentes maneras. Estos son decorados con colores vivos, los cuales hacen resaltar su estilo abstracto y surrealista, además de estar creados con líneas gruesas que hacen enfatizar el interior del retrato. La artista  se ha inspirado en sus obras a través de los trabajos de Gilbert y George, Keith Haring, Frida Kahlo y Charles Burns.

Algo que la caracteriza a la hora de realizar su arte, es que durante el proceso creativo se dibuja un bigote.

Londres, Viena, Ibiza, Bristol, Madrid, Berlín y París, son ciudades que han visto a esta artista francesa realizar y dejar para la posteridad su arte urbano.

Página: http://www.kashink.com/

IG: @kashink1

6.- Bastardilla

Artista colombiana que se mantiene en el anonimato. Su obra artística es una crítica hacia la sociedad latinoamericana sobre la violencia, los abusos; con un tinte feminista, defiende todo los derechos de las mujeres y por medio de su obra, denuncia la violencia de género.

“Como mujer, he tenido que luchar contra este tipo de realidades, contra el hecho de que la gente quiere asaltarme, que no soy tomada en consideración por muchas cosas. Y he tenido que luchar contra un mundo que todavía se está volviendo principalmente alrededor de los hombres”, mencionó la artista en una de las pocas entrevistas que ha realizado.

Página: http://www.bastardilla.org/

IG: #bastardilla

7.- Eva Bracamontes

Artista mexicana que representa la figura femenina en sus obras urbanas con una conjugación de sus conocimientos como ilustradora y graffitera.

Eva Bracamontes crea un estilo de caricatura en sus obras, donde líneas muy gruesas y colores vivos para los rasgos de las mujeres retratadas resaltan. En sus murales, quiere enaltecer su contexto veracruzano a través de lo ancestral y cultural con la pintura.

Página: https://www.facebook.com/eva.bracamontes

IG: @evabracamontes01

8.- Pum Pum

Artista urbana proveniente de Coghlan, Argentina, mantiene el anonimato, tanto de su nombre como de su rostro. Desde su formación en diseño adoptó el pseudónimo de Pum Pum para hacer referencia a ese personaje único y muy colorido que realiza obras de arte urbano.

Comenzó con los graffiteros de la vieja escuela a plasmar sus dibujos, pero luego adoptó otro material para expresarse: pintura látex. A partir de esta elección, más la fusión que tiene Pum Pum de personajes animados como Hello Kitty, crea representaciones con colores vivos y claros encerrados en un contorno muy fino que se encuentran caracterizados por cabezas muy grandes en comparación con su cuerpo.

Actualmente forma parte de los artistas que conforman la galería UNIÓN.

Página: http://www.pum-pum.com.ar/

IG: @holapumpum

9.- Meg McNiel

Es una tatuadora en Phoenix, Arizona, la cual se encuentra encerrada en un pequeño cubículo de metal donde crea su arte a través de la máquina y la tinta. Esta artista se caracteriza por usar colores oscuros, muy pesados, que muchos otros tatuadores no se atreven.

Este estilo único la ha llevado a participar y ganar en algunos concursos de tatuajes, como el Festival Ink-N-Iron en el Queen Mary en Long Beach y la Arizona Tattoo Expo.

Página: https://www.facebook.com/pg/megmcniel/about/?ref=page_internal

IG: @megmcniel

10.- Tamara Alves

Nacida en Portugal, y con residencia en Lisboa, Tamara Alves genera su arte desde diferentes técnicas: de la pintura hasta los tatuajes.

La figura humana y los animales salvajes son representados por ella. Con obras tanto en blanco y negro, como a color, la mayoría de ellas tiene algo que las distingue: ojos sin iris ni pupila. Esta falta de expresión con los ojos genera un sentimiento de incomodidad y profundidad a la hora de ser vistos.

En su obra quiere representar cuerpos sin nada, sin órganos pero con las sensaciones animales a flor de piel. Esta conversión erótica del ser hace de sus obras una muestra de arte urbano espectacular.

Página: http://www.tamaraalves.com/

IG: @tamara_aalves

Top 10: Most Influential Women in Urban Contemporary Art 2017

in Blog/English

Tattoos, murals and paintings come together in this feminine ranking

Text by Victor Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Since March is Women’s History Month, All City Canvas was given the task of creating this ranking that brings you the top 10 women in street art around the world.

1.-Indie 184

Born in New York in 1980. Since the beginning Indie 184 has been influenced in graffiti especially by Abstract Expressionism and Pop Art. These two styles created a blend of art that stands out from her eye: very vivid tones that contrast with gray scale portraits, thick lines with dripping paint and the typical domed letters found on the streets of any city.

In addition to her own line of street wear Kweez Destroys, thanks to her fame, a comic was created with her as main character: Indie 184 Destroys.

Her work has been exhibited not only in the streets, but galleries and museums such as, El Museo del Barrio in New York and Völklingen Ironworks Museum, in Saarbrücken, Germany, to mention a few.

 Website: http://www.indie184.com/

IG: @indie184 

2.-Hyuro

Her work represents human figures, mostly female, reflecting everyday actions in society that seeks to be a criticism of it; a reflection of nostalgia and fear for the people’s future.

This Argentine artist is characterized by her black and white art, which can be seen in different parts of the world, such as Italy, Spain and Norway; she has also exhibited her work in contemporary art galleries.

 

Website: http://www.hyuro.es/

IG: @h_y_u_r_o 

3.-Faith47

From South Africa to the world. Through her work and her different experiences, Faith47 wants to represent the examination she has made of society’s place in the world.

She rescues places that a normal eye can only see as debris, because with its different techniques, which include painting, projections, installations, engravings and drawings, she manages to grant visibility to these forgotten places and objects.

She began her artistic career at the age of 19, which has led her to exhibit her art in many countries such as Sweden, United Kingdom, France, Tunisia, United States, Australia, Spain, Italy, South Africa, Austria, Switzerland and Germany.

Website: https://faith47.com/

IG: @faith47 

  4. Christina Angelica
Born in Venice, California, she depicts female figures with different shades in her murals, ranging from a monochrome in blue to more vivid colors.

Since she did not want to be restricted to the gallery space, these portraits with a realistic technique, highlight the facial features of the character portrayed in her murals. Through them, she reflects the inspiration the place exudes.

Germany, the US and Brazil are some of the countries that house her urban art. Nike, Nylon Magazine, Microsoft, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, CAA, Heineken, Neiman Marcus and Christian Louboutin are some of the brands that have elevated her fame.

Página: https://www.christinaangelina.com/

IG: @starfightera 

5.-Kashink

The works and installations of Kashink always reflect a masculine face, fat and hairy, represented in different ways. These are decorated with vivid colors, which highlight their abstract and surreal style, as well as being created with thick lines that highlight the interior of the portrait.

This artist is inspired by Gilbert and George, Keith Haring, Frida Kahlo and Charles Burns.

Something that characterizes her at the time of creating art is that during the creative process she draws a mustache on her face.

London, Vienna, Ibiza, Bristol, Madrid, Berlin and Paris are some of the cities that have seen this French artist make and leave posterity for her urban art.

Página: http://www.kashink.com/

IG: kashink1

6.-Bastardilla

This urban artist of Colombian origin remains anonymous because she doesn’t want to be like others; she does not want to exalt her image in a world where everyone wants to be famous.

Her artistic work is a criticism of Latin American society, a subcontinent that does not let people rest from violence and abuses. With a feminist tinge, she defends all the rights of women and tries to raise awareness of the mistreatment they suffer.

With thick lines and matte colors within the contours she creates, she creates a light sensation for those who observe her pieces. She also achieves scenes where women are the main focus.

“As a woman, I have had to fight against these kinds of realities, against the fact that people want to assault me, that I am not taken into account for many things, and I have had to fight against a world that still revolves around men,” says the artist in one of the few interviews she has given.

Página: http://www.bastardilla.org/

IG: #bastardilla

7.-Eva Bracamontes

Mexican artist that represents the feminine figure in her urban pieces, mixing her knowledge as an illustrator and a great handling of the spray can. With a caricaturesque style, Bracamontes creates her artworks by highlighting thick and colorful lines to emphasize the traits of the women she portrays.

In her murals, she wants to enhance her Mexican context through ancestral and cultural techniques. Through her work, she seeks to make people pay attention to the details that she creates thanks to her perfectionism.

Página: https://www.facebook.com/eva.bracamontes

IG: @evabracamontes01 

8.-Pum Pum

An urban artist from Coghlan, Argentina, she maintains the anonymity of both her name and face. From her background in design, she adopted the pseudonym Pum Pum to refer to that unique and very colorful character that creates urban artwork.

She started creating with old school graffiti artists, but then adopted another material to express herself: latex paint. With this material and Pum Pum’s fusion of animated characters like Hello Kitty, she creates representations with bright and clear colors enclosed in a very fine contour that are characterized by very large heads in comparison with their bodies.

She is currently one of the artists that make up the gallery UNIÓN in Buenos Aires.

Página: http://www.pum-pum.com.ar/

IG: @holapumpum 

9.-Meg McNiel

She is a tattoo artist in Phoenix, Arizona, who is locked in a small metal cubicle where she creates her art with a machine and ink.

McNiel’s work is characterized by using dark, very heavy colors that other tattoo artists don’t dare to expriment with.

This unique style has led her to participate and win a few tattoo contests, like the Ink-N-Iron Festival at the Queen Mary in Long Beach and the Arizona Tattoo Expo.

Página: https://www.facebook.com/pg/megmcniel/about/?ref=page_internal

IG: @megmcniel 

10.-Tamara Alves

Born in Portugal and living in Lisbon, Tamara Alves creates her art from different techniques, ranging from paintings to tattoos.

She represents human figures and wild animals with artwork in black and white as well as in color. Most of them have something that distinguishes them: eyes without an iris or pupils, for example. This lack of expression with the eyes generates a feeling of discomfort and depth at the time of being seen.

In her work she wants to depict empty bodies, without organs but with animal sensations running high. This erotic conversion of being makes her artwork an exhibition of spectacular urban art.

Página: http://www.tamaraalves.com/

IG: @tamara_aalves 

 

 

 

 

 

Los mejores murales de HK Walls, el festival de street art en China

in Español/Exhibiciones

Artistas realizan murales en Hong Kong

HK Walls es un festival de street art que nace en el 2014 de la mano de Jason Dembski, Stan Wu y Maria Wong. El objetivo del proyecto es crear comunidad artística a través de una serie de murales, basados en la idea de las pintas clandestinas nacidas en Alemania de los años 90.

Del 18 al 26 de marzo, artistas provenientes de Tailandia, Hong Kong, Indonesia, Italia, Reino Unido y Estados Unidos, presentaron su trabajo en la ciudad de Wong Chuk Hang.

En ALL CITY CANVAS seleccionamos para ti los cinco mejores murales de la cuarta edición de HK Walls:

1. Sin título – Pixel Pancho

El artista italiano nacido en Turín, y quien trabaja el tema de los robots y la manera en que los seres humanos nos aferramos a nuestros deseos, realizó un mural que explora el tema de la migración.

Pixel Pancho inscribe al final de una fotografía hecha sobre su mural la frase “La única guerra que la humanidad puede cuidar es la guerra contra su propia extinción’, recuerden “¡TODOS SOMOS INMIGRANTES!”.

2. Midnight in a perfect world– SNIK

El dueto oriundo del Reino Unido es uno de los conjuntos especializados en el esténcil más destacados a nivel internacional. Su propuesta fue llevada este año al festival de Hong Kong y resultó ser una de las más interesantes.

 

3. Umbrellas – Zoerism

Del diseño de fanzines al uso del aerosol como herramienta para crear obras que representan un vaivén de significados políticos, sociales y culturales; el mural que Zoerism creó para la cuarta edición de HK Walls, impacta por su tamaño, composición y el uso de la percepción 3D.

4. Hunting Man Hunting Hunting Dream Hunting Success Hunt to get what we need for pleasure– JECKS

Colores cálidos, personajes desproporcionados y expresivos. Un trabajo entre el realismo y la caricatura es lo que podría definir las pintas de JECKS. El artista creó un mural que sin duda es merecedor de un lugar en cualquier ranking.

5. Sin título- Spok Brillor

El trabajo de Spok Brillor resulta casi indefinible. El artista español trabaja pintas que resultan un acercamiento a la mitología, el muralismo tradicional y el graffiti convencional. El proyecto que creó exclusivamente para HK Walls, además de impresionante por su magnitud, resulta una marca inconfundible del artista.

 

  Con información de: HK walls, Brooklyn streetart, Widewalls, SNIK,  Zoerism,  Bizarre beyond belief Magazine. 

 

2Alas y Don Rimix crearon murales para una primaria en Querétaro

in Blog/Español

Mejorar entorno urbano a través de los murales

Fotografías: Cortesía

Andrew Antonaccio (2Alas) y Don Rimx le dieron color con espectaculares murales a la escuela primaria “Melchor Ocampo”, ubicada en Jurica, Querétaro-México.

2Alas utilizó su particular estilo monocromático para representar escenas cotidianas que le recuerden a la comunidad su estilo de vida y convivencia. Para este proyecto, el dúo artístico eligió retratar la escena de niños jugando futbol.

Don Rimx reinterpretó la imagen de Texcatlipoca, dios azteca del cielo y de la tierra. El mural fue una mezcla de madera y ladrillos, en el cual le agregó un collar de Elleggua, deidad de la tribu Yoruba, del oeste de África.

Este fue el inicio de la creación de murales que tendrá todo el año el pueblo de Jurica, donde varios artistas nacionales e internacionales desarrollarán diversas obras para mejorar el entorno urbano.

Gracias a estas expresiones artísticas, se pretende generar un vínculo de trabajo con los jóvenes. Este proyecto es desarrollado por la Galería Balneario, espacio para la democratización del arte en todas sus interpretaciones, ubicada en Querétaro  y la Kolping México AC.

El festival Paradox presentará 22 obras de Banksy

in Blog/Español/Festivales

El festival Paradox presentará obras de artistas contemporáneos internacionales

La edición 2017 del festival Paradox ya comenzó y con ello, los visitantes al proyecto en Tauranga, Nueva Zelanda, tendrán la oportunidad de conocer el trabajo del artista británico Banksy.

Serán 22 trabajos de Banksy que se exhibirán, de los cuales está incluida su obra reconocida Pink Cooper , creada para una exposición en Palestina en el 2007.


Many of Banksy's works feature a jarring juxtaposition of imagery.

Much discussion was had by gallery-goers about the meaning of Banksy's works.

Steph Clark and Finlay Thompson, from Scotland, were thrilled to find the street art exhibition had taken over the ...

Y aunque Banksy es el artista principal de esta edición del festival, el proyecto encabezado por la productora de eventos y festivales de street art Oi YOU!, en colaboración con Tauranga Art Gallery también se exhibirán los trabajos de artistas internacionales, y con ello buscan posicionar a la ciudad como un referente del arte urbano.

Entre los artistas que se presentan en la edición 2017 en Paradox están la artista británica Lucy McLauchlan, quien ha trabajado en Japón, Italia, China, y Nueva York, su trabajo está enfocado en temas de la naturaleza; el reconocido australiano Fintan Magee; el neozelandés Jacob Yikes, entre otros.

Paradox es un festival de 12 semanas que busca impulsar el turismo en la ciudad de Tauranga y posicionarla como un referente en el mundo del street art. La colaboración con Oi YOU! también presentará una propuesta de la colección de la productora de festivales, curada exclusivamente para el programa.

Con información de: Paradox Fesfival,  Sunlive,  Lucy McLauchlan,  Fintan Magee,  Jacob Yikes

El diseño en California: acercamientos a la contracultura

in Blog/Español/Exhibiciones

Museo del Diseño en Londres tendrá muestra sobre diseño de los años 60 

California ha sido un referente en la historia de la contracultura. La ciudad estadounidense es sin duda uno de los lugares pioneros para el desarrollo de movimientos que desafían los sistemas estructurales, es por ello que el Museo del Diseño en Londres presentará la muestra Designed in California, una exposición que destaca el valor del diseño en todas las manifestaciones de contracultura hechas en los años 60.

La muestra está compuesta por 200 piezas distribuidas en cinco ejes temáticos: “Ve dónde tú quieras: Herramientas de movimiento y escape”; “Mira lo que quieres ver: Herramientas de percepción y fantasía”; “Di lo que tú quieras decir: Herramientas de autoexpresión y rebeldía”; “Haz lo que tú quieras: Herramientas de producción y autosuficiencia”; y “Únete con quien más te plazca: Herramientas de colaboración y comunidad”. La inauguración será el 25 de mayo y estará abierta hasta octubre de 2017.

Los objetos presentados en esta exposición serán los carteles políticos, la aparición de dispositivos tecnológicos como el GPS, el uso del LSD, o ilustraciones de películas, las cuales en conjunto, caracterizan a California como un lugar donde se desarrolló la contracultura.


Pero como la contracultura no tiene que ver únicamente con un sentido opuesto a los sistemas establecidos, sino también a nuevas propuestas de orden, en esta exhibición estarán presentes proyectos que fueron importantes en la época: por ejemplo, la cúpula geodésica de Richard Buckminster Fuller, arquitecto que buscaba mejorar las condiciones de vida de las personas, a través de estructuras fáciles y económicas de realizar.

El Museo del Diseño busca con esta muestra, presentar a California como pionera en la creación de herramientas y canales que culminaron en las búsquedas hacia la libertad.

 

Con información de: Museo del Diseño de Londres,  ARCHITECTURAL DIGEST  y gráffica.

Esculturas de líderes políticos, la atracción de Art Basel

in Blog/Español

Esta feria de arte en Hong Kong exhibió increíbles piezas artísticas

Art Basel es una feria de arte contemporáneo que abrió sus puertas del 23 al 25 de marzo de 2017 en el centro de convenciones y exhibiciones de Hong Kong se exhibieron extraordinarias obras  de artistas y galerías de diferentes partes del mundo.

Esta quinta edición, contó con la presencia de aaajiao, Kader Attia, David Batchelor, Sandra Cinto, David Adamo, entre muchos otros más; también tuvo una confluencia de 242 galerías de 34 países.

Una de las obras que más llamó la atención fue un Fidel Castro “momificado”. Con una técnica que logró un realismo impecable, Shen Shaomin revivió con su arte a cinco personajes contando a Castro: Lenin, Mao Tse Tung, Kim Il Sun, Ho Chi Minh.

Pinturas, instalaciones, revistas, videos y murales convergieron en esta gran feria en China. Todas estas expresiones artísticas hacen que la gente se acerquen a las diversas expresiones artísticas, y logra que Hong Kong se convierta en una importante ciudad de arte.

Arquitecto remodela una de las bibliotecas más impresionantes del mundo

in Blog/Español

La sede de la Biblioteca Nacional de Francia en Louvois estuvo seis años en remodelación

Fue en el siglo XVIII que el arquitecto Henri Labrouste iniciaba lo que se convertiría en uno de los recintos más bellos de Francia (y el mundo): la creación de la Biblioteca Nacional de Richelieu en Louvois, París. Unos cuantos siglos después,  el proyecto ha crecido para ampliar su oferta al público.

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La Biblioteca Nacional de Francia tiene dos recintos  que albergan sus colecciones más importantes, el François Mitterrand y Richelieu, la cual cuenta con el acervo de obras especializadas en artes del espectáculo, manuscritos,  arquitectura, planos y monedas, medallas y antiguos.

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Con un estilo que combina la arquitectura clásica y el diseño contemporáneo, el espacio de lectura e investigación se ha adaptado a las necesidades de la actualidad sin dejar de lado su esencia tradicional que la ha convertido en uno de los recintos arquitectónicos más impresionantes del mundo.

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El arquitecto seleccionado para hacer las modificaciones fue Jean-François Lagneau, de la agencia Bruno Gaudin y quien ha comentado que los aspectos primordiales para dicha intervención fueron el cuidado de la luz y la comodidad de los usuarios.

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Aunque las modificaciones  hechas por el Ministerio de Cultura en este espacio están contempladas hasta el 2020, sus puertas fueron abiertas el 1 de marzo, luego de seis años de adaptaciones estructurales y de diseño.

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Con información de: BNF, Traveler e Ignant

Mural del club techno Berghain será destruido; los pedazos se venderán

in Blog/Español

El club de techno en Berghain se queda sin entrada

Berghain, el club de techno más importante en el mundo, ubicado en Berlín, ha removido el mural que se encontraba en la entrada del lugar y pondrá a la venta las piezas que lo conformaban.

Fue en el 2004 que la artista Inga Busch inaugurara con un performance el exclusivo club que se convertiría en el lugar ideal para divertirse de extranjeros y artistas famosos como Lady Gaga. Ese mismo día se develó Rituals of Disappearance, mural de Piotr Nathan que acompañó al club hasta principios de marzo.

El mural en blanco y negro, es un paisaje en el que se exponía a través de 171 placas de aluminio un paisaje que destaca los cuatro elementos de la naturaleza; además su ubicación estaba justo en la entrada del club

Piotr Nathan, es un artista nacido en Polonia, quien basa su trabajo en la creación de instalaciones, pintura, murales; y ha comentado  que las piezas serán vendidas en un sitio exclusivo, dirigido por él y el club. “Mi deseo es que los paneles encuentren su lugar en casas de invitados que hayan celebrado en el club”. La exclusividad continúa incluso en el proceso de compra, las piezas serán vendidas en 500 euros cada una.

La medida forma parte de la reconstrucción que harán de la entrada del club y la adhesión de un nuevo piso dedicado a la música experimental, llamado Söulle.

Tradición italiana en un mural de Zosen Bandido y Mina Hamada

in Blog/Español

Artistas pintan mural basado en la tradición de la Segavecchia

Es 1451, una anciana es quemada a mitad de la plaza de Cotignola, ¿la razón?, fue descubierta perforando una imagen que asimilaba la figura de Francesco Sforza, duque de Milán; la gente comentó que estaba haciendo brujería. Unos cuantos siglos después, la historia se tornó en una festividad conocida como “La Segavecchia”, conformado por eventos de gastronomía, música, arte y el espectáculo de la interpretación del sacrificio.

Zosen Bandido y Mina Hamada con máscaras tradicionales de la festividad la Segavecchia.

En la Segavecchia, los murales forman una parte primordial de la celebración, es por ello que los artistas Zosen Bandido y Mina Hamada, quienes han trabajado juntos desde el 2012, fueron colaboradores importantes de esta edición.

Fotografía: Alessandro Carnevali

Los alumnos de la escuela Don Stefano Casadio fueron los encargados de contar en español, la historia de la vieja hechicera a los dos artistas urbanos, quienes a través de eso y el contacto con los habitantes, así como con las máscaras hechas para la festividad, realizaron un trabajo que aunque resulta de una tradición propia de los italianos, no pierde el estilo colorido de la dupla.

Fotografía: Daniele Casadio
Fotografìa: Daniele Casadio

Zosen Bandido es un artista de origen argentino quien ha trabajado en el graffiti desde los 11 años. Su estilo se basa en el uso de colores neón y figuras geométricas, con los cuales crea personajes fantásticos.

Mina Hamada estudió diseño en Tokio. Sus obras que van desde la pintura, el dibujo, el mural hasta la instalación, juegan con el uso del color y las formas abstractas. Hamada trata de reflejar en los trabajos que realiza, su background cultural, que involucra experiencias de oriente y occidente.

Fotografía: Alessandro Carnevali

La obra de Zosen y Mina Hamada formó parte del proyecto “Dal museo al paessagio” , colaboración con el Museo Luigi Varoli, el instituto Don Stefano Casadio y la Asociación Indastria di Ravenna, el cual tiene como objetivo contar la historia del país europeo a través de murales, creando obras de arte al aire libre.

 

Con información de: Mina Hamada, Zosen Bandido, Comune di Cotignola y Romagna D’Este.

UNESCO premia a los mejores artistas árabes ?

in Blog/Español

Artistas son premiados por su labor en la promoción de la cultura árabe

La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) presentó a los nuevos galardonados con el premio UNESCO-Sharjah, enfocado en la promoción de la cultura árabe: Bahia Shehab y Fawzy Kalife, mejor conocido como El-Seed.

El premio fue anunciado por Abdullah Al Owais, jefe del Departamento de Cultura e Información de los Emiratos Árabes Unidos de Sharjah y será dado a los ganadores en abril.

Bahia Shehab es una artista, historiadora del arte y diseñadora gráfica egipcia, quien en 2010 su nombre fue replicado en medios internacionales cuando intervinó paredes de su ciudad con la campaña Mil veces no, durante el movimiento de la Primavera Árabe. Recopiló miles de símbolos de la escritura árabe que “juegan” con la palabra “no” para representar las múltiples facetas de opresión en las que han sido testigos los egipcios. Su trabajo se enfoca en el graffiti y el estudio de la caligrafía.

El-Seed es un artista franco-tunecino que ha basado sus investigaciones en la historia del arte en París, donde pasó su infancia, así como la caligrafía árabe. El año pasado el artista realizó una serie de pintas en 50 edificios ubicados en Jabal Al-Moqattam, y que si son vistos desde una parte específica de la ciudad, conforman una única frase, tomada de patriarca Athanasius “Cualquiera que quiera mirar la luz del sol, claramente debe limpiar sus ojos primero”.

Esta es la edición número 14 de un premio que surgió en 1998 como parte de un proyecto que busca promover un diálogo cultural y la revitalización de la cultura árabe

 

Con información de ahram online,  El- Seed y El Español

Artista filipino crea obras de arte con rayos solares ?

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Jordan Mang-osan plasma paisajes y retratos en sus pirograbados

El artista filipino Jordan Mang-osan crea obras de arte en madera con sólo una lupa y los rayos solares.

Los pirograbados están basados en la cultura Ignot, grupo étnico donde Mang-osan creció. En ellos plasma paisajes montañosos, bosques o retratos.

Mang-osan descubrió su vocación artística a los 19 años, momento desde el cual mantiene muy arraigadas sus tradiciones, al grado que utiliza materiales indígenas o rústicos, dependiendo el fin de su obra.

En las tablas de madera que utiliza dibuja un boceto, el cual comienza a quemar al proyectar los rayos solares a través de una lupa. Pareciera un técnica sencilla, pero conlleva un arduo trabajo y gran precisión.

Información de: My Modern Met y Cultura Colectiva

Hiperrealismo mexicano en galería de Alemania

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Galería exhibe muestra de dos mexicanos hiperrealistas

Se dice que la confrontación de generaciones resultan siempre en conflicto; sin embargo, el trabajo de la galería Benjamin Eck en Múnich, Alemania, ha comprobado que ello no siempre es cierto y que por el contrario, podría resultar un espacio de intercambio y aprendizaje. Así, lo ha demostrado su nueva muestra New Mexican Psychorealism, la cual exhibe obras de los reconocidos artistas Víctor Rodríguez y Alfredo Chamal.

La exposición, además de presentar el estilo artístico de dos personajes destacados en el estilo hiperrealista, explora lo que el animador estadounidense Chris Landreth definió como “psicorrealismo”: el punto medio entre el arte y la animación.

Víctor Rodríguez, el artista que no estudió para serlo, que considera la etiqueta de “hiperrealista”en su trabajo como un engaño; ha trabajado la mayor parte de su obra en Brooklyn, dentro de un estudio al que denomina “cueva asquerosa”. Es considerado uno de los más importantes en la actualidad por este estilo que se caracteriza por un parecido casi fotográfico pero que conserva las técnicas tradicionales de la pintura. Basa la mayoría de su trabajo en la exploración por la preservación de la memoria.

Una pluma es lo único que Alfredo Chamal necesita para hacer obras que se resultan en imágenes increíblemente parecidas a sus objetos de representación. El mexicano de 23 años estudió Diseño Gráfico y Artes Visuales y su trabajo es basado principalmente en el retrato, “fotorrealismo”. Además, se interesa por un análisis de lo que significa la “femineidad” , aspectos que explora también en su propia persona.

De esta forma, la galería Benjamin Eck sigue conservando su proyecto de presentar de forma simultánea, artistas emergentes y personajes consolidados dentro del mundo artístico, para lo cual se enfoca en creadores internacionales.

La muestra estará abierta en la galería ubicada en el centro de Múnich, hasta el próximo 19 de abril.

 

Con información de: Wide Walls, El Financiero,  arte feed,  Carruaje de pájaros y  Benjamin Eck Gallery .

Días Fantasma,la exhibición con los mejores artistas nacionales e internacionales

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La exhibición reúne a más de 50 artistas nacionales e internacionales

Fotos de Gabriel Rendón

Días Fantasma es la exposición con la que se inaugura el centro cultural Panteón, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México: un espacio que promueve la unión y trascendencia a través del arte y la cultura. En la exhibición se reúnen obras de los mejores artistas nacionales e internacionales.

Durante el 2017 artistas como Fusca, Apolo Cacho, Raudiel Sañudo, Daniel Coca, Revost estarán participando con exposiciones en Panteón.

Ciler es un artista que expone sus obras en Días Fantasma.

Días fantasma es una plataforma cultural que se originó a partir de una publicación gratuita en formato fanzine, creada para difundir obras de artistas mexicanos e internacionales contemporáneos que influyen en la escena cultural de la Ciudad de México, y este 18 de febrero inauguró su primera exposición, cuyo nombre es el mismo de su publicación.

La intención de la exposición es celebrar la comunidad que se ha creado alrededor de este fanzine, por lo que muchos de los que han colaborado están incluidos en ella.

Fotos cortesía de Panteón

La exposición Días Fantasma estará disponible hasta el 12 de abril.

Instagram: @diasfantasma

Twitter: @diasfantasma

Enciclopedia de 54 volúmenes englobará cultura africana

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La ghanesa Nana Oforiatta-Ayim será la encargada de encabezar el proyecto

Nana Oforiatta-Ayim, escritora e historiadora del arte de origen Ghanés, comenzó a escribir una enciclopedia de 54 volúmenes que narra la historia del arte y la cultura del continente africano.

Dejó de lado los tópicos en aquel entonces, como ciencia y tecnología, y comenzó a buscar tesis que eran interesantes para la concepción de este gran proyecto.

Cultural Enciclopedy Project es el nombre que tomó Oforiatta-Ayim para darle vida a su trabajo, el cual se presentará en una plataforma de internet de código abierto.

El primero de los 54 tomos se centrará en el arte, la literatura, la música y la cultura de Ghana. Cada volumen se planea terminar en un periodo de dos años.

Esta enciclopedia juntó a un grupo de músicos, cineastas, fotógrafos y escritores ghaneses ayudarán a editar y darle forma a este primer volumen. Todo el proyecto recibió un apoyo económico por parte del Museo del Condado de Los Ángeles.

Esta enciclopedia servirá para desarrollar y expandir la cultura africana, tanto dentro del mismo continente como fuera de él, para así poder cambiar algunas percepciones que se tienen.

Empresarios de Nueva York cuentan con la colección más grande de Rembrandt

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Museo del Louvre presenta colección sobre arte barroco

El barroco, una de las épocas más importantes en la historia del arte; Rembrandt, uno de los pintores más destacados de todo el periodo; el Louvre, uno de los museos más prestigiosos del mundo. Todo ello forma parte de la muestra Masterpieces of the Leiden Collection. The Age of Rembrandt, la exhibición más grande de la obra del artista holandés.

En el 2005, el empresario neoyorkino Thomas Kaplan y su esposa Daphne Recanati Kaplan comenzaron la adquisición de piezas de uno de los creadores del barroco más prominentes. Hoy, su compilación de pinturas del siglo XVII se ha convertido en la muestra más grande de Rembrandt, y forma parte de una exposición en la que se muestra el trabajo de artistas barrocos destacados de los países bajos.

Kaplan se considera poseedor de la colección más grande de Rembrandt y percibe este proyecto como una oportunidad de hacer un intercambio cultural entre los lugares de exposición y la cultura de los clásicos. Luego de cuatro meses en el Louvre, los holandeses de Leiden viajarán a través de sus pinturas por Shanghai, Beijing y Abu Dhabi.

Entre las piezas que forman parte del proyecto también figuran los artistas Gerrit Dou,Jan Steen, Rembrandt, Jan Lievensz y Frans van Mieris, el objetivo de éste es presentar además de un compendio dedicado al arte holandés, la flexibilidad de temas y método de expresión que un mismo artista puede introducir en su trabajo.

La muestra sobre los artistas de Leiden, así como otras adquisiciones como la que el Louvre realizó hace algunos días en conjunto con el Rijskmuseum de Ámsterdam de dos obras de Rembrandt a la familia Rothschild por la cantidad de 176 millones de dólares, ponen de manifiesto que el arte clásico sigue presente en nuestra vida.

 

 

Con información del Museo de Louvre, The Art News Paper, artnet news y GESTIÓN.

 

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