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abril 2017

Gola Hundun crea los primeros murales de festival de arte en Italia

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El primer trabajo de  Gola Hundun del año en CVTà Street Fest

Fotografías: Alessia Di Rissio

Civitacampomarano, localidad italiana habitada sólo por 400 habitantes (la mayoría de ellos de edad avanzada) y en cuyos rincones el acceso a internet parece casi imposible de llegar , situación que en el 2016 el artista Biancoshock buscó hacer visible con su intervención en múltiples lugares, recibe por segunda ocasión el CVTà Street Fest.

CVTà Street Fest es un festival es fundado por la artista romana Alice Pasquini, quien ha expuesto en lugares como París, Barcelona, Berlín, Nueva York, Londres, Moscú, entre otros.  El nombre se basa en “Cvtà”, el dialecto de la región, su objetivo es relacionar el pasado de la ciudad italiana con las escenas actuales del street art.

La edición 2017 inició con la participación de Gola Hundun, el artista italiano que trabaja con la idea de la simbiosis entre le hombre y la naturaleza. Éste es también su primer trabajo del año.

Hundun, como muchos de los artistas que también han participado en el festival, quedó asombrado con Civitacampomarano, un lugar “donde el tiempo se detuvo, aquí el sabor de la experiencia es más auténtico, más verdadero. La relación con la gente es más directa, pura, real. Una cosa bellísima”, mencionó.

Los murales tratan el tema del ser humano sobre el entorno, el cual transforma con el paso del tiempo para adaptar este paisaje a las necesidades propias, una práctica que ha realizado a lo largo de toda su existencia.

Además, el festival trae el programa HELP CIVITA, una serie de donaciones que ayudarán en la infraestructura de esta localidad italiana.

Los siguientes artistas en participar serán Francisco Bosoletti, cuyo trabajo se enfoca en murales de gran formato en los que destaca la figura humana y componentes florales; Nespoon, la artista polaca quien se inició en el mundo del street art en  el 2009 y define su estilo como una búsqueda de lo positivo y Maria Pia Picozza, la italiana que se basa en el diseño para crear escultura y obras artísticas con líneas destacadas.

 

 

El diseño colectivo y la arquitectura social de Hannes Meyer?✍

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El principio coop-Hannes Meyer y la idea de la creación colectiva se exhibe en el museo Franz Mayer

Fotografías Mónica Vázquez

Hans Emil Meyer, mejor conocido como Hannes Meyer fue un arquitecto y urbanista suizo. Su legado ha quedado construido en diversas ciudades del mundo. Por eso, el museo Franz Mayer trae su exposición: El principio Coop-Hannes Meyer y la idea de la creación colectiva, y en ALL CITY CANVAS te decimos las 10 razones del por qué debes visitarla.

1.- Hannes Meyer fue el segundo director, entre 1928 y 1930, de la escuela alemana de artes y oficios Bauhaus, una de las más importantes en diseño a nivel internacional. Su postura ideológica socialista-comunista lo hizo el menos reconocido, pero logró grandes cambios dentro de esta institución y sobre la arquitectura en general.

2.- La exposición está conformada por más de 150 obras, las cuales fueron realizadas por diversas técnicas como maquetas, planos, fotografías, mobiliario y documentos oficiales.

3.- La exhibición de sus obras está divida en cuatro secciones que crean la idea de la diversidad de ideas y el basto conocimiento que tenía Hannes Meyer: Sociedad, Educación, Arquitectura y Paisaje. Dentro de ellas se puede apreciar su transformación en sus diseños.

4.- Modificó la visión de la arquitectura como un arte, y la del arquitecto como un artista; él pensaba que el arquitecto era un trabajador al servicio de la comunidad, por eso sus diseños, más que arte, debían ser útiles para la gente.

5.- Sus principios de sociedad imperan en sus diseños, pues su idea era crear espacios para la mayor parte de la población.

6.- En este espacio para la gente, Meyer creó el teatro co-op, el cual funcionó como parte de las acciones de propaganda de este nuevo sitio ideado por el arquitecto suizo.

7.- Sus ideales socialistas le hacían tener, por un lado, un grupo de personas que le caían bien, como Karl Marx, Josef Stalin, Bernhard Jaggi y Lázaro Cárdenas. Por otro, también había gente que le caía mal, por ejemplo: Leon Trotsky, Paul Merker, Manuel Ávila Camacho y Miguel Alemán Valdés.

8.- Estuvo exiliado en México durante 10 años, de 1939 hasta 1949. El presidente de ese tiempo, Lázaro Cárdenas, fue quien lo aceptó como refugiado político en el país, donde creó varios proyectos, como: Proyecto para la Unidad Habitacional Obrera Lomas de Becerra en Tacubaya, diseño de unidades habitacionales para trabajadores agrícolas, arquitecto de la comisión de planeación de hospitales y clínicas, entre otros.

9.- Creó una colonia cooperativa en Muttenz, Suiza, la cual se llamó Freidorf, lugar construido en 1919 y en el cual vivió hasta 1926. En este proyecto, para reducir los costos de vida, acuñó su propia moneda.

10.- Hizo un diseño del palacio de la Liga de las Naciones en 1926 para un concurso. No ganó (quedó en tercer lugar), pero le resultó un gran impulso para su carrera como arquitecto.

Pilón.- Aún tienes tiempo. La exposición estará abierta al público hasta el 28 de mayo de este año.

Los 10 datos sobre Miguel Covarrubias: el ilustrador del jazz?

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Ilustrador de Vogue, director del INBA, galardonado con el premio Art Directors Club; Covarrubias, el artista mexicano que debes conocer

Su nombre no sólo se encuentra en una de las salas del Centro Cultural Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Miguel Covarrubias fue mucho más que el principal impulsor de la danza moderna.

Covarrubias, pintor e ilustrador; uno de los  principales impulsores del arte en cualquiera de sus presentaciones en México.

1.-Inició su carrera artística a los 14 años, edad en la cual comenzó a realizar caricaturas para el periódico El Cáncer, fundado por el ex director de la Facultad de Medicina de la UNAM, Raúl Ignacio Fournier Villada.

2.-A los 19 años viajó a Nueva York, lugar en el cual conoció a Rufino Tamayo, José Juan Tablada, Octavio Carreda  y además tuvo su primer contacto con el jazz.

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3.-Influenciado por el estilo musical que nació en los barrios de Nueva York, Covarrubias realizó una serie de ilustraciones para varios artistas, entre los que destaca The treasury of the blues , mismo que presentó “el padre del blues”, W. C. Handy.

4.-Covarrubias es reconocido a nivel internacional por su capacidad de conjuntar las artes visuales con estudios en antropología y etnografía, los cuales además se demuestran en su trabajo pictórico.

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5.-Hizo un aporte a la museología. Propuso aportes logísticos que permitían habilitar espacios no pensados para ser lugares de exposición una especie de museos.

6.-Fue uno de los principales impulsores de la danza moderna, pues invitó a diversos coreógrafos extranjeros a participar en el país. También realizó diseños para la bailarina, actriz y cantante afroamericana Josephine Baker.

7.-En 1937 sacó su libro La isla de Balí, producto de una serie de viajes que iniciaron en su luna de miel con Rosa Rolando y que resultó un estudio etnográfico que reivindicó la importancia de la isla ubicada en el archipiélago de Indonesia.

8.-Formó parte de la revista Vanity Fair, que después pasó a ser parte de Vogue  y en la cual realizaba caricaturas de personajes importantes.

9.-Director del departamento de danza en el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), para el cual realizó una serie de coreografías y vestuarios.

10.-En 1938 recibió el premio Art Directors Club, por una portada con estilo surrealista, realizada para la revista Vogue.

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Con información de: La Jornada, Revista de la Universidad y Proceso.

Artistas intervienen tablas de skate por los 100 días de gobierno de Trump ?

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The Skateroom: Ai Weiwei y Shepard Fairey han intervenido tablas

The Skateroom es una organización que tiene como propósito empoderar a los jóvenesa través del skate y el arte. Parte de sus proyectos es invitar a artistas que intervengan tablas y sean vendidas a un precio accesible.

El dinero recaudado sirve para continuar con el proyecto y realizar más actividades sociales a nivel internacional. Todo esto se lleva a cabo gracias al financiamiento de Skateistan, una asociación sin fines de lucro que se acerca a los jóvenes a través de la educación y el skateboarding.

Entre sus proyectos más actuales figura el realizado con el artista y activista político Ai Weiwei. Con motivo de los 100 días de Trump como presidente de Estados Unidos, intervino unas tablas con la fotografía Study of Perspective – White House, trabajo que realizó para su exhibición Fuck off.

También el artista estadounidense Shepard Fairey, como manifestación en contra de la elección de Donald Trump, colaboró con The Skateroom para crear “No Future”. Fairey mantiene una constante actividad política con su arte. Anteriormente creó carteles para la campaña “We the people”, también en contra de Trump.

Anteriormente, las obras de Andy Warhol, Araki, ROA y Robin Rhode han colaborado The Skateroom.

Ciudades urbanas miniatura: el mundo de Joshua Smith

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Artista crea maquetas basadas ciudades internacionales 

Del esténcil a la creación de estructuras miniatura, el trabajo del artista australiano Joshua Smith se caracteriza por la conjunción de estas dos técnicas que dan una idea de las urbanidad en las ciudades.

Tendederos repletos de ropa, graffitis, edificios que se resquebrajan a lo largo y ancho de su composición, el paso del tiempo y la cultura de los lugares, es el resultado final de la obra de Smit

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Joshua Smith comenzó su carrera artística hace 17 años, anteriormente, la mayoría de su trabajo era basado en el esténcil. Actualmente, como él describe, ahora se dedica a “engañar al espectador”, ya que las ciudades que visita son referentes para poder crear maquetas que representan urbes en miniatura.

Su práctica se centra en el uso de la observación directa y en la representación de los detalles de cada ciudad: las colillas de cigarros, el moho y el deterioro urbano.

 

El trabajo más reciente de Smith fue presentado en la galería Muriel Guépin, en Nueva York, un espacio de exhibición enfocado en el soporte de artistas emergentes involucrados con la tecnología e innovación en la práctica artística.

 

Con información de:  BOOOOOOOM, COLOSSAL, Archdaily,  Muriel Guépin y Joshua Smith . 

White Walls Say Nothing: documental sobre arte urbano en Buenos Aires

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Pastel FD, Tec y Ever son artistas que aparecen en la cinta

El arte urbano en Argentina desde hace tiempo, tiene entre sus muchos objetivos, retratar y recordar las situaciones socio-políticas por las que ha pasado este país.

White Walls Say Nothing es un documental situado en Buenos Aires, Argentina, en el cual, se muestra la relación entre el arte urbano y el activismo de ese país. Está dirigido por Jonny Robson y Gates Bradley.

El espacio público siempre fue un lugar donde las personas podían expresar lo que sentían, y los artistas urbanos no fueron la excepción. Tiranía, crisis económica y represión fueron temas retratados en los diferentes murales que tiene Buenos Aires.

La realización de este documental comenzó en 2012, cuando Graffitimundo lanzó una campaña en la plataforma Kickstarter para conseguir fondos y poder llevarlo a cabo.

El estreno del documental será el próximo dos de mayo en el Hot Docs Canadian International Documentary Festival.

 

Código gris: el arte futurista de Fusca en el Centro Cultural Panteón

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La artista expone su muestra individual Código gris

Fotografía por Cristina Ochoa

 En entrevista para Dálmata, Pilar Cárdenas, artista sinaloense, mejor conocida como Fusca, mencionó que el  origen de su seudónimo se debió a su forma de vestir y a su convivencia con los niños de su barrio que eran considerados como “mala influencia”. Los amigos de su hermano comenzaron a llamarla por su alias. Posteriormente, el significado de Fusca iba también con su estilo artístico.

 Fusca presenta su muestra individual Código gris en el Centro Cultural Panteón de la Ciudad de México. La artista reconoce que el color es uno de los elementos principales en el arte, es por ello que para esta muestra ha decidido quitar la expresividad de los tonos en los matices y con ello dar paso a otro tipo de detalles que destaquen  su trabajo.

Código gris está conformado por trabajos que tienen una especie de futurismo y bien podrían recordarte a alguna banda de música electrónica, con cascos, y el anonimato como elemento destacado en su anatomía; pero el sentido de la muestra va más allá: Fusca pretende ser una idea futurística en el arte, que el acercamiento hacia los detalles, permitan a los espectadores cuestionar sus percepciones o significados de sus obras.

“ Las imágenes de esta muestra no han salido de mi imaginación, sino de percepciones muy concretas de mi realidad. Son el resultado de un comienzo de descodificación de la información que he encontrado rezagada dentro de mí y lo que me rodea…”, declaración de la artista que fue trasncrita para el texto curatorial de la exposición.

Código gris es la reafirmación de su arte, de su estilo y de su vida.

Todo listo para el Festival Marvin en la CDMX ??

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Música, arte y stand-up juntos en este magno evento

El séptimo Festival Marvin está a la vuelta de la esquina. El circuito Roma-Condesa fue el lugar elegido para llevarlo a cabo del 18 al 20 de mayo de este año.

Los lugares elegidos para llevar a cabo las actividades son la Universidad de la Comunicación, SAE Institute, Covadonga Salón, Covadonga Cantina, Foro Bizarro, Cinespacio 24, Multiforo 246, Salón Pata Negra, Woko Taberna y Parque España.

Esta vez se contará con varias actividades como conciertos, conferencias, talleres, proyecciones al aire libre y stand-up.

Algunos de las películas que será exhibidas son: Careful with that axe, Wipe out, Niño de Metal y The devil. Mientras que Ray Contreras, Bubu Romo y Grecia Castillo harán reír al público con su show de stand-up.

La cartelera cuenta con 51 bandas nacionales e internacionales, entre las cuales se encuentran: Television, Black Lips, Adan Jodorowsky, Touché Amoré, No Age, NOIA, Yokozuna y Salón Acapulco.

También se celebran los 16 años de existencia de la revista Marvin, la cual está especializada en música y cultura; asimismo es fundadora y organizadora de este festival.

 

Textured; Rune Christensen’s first solo show

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Helium Cowboy Gallery presents the artist’s first solo exhibition

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F. and Paula Villanueva

If there’s something difficult to create in the eyes of others (not only in the artistic field) it is creating a style of ones own, that brand that makes what we do unique. Danish artist Rune Christensen can flaunt a unique style, a kind of stylistic engraving in all his works, which makes him unmistakably the author of his artwork.


Duality, a term coined by many, expressed by others, and executed in many different ways, could be considered the core of Christensen’s work. Through his pieces, the painter, illustrator and graffiti artist, evokes the feeling of what we show being confronted with our hidden side.


Textured is Christensen’s first solo show in Germany. Women with tattoos, different scenarios and characters, always with their mouth covered, stare at the viewer, as if asking or inciting something.


The penetrating glances of the female characters in his work are attractive for their intensity and exposed through dark colors; the texture and technique of industrial sealing, which has recently been implemented by the artist in his work, are a characteristic of his artwork.


Rune Christensen was born in Denmark in 1980. His work is based on a series of trips made to Peru, Bolivia, China, Nepal, United States, Canada, Indonesia, among other places. Christensen takes the cultures with which he has contact during his stays as a starting point and uses them as a reflection of his taste for them.


The exhibition will be on display at heliumcowboy Gallery. Since its inauguration in 2002, the gallery aims to support and disseminate the work of young artists. Rune Christensen has presented projects in New York, Miami, Basel, Cologne and Berlin. Textured will be open from April 27 until May 27.

Textured: la primera exposición individual de Rune Christensen

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La galería Helium cowboy presenta la primera exposición individual del artista

Si hay algo difícil de crear a la vista de los demás (no sólo en el ámbito artístico) es la formación de un estilo propio, esa marca que hace inigualable aquello que hacemos. El artista danés Rune Christensen es de aquellos quienes pueden presumir de haber creado una especie de grabado estilístico en todas sus obras, que hace inconfundible la autoría de los trabajos.

Dualidad, un término acuñado por muchos, expresado por otros tantos y ejecutado de muy diversas formas, podría considerarse el eje de la obra de Christensen. El pintor, ilustrador y grafitero, con sus trabajos evoca la sensación de aquello que mostramos cuando nos referimos a nustro “lado oscuro”.

Textured es la primera exposición individual de Christensen en Alemania. Mujeres con tatuajes, diferentes escenarios, personajes, siempre cubiertos de la boca miran fijamente al espectador, como preguntando, como incitando algo.

Las miradas penetrantes de los personajes femeninos en su obra resultan atrayentes por su intensidad, expuesta a través de colores sombríos; la textura y la técnica de sellado industrial, que recientemente ha implementado el artista en su obra, son características de su trabajo

Rune Christensen nació en Dinamarca en 1980. Su obra se basa en una serie de viajes que hizo a Perú, Bolivia, China, Nepal, Estados Unidos, Canadá, Indonesia, entre otros lugares del mundo. Chirstensen toma como punto de partida las culturas con las cuales tiene contacto durante sus estadías y las utiliza como un reflejo de su gusto por ellas.

La muestra estará en exhibición en la galería elicomcowboy, lugar que desde su inauguración, en 2002, tuvo como objetivo apoyar y difundir el trabajo de artistas jóvenes. Rune Christensen ha presentado proyectos en Nueva York, Miami, Basel, Colonia y Berlín. Su exposición estará hasta el 27 de mayo.

 

 

Las mejores obras de Urban Art Fair 2017?

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Artistas conocidos y nuevos talentos se dieron cita en París para la segunda edición de la UAF

Fotografías por C. Gaillard

Por segundo año consecutivo, París recibió a Urban Art Fair 2017, feria internacional dedicada a exhibir las mejores obras del arte urbano contemporáneo, así como exposiciones de galerías y trabajos de artistas.

28 galerías interncionales se reunieron en el centro cultural Le Carreau du Temple junto con varios artistas como Banksy, D*Face, Seth y Tóxico.

Esta feria es una iniciativa para que los parisinos, artistas, galerías y diseñadores convivan en un edificio histórico, que data del siglo XII, y así exista una mayor confluencia de arte urbano contemporáneo en una de las capitales europeas más importantes.

En la feria se podían encontrar composiciones desérticas de Joram Roukes o lienzos enmarcados con una fotografía de paisajes urbanos intervenidos por Jaune.

El reciclaje también fue tema en la feria, pues Jana & JS intervinieron latas de pintura, Zenoy hizo lo propio con un buzón y Fred Allard modificó la marca Yves Saint Laurent al introducir caramelos en un recipiente de vidrio.

Una de las obras que más llamó la atención del público, fue la parte inferior de un caballo, la cual estaba de cabeza (con las patas arriba). Esta escultura fue llevada a cabo por la galería Open Space de París.

La UAF también es impulsora de nuevos talentos. Esta edición acudieron nombres que, probablemente serán mencionados con frecuencia en los siguientes años, algunos de ellos fueron: Kan, Fin DAC, Vincent Chery, Kongo y la galería Bartoux.

Además de obras de arte como pinturas, instalaciones y hasta realidad virtual, también una exposición de ocho películas que cuentan la historia del arte urbano.

Jonathan LeVine Projects lanza convocatoria en busca de nuevos artistas para su próxima exposición

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El 5 de julio se cierra la convocatoria

Fotografías: Jonathan LeVine Projects

Jonathan LeVine es uno de los referentes más destacados en el mundo del arte actual; su inmersión en el terreno artístico surgió en la década de los 80 a través del graffiti, el punk, el cómic y los tatuajes. Hoy, Jonathan LeVine Projects (JLP) es uno de los espacios de exhibición más influyentes a nivel internacional y actualmente se encuentran en búsqueda de artistas de todo el mundo para su próxima exposición.

JLP se destaca por la diversidad de propuestas artísticas que presenta en cada exhibición.

Se seleccionarán los tres mejores proyectos y serán galardonados de la siguiente manera:

Primer lugar: exposición individual en JLP.

Segundo lugar: exposición colectiva en JLP.

Tercer lugar: promoción del proyecto en las redes sociales de Jonathan LeVine Projects.

A inicios de 2017, JLP cambió su sede ubicada desde 2005 en Chelsea, para mudarse a Nueva Jersey, lugar en el cual LeVine creció y donde surgió su interés por el mundo del arte. El espacio ha presentado a artistas como Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, entre otros.

El 5 de julio es la fecha límite de envío de las propuestas artísticas. Para conocer más sobre las bases de la convocatoria, consúltalas directamente en la página de JLP.

 

“El amor es ciego”, el nuevo trabajo de TvBoy que ha sido tema en redes?

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El artista urbano TvBoy pega clandestinamente su trabajo

El amor no tiene límites, es un sentimiento que cualquiera puede expresar, por eso, el artista urbano TvBoy lo llevó a cabo de manera clandestina con un sticker en una gasolinera sobre el Paseo de Gracia, uno de los caminos más importantes de Barcelona.

En la imagen se ve a Lionel Messi, jugador del Barcelona, besando a Cristiano Ronaldo, jugador del Real Madrid. El argentino está en puntas mientras sostiene una rosa con la mano derecha.

Existieron dos motivos para realizar esta intervención: el primero, el enfrentamiento entre estos dos equipos en Madrid, y el segundo fue el día de Sant Jordi, el cual es equivalente al día de los enamorados.

El amor es ciego fue el título de esta obra de arte urbano que incendió las redes sociales en cuanto la gente observó esta peculiar imagen en la calle.

TvBoy mantiene un estilo propio inspirado en Banksy y Andy Warhol. Esta convergencia, llamada por él como UrbanPop ha logrado retratar a figuras públicas como: Steve Jobs, Ada Colau, Donald Trump, Vladimir Putin y Frida Kahlo.

El legado de Barkley L. Hendricks: pionero del retrato africano

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El pintor y artista estadounidense falleció a los 72 años

El pintor y fotógrafo estadounidense Barkley L. Hendricks murió el 18 de abril de 2017 por causas naturales a los 72 años.

Mayormente fue reconocido por sus retratos realistas y posmodernos de gente de color. Esta afición en sus obras nació en la década de los 60 y continuó hasta sus últimos días.

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Antes de incursionar en la pintura, Hendricks estudió fotografía, lo cual, en su vida, representó un cambio de paradigma, puesto que la sociedad aún veía con inferioridad a las personas de color. Con motivo de esto y sin sentirse menos ante los ojos de los demás, mencionó a Hyperallergic: “No comencé a pintar y tomar fotografías porque soy negro”.

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Personas comunes y corrientes en poses semi-naturales y realizando actividades comunes, son los personajes principales que plasma en su obra.

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Muchos artistas y curadores mencionan que Barkley L. Hendricks fue el artista que inició a retratar y pintar gente de color, pues como él mismo lo menciona: “el tema con el que estoy involucrado, sin embargo, siempre ha sido visto como sospechoso, dada la cultura fastidiada en la que vivimos”.

Creó una exposición itinerante: Birth of the cool, organizada por Trevor Schoonmaker en el Museo de Arte Nasher, Carolina del Norte, la cual ha viajado al Museo del Estudio en Harlem, Nueva York, al Museo de Arte de Santa Mónica, California, a la Academia de Bellas Artes de Filadelfia y al Museo de Arte Contemporáneo Houston, Texas.

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Jonathan LeVine Projects is looking for new artists for its first ever art competition!

in Blog/English

Delusional is its name

Text by Cristina Ochoa

Photos by Jonathan LeVine Projects
Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva


Jonathan LeVine is one of the most renowned figures in the art world today. His immersion in the artistic field sprung in the 80s through graffiti, punk, comics and tattoos. Today, Jonathan LeVine Projects (JLP) is one of the most influential exhibition spaces at the international level, and they’re currently looking for artists from all over the world for their next exhibition.


JLP stands out for the diversity of artistic proposals it presents in each exhibition. The three best projects will be selected and awarded as follows:

First place: an individual exhibition at JLP.

Second place: a collective exhibition at JLP.

Third place: promotion of the project on Jonathan LeVine Projects’ social networks.

In early 2017, JLP moved its headquarters from Chelsea, where it was located since 2005, to New Jersey, where LeVine grew and where his interest in art began. The space has featured artists such as Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, among others.

The deadline for submissions is July 5 and you can find the entry requirements right here. Best of luck to all “competing” artists!

Shepard Fairey exhibirá obras en Portugal ?

in Blog/Español

La galería Underdogs será el espacio donde estarán las obras

En julio de 2017, la galería Underdogs, con sede en Lisboa, Portugal, será el espacio donde Shepard Fairey, artista estadounidense, exhibirá sus obras.

Fairey extendió la fama de sus obras al crear la campaña propagandística de Barack Obama para las elecciones presidenciales de Estados Unidos en 2008.

Los colores rojo y azul, integrados a un estilo de arte pop, se convirtió en uno de los más afamados. También es creador de la marca de ropa Obey, la cual fue inaugurada en 2001.

El también muralista, en 2008, colaboró con la editorial Penguin Books para realizar la portada del libro 1984 de George Orwell.

Su última participación en la escena política fue en la marcha que realizaron miles de personas en contra de la elección de Donald Trump. El lema We the people encabeza los carteles que realizó este artista.

Underdogs fue creada en 2010, encabezada por Pauline Foessel y Alexandre Farto, mejor conocido como Vhils. Esta galería contribuye a construir relaciones entre el artista y los espectadores, a través de un lenguaje visual inspirado de la cultura urbana.

Sin fechas confirmadas, Sherpad Fairey expondrá en el mismo lugar donde lo hacen Felipe Pantone y Wasted Rita.

Los 10 diseñadores de producción que debes conocer ?

in Blog/Español

David Wasco, Peter Lamont y Cedric Gibbons figuran en esta lista

Una película no sería nada sin los actores, camarógrafos, directores, entre muchos otros cargos, que hacen posible una película. Los diseñadores de producción, muchas veces olvidados, algunas otras muy recordados, pero siempre se encuentran al margen.

Los diseñadores de producción son la cabeza del departamento de arte, se encargan de recrear el ambiente, las épocas donde se desarrollará la película, decoración de escenarios y todos los detalles visuales.

1.- David Wasco

Uno de los diseñadores de producción más famoso. Ha trabajado con directores de la talla de Wes Anderson y Quentin Tarantino. El estilo vintage y setentero lo recrea a la perfección con colores amarillos, rojos y naranjas. De igual forma, las escenas sangrientas y violentas de Tarantino no tendría el mismo impacto sin él. Algunos de sus trabajos han sido: Pulp Fiction (1994), The Royal Tenenbaums (2011) y ambas películas de Kill Bill (2001 y 2004).

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2.- Robert Stromberg, Dante Ferretti y Anton Furst

El estilo gótico, sombrío y bastante aterrador en algunas ocasiones de Tim Burton no podía quedar fuera; éste es creado por varios diseñadores de producción, quienes logran plasmar las ideas que la mente de Burton generan. Estos tres diseñadores han logrado conseguir estatuillas en sus películas: Robert Stromberg lo logró con Alicia en el País de las maravillas (2012); Dante Ferretti hizo con Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (2007); y Anton Furst con Batman (1989).

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3.- Norman Reynolds

La ciencia ficción en la pantalla grande no sería lo mismo sin los escenarios y el ambiente donde se desarrollan las batallas. Los superhéroes, los aliens y las guerras en el espacio siempre tienen grandes artefactos y detalles visuales que resaltan en el vacío del universo o en ciudades inventadas por la mente del director. Norman Reynolds fue el encargado de realizar el arte para la trilogía original de Star Wars, Superman (1978), Superman II (1980) y Alien 3 (1992).

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4.- Peter Lamont

Los hombres con traje y armas que terminan siendo agentes secretos siempre figuran dentro de los escenarios más espectaculares del cine. Las casa, bares, bebidas alcohólicas, armas y peleas no tendrían la misma acción sin la mente brillante de Peter Lamont. Él fue el encargado de crear el ambiente de 18 películas del espía más famoso: James Bond, además de Top Secret (1984) y Titanic (1997), con la cual compartió un Óscar con Michael Ford.

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5.- Stuart Craig y Stephenie McMillan

Esta pareja de artistas en los filmes lograron crear el mundo mágico de Harry Potter. Las ocho películas de las aventuras joven mago británico estuvieron en las manos de ellos dos. Hogwarts, el bosque prohibido, el caldero chorreado y Privet Drive no hubieran sido nada mágicos sin las ideas de Craig y McMillan.

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6.- Eugenio Caballero

El talento mexicano no podia faltar entre los mejores. Los mundos inspirados en la mente de un niño pero con un giro oscuro y un tanto aterrador fueron creados por esta mente brillante oriunda de la Ciudad de México. Fue acreedor de un Oscar en 2007 por su trabajo en El Laberinto del Fauno. También ha sido el creador del arte de otras películas como The Limits of Control (2009), The Impossible (2012) y en A Monster Calls (2016).

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7.- John Barry

Tal vez uno de los diseñadores con más idea dentro del futurismo ha sido John Barry. Su trabajo en Naranja Mecánica (1971) no quedó sin ser reconocido por la audiencia. Esta película de Stanley Kubrick es catalogada como una de las mejores en la historia del cine. Los edificios desolados, las casas de las personas con mayores recursos, el bar surrealista con maniquíes como mesas y percheros, la leche que bebían los protagonistas; nada de esto hubiera tenido ese impacto sin la mente de Barry, quien hizo su mayor esfuerzo para crear una buena adaptación con el libro homónimo de Anthony Burgess.

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8.- Cedric Gibbons

Posiblemente Cedric Gibbons sea el diseñador de producción más premiado en la historia, ya que obtuvo 11 oscar en su trayectoria. Algunas de sus películas premiadas fueron: Pride and Prejudice (1940), An American in Paris (1951) y The Bad and the Beautiful (1952). En su historia se le adjudican más de 500 películas; las adaptaciones de la literatura han sido su fuerte, es por eso que una de las películas más icónicas, tanto de su figura como en la historia del cine fue The Wizard of Oz (1939) que, aunque no ganó, fue nominada a los premios Oscar.

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9.- George James Hopkins

El estilo de época y clásico quedó bien representado con la brillante George James Hopkins, quien realizó más de 60 películas. Los escenarios que creó y quedaron en la memoria de muchos cinéfilos y críticos fueron Cleopatra (1917) y Casablanca (1942); la primera es catalogada como una de las más caras de la historia, mientras que la segunda cinta refleja una historia amorosa dentro de un momento específico en la historia: Segunda Guerra Mundial (tanto en la historia como en la realidad).

10.- Brigitte Broch

Una alemana muy mexicana. Brigitte Broch, nacida en Alemania, llegó a México para quedarse a crear arte en producciones nacionales. Amores Perros (2000), Babel (2006) y Biutiful (2010) fueron algunos de los trabajos que realizó. Las tragedias, accidentes, paisajes y el manejo de las diferentes perspectivas dentro de una misma historia son manejadas de una manera excelente por esta mujer germana-mexicana.

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Los ganadores de Sony World Photography Awards: la mejor fotografía del año

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Arquitectura, personas desparecidas en Colombia, la vida nocturna en África son los temas galardonados en esta edición

Sony World Photography Awards es uno de los concursos fotográficos más importantes del mundo y este año, además de publicar los ganadores de la edición 2017, están celebrando su décimo aniversario.

Millones de participantes siempre concursan para que su trabajo sea galardonado como la mejor fotografía del mundo. Como cada año, la categoría que más impacto mediático es la de Professional y esta edición recibieron 227 mil 596 imágenes procedentes de 183 países. Las temáticas son Arquitectura Conceptual, temas contemporáneos: actualidad y noticias, vida diaria, paisajes, retratos, naturaleza, bodegón y deportes.

Las fotografías de los finalistas serán expuestas en el Someserset Houses de Londres del 21 de abril al 7 de mayo.

Fotógrafo del año

Frederik Buyckx, fotógrafo belga. Ha publicado en National Geographic y New York Times. Su serie Whiteout captura la transformación de la naturaleza en el invierno.

Categoría Arquitectura

Dogni presentó su trabajo fotográfico Space & City, el cual  retrata la arquitectura minimalista. “Ignorar la estética de la ciudad, ignoramos reglas y celebramos la destrucción y reconstrucción del espacio urbano, los espacios mismos nos dan más control y añaden más alegría a la ciudad”, declaró el fotógrafo.

Categoría Conceptual

Art 115 fue la serie fotográfica de Sabine, descrito como un “documental cercano”, ya que a través de reportajes y noticias muestran las medidas adoptadas de organizaciones suizas que defiende el derecho a morir.

Actualidad y noticias

Alessio presentó We Are Taking No Prisioners, una documentación gráfica sobre la ofensiva para liberar el Estado Islámico de Libia.

Categoría Vida diaria

Sanda Hoyn documenta el burdel de Kandapara , uno de los más grandes de Bangladesh. La fotógrafa retrata la vida de una joven menor de edad que ingresa a laborar a este lugar.

Categoría Retratos

Light. Shadow. Perfecto Woman  es el trabajo de George Mayer que trabajó el tema de la “perfección” de la fotografía, y al mismo contradictoria esta afirmación: “Por un lado, la mujer se muestra monumental y completa, y por otro lado está desnuda y vulnerable”, explicó.

Naturaleza

Will Burrard-Lucas ganó con sus imágenes sobre la vida nocturna en África. Su trabajo African Wildlife at Night docuementó el Parque Nacional de la Llanura.

Categoría Mundo Natural– tercer lugar

Christian Vizl, fotógrafo mexicano obtuvo el tercer lugar con su trabjo titulado Reino Silencioso Ha colaborado National Geographic y The New York Times. Para Vizl, sus fotografías tienen un mensaje de amor y conexión con el océano.

Categoría Bodegón

Henry Agudelo, fotógrafo colombiano que a través de su trabajo dio a conocer la situación política de su país: 130 mil personas desaparecidas. Los cuerpos que no reclamados son enviados a universidades, donde estudiantes extraen marcas de los cuerpos. Indelible Marks es el nombre de su trabajo.

Categoría Deportes

Yuan Peng nombro a serie fotográfica The Twins’ Gymnastics Dream, gemelos chinos que entrenan para cumplir el “sueño olímpico”.

 

Con información de Hipertextual y CNN Expansión

ENTREVISTA: Topografías insostenibles: primera exposición individual de Camila Rodrigo en México

in Blog/Entrevistas/Español

Celaya Brothers Gallery expondrá fotografías y esculturas de la artista peruana

Fotografías: Eduardo Pacheco

Conocí a Camila Rodrigo en la cocina de Celaya Brothers Gallery, la artista vestía jeans y preparaba una especie de engrudo mientras trabajaba con música de fondo. Hábil con la palabra y determinada en su proceso de creación, Rodrigo estaba preparándose para su primera exposición individual en México: Topografías insostenibles, que trata, como la mayor parte de su obra, el tema de la erosión y el desgaste.

 
La geografía ha sido un tema recurrente en su obra, se ha vuelto parte de una investigación prolongada que explora a través de distintos medios, como la fotografía y la escultura, “por eso para mí tenía sentido hablar de topografías, de placas y estratos. De estos niveles que hay en la geografía misma y en nuestra cultura”, dijo. Lo insostenible, de acuerdo con la artista, se refiere a la brecha que se le ha colocado entre ambos conceptos: geografía y cultura.

En ALL CITY CANVAS entrevistamos a Camila Rodrigo y nos contó que las fotografías que serán exhibidas fueron tomadas en Lima, Berlín y durante su residencia en México. La artista sabe que el tema no es nuevo, “la idea es generar una inquietud. Tampoco es que yo busque dar respuestas a estos problemas, lo que hago es soltar ciertos detonantes que hagan al espectador pensar sobre esta tensión”, comenta;  además, resalta que su trabajo no es una “especie de sermón” sobre los problemas ambientales, sino presentar temas que deberían ser vistos y tomandos en cuenta de nuevo.

“Dejo las preguntas sin respuesta. Finalmente, no pretendo ni responderlas. Simplemente, genero más preguntas y pienso que quienes vengan van a salir con más preguntas aún. Eso me parece interesante”.

Experimentar

Mientras señala una pieza que abarca una pared en la galería, misma que realizó pegando partes de una fotografía realizada en Perú y deteriorada manualmente para mostrar de otra manera un proceso de transformación del entorno natural, Camila habla de su visita nuevamente a México.

“Me encanta México. Recientemente fui a Tepoztlán y de ahí también saqué una serie de fotografías, que aún no revelo, pero me pareció interesante ese ejercicio, pues es una fotografía diferente, pero igual de imponente”, comenta Rodrigo.

La artista peruana ha presentado su trabajo en Francia, Perú, Rusia, México, Londres, Nueva York, Ámsterdam, Barcelona y Milán.

La exposición estará del 20 de abril al 10 de junio de 2017. Más información aquí.

Camila Rodrigo compartió con nosotros la lista de canciones que no deben fallar mientras trabaja. ?

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