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Las figuras de fieltro de Lucy Sparrow llegan a Los Ángeles

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Su exposición tendrá 31,000 artículos variados

La artista británica Lucy Sparrow presentará su primer exposición en The Standard en Los Ángeles, donde expondrá 31,000 artículos de tienda hechos a base de fieltro después de su gran éxito en New York.

Donde abrió una pequeña bodega/exposición llamada 8 ”Till late” en la cual puso a la venta 9,000 productos clàsicos que encontramos en todas las tiendas de autoservicio, desde cereales, refrescos, sopas enlatadas y dulces.

Cortesía: Lucy Sparrow

Esta bodega estaba prevista para cerrar el próximo 21 de junio, pero gracias a la popularidad entre los habitantes y amantes de arte, las piezas se fueron acabando hasta dejar a la tienda sin suministros, trayendo así la oportunidad de abrir una nueva exhibición con mayor cantidad de productos.

Cortesía: Lucy Sparrow

La experiencia de visitar una tienda era muy completa, se localizaban estantes en los cuales encontraras todo tipo de productos que hay en una tienda, y en recepción pagabas y encontrabas otros artículos como encendedores, y como en la gran mayoría de tiendas, no podía faltar la experiencia de un robo, en este caso de un pequeño ratón de fieltro que se encontraba en una cubeta de limpieza.

Cortesía: Lucy Sparrow

La misma artista declaró que sus artículos más populares fueron la champaña Moet Chandon, la Ketchup Heinz, pomada Vagisil, Tazas de Mani Reesee y Mantequilla de maní JIF, provocando que se agotaran a las pocas horas de inaugurada la tienda.

Cortesía: Lucy Sparrow

Para su exposición en Los Ángeles, Lucy prepara 31.000 piezas cosidas y pintadas totalmente a mano, que van desde artículos de tocador, comida y hasta películas VHS, aprovechando la ampliación del espacio dedicado a los artículos de super.

Cortesía: Lucy Sparrow

Esta representa hasta el momento el mayor reto de la artista, ya que significa más trabajo, material y a su vez un logro que podría terminar con la venta total de sus obras.

La exposición estará disponible del 1 al 31 de agosto en The Standard, 550 S. Flower St. Los Ángeles, CA 90071.

¡Regresa Zona Maco Foto y Salón del Anticuario!

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La feria se realizará del 20 al 24 de septiembre

Zona Maco es considerada una de las ferias de arte contemporáneo más influyentes de Latinoamérica, es por ello que su convocatoria alcanza a galerías y artistas internacionales. Aunque el proyecto original que creó Zélika García en el 2002 se han adherido otros más, que hacen aún más atractiva la gran propuesta curatorial.

Zona Maco Salón del Anticuario surgió hace cuatro ediciones como una propuesta que busca atraer a los coleccionistas de objetos antiguos como relojes, pinturas, esculturas, tapetes, monedas, y más objetos producidos antes de 1950. Este proyecto ha triplicado el número de asistentes a la muestra, respecto a su primera edición.

En esta sección dedicada a los artefactos antiguos han participado recintos como el Muzeion Gallery, de Dallas; la casa de subastas Morton; Safra Antigüedades, con sede en Barcelona y Miami y el Faubourg Saint Germain, de Londres.

Un año después de la primera edición del Salón del Anticuario, surgió Zona Maco Foto, un proyecto que presenta el trabajo fotográfico (antiguo, moderno y contemporáneo) de artistas destacados.

El concepto ha involucrado la participación de instituciones como el Museo Archivo de la Fotografía y galerías como raffaella de Chirico Contemporanea, de Turín; Espai Tactel, de Valencia; Galería Freijo, de Madrid; MAMA , de los Ángeles, entre otras.

Ambas partes del programa artístico de Zona Maco se presentarán de manera simultánea en el Centro Citibanamex, del 20 al 24 de septiembre.

KAWS invade Asia

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El artista tendrá exposición individual en dos ciudades simultáneamente

La galería Perrotin anunció oficialmente que Brian Donnelly mejor conocido como KAWS, artista norteamericano, tendrá exhibición simultánea de su trabajo en las cedes de Tokyo y Hong Kong de la galería.

Cortesía: Joia Magazine

Del 22 de marzo al 12 de mayo, Kaws presentará piezas que dignifican el legado del pop art, después de grandes exponentes como Andy Warhol o Claes Oldenburg.

Para esta exhibición la mayoría pinturas son nuevas y en ellas abstrae y toma iconos del arte pop. Apropiándose y dotándolos de una nueva visión con características tan particulares que inmediatamente pasan a formar parte del mundo KAWS.

Cortesía: Joia Magazine

KAWS es reconocido mundialmente por ser un diseñador que evolucionó de la creación de juguetes y ropa, a un contexto más artístico. Sus creaciones ahora se exhiben en museos y galerías internacionalmente.

Cortesía: Nerman Museum

Junto a Jeff Koons y Takashi Murakami encabeza el llamado Continente Pop1, donde los artistas han continuado la lección histórica que el arte pop dejó para reinventar con nuevos enfoques estéticos.

Cortesía: Wikimedia
Cortesía: Nerman Museum

KAWS nació en 1974 y actualmente reside en la ciudad de Brooklyn. Su última exposición fue KAWS: WHERE THE END STARTS en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth en Shangai, así como la instalación de una pieza monumental en el Aeropuerto Internacional de Hamad en Qatar.

También ha tenido exhibiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de St. Louis, en el Centro de Arte Contemporáneo de Malaga en España e incluso en el Museo de Arte de Brooklyn, en Nueva York.

Se revela pintura escondida debajo de un Picasso

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La obra del cubista fue pintada sobre otra obra de artista desconocido

A través de una técnica de rayos X no invasiva se reveló que el cuadro de Pablo Picasso La Misereuse Accroupie (“La Pobreza Agazapada”) está pintado sobre otra obra de un artista que aún no se reconoce. Según un estudio presentado por la Universidad de Northwestern y el Instituto de Arte de Chicago, existe un paisaje horizontal pintado anteriormente sobre el lienzo.

El cuadro perteneciente al Periodo Azul del malageño —una época en la que el artista raramente usaba tonos distintos a los azules y verdes— utilizó algunos de los elementos originales de la obra de fondo, para definir la forma y postura encorvada de la mujer. Actualmente la obra se encuentra expuesta en la Galería de Arte de Ontario, en Canadá.

Cortesía: Twitter @Fibsie1234

Los primeros indicios de esta superposición fueron descubiertos por conservadores en 1992. Varios expertos pudieron notar que la textura superficial de partes de la pintura de Picasso no concordaban con los trazos de la figura.

“También hay un color no relacionado que se asoma a través de las líneas cruzadas, que sugiere hubo un cambio en la composición o un lienzo reutilizado”, agregó Sandra Webster-Cook, conservadora principal de pinturas en la Galería de Arte de Ontario. Inicialmente se creía que era una obra del artista Joaquín Torres-García pero ha sido descartado ahora que los curadores creen que el paisaje representa una ubicación real en Barcelona, ​​el Parc del Laberint d’Horta.

Cortesía: Ontario Art Gallery

Usando la tecnología de rayos X se creó una imagen que revelaba el paisaje oculto detrás. Para comprobar su hallazgo la galeria hizo equipo con investigadores de la Northwestern University. Quienes buscaron a través del lienzo la distribución de ciertos elementos químicos, que se encuentran en ciertos pigmentos, para llegar a la conclusión de que habían otros que no correspondian al material usado por Picasso.

 

No es la primera vez que se encuentra una obra de arte debajo de un Picasso: Antes se había revelado un retrato de un hombre debajo de una pintura titulada La habitación azul. Mientras que otro hombre con bigote y corbata se encontró debajo de la pintura Mujer Planchando. En ambos casos se le adjudican los retratos ocultos al mismo Picasso.

Chuck D presenta su primer solo show “Behind the Seen”

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El vocalista de Public Enemy y Prophets of Rage muestra otro lado artístico

El rapero Chuck D presentó por primera vez sus obras en una exhibición titulada Behind the Seen en Gallery 30 South en California, mostrando otro lado artístico del reconocido rapero que nos adentra en la escena de la música desde la pintura.

Cortesía: Gallery 30 South

Carlton Ridenhour, nombre real del rapero, estudió diseño gráfico, pero su carrera de diseñador no se vio tan enaltecida como la de cantante. Ahora se “reivindica” presentando este trabajo gráfico que lleva a sus raíces.

Cortesía: Gallery 30 South

Junto a Public Enemy y Prophets of Rage, el cantante ha vivido inmerso en la cultura popular por poco más de 30 años. La música rap, rock y los temas políticos que se han abordado en las letras de cada tema, se ven ahora reflejadas en las obras de Chuck D.

Fue creando las piezas a través de sus giras con ambas agrupaciones y se puede ver en cada una la presencia de elementos representativos de las bandas en un estilo de acuarela con trazos muy definidos.

Cortesía: Gallery 30 South

Las acuarelas del miembro del Rock And Roll Hall of Fame también están a la venta. La muestra es una oportunidad de evidenciar momentos íntimos de las dos bandas y un poco de historia musical.

¿Dónde?

Lugar: Gallery 30 South, 30 S. Wilson Avenue, Pasadena, California, 91106.

Hora: Miércoles a viernes de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. / sábados y domingos de 12 a.m. a 6:00 p.m.

Duración: 1 – 31 de marzo, 2018

Encuentran dibujo perdido de Klimt

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Un dibujo del pintor austriaco fue restituido después de casi 50 años estar perdido

Esta semana se reveló que fue encontrado en el armario de una ex secretaria del Linz’s Neue Galerie (ahora llamado el Lentos Art Museum) el dibujo “Zwei Liegende” (“Dos mujeres acostadas”) de Gustav Klimt (1862-1918), junto a otras 3 obras habían desaparecido de los registros del museo. Esta extraordinaria obra nos muestra dos mujeres que parecieran dormitar, apenas envueltas en trazos libres, característicos de los retratos hechos a lápiz por el artista.

Cortesía: New York Times

La ex secretaria cuya identidad ha sido ocultada por temas legales, falleció en diciembre del año pasado. En su testamento solicitó de restituir la pieza al museo. De acuerdo a ella le había sido regalado a cambio de guardar silencio después de encontrar ciertas irregularidades en la documentación de préstamos de las piezas.

Portrait Of Adele Bloch-Bauer, Gustav Klimt

 

La pieza será exhibida en la exposición “1918-Klimt-Mose-Schiele- Bellezas Recogidas”, que se llevará a cabo del 22 de febrero al 21 de mayo conmemorando el 100º aniversario de la muerte de Klimt y sus dos colaboradores. “El Dibujo es una maravillosa adición para la exposición y parte importante de nuestra colección histórica”, dijo Elisabeth Novak-Thaller directora de colecciones del museo.

 

Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

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La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

Con 300 piezas Ai Wei Wei exhibe en Nueva York

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La instalación aborda las problemáticas de la migración y el nacionalismo

Gilded cage, por Ai Wei Wei
Foto: designboom
Gilded cage, por Ai Wei Wei
Foto: designboom

Ai Wei Wei presentó en Nueva York la instalación más grande de su carrera, con un total de 300 piezas. Good fences make good neighbors es un trabajo que plasma sus reflexiones sobre la crisis migratorias y el ascenso de los nacionalismos.

Arch, por Ai Wei Wei
Foto: designboom
Arch, por Ai Wei Wei
Foto: designboom

La instalación que fue curada por Nicholas Baume, forma parte de las celebraciones por el 40 aniversario del Fondo de Arte Público de la ciudad y estará en las calles de Nueva York desde este 12 de octubre hasta el 11 de febrero del 2018.

Immigrants banners, por Ai Wei Weir
Foto: designboom
Immigrants banners, por Ai Wei Weir
Foto: Jason Wyche

La exposición cuenta con la escultura Jaula dorada (Gilded cage) que en su interior tiene torniquetes y vallas movibles, también destaca Arco (Arch) la cual consiste en una jaula que en el medio tiene un arco formado por el contorno de un par de “migrantes” instalada en el icónico Whasington Square Monument.

intervención en una parada de autobús por Ai Wei Weir
Foto: designboom
intervención en una parada de autobús por Ai Wei Weir
Foto: designboom

La muestra también incluye una serie fotográfica de migrantes que el artista ha tomado en campos de refugiados y que estarán instaladas en diferentes partes de la ciudad, como en estaciones de autobús, mercados y espectaculares.

intervención en el edificio de la Fondo para el Arte Público por Ai Wei Weir
Foto: designboom
intervención en la calle del mercado de Essex por Ai Wei Weir
Foto: designboom

Smithe and Pogo from Copete Cohete design billboards for Tequila Pueblo Viejo 👊

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The campaign promotes the values and traditions of the Hispanic community in the US

With more than 10 years of experience in the American market, Tequila Pueblo Viejo is launching a campaign designed by the Mexico studio Copete Cohete, founded by artists Smithe and Pogo, which aligns with the essence of the brand:  to foster harmony and highlight the qualities of a well-meaning community that is here to share its values, traditions and heritage.

 

Through the story of three young Americans from different backgrounds, the graphic campaign portrays and promotes traditions, values and cultural heritage to create unity in their communities. Copete Cohete drew from the manifesto “Aquí to Stay,” a Spanglish phrase that signifies “Here to Stay,” inspiring individuals to exploit their talent and abilities to achieve their dreams and generate collective actions. These 10 years in the American market show that Tequila Pueblo Viejo is not a trend; it is here to stay.

The billboards. The stories

Aida is an independent 26-year-old woman. She was born in New York from Mexican parents. She is part of the generation of Latinos that preserve and transmit their traditions with pride in their new city.

David is a musician and producer living in Los Angeles. He believes the values of family unity are key to his success. He knows how to be a leader and work in a team to create new ideas for his business.

Valeria lives in Houston and is considered one of the best mixologists. She enjoys working with people of different backgrounds. She is the image of perseverance, equality and fearless attitude.

The collaboration between Tequila Pueblo Viejo and Copete Cohete promotes a message of social unity and reminds us that Latinos are hardworking people, we solve problems, we support each other, we drink tequila; we are “Aquí to Stay.”

The Art of listening: documental que explora el proceso de creación musical 🎼

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Documental que explora el proceso de creación musical

La música es algo que pareciera tan cotidiano que en muchas ocasiones nos resulta difícil comprender el complejo proceso que se requiere para la realización de una pieza.

Ya lo expresaba Damien Chazelle en su película Whiplash: “la música no es sólo el producto final, detrás de cada melodía, cada ritmo, cada nota, existe disciplina, dedicación y pasión”.

The Art of Listening es un documental que explora todo este complejo mundo que involucra la música. En el documental el espectado podrá ser testigo del proceso de creación de melodías…un camino nada fácil.

El trabajo es dirigido por Emmanuel Moran y Michael Coleman y se basa en entrevistas realizadas a ingenieros de audio, productores y músicos, quienes comentan su experiencia dentro de este ámbito que resulta fascinante y a la vez complejo.

The Art of listening se encuentra disponible en línea y puedes verlo sin ningún costo.

 

Nicolás Romero Ever inaugura exposición individual en galería italiana 👌

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El artista argentino presenta muestra individual en galería de Italia

Fotografías: Galería Varsi y Nicolás Romero

Rostros conocidos, expresiones destacadas, miradas que impactan… es el trabajo de Nicolás Romero, en el cual, los rostros adquieren significados totalmente alejados de lo que la reproducción hiperrealista podría representar. Es conocido por reinterpretar los cuerpos y mostrar a través de imágenes su perspectiva del mundo.

Pensar que las revoluciones se contaban en las paredes dice mucho de esto, digamos, que es una manifestación directa de la sociedad para ella misma. Creo que el graffiti es un nexo con la gente, por lo menos es lo que a mi me gusta explorar de este hermosa actividad.

 

Así es como define Romero su pasión por el graffiti, el artista que nació en Buenos Aires, Argentina y quien se inició en el mundo del arte urbano en los años 90. Descubrió su estilo al trazar la figura de su novia, a partir de ese momento, nació su interés por dibujar cuerpos humanos. Es considerado uno de los artistas más importantes en Latinoamérica.

Quiéreme, es la muestra individual del artista argentino que reúne una serie de trabajos que permiten generar cuestioanmiento y reflexiones al espectador sobre la relación que existe entre el cuerpo humano y el espacio público. La exposición se encuentra en Varsi, galería italiana.

La muestra curada por Chiara Pietropaoli estará abierta hasta el 15 de julio en

 

Con información de: galería Varsi, The City Loves You y Eversiempre.

La octava edición Welling Court Mural: una de las colecciones más grande de arte urbano 🌏

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Proyecto que impulsa el desarrollo de Brooklyn como “la meca” del arte urbano

Brooklyn es el lugar  predilecto para el desarrollo del arte y la cultura urbana, eso no está a discusión. Sin importar las constantes iniciativas empresariales por borrar murales, los artistas proponen y persisten para conservar sus obras plasmadas en muros y paredes.

Welling Court es una propuesta que nació en el 2009, cuenta con una de las mayores (y mejores) colecciones de arte urbano a nivel mundial. Actualmente las calles de Welling Court cuentan con más de 150 murales.

El proyecto nació como una necesidad de conectar a la gente con el entorno que lo rodea. Tanto la comunidad del lugar como la artística consideran al proyecto como uno de los más trascendentes.

Entre los artistas que han participado a lo largo de estas ediciones están Meres One, EpicUno, CRASH, D Gale, Pyramid Oracle, Never, Katie Yamasaki, AVOID, Andy Golub, entre otros.

Welling Court Mural, cuya edición 2017 comenzó el 10 de junio fue apoyada por la galería Ad Hoc Art, un espacio de exhibición que comenzó a operar en el 2006 y que ha impulsado proyectos de arte y diseño en sus diferentes vanguardias y expresiones como el pop surrealista, la ilustración y el cómic.

 

Con información de: Spectrum News, Ad Hoc Art, Welling Court Project y Brooklyn Street Art.

 

El Otro Festival: murales por la memoria en México ✌

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Artistas participan en festival de graffiti crítico y rebelde en México

Fotografías: El Otro Festival

43, un número que podría representar de manera general el contexto político y social en el cual se encuentra México: desapariciones forzadas, crímenes, violencia y desigualdad social son parte de una sociedad que cada vez asimila más esta forma de vida que representa más que un conjunto de estadísticas. Sin embargo, diversas organizaciones se han propuesto enfrentar estas problemáticas: el arte urbano comienza a ser eco de ello.


El Otro Festival reunió artistas en Monterrey  que realizaron murales con temáticas indígenas como el EZLN, la importancia de la memoria colectiva que puede empezar a generarse a través del arte.

Los murales realizados durante el festival retrataron los actuales problemas sociales y políticos de México, a través de colores que hacer referencia a la cultura nacional. Este evento se realizó del 13 al 21 de mayo de este año.

La convocatoria de El Otro Festival fue lanzada a través de redes sociales y el seguimiento no sólo de los participantes, sino también de los asistentes e interesados fue importante. Durante los días en los que se llevó a cabo el festival, los medios nacionales informaron la muerte del periodista mexicano Javir Valdez, asesinado en Culiacán, por lo que colectivos rindieron un homenaje a través de un mural.

Se organizaron charlas en torno a temáticas que involucran la desaparición forzada, la desigualdad, violencia y demás.

Los artistas nacionales presentaron obras emotivas que son sin duda una serie de sentimientos acumulados en la memoria colectiva.

En el proyecto participaron Blast O, Mazatl, la artista estadounidense KILLJOY, Ácaro, Real 3, Gran Om, Dante, Mestizo,, entre otros.

 

Con información de: Thot, El Otro Festival, Centro de medios libres.

Brad Wilson: el fotógrafo de los animales salvajes 🦁

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El fotógrafo lleva tres series

Pocas veces se tiene la oportunidad de tener un acercamiento con los animales, al nivel que logra la fotografía de Brad Willson: una especie de majestuosidad, delicadeza y naturaleza

En una época en la cual pareciera que ser fotógrafo equivaldría a la acción de apretar un botón y hacer encuadres adecuados, el fotógrafo estadounidense, quien también estudió Historia del Arte en la Universidad de Carolina del Norte, le da ese toque necesario que únicamente un buen observador puede tener: un vínculo que crea entre la imagen que presenta y el espectador.

Comúnmente, las fotografías de animales son realizadas en el hábitat de éstos; sin embargo, el trabajo de Willson se basa en transportar hasta su estudio a los personajes que posteriormente retratará con su cámara y en una ambientación conformada por un espacio negro. El objetivo del fotógrafo se cumple: el espectador se centra en la figura del felino, ave o cualquier otro que esté retratando y no en todo lo que rodea a éste.


Como resultado, tenemos imágenes que pueden generar suspenso o ternura. Willson ha dicho que quizá uno de los objetivos sería mostrar “el alma” de los animales. En estas imágenes se pone énfasis en la expresión de los animales, su postura, y en el color de éstos.

Ya en el 2014 el fotógrafo lanzó su libro Wild Life, que formaba parte de la primera de (hasta ahora) tres series de fotografías, denominadas “Affinity”.

 

 

 

Las tres ferias de arte más importantes en Argenina y su Bienal de Perfomance

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Fin de semana artístico en Argentina

Hay algo que celebrar en el mundo del arte a nivel internacional: cada vez surgen mayores propuestas que presentan el trabajo de figuras emergentes, artistas consolidados y muchas nuevas formas de expresión en múltiples plataformas y materiales. Argentina no es la excepción.

Considerada la feria de arte más antigua de América Latina, arteBA reúne la participación de 90 galerías y 370 artistas nacionales e internacionales. La obra más cara de esta feria fue una escultura del artista colombiano Fernando Botero valorada en tres millones de dólares.

Claudia Fontes y su obra El problema del caballo ha sido de los trabajos más destacados de la Bienal de arte en Venecia, y por supuesto, también ha resultado un involucramiento del público con su obra, por lo cual, durante la edición 26 de arteBA se presentarán charlas con la artista argentina.

Como una extensión de arteBA, este año se realizó la primera edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Argentina (FACA), la cual concluyó el 28 de mayo.

FACA ha proyectado videoinstalaciones  en una pantalla LED, diálogos con los artistas, intervenciones y performances en el Hipódromo Argentino de Palermo y escenarios musicales con sets de Djs y artistas contemporáneos.

Segunda Bienal de Performance

Cada vez más, las distintas formas de expresiones artísticas están reclamando espacios propios de exhibición. El performance permite a través de la exploración del artista una especie de aproximación a la naturaleza que involucra la expansión y autoconocimiento del propio cuerpo. Dicha práctica comenzó a cobrar importancia en la década de los 70 y ello derivó en que en el 2015 el país sudamericano presentara la primera edición de este certamen.

La propuesta involucró la participación de 100 artistas nacionales e internacionales. Su edición 2017 comenzó el 13 de mayo y concluyó el  siete de junio.

En esta ocasión también se incluyó la participación de artistas-curadores involucrados en la investigación artística. Además también hubo seminarios, conferencias y encuentros de los artistas con el público.

 

Con información  e imágenes de: BP.17, El País, claudiafontes.com, arteBA y mapadelasartes.com

Galería de Hong Kong presenta la mayor muestra de arte vietnamita 🎨

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La muestra está conformada por 40 piezas de artistas vietnamitas

DEPARTURES: Intersecting Vietnamese Modern Art, la nueva muestra de Richard Streitmatter-Tran es un recorrido por el arte contemporáneo que además se inmiscuye dentro de una perspectiva que ha influenciado no sólo en el arte, sino en el contexto social de Vietnam: la guerra.

Straimatter-Tran hace un recorrido por el trabajo de artistas como Le Poh, cuyo trabajo artístico comenzó en París con una beca estudiantil del Ecole des Beaux-Arts ; las pintoras Lê Thị Lựu y Mai Thứ, entre otros. 

El conjunto de piezas va desde la utilización de la acuarela en seda, arcilla, hierro. Es una muestra en la cual se puede ver la evolución en cuanto a materiales de exposición y resulta un parteaguas histórico de la visión artística pre y postbélica.

 

Richard Streitmatter-Tran fue fundador en el 2010 del proyecto DIA/PROJECTS, su campo de estudio se involucra en la arquitectura, el arte contemporáneo, el diseño y muchos más.

Streitmatter-Tran ha expuesto en lugares como la 52 Bienal de Venecia; Kandada Art Space, Tokio; Hugh Lane Gallery, Dublín; Art Tech Media06, Barcelona; entre otros.

La muestra además de ser la primera exhibición en solitario del artista americano-vietnamita, es la primera en conjuntar un número tan grande de obras importantes en el país.

Fundada en 1977, De Sarthe Gallery surgió como un espacio de exhibición en París que después se trasladó a Hong Kong y Beijin. La galería ha presentado el trabajo de artistas internacionales cuyo trabajo se centra el ámbito contemporáneo e histórico; entre ellos han estado Chen Zhen, Bernar Venet, Auguste Rodin, Hans Hartung, entre otros.

 

Con información de: De Sarthe Gallery, DIA/PROJECTS y The art newspaper .

 

 

Ranking ACC: ¡los 10 mejores murales de mayo🏅!

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Banksy, Shepard Fairey, Felipe Pantone y una intervención para un skate park forman parte de este listado

Mayo ha sido un reto para la selección de los murales más destacados. El mes nos ha dejado una serie de pintas de artistas internacionales increíbles.

1.-Wendy at the window – Seth

La experiencia de Julien Malland,  mejor conocido como“Seth”, en el mundo del arte urbano es extensa: inició en el graffiti en la década de los 90, ha impulsado el estudio del street art a través de libros y documentales, así como el intercambio entre artistas. Interesado en la hibridación cultural, la tecnología y la globalización, el artista francés nos deja siempre con grandes murales con personajes cuyos rostros no aparecen a la vista de los espectadores, destacando los rasgos infantiles y simples en contraste con entornos caóticos de los lugares en que pinta.  Esta pinta fue realizada en Nueva Jersey.

2.-The last traveler– NIMI

Nuart Aberdeen nos dejó otro mural para nuestro Ranking ACC. El arquitecto y artista sudafricano NIMI realizó este mural en el cual se puede ver la figura de una mujer quien carga sobre sus hombros el peso de una especie de maleta. La idea del artista es presentar esta pinta en claroscuro que destaca de manera metafórica la idea del “peso” que implica el pasado, el contexto y todo lo que nos rodea en un viaje del cual no tenemos claro el destino.

Foto: Brian Tallman

3.-Sin título – Felipe Pantone

El artista urbano creó para el Street Art Festival de Bélgica, el código QR más grande del mundo. Conformado por 30 metros de largo por 25 de alto, el mural de Pantone fue realizado durante tres días.

4.-Color Skate – Antonyo Marest

Interesado en el diseño, la fotografía, arquitectura y el filme, podría decirse que Antonyo Marest es un artista “todo terreno”. Marest presenta colores y formas que reflejan su interés por la cultura popular a través de muros, esculturas y gráficas. El trabajo que presentó para Jidar Festival en Marruecos, fu una intervención para un skate park.

5.-Sin título – Banksy

Si hay algo que tiene el trabajo de Banksy es su característico toque político y social. El artista británico realizó este mural que amaneció en Dover, Londres, una ciudad que se conecta con Francia. El mural amaneció en la ciudad el día de las elecciones presidenciales de Francia. Muestra a una persona que se encuentra retirando una de las 12 estrellas de la bandera Europea, con lo cual se hace referencia al reciente tema del Brexit.

 

6.-No future – Shepard Fairey

Inspirado en la figura de Trump, Fairey, uno de los personajes más destacados en el mundo del street art de la actualidad, presenta en Berlín un mural que representa las ideas conservadoras y retrógradas de este presidente y que debemos ser partícipes de contruir un futuro sin racismo y xenofobia.

7.-Lab Rat – Bordalo II

Como parte del proyecto Le M.U.R. Oberkampf, en París, Bordalo II realizó otra más de sus obras que pueden ser consideradas un mural-instalación. Hecha de materiales reciclables, el artista portugués presenta nuevamente un interesante trabajo, en el cual a través de la figura de un animal, invita a la reflexión del consumismo y nuestra relación con él.

8.-Sin título- PichiAvo

Si hay alguien que puede conjuntar de manera perfecta lo mejor de las características del arte clásico con la magnitud y el alcance que da el arte urbano, es el dueto español PichiAvo. La dupla realizó un mural para Tons de Primavera, festival de street art en Portugal, para el cual nos dejaron esta impresionante pinta.

9.-Sin título – Kamea Hadar

Kamea Hadar es uno de los artistas más destacados dentro del repertorio de POW! WOW!, el artista quien se inmiscuyó en el mundo del street art a muy temprana edad y nos dejó en mayo con una enorme pinta que se adapta al espacio del edificio donde se realizó el mural.

10.-Sin título – Emilio Cerezo y Deih

Realizado como parte del Citric Festival de España, conjunta lo mejor del graffiti clásico de Cerezo y el involucramiento de otras narrativas que practica Deith. El trabajo para este festival por parte de ambos artistas resultó un mural muy atrayente en la localidad

Segundo Foro Internacional sobre cómic y cine: nuevas posibilidades narrativas

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Realizan el segundo  Foro Internacional sobre cómic y cine

El mundo del cómic, casi siempre ligado a la ficción, cada vez nos da más posibilidades de crear narrativas que pueden o no estar ligadas con acontecimientos reales. Persépolis es una de las grandes apuestas que el cómic no ficcional nos ha dejado: retrata de una manera increíble una sociedad sumergida en la guerra y la sumisión.

Sin duda, el papel que ha cobrado la narrativa gráfica está comenzando a tener un auge y reclamar espacios de exhibición propios. Es por ello que la Biblioteca de México presentó el segundo Foro Internacional de Cómic y Cine.

En la fase de proyección se exhibieron películas basadas en historietas de autor, filmes internacionales que surgieron a partir de novelas gráficas nunca antes mostradas en México (como Avril y el mundo extraordinario, de Jaques Tardi). Y hablando de Persépolis, se proyectó también Pollo con ciruelas, de Marjane Satrapi

Entre la narrativa gráfica mexicana siempre tendremos como referente a Gabriel Vargas, creador de La Familia Burrón, el proyecto que se presentó en la Biblioteca de México exhibió la exposición Monsiváis, Jilemón Metralla y Bomba, con el material menos conocido del ilustrador mexicano.

Otra de las grandes propuestas del foro fue un performance de musicalización en vivo de una historieta.

Además, del 25 al 28 de mayo se realizaron conferencias con personajes del mundo del cine y el cómic como  la ilustradora alemana Aisha Franz, cuyo primer libro, Alien, fue impreso en el 2011; el artista mexicano Rodrigo Sastre, Clément Paillette, programador de cine de la Alianza Francesa y quien ya había participado en la primera edición de este foro, entre otros.

 

Con información de : México es cultura, Noticias Mvs, Aisha Franz, Revista Cactus,

Festival Jidar: el arte urbano modifica el modo de habitar de toda ciudad ☝

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El festival de street art en Marruecos fue realizado del 20 al 30 de abril

Si hay algo que la inmersión del street art ha hecho de manera excepcional, es el intercambio multicultural que conlleva una sola creación: artistas de distintas partes del mundo reflexionan a través del contexto propio sobre diversos temas que son plasmados en imágenes a gran escala. El resultado: un número grande de espectadores de estratos, edades y ambientes distintos.

El Festival Jidar  busca hacer una reflexión de todo este nuevo ecosistema urbano que han generado las creaciones artísticas del street art.

Como pocos programas de este tipo, Jidar no pretende ser únicamente una propuesta para hacer más estética una ciudad, sino que busca hacer una verdadera exploración de las nuevas formas artísticas que se encuentran emergiendo, lo cual deriva en la gestación de una narrativa urbana.

La edición 2017 del festival reunió a artistas internacionales como el español Antonyo Marest, cuyo trabajo además del arte urbano se enfoca en el área textil y el diseño industrial; David Rocha, reportero gráfico, diseñador y director artístico mexicano; Danielle Nitti, el italiano cuya obra se centra en la relación sueño-realidad; Mohamed Lghacham, el artista marroquí cuya obra es una combinación entre la pintura clásica y la fotografía contemporánea; entre otros.


El programa también cuenta con una residencia artística. En esta ocasión, tres artistas fueron los elegidos para realizar este acercamiento con los artistas locales y dar una muestra de su obra: Nofal O-uno, Mehdi Zemouri, y Ayoub Afrofatcap; además de participar en una serie de conferencias y sesiones magisteriales.

La tercera edición del festival fue realizada en Rabat, Marruecos, del 21 al 30 de abril. Los artistas quienes presentaron su trabajo en la muestra fueron elegidos por su inmersión en el tema de los patrimonios (fuera o dentro de su propio país), y las culturas populares.

 

Con información de: Street art News, Jidar, LIQUEN y graffiti street .

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