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¡Regresa Zona Maco Foto y Salón del Anticuario!

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La feria se realizará del 20 al 24 de septiembre

Zona Maco es considerada una de las ferias de arte contemporáneo más influyentes de Latinoamérica, es por ello que su convocatoria alcanza a galerías y artistas internacionales. Aunque el proyecto original que creó Zélika García en el 2002 se han adherido otros más, que hacen aún más atractiva la gran propuesta curatorial.

Zona Maco Salón del Anticuario surgió hace cuatro ediciones como una propuesta que busca atraer a los coleccionistas de objetos antiguos como relojes, pinturas, esculturas, tapetes, monedas, y más objetos producidos antes de 1950. Este proyecto ha triplicado el número de asistentes a la muestra, respecto a su primera edición.

En esta sección dedicada a los artefactos antiguos han participado recintos como el Muzeion Gallery, de Dallas; la casa de subastas Morton; Safra Antigüedades, con sede en Barcelona y Miami y el Faubourg Saint Germain, de Londres.

Un año después de la primera edición del Salón del Anticuario, surgió Zona Maco Foto, un proyecto que presenta el trabajo fotográfico (antiguo, moderno y contemporáneo) de artistas destacados.

El concepto ha involucrado la participación de instituciones como el Museo Archivo de la Fotografía y galerías como raffaella de Chirico Contemporanea, de Turín; Espai Tactel, de Valencia; Galería Freijo, de Madrid; MAMA , de los Ángeles, entre otras.

Ambas partes del programa artístico de Zona Maco se presentarán de manera simultánea en el Centro Citibanamex, del 20 al 24 de septiembre.

Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

in Blog/Español/Exhibiciones

La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

Revolutions per minute: celebrating 12 years of Nuart Festival

in Blog/English/Exhibiciones

Nuart Festival and Nuart Gallery will have an exhibition at Saatchi Gallery in London in 2018

Nuart Festival is one of the most important urban art events in the world. It gathers 10 national and international artists annually to collaborate on non-legal and legal practices in public places. It also has an art gallery in Norway called Nuart Gallery, which focuses on the producing and exhibiting street art projects.

From November 29 to January 7 2018, Nuart Festival and Nuart Gallery will exhibit Revolutions per minute, a show that will feature prints and original artworks of different urban art styles at Saatchi Gallery in London, one of the most important contemporary art galleries in the world.

The exhibition will commemorate the 12 years that this organization has supported urban art.

Artworks by international artists, such as Martha Cooper and Jamie Reid, as well as pieces by emerging Norwegian talents that have collaborated in the festival throughout its twelve editions, will be featured at the exhibition.

Nuart Festival and Nuart Gallery were created to promote and broadcast street art in all its forms: from stencil art to figurative muralism.

Nuart Gallery was founded to present exhibitions and art projects at a regional and national scale in Norway. Their programs are designed to delve into and question the mechanisms of power and politics in public spaces.

Nicolás Romero Ever inaugura exposición individual en galería italiana ?

in Blog/Español

El artista argentino presenta muestra individual en galería de Italia

Fotografías: Galería Varsi y Nicolás Romero

Rostros conocidos, expresiones destacadas, miradas que impactan… es el trabajo de Nicolás Romero, en el cual, los rostros adquieren significados totalmente alejados de lo que la reproducción hiperrealista podría representar. Es conocido por reinterpretar los cuerpos y mostrar a través de imágenes su perspectiva del mundo.

Pensar que las revoluciones se contaban en las paredes dice mucho de esto, digamos, que es una manifestación directa de la sociedad para ella misma. Creo que el graffiti es un nexo con la gente, por lo menos es lo que a mi me gusta explorar de este hermosa actividad.

 

Así es como define Romero su pasión por el graffiti, el artista que nació en Buenos Aires, Argentina y quien se inició en el mundo del arte urbano en los años 90. Descubrió su estilo al trazar la figura de su novia, a partir de ese momento, nació su interés por dibujar cuerpos humanos. Es considerado uno de los artistas más importantes en Latinoamérica.

Quiéreme, es la muestra individual del artista argentino que reúne una serie de trabajos que permiten generar cuestioanmiento y reflexiones al espectador sobre la relación que existe entre el cuerpo humano y el espacio público. La exposición se encuentra en Varsi, galería italiana.

La muestra curada por Chiara Pietropaoli estará abierta hasta el 15 de julio en

 

Con información de: galería Varsi, The City Loves You y Eversiempre.

Las tres ferias de arte más importantes en Argenina y su Bienal de Perfomance

in Blog/Español

Fin de semana artístico en Argentina

Hay algo que celebrar en el mundo del arte a nivel internacional: cada vez surgen mayores propuestas que presentan el trabajo de figuras emergentes, artistas consolidados y muchas nuevas formas de expresión en múltiples plataformas y materiales. Argentina no es la excepción.

Considerada la feria de arte más antigua de América Latina, arteBA reúne la participación de 90 galerías y 370 artistas nacionales e internacionales. La obra más cara de esta feria fue una escultura del artista colombiano Fernando Botero valorada en tres millones de dólares.

Claudia Fontes y su obra El problema del caballo ha sido de los trabajos más destacados de la Bienal de arte en Venecia, y por supuesto, también ha resultado un involucramiento del público con su obra, por lo cual, durante la edición 26 de arteBA se presentarán charlas con la artista argentina.

Como una extensión de arteBA, este año se realizó la primera edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Argentina (FACA), la cual concluyó el 28 de mayo.

FACA ha proyectado videoinstalaciones  en una pantalla LED, diálogos con los artistas, intervenciones y performances en el Hipódromo Argentino de Palermo y escenarios musicales con sets de Djs y artistas contemporáneos.

Segunda Bienal de Performance

Cada vez más, las distintas formas de expresiones artísticas están reclamando espacios propios de exhibición. El performance permite a través de la exploración del artista una especie de aproximación a la naturaleza que involucra la expansión y autoconocimiento del propio cuerpo. Dicha práctica comenzó a cobrar importancia en la década de los 70 y ello derivó en que en el 2015 el país sudamericano presentara la primera edición de este certamen.

La propuesta involucró la participación de 100 artistas nacionales e internacionales. Su edición 2017 comenzó el 13 de mayo y concluyó el  siete de junio.

En esta ocasión también se incluyó la participación de artistas-curadores involucrados en la investigación artística. Además también hubo seminarios, conferencias y encuentros de los artistas con el público.

 

Con información  e imágenes de: BP.17, El País, claudiafontes.com, arteBA y mapadelasartes.com

Galería de Hong Kong presenta la mayor muestra de arte vietnamita ?

in Blog/Español

La muestra está conformada por 40 piezas de artistas vietnamitas

DEPARTURES: Intersecting Vietnamese Modern Art, la nueva muestra de Richard Streitmatter-Tran es un recorrido por el arte contemporáneo que además se inmiscuye dentro de una perspectiva que ha influenciado no sólo en el arte, sino en el contexto social de Vietnam: la guerra.

Straimatter-Tran hace un recorrido por el trabajo de artistas como Le Poh, cuyo trabajo artístico comenzó en París con una beca estudiantil del Ecole des Beaux-Arts ; las pintoras Lê Thị Lựu y Mai Thứ, entre otros. 

El conjunto de piezas va desde la utilización de la acuarela en seda, arcilla, hierro. Es una muestra en la cual se puede ver la evolución en cuanto a materiales de exposición y resulta un parteaguas histórico de la visión artística pre y postbélica.

 

Richard Streitmatter-Tran fue fundador en el 2010 del proyecto DIA/PROJECTS, su campo de estudio se involucra en la arquitectura, el arte contemporáneo, el diseño y muchos más.

Streitmatter-Tran ha expuesto en lugares como la 52 Bienal de Venecia; Kandada Art Space, Tokio; Hugh Lane Gallery, Dublín; Art Tech Media06, Barcelona; entre otros.

La muestra además de ser la primera exhibición en solitario del artista americano-vietnamita, es la primera en conjuntar un número tan grande de obras importantes en el país.

Fundada en 1977, De Sarthe Gallery surgió como un espacio de exhibición en París que después se trasladó a Hong Kong y Beijin. La galería ha presentado el trabajo de artistas internacionales cuyo trabajo se centra el ámbito contemporáneo e histórico; entre ellos han estado Chen Zhen, Bernar Venet, Auguste Rodin, Hans Hartung, entre otros.

 

Con información de: De Sarthe Gallery, DIA/PROJECTS y The art newspaper .

 

 

Morfología de la guerra: la peor cara de los conflictos bélicos

in Blog/Español/Exhibiciones

La artista ucraniana expone su trabajo simultáneamente en Puebla y la CDMX

Fotos Cenart y cortesía Sveta Bedareva

“Pienso que a través del arte es que se puede hablar de todos estos monstruos ideológicos con los que cargamos”, expresa Sveta Bedareva, artista ucraniana quien presenta su exposición Morfología de la Guerra, en el la galería principal de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, en el Centro Nacional de las Artes (Cenart)

Una serie de seres híbridos, una especie de combinación entre personajes mitológicos, animales salvajes, protagonistas bíblicos y seres humanos recibe a los visitantes a la exposición. A primera vista, las imágenes parecen sacadas de un libro de alebrijes, pero es justo la mirada a detalle que hace ver otro aspecto más allá: el de la crueldad bélica.

Fue en el 2015 que Sveta Bedareva comenzó este proyecto, producto de los conflictos políticos y sociales que se desencadenaron en ese año en Ucrania.

Su trabajo consistió en una serie de análisis de manuscritos y bestiarios medievales en los cuales, de manera metafórica, la ucraniana encontró una serie de similitudes con estos monstruos que nos creamos producto de guerras (y en este caso podríamos hablar de ellas en cualquier momento y contexto de la historia), posteriormente realizó una reproducción manual de dichos seres.

El resultado fue impreso en gran formato para después ser instalado en las salas de exposición. La contemporaneidad no sólo se da de manera metafórica, algunos de los personajes que la artista creó portan armas que podrían resultar familiares para los asistentes. La nostalgia,  el sentimiento de crueldad y deshumanización que produce ver una imagen que pareciera ser un ángel portando un conglomerado de metralletas, es impresionante.

“La experiencia en este caso es diferente. En Puebla la configuración del espacio está hecha para que los visitantes entren por una puerta pequeña de manera que se ‘enfrentan’ directamente a los monstruos. Aquí hay mayor dinamismo”, explica la artista de 29 años, quien actualmente se encuentra realizando su doctorado en el Courtauld Institute of Art de Londres.

La muestra también se exhibe en Puebla en el Museo Taller Erasto Cortés, donde Bedareva es profesora. Asimismo será partícipe de la V Bienal Internacional de Odessa, en Ucrania.

Los trabajos más destacados hasta el momento en la Bienal de Venecia ?

in Blog/Español/Festivales

La edición 57 del festival inició el 13 de mayo y finalizará el 26 de noviembre

Luego de una evolución que involucró el desarrollo de los métodos de exposición en el arte, las distintas vanguardias, el arribo del arte contemporáneo y la inmersión del cine, el teatro, la arquitectura y la danza, la muestra internacional vuelve en su edición 57.

Pintura, música, cine, teatro, instalaciones. La Bienal de Venencia es de los eventos artísticos más importantes del mundo.

Algunos de los trabajos más destacados son:

La instalación Support en hotel Ca’ Sagredo del artista italiano Lorenzo Quinn, cuyo trabajo se enfoca en la escultura. Este trabajo se centró en una reflexión sobre el calentamiento global y las inundaciones como una de las consecuencias.

El también escultor y artista contemporáneo Takahiro Iwasaki, quien ha exhibido su trabajo en países como Australia y Francia, presenta en el pabellón de Japón Turned Upside Down, It’s a Forest.

Una de las características destacadas de esta presentación es la inmersión de la tecnología en algunas instalaciones, lo que resulta un paso artístico del cual será testigo este festival.

El pabellón más aplaudido ha sido el alemán. La propuesta del país europeo lo ha llevado a ganar dos leones de oro en la edición 57 de la Bienal de Venecia en dos categorías: mejor pabellón nacional  y  mejor artista con el trabajo de Anne Imhof; una obra que reúne instalación, escultura, actuación y pintura. El trabajo es nombrado Faust. 

Inspirada en la pintura La Vuelta del Malón, El Problema del Caballo, es la muestra escultórica que representa a Argentina, de la mano de la artista Claudia Fontes y que resulta un recorrido por el arte desde el siglo XII hasta la actualidad.

Arte y política

La bienal se caracteriza por su diversidad de artistas, estilos y medios. Algunos pabellones han dedicado su presentación a temas (o personajes) coyunturales.

La artista venezolana Nina Dotti realizó en el pabellón del país sudamericano una protesta llamada Yo soy Venezuela y tengo derecho. Vestidos de negro, los participantes entraron al pabellón con pancartas que referían su oposición al régimen de Nicolás Maduro, sin emitir sonidos.

Es de esperarse que en alguno de los tantos artistas que se presentan en este festival dedicaría su muestra a Donald Trump. El pabellón estadounidense, a través del artista californiano Mark Bradford exhibe gran parte de su trabajo sobre la actual administración estadounidense.

La muestra permanecerá abierta hasta el mes de noviembre.

 

Con información e imágenes de: The atlantic, El Nacional, El Universal,

Food for thought: metáforas de la comida ?

in Blog/Español/Exhibiciones

Proyectos Monclova presenta la muestra más reciente de Raúl Ortega Ayala

Fotografías: Mónica Vázquez y Cristina Ochoa

Un cúmulo de gente al borde de la desnudez, la multitud en medio de la enjundia se pinta de pronto de color rojo, las personas invaden aquello que en cualquier otra situación habría sido representación de lo invasivo: es  la Tomatina, el festival en España cuyo origen se ha perdido con el paso del tiempo.

La video instalación forma parte de la muestra Food for thought, la más reciente exposición de Raúl Ortega Ayala. ¿Es la comida un medio para satisfacer únicamente una necesidad fisiológica o será que esta actividad podría vincularse con otros rubros de la sociedad, como la política, por ejemplo? Es la pregunta que rige la muestra del artista mexicano radicado en Nueva Zelanda.

La cinta sobre el festival español se encuentra paralela a otra video instalación: un chico que come a toda velocidad un conjunto de hot dogs, en el restaurante Nathan’s, en Coney Island, lugar conocido por realizar competencias de comida. Las secuencias resultan grotescas, pero es justo la sensación de lo extravagante y caricaturesco lo que envuelve la intención de esta propuesta: el absurdo derroche de alimentos en contraste con las miles de personas en situación de hambre.

Arte y comida

“No es necesariamente que yo trate de vincular el arte con la comida, sino que estoy tratando de hablar de la comida a través de los elementos que existen en ese mundo, que terminan siendo culinarios o diferentes a la comida”, comenta para ALL CITY CANVAS, Raúl Ortegael artista cuyo trabajo se centra en investigaciones de muy diversa índole; para esta muestra en específico, se inmiscuyó en el oficio de la carnicería.

– Utilizas pintura, video, la misma comida como parte de la muestra, ¿cómo surge esta heterogeneidad en la elección de la forma en que expones tu trabajo?

– La serie tiene muchas salidas, de alguna manera busco la manera de juntar todos estos elementos para que se haga énfasis en algunas de las ideas de la serie. No están todas, pero siempre busco cuál será la mejor salida para cada una de las piezas

– ¿En qué punto convergen estas piezas?

– Yo siento que el punto de los ciclos, la idea del gasto innecesario o derroche, en la generación de expectativas, y al mismo tiempo esta descomposición de las mismas. En cómo se nos presenta una cosa de una manera y resulta ser otra cosa.

En la sala inferior de la galería Proyectos Monclova se presentan una serie de elementos que podrían considerarse un componente disruptivo en el proyecto del artista: un recorrido histórico por uno de los momentos sociopolíticos más impactantes de todos los tiempos, el ataque a las Torres Gemelas, el 11 de septiembre de 2001. Una serie de pósters, mapas, periódicos y fotografías se exhiben en la pequeña sala. Al final, una mesa llena de apetitosos bocadillos se encuentra a la espera de los visitantes. El artista explica que durante su investigación, algunos de los materiales con los cuales fueron realizados los platos fueron reutilizados de los componentes de los edificios de Estados Unidos.

“Si la gente termina reflexionando un poco sobre la comida, más allá del mero sustento y piensa en los elementos políticos, identitarios (individual y colectivamente), para mí ya es una ganancia”, finaliza Ortega Ayala sobre la muestra que estará abierta hasta el 10 de junio.

 

Artwork by Shepard Fairey and Kara Walker for an NGO auction!?

in Blog/English/Exhibiciones

Young New Yorkers seeks funding for philanthropic projects

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Briana Prieto F.

On May 10th, the Young New Yorkers (YNY) auction featured artworks by 180 artists, including Shepard Fairey and Kara Walker. The objective of the event was to promote the artistic projects that YNY develops for young people to involve them in cultural activities and eradicate the violence they witness in the different places they reside.

“Horsing Around” by Sean Lugo

“Homer in the Bush” by Hanksy

Celebrities like Michael K. Williams – who is rumored to be Barack Obama’s favorite actor – attended the auction. Williams is very interested in fostering a new culture against violence; he also exhibited his work at the auction.

“Stop Police Brutality” by Icy & Sot

“L.I.C. (Long Island City)” by UR New York

Among the artists whose pieces were auctioned was the “unknown” artist from Chinatown, Hanksy; the photographer, filmmaker and creator Sina Basila; the designer and muralist Lawrence Ciarallo; the project Cash For Your Warhol, among others.

“Commuter” by City Kitty
“Stars (pink)” by Tom Smith
“Psychic Power of Animals 38/50” by Faith 47

For more visit http://www.youngnewyorkers.org/

Salesforce Tower, la instalación más alta de EEUU ?

in Blog/Español

El edificio contará con instalación de Jim Campbell

 

Estamos a unos meses de que se inaugure Salesforce Tower, el edificio más alto de California, y ya ha dado de qué hablar, mide 326 metros de altura, la torre costó alrededor de 1.4 millones de dólares y contará con la instalación más alta de Estados Unidos.

Los últimos nueve pisos de la estructura fueron intervenidos por el artista estadounidense Jim Campbell. La punta del rascacielos ahora tiene una fachada singular: por las noches, la gente de San Francisco podrá visualizar imágenes iluminadas, algunas de ellas tomadas el mismo día de su proyección.

La obra que está integrada por 11 mil leds, le llevó al artista tres años de trabajo en conjunto con su estudio de trabajo Dogpatch.

Jim Campbell es uno de los pioneros en el uso de los leds como parte de proyectos artísticos. Es ingeniero por el Instituto tecnológico de Massachusetts (MIT), y ha expuesto su trabajo en lugares como el Metropolitan Museum of Art, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Berkeley Art Museum, uno de sus trabajos más impresionantes fue realizado en Hong Kong. Sus obras además de ser llamativas visualmente, son un acercamiento a la relación que tenemos con la tecnología.

El proyecto forma parte del programa “San Francisco uno por ciento para el arte”, el cual obliga a empresarios a destinar al menos uno por ciento del costo de cada proyecto a favor del arte público.

 

Con información de Jim Campbell TvCurbed San FranciscoTime Out e Iluminet .

Trabajos de Shepard Fairey y Kara Walker en subasta para una ONG

in Blog/Español

Young New Yorkers busca obtener fondos para sus proyectos filantrópicos 

Fotografías: Briana Prieto Fuentes

El 10 de mayo se realizó la subasta de Young New Yorkers (YNY) en la cual participaron más de 80 artistas, entre los que se encontraban los trabajos de Shepard Fairey y Kara Walker. El objetivo del evento fue impulsar los proyectos artísticos que desarrolla y promueve YNY para jóvenes, con el fin de involucrarlos en actividades culturales, y de este modo erradicar el ambiente de violencia del que puedan ser testigos en sus diferentes lugares de residencia.

Durante la recaudación de fondos participaron personalidades como Michael K Williams, quien se rumora, es el actor favorito de Barack Obama. Williams es una de las personalidades más interesadas en el fomento de una nueva cultura contra la violencia; además también expuso su trabajo pictórico durante la subasta.

Entre los artistas cuyas obras fueron subastadas también se encuentran el incógnito artista de Chinatown, Hanksy; la fotógrafa, cineasta y creadora Sina Basila; el diseñador y muralista Lawrence Ciarallo; el proyecto Cash For Your Warhol, entre otros.

 

 

 

 

Interview with Matteo Amadio, one of BLOOP’s festival founders

in Blog/English/Entrevistas/Festivales

The festival aims to bring art to the public

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

“I fell in love with Ibiza. It happened by chance, but I decided that I wanted to spend as much time here as possible, not only because it is an island of celebration, creativity and transgression, but also – and above all – for tolerance,” said Matteo Amadio, one of the founders of Bloop. In an interview with ALL CITY CANVAS, he told us about the beginning of the festival and the reasons why it’s necessary to expand art to the people.

BLOOP, the proactive art festival, returns this 2017 with a new theme: Changes. Ibiza will be the venue of the festival, an island built on prejudices and a lack of control and excesses, which they seek to undo through Bloop’s proposal.

The festival has been going on for 6 years. The idea of bringing art to the public for free is to generate interaction between the work and the spectators, and break the barriers between art and its attendees.


Why choose the word Changes as the theme for this year?

We’re coming from a great period of economic crisis. Adding to that the unexpected changes, such as the UK’s choice to leave the European Union and the United States’ decision to choose Trump as president, raising grave uncertainties. Just think about how the relationship with technology has changed the way we socialize. That is, if we look at the present, the past or the future, the hottest issue today is just that.

Photo by Marc Colomines

Each year’s theme is chosen based on experiences and anecdotes from Matteo Amadio’s world. At some point, after an infidelity by his ex-girlfriend, he brought together artists who had gone through the same situation and wanted to express their feelings through art.


“When my ex-girlfriend cheated on me, I decided to organize an exhibition in Milan with artists who had lived the same experience and would want to express their feelings through art. With Bloop we seek to expand the horizon a little more, we look at the reality of cultural, social and geopolitical scenarios,” said Amadio.

Photo by Mar Colomines


Art eliminates nationality barriers; do you think BLOOP can cross borders?

We would definitely like this experience to be expanded to other cities. However, before venturing into new territory, we must understand the local scene perfectly, especially if we have a proposal like Bloop; we have to find local partners to maintain the spirit we’ve created in Ibiza.

The objective is fulfilled each year. The public approaches art. People gather and art gains ground to create a new type of tourism. The “changes” are not only achieved onstage or for festival’s theme, but in everything that surrounds it.

This year’s edition of BLOOP will be held from August 23 to September 16 aiming to continue the essence with which it was created: making art accessible to all. This has been achieved through the styles of some artists such as INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper and more.

This renowned festival is almost here. STAY TUNED!

ENTREVISTA a Zosen Bandido y Mina Hamada: El arte de la improvisación

in ACC Network/Blog/Entrevistas/Español

Graffiti, diseño e ilustración, el trabajo del dueto desde el 2012

El lugar de trabajo en que se encuentra Zosen Bandido está repleto de colores. Las imágenes que se exhiben en las paredes del lugar hacen recordar, quizás a su reciente intervención en el festival de la Segavecchia, Italia. Sin embargo, los personajes que  destacan en los lienzos de este día, reflejan parte de las tradiciones mexicanas.

Zosen no deja de preguntar por Mina, el elemento que falta para que la dupla se encuentre entera. No cabe duda: el argentino se siente incompleto sin la chica que conoció en uno de los talleres que impartía, y cuya presencia, afirma, le impactó desde la primera ocasión que la vio. Desde el 2012, el dueto trabaja en Barcelona.

En ALL CITY CANVAS, entrevistamos a los artistas  Zosen Bandido y Mina Hamada, quienes presentan actualmente una exposición en TOBA Gallery.

Mientras realizan sus obras, Mina Hamada y Zosen Bandido escuchan  música tropical combinada con jazz, preferentemente del colectivo del Reino Unido, Sofrito. Les dejamos con la Playlist del dúo.

Jonathan LeVine Projects lanza convocatoria en busca de nuevos artistas para su próxima exposición

in Blog/Español

El 5 de julio se cierra la convocatoria

Fotografías: Jonathan LeVine Projects

Jonathan LeVine es uno de los referentes más destacados en el mundo del arte actual; su inmersión en el terreno artístico surgió en la década de los 80 a través del graffiti, el punk, el cómic y los tatuajes. Hoy, Jonathan LeVine Projects (JLP) es uno de los espacios de exhibición más influyentes a nivel internacional y actualmente se encuentran en búsqueda de artistas de todo el mundo para su próxima exposición.

JLP se destaca por la diversidad de propuestas artísticas que presenta en cada exhibición.

Se seleccionarán los tres mejores proyectos y serán galardonados de la siguiente manera:

Primer lugar: exposición individual en JLP.

Segundo lugar: exposición colectiva en JLP.

Tercer lugar: promoción del proyecto en las redes sociales de Jonathan LeVine Projects.

A inicios de 2017, JLP cambió su sede ubicada desde 2005 en Chelsea, para mudarse a Nueva Jersey, lugar en el cual LeVine creció y donde surgió su interés por el mundo del arte. El espacio ha presentado a artistas como Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, entre otros.

El 5 de julio es la fecha límite de envío de las propuestas artísticas. Para conocer más sobre las bases de la convocatoria, consúltalas directamente en la página de JLP.

 

Jonathan LeVine Projects is looking for new artists for its first ever art competition!

in Blog/English

Delusional is its name

Text by Cristina Ochoa

Photos by Jonathan LeVine Projects
Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva


Jonathan LeVine is one of the most renowned figures in the art world today. His immersion in the artistic field sprung in the 80s through graffiti, punk, comics and tattoos. Today, Jonathan LeVine Projects (JLP) is one of the most influential exhibition spaces at the international level, and they’re currently looking for artists from all over the world for their next exhibition.


JLP stands out for the diversity of artistic proposals it presents in each exhibition. The three best projects will be selected and awarded as follows:

First place: an individual exhibition at JLP.

Second place: a collective exhibition at JLP.

Third place: promotion of the project on Jonathan LeVine Projects’ social networks.

In early 2017, JLP moved its headquarters from Chelsea, where it was located since 2005, to New Jersey, where LeVine grew and where his interest in art began. The space has featured artists such as Shepard Fairey, Alessandro Gallo, Nychos, Augustine Kofie, among others.

The deadline for submissions is July 5 and you can find the entry requirements right here. Best of luck to all “competing” artists!

Obras de Banksy, Warhol y Shepard Fairey en subasta en Los Ángeles

in Blog/Español

Umbrella Rat, obra de Banksy que puede ser la mejor pagada

Sin duda, Bansky es de los nombres más sonados en el mundo del arte urbano. El artista británico no sólo ha sido controversial por su incógnita personalidad, o por sus trabajos cargados de una crítica socio-política, sino también por lo bien valuadas que resultan sus obras.

La casa de subastas Julien’s Auctions pondrá a la venta más de diez obras del artista británico el 31 de mayo. 

La pieza que los organizadores consideran puede ser la mejor pagada es el dibujo original hecho con aerosol, Umbrella Rat, el cual estiman puede ir de los 30 a los 100 mil dólares. También estarán ofertados Black Bobby, Bomb Love, entre otros.

 

Michael Doyle, representante de Julien’s Auctions considera que el trabajo de Banksy mantiene su importancia por la carga política de su mensaje. Comentó que es muy raro encontrar obras de artistas urbanos que sean verdaderamente provenientes de las calles.

En la subasta que se realizará en Los Ángeles también se incluirán trabajos de Shepard Fairey y una serigrafía hecha por Andy Warhol a Mick Jagger, vocalista de los Rolling Stones, en 1975.

En el 2008 fue vendida la obra de Banksy más cara del mundo: Keep it Spotless fue subastada por 1.8 millones de dólares. Otros de los trabajos del artista británico más costosos han sido Laugh now en el 2013; Kissing Coopers en 2016; Space girl and bird (cuyo precio se estimaba en 30 mil dólares); Think Tank en 2013, entre otros.

 

Con información de: Wide Walls, ABC Cultura, Milenio y Channel NewsAsia

Spectrum Indian Wells honors the best of contemporary art in California

in Blog/English/Exhibiciones

Yenny Cocq, Hollander Gallery and Essence Arts were awarded for the 2017 edition

Text by Victor Arturo Valencia

Translation by Briana Prieto F in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Spectrum / Robert J. Hibbs

 

Spectrum Indian Wells has come to an end, one of the most important contemporary art fairs took place in Coachella. This year, the jury recognized the best in painting, installation, sculpture, and other artwork, and awarded both galleries and artists.

Some of the awards granted by Spectrum were:

1. Best sculpture: Yenny Cocq is an artist interested in natural landscapes.

She works with various mediums such as architecture, engraving, sculpture and painting. As an artist, she seeks to explore artificial structures, represent their emotions, imagination and repressions.

2. Best new exhibition: Vandegraaff Gearheardt, artist who works with both new and old objects in his pieces. Handicraft, sounds and technology are part of the beginning of every creative process he initiates. He has a compilation of electronic music that he uses for his different artworks.

3. Best international exhibition: Renssen Art Gallery. Erick Renssen is a Dutch artist, renowned for his lithographic and linocut work. He has recurring themes in his work, including portraits, still life, urban landscapes and family life. He has his own gallery located in Amsterdam.

4. Best booth design: Essence Arts, a design and art studio where colors, images and objects converge dynamically in a shared space. For this edition of Spectrum, they exhibited the work of artist Tom Boatright in their booth, who uses his paintings to create physical and psychological experiences.

Artworks by Tom Boatright and Essence Arts

Christopher Williams was the artist chosen to create a specific exhibition for this edition of the fair. He is part of the Desert Aids Project Art Gallery, an affiliation that has given him the opportunity to grow professionally.


Thanks to Spectrum, the heart of the Coachella valley created a union between art enthusiast and artists, giving people the opportunity to meet authors like Jeffrey Bisaillon, Anita Lewis, Lisa Ashinoff, James Paterson, among many others.
Live demonstrations by artists such as Maria McDonough, Greg Barnhart, Juan-Manuel Alonso, Robin Raznick and Alan Krugs also took place.

The fair achieved a very interesting integration between art collectors, universities, local art institutions, alternative venues, emerging artists and spectators.

 

Casa Prada llevará cine experimental a Italia

in Blog/Español/Exhibiciones

Después de 50 años New American Cinema regresa a Turín  

En mayo de 1967, Jonas Mekas junto con el New American Cinema Group (NACG) y la Unione Culturale di Torino comenzaron un movimiento de cine con un enfoque “anti narrativo” que buscaba separarse de la estructura hollywoodense típica: el New American Cinema, una exposición que causó revuelo y que la reconocida firma italiana de moda Prada volverá a llevar a la ciudad europea 50 años después.

Eran finales de los 60 y un grupo de 23 productores independientes se encargaron de presentar una serie de filmes cortos que poco tenían que ver con las estructuras narrativas cotidianas, y que desafiaban incluso el costo de las producciones, pues se realizaban con bajo costo.

Luego de un trabajo de investigación  y un proceso de digitalización, la Fundación Prada de la casa de modas italiana presentará del 1 al 30 de abril, 30 películas de las 63 originales que se realizaron durante la primera presentación. En concordancia con el programa del 67, la apertura del proyecto será el filme de Mekas, The Brig.

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Como parte de un proyecto que busca retomar la importancia de la influencia que causó, de la misma forma que durante la presentación del trabajo de NACG,  Casa Prada realizará una serie de debates y además exhibirá “Quaderno”, una recopilación de artículos y escritos inéditos donde se presentan transcripciones completas de los debates hechos en 1967.

De acuerdo con Mekas, el movimiento estaba orientado a fomentar “el aspecto poético de la autoexpresión” y con ello se lograba el desarrollo del lenguaje y la sintaxis.

La muestra corrió a cargo de Germano Celant, el crítico e historiador de arte quien acuñó el término de arte povera en 1967 para describir un movimiento artístico italiano en el que los materiales utilizados son desechos sustraídos de la naturaleza como hojas, madera y piedras.

 

Con información de: Casa Prada, arte.it,El Universal

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