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New York

Las figuras de fieltro de Lucy Sparrow llegan a Los Ángeles

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Su exposición tendrá 31,000 artículos variados

La artista británica Lucy Sparrow presentará su primer exposición en The Standard en Los Ángeles, donde expondrá 31,000 artículos de tienda hechos a base de fieltro después de su gran éxito en New York.

Donde abrió una pequeña bodega/exposición llamada 8 ”Till late” en la cual puso a la venta 9,000 productos clàsicos que encontramos en todas las tiendas de autoservicio, desde cereales, refrescos, sopas enlatadas y dulces.

Cortesía: Lucy Sparrow

Esta bodega estaba prevista para cerrar el próximo 21 de junio, pero gracias a la popularidad entre los habitantes y amantes de arte, las piezas se fueron acabando hasta dejar a la tienda sin suministros, trayendo así la oportunidad de abrir una nueva exhibición con mayor cantidad de productos.

Cortesía: Lucy Sparrow

La experiencia de visitar una tienda era muy completa, se localizaban estantes en los cuales encontraras todo tipo de productos que hay en una tienda, y en recepción pagabas y encontrabas otros artículos como encendedores, y como en la gran mayoría de tiendas, no podía faltar la experiencia de un robo, en este caso de un pequeño ratón de fieltro que se encontraba en una cubeta de limpieza.

Cortesía: Lucy Sparrow

La misma artista declaró que sus artículos más populares fueron la champaña Moet Chandon, la Ketchup Heinz, pomada Vagisil, Tazas de Mani Reesee y Mantequilla de maní JIF, provocando que se agotaran a las pocas horas de inaugurada la tienda.

Cortesía: Lucy Sparrow

Para su exposición en Los Ángeles, Lucy prepara 31.000 piezas cosidas y pintadas totalmente a mano, que van desde artículos de tocador, comida y hasta películas VHS, aprovechando la ampliación del espacio dedicado a los artículos de super.

Cortesía: Lucy Sparrow

Esta representa hasta el momento el mayor reto de la artista, ya que significa más trabajo, material y a su vez un logro que podría terminar con la venta total de sus obras.

La exposición estará disponible del 1 al 31 de agosto en The Standard, 550 S. Flower St. Los Ángeles, CA 90071.

Repetto Studio une el skateboarding y la danza

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Más que una campaña es una invitación a las mujeres a practicar el skate

La bailarina Lucy Jean forma parte de la nueva campaña publicitaria de la marca  francesa de zapatos Repetto, quienes están rompiendo la línea que separa al skateboarding con la danza y la figura femenina.

Cortesía: Repetto

Esta campaña forma parte de Repetto Studio, una iniciativa de la marca que ha llegado a Nueva York para crear un espacio comunitario para creativos, donde se podrán difundir exposiciones y colaboraciones, motivando así a nuevas generaciones a acercarse a la danza, la moda, el arte y la música.

Lucy Jean es una chica que ya tiene gran experiencia en el ámbito del skate, fundó el equipo de skates GRLSWIRL, quienes se enfocan a llevar  la práctica del deporte hacia las mujeres.

Cortesía: Repetto

En el video promocional y las fotos podemos ver a la bailarina en una long board con un vestido, andando por las calles mientras va patinando y a la vez va mezclando con ello movimientos dancísticos, que hacen ver el movimiento creado por la skate de una forma diferente y bella.

Cortesía: Repetto

Así mismo se le puede ver que rompe con el canon exclusivo de zapatillas deportivas y especiales para poder patinar, ya que como era de esperarse usa un par de zapatillas repetto, las cuales son más casuales y quitan totalmente el estilo urbano al patinar.

A pesar de la explícita campaña, el objetivo no es promocionar meramente un par de zapatillas nuevas para mujer, sino la práctica del deporte por parte de ellas, alejándose del cliché de que es un deporte para hombres.

Cortesía: Repetto

La invitación no es solamente para la práctica, sino también para la forma en la que se hace y la vestimenta, como lo demuestra en el video, no es necesario tener ropa deportiva para poder practicar el skate, ya que también dentro del deporte también hay clasificaciones, y no todo el skate es trucos y piruetas.

Mini documental sobre RAMMELLIZEE

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Uno de los pilares artísticos del hip-hop en los 80

Red Bull Arts New York ha lanzado un mini documental donde recuerdan y cuentan la historia del artista RAMMELLZEE, un icono del arte underground, el hip-hop y el grafiti en New York durante los 80.

El pequeño documental tiene una duración de nueve minutos donde celebran la vida y obra de este artista que fue muy influyente para la cultura popular que estaba emergiendo en ese momento. Fue escrito y dirigido por Oscar Boyson y producido por Elara Pictures

No solo fue influyente por su versatilidad como creador, sino también por haber sido precursor del futurismo gótico, una filosofía que desarrolló durante toda su vida, en el cual explica que las cosas tenían que salirse del marco simbólico impuesto desde un principio. Muestra de esto son sus excéntricas vestimentas que mezclaban desde samurais con robots 

Cortesía: RAMMELLZEE

Así mismo dentro de la música creó una revolución, saliéndose de los cuatro elementos básicos del hip-hop (Rap, DJ, B boy y el grafiti), convirtiéndose en una gran influencia para grupos importantes de rap que de vez en cuando hacían referencia, tales como Cypress Hill o los Beastie Boys.

El documental tiene declaraciones de gente que tuvo la oportunidad de trabajar con RAMMELLZEE o que indirectamente se ha visto envuelta con su obra y legado, tales son los casos del artista  Michael Holman, TorrickABlack, mejor conocido como Toxic y el productor musical Bill Laswell.

Cortesía: RAMMELLZEE

Mismos que explican la visión con la que perciben el peculiar y excéntrico arte del Neoyorkino, así mismo sus experiencias, citando desde las teorías de su nombre, explicando así mismo que no era solo un artista, sino un creador de todo un universo.

Fuera de ello, uno de los objetivos del artista, antes de su fallecimiento en 2010, era el ser un artista reconocido, pero sus características durante su apogeo lo convirtieron en un artista oculto y de culto, que hasta épocas más actuales ha podido sobresalir a la capa más vistosa del arte contemporáneo.

Cortesía: RAMMELLZEE

Este video se realizó gracias al equipo de curaduría de Red Bull Arts de Nueva York, y está tras la exposición RAMMΣLLZΣΣ: Racing for Thunder que se estará llevando a cabo en sus instalaciones hasta el 26 de agosto.

Cortesía: RAMMELLZEE

Doug Aitken presenta una nueva instalación en New York

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Doug Aitken hace un pequeño homenaje a Martin Cooper, creador del Celular

El artista Estadounidense Doug Aitken presentará su exposición “New Era” en 303 Gallery en New York y posteriormente en Galerie Eva Presenhuber de Suiza, donde muestra una instalación con lazos entre Martin Cooper, los celulares, la conectividad y el futuro.

 

Cortesía: Doug Aitken

Dentro de la instalación se puede encontrar un pabellón de forma hexagonal donde el espectador se encontrará con tres proyectores y tres paredes con espejos.

Esta forma crea una pantalla tridimensional, donde el espectador puede ver bucles de luz que van desarrollando ideas plasmadas por el artista, mismas que se consideran de Martin Cooper, a quien se le atribuye como el creador del teléfono Celular.

Cortesía: Doug Aitken

Dentro de esta exposición y de los videos proyectados, destaca uno donde se encuentra Cooper sentado y dice “hola, mi nombre es Martin Cooper: en 1973, mi equipo y yo creamos el primer teléfono celular”, enseguida se desvanece y comienza un juego visual entre Cooper e imágenes de celulares.

Una segunda sala se conecta con esta primera y lleva al espectador a un viaje futurista con luces neón y que contrasta con las expresiones que Martin Cooper demostró en sus primeros patrones de celulares.

Cortesía: Doug Aitken

El trabajo de Doug Aitken se caracteriza por aprovechar al máximo cada una de las herramientas que decida implementar, intentando hacer siempre una instalación que se camuflaje bajo cualquier lugar donde sea exhibida.

El contraste visual de lo real y lo futurista queda muy reflejado en sus obras que terminan siendo líneas del tiempo que quedan a libre interpretación. Su exposición en 303 Gallery inició el 13 de abril y terminará el 25 de junio, de ahí e transportará a Suiza del 9 de junio al 21 de julio.

Cortesía: Martin Cooper

Como dato extra y curioso, el 3 de abril se cumplieron 50 años de que se realizará la primer llamada por teléfono celular, fue en 1973 cuando Cooper tenía que demostrar los avances tecnológicos de Motorola, desde una calle de Nueva York.

Esta primer llamada fue hecha a Joel Engel, su competencia de AT&T, ambos buscaban realizar un teléfono móvil, pero esta fue la forma de decirle a Engel, que ya había ganado esta pequeña competencia tecnológica.

Ahora puedes comprar la puerta de Bob Marley o Andy Warhol del legendario Chelsea Hotel

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Podrás adquirir una de las puertas que usó algún famoso en la época bohemia de NY

Cortesía: Guernsey’s.

El famosísimo Chelsea Hotel ubicado en Nueva York y que cerró sus puertas en 2011, pondrá a la venta a través de una subasta 50 puertas, dónde se podrá recordar un poco de esa aura mágica que el lugar tenía.

Dentro de sus muros hospedó una gran lista de personalidades y de artistas de la época bohemia neoyorquina —Mark Rothko vivió ahí, Jack Kerouac escribió parte de One The Road, Andy Warhol rodó Chelsey Girl en 1966, Arthur Clarke escribió 2001: A Space Odyssey,  Arthur Miller se retiró a la habitación 614 después de su divorcio con Marvin Monroe y un sin fin de historias más.

Podrán adquirirse piezas por las que pasaron también artistas como Jackson Pollock, Madonna, Joni Mitchell, Humphrey Bogart, Bob Marley, Quentin Crisp,  Jack Kerouac y Jon Bon Jovi.

Sin estar en buen estado del todo (tampoco lo estaba ya el hotel) las piezas también serán exhibidas en la Galería Ricco/Maresca a partir del 5 de Abril y hasta el día en que sean vendidas.

Las puertas fueron recuperadas por un residente del hotel Jim Georgiou que fue desalojado en 2011 y después terminó como vagabundo, pero que conocía lo mítico del lugar. El mismo comenzó una larga investigación: después de largas horas en la biblioteca del barrio y de platicar con personal de la recepción que tenía acceso al archivo logró asociar 22 puertas a figuras legendarias.

Georgiou después de acercarse a varias casas de subastas que rechazaron su idea, se acercó a Guernsey’s el año pasado. Así la próxima semana se celebrará la subasta donde aun no se sabe el precio que podrán alcanzar. Lo que sí es que la mitad de lo recolectado irá para la organización City Harvest, que recolecta y distribuye comida entre neoyorquinos de bajos recursos.

Cortesía: Guernsey’s.
Cortesía: Guernsey’s.
Cortesía: Guernsey’s.
Cortesía: Guernsey’s.
Cortesía: Guernsey’s.

 

Stranger Things en Shooping Sneakers de Complex

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Una relación entre Sneakrers y el actor Noah Schnapp de Stranger Things

La serie de vídeos Sneakers Shooping de Complex, lanzó el pasado 2 de abril, un capitulo junto al actor Noah Schnapp, mejor conocido como Will Byers en la popular serie Stranger Things.

En este capítulo Joe La Puma entra en una plática con el joven actor mientras está de compras de sneakers en Stadium Goods en la ciudad de New York, donde termina comprando los Virgil Abloh x Nike Air Jordan 1, un homenaje visual a los Jordan de los 80.

Cortesía: Netflix

La plática inicia con lo difícil que pudo ser el vestir cosas de otra época, haciendo referencia a los años 80, época en la que está instalada la serie de Netflix.

La plática toca temas triviales como ver quién es el actor que tiene la mejor colección de sneakers, donde se Noah menciona que probablemente Caleb McLaughlin (Lucas), ya que junto a Noah, siempre ven quien trae el par más fresco y novedoso para cada evento al que asisten.

Cortesía: Netflix

Hasta cosas comerciales más allá de la serie, como la colaboración con Rebook para lanzar unos sneakers junto a la última temporada el año pasado. Mostrando unos tenis blancos con pequeños dibujos sencillos y la frase “Boooo” haciendo referencia al sonido cliché que hacen los fantasmas.

Cortesía: Rebook

Entre la decisión de comprar un par agradable, el actor llega a los Air Jordan XI Derek Jeter, que J la Puma, le comenta que cuestan $40.000 dólares, a lo que el actor responde que nunca gastaría esa cantidad en unos tenis, que preferiría salir a un lindo viaje que gastar esa cantidad en eso.

Cortesía: Nike

Al final la decisión termina en unos Off White – Air Jordan 1 con el valor de $2.994 dólares,  a los cuales el actor llega simplemente por la atracción visual clásica de los Jordan.

Cortesía: Nike

Si quieres ver el capítulo completo y ver todos los temas de los cuales hablan el actor y el conductor con más profundidad, puedes verlo aquí:

Señalamientos ilustrados en el Barrio Chino de NY

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La historia de los residentes y visitantes de Chinatown en creativas imagenes

Creados por la diseñadora e ilustradora Dingding Hu, quien ha caracterizado su carrera en ser una fiel amante de la observación de la vida diaria. La artista logra crear novedosas señalizaciones públicas haciendo una mezcla importante entre sus personajes, el acontecer diario y los objetos que los rodean.

Estas intervensiones se llevarón a cabo en colaboración con el Museo Chino en Estados Unidos (MOCA), el departamento de arte de NYC DOT  y Dingding, quienes se encargaron de llenar de imágenes de color basadas en la vida de los habitantes de Nueva York, que actualmente se puede disfrutar por las calles del barrio chino de Manhattan.

Cortesía: lonelyplanet

Su creación pretende atraer aún mas la atención de turistas y visitantes amantes de la comida asiática y su cultura, con carteles que poseen un atractivo contenido, lleno de diversión que invita a los ciudadanos a formar parte importante de Chinatown y la diversidad de actividades que en su espacio se pueden realizar.

Cortesía: designboom

Denominado “Bienvenido a Chinatown”, se puede encontrar en las 7 entradas de Chinatown,  esta conformada por una pieza de vinilo ubicada en el Chinatown Kiosk de Canal Street y Walker Street, una malla metálica  bajo el puente de Brooklyn y 45 carteles de aluminio en cada uno de los postes.

Cortesía: designboom

Dingding Hu argumenta haber paseado por el entorno, retratando momentos en cada una de las calles y llevandolos a su estudio personal para así desarrollarlos y lograr que estos cuenten una historia. Tomando como referencia importante acontecimientos, datos sobre la interacción del lugar, haciendo una mezcla de colores fascinantes para la comunidad local.

Cortesía: lonelyplanet

Estas creativas ilustraciones estarán presentes en Chinatown durante 10 meses, para que los ciudadanos locales y turistas puedan apreciarlas y observar desde una danza con dragones, hasta personas disfrutando de actividades recreativas.

El artista “Revok” demanda a H&M por uso de obra

Blog/Español por

Se ha creado un debate entre la ilegalidad y los derechos de autor de los grafitis

El artista Jason “Revok” Williams entró en un pleito legal con H&M por el uso no consentido de sus grafitis en su última campaña “New Routine”. Esto inició el 8 de enero por parte del artista, a lo que la marca ha respondido y creado un debate extenso sobre el uso de la obra.

En la carta redactada el 8 de enero por el abogado de REVOK, se especificaba que el uso no autorizado de esta obra pueda ser interpretada por los seguidores como una relación entre la marca y el artista. Además de infringir los derechos de autor, pidiendo el cese de la campaña inmediatamente.

La obra se encuentra en la cancha de balonmano William Sheridan Playground en Williamsburg, Brooklyn, y dentro de la campaña se puede ver a un modelo que realiza un salto hacia atrás, impulsando la línea deportiva de la marca.

 

H&M actuó por la vía legal y respondió al artista que su obra se trataba de algo ilegal y que los derechos de autor no protegen a las obras creadas bajo este rubro. También justifico haber consultado con el Departamento de Parques y Recreación de Nueva York para saber con anterioridad si se necesitaba el permiso del artista.

Ante la consulta, el departamento alegó que ese grafiti no estaba autorizado, considerandolo vandalismo y desfiguración de propiedad a la Ciudad de Nueva York.

Cortesía: Jason “Revok” Williams

Esta respuesta abre el debate entre si son válidos los derechos de autor o no para el grafiti, ya que esta ley solo establece que la obra debe ser original y estar plasmada en un medio fijo. Mientras tanto, otras leyes tachan de ilegal y criminalizan este tipo de actos.

Por el momento no hay más avances públicos sobre el caso, pero crea expectativas de un fallo hacia el artista, ya que con anterioridad los casos con grafitis no salen con la demanda a su favor, a pesar de ello el debate sigue, ya que H&M no ha quitado la campaña.

 

4ta Trienal del New Museum en New York

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En Nueva York se está llevando a cabo la cuarta Trienal de New Museum, que reúne a 26 artistas que expondrán sus piezas hasta el 27 de mayo. El tema es “Songs for Sabotage” y está conformada por artistas visuales de todo el mundo.

Las obras tienen como objetivo cuestionar la forma en la que los individuos y colectivos del mundo podrían conectar imágenes y cultura con las formas de las estructuras sociales.

Aquí puedes conocer un poco más y ver algunas de las obras que han realizado los artistas que se encuentran en esta exposición:

Cian Dayrit (1989, Manila, Filipinas)

Es un pintor y escultor graduado en Bellas Artes de la Universidad de Filipinas, ha expuesto en UP Vargas Museum, y sus obras tienen mayor referencia histórica, explorando por las épocas coloniales y poscolonial, interesado principalmente en crear a base de la etnografía.

Cortesía: Cian Dayrt

Violet Dennison (1989, Bridgeport, CT, vive y trabaja en Nueva York, Nueva York)

Artista contemporánea que experimenta con objetos comunes, desde sillas, tuberías y televisores. Tiene como base principal las personalidades que se le atribuyen a los objetos, teniendo como efecto final, la disposición del ser humano al hablar con los objetos.

Cortesía: Violet Dennison

Tomm El-Saieh (nacido en 1984, Puerto Rico). au-Prince, Haití, vive y trabaja en Miami, FL)

Desde niño pintaba y se desarrolló con varios pintores de su natal Haití. Sus obras van de la mano con la abstracción, teniendo como pretexto la creación de obras que no necesiten de imágenes para ser entendidas. Así mismo impregna poco de arte haitiano en sus terminados.

Cortesía: Tom Elsiah

Janiva Ellis (1987, Oakland, California, vive y trabaja en Los Ángeles, California)

Esta pintora tiene como característica el retratar personas de origen afroamericano, creando collages su integración en la sociedad actual con un toque de humor ácido.

Cortesía: Janiva Ellis

Claudia Martínez Garay (1983, Ayacucho, Perú; vive y trabaja en Amsterdam, Países Bajos)

Es una artista visual que mezcla diversas técnicas, interesada en ver imágenes históricas, representarlas y estudiarlas. Entre los elementos que usa se encuentran obras en papel, monedas, postales y todo lo que pueda representar historia.

Cortesía: Claudia Martínez

Haroon Gunn-Salie (nacido en 1989, Ciudad del Cabo, Sudáfrica, vive y trabaja entre Johannesburgo, Sudáfrica y Belo Horizonte, Brasil)

Es un escultor que se inspira de las historias que escucha para transformarlas en arte, creando interpretaciones en sus esculturas de lo relevante de la anécdota.

Cortesía: Haroon Gunn

Matthew Angelo Harrison (nacido en 1989, Detroit, MI; vive y trabaja en Detroit, MI)

Realiza impresiones en 3D y adapta sus propias impresoras, logrando imprimir en arcilla. Sus obras intentan explorar los orígenes de la humanidad  y tiene un acercamiento a la cultura africana.

Cortesía: Matthew Angelo

Manolis D. Lemos (nacido en 1989, Atenas, Grecia, vive y trabaja en Atenas, Grecia)

Realiza collages de pintura y escultura, así mismo experimenta con videos. En sus obras logra captar la atención con la estética que estas tienen, a pesar de las manchas distractoras que intencionalmente coloca en ellas.

Cortesía: Manolis D. Lemos

Zhenya Machneva (1988, Leningrado, Rusia; vive y trabaja en San Petersburgo, Rusia)

Su peculiaridad queda en sus obras hechas en tapicería. Realiza cuadros y bordados a gran escala, teniendo como eje principal la ciudad y la tecnología.

Cortesía: Zhenya Machneva

Chemu Ng’ok (nacido en 1989, Nairobi, Kenia, vive y trabaja en Grahamstown, Sudáfrica)

Su obra expone las tensiones ocultas en las diversas sociedades africanas y lo logra con líneas que se mimetizan entre los colores base de sus obras. De igual forma investiga la dinámica de las relaciones a nivel personal, psicológico, político y espiritual; esto le ha dado una herramienta más para sus obras.

Cortesía: Chemu Ng’Ok

Gresham Tapiwa Nyaude (nacido en 1988, Harare, Zimbabwe, vive y trabaja en Harare, Zimbabwe)

Sus imágenes oscilan entre figuración, abstracción y alucinación. Puede llegar a ser desde muy brutal y sentimental al desafíar la caracterización humana y queriendo llegar a mostrar una calidad de vida que a veces es más que imposible.

Cortesía: Gresham Tapiwa Nyaude

Lydia Ourahmane (1992, Saida, Argelia, vive y trabaja entre Orán, Argelia y Londres, Reino Unido)

Realiza de una forma conceptual la mezcla de sonido, video, fotografía y texto en sus obras que exploran temas geopolíticos que sufre junto a su familia.

Cortesía: Lydia Ourahmane

Hardeep Pandhal (nacido en 1985, Birmingham, Reino Unido, vive y trabaja en Glasgow, Reino Unido)

De una forma cruel y animada, Hardeep realiza instalaciones y pequeños videos con personajes que demuestran los efectos psicológicos que la sociedad actual puede llegar a tener.

Cortesía: Hardeep Pandhal

Dalton Paula (nacido en 1982, Brasilia, Brasil, vive y trabaja en Goiânia, Brasil)

Tomando como referencia el cuerpo humano, el artista busca partir de él para llegar a la colectividad. El se muestra  en pinturas, fotografías y vídeo como es silenciado por el miedo, la inseguridad, la individualidad y la fugacidad.

Cortesía: Dalton Paula

Julia Phillips (nacida en 1985, Hamburgo, Alemania, vive y trabaja en Nueva York, NY)

Haciendo esculturas con cerámica, Julia representa objetos que pueden ser usados en el cuerpo humano. A pesar de ser solamente un objeto, este representa la ausencia del cuerpo con movimientos, orificios o colores. No es solo algo físico como ponerte un cinturón, sino va más allá de lo político y social.

Cortesía: Julia Phillips

Wong Ping (nacido en 1984, Hong Kong, vive y trabaja en Hong Kong)

Mediante ilustraciones coloridas y exageradamente vulgares, Wong Ping demuestra la represión en algunos individuos por su orientación sexual. Utiliza figuras divertidas además de jóvenes y adultos como referencia.

Cortesía: Wong Ping

Manuel Solano (nacido en 1987, México DF, México) y trabaja en la Ciudad de México, México)

Es un artista visual que mezcla varias técnicas, desde fotografía, pintura y video. En todas muestra de una forma sutil la crudeza de las cosas, de tal manera que pareciera hecho por un niño.

Cortesía: Manuel Solano

Diamond Stingily (nacido en 1990, Chicago, IL; vive y trabaja en Brooklyn, NY)

Poeta y artista, sus principales preocupaciones son la identidad racial, la feminidad y la infancia. Todo esto contextualizado al lugar donde creció, contestando a la misma vez transfondos económicos y sociales.

Cortesía: Diamond Stingily

Wilmer Wilson IV (1989, Richmond, VA; vive y trabaja; trabaja en Filadelfia, PA)

La marginación social del cuerpo negro como un objeto efímero de trabajo, deseo y repulsión. Esas son las temáticas de sus composiciones y performances, así mismo sus investigaciones sobre el tema lo han llevado a complementar de manera rápida sus exposiciones.

Cortesía: Wilmer Wilson IV

Shen Xin (nacido en 1990, Chengdu, China, vive y trabaja entre Londres, Reino Unido y Amsterdam, Países Bajos)

Este director explora como en conjunto los individuos, la ética, la emoción y el juico logran influir entre ellos. Como si fuera protesta sus películas invitan a la reflexión y en casos radicales a desmantelar estructuras de poder dominantes.

Cortesía: Shen Xin

La variedad de artistas que se aglomeran en esta exposición es basta, el análisisa  al cual nos invita se complementa gracias a las distintas obras y técnicas. Sin olvidar lo más importante, lospuntos de vista originarios de varios rincones del planeta

Fischerspooner estrena su disco “Sir”

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Demuestran con un sonido reinventado que la música club no está muerta

El dúo de electroclash, Fischerpooner, estrenó el pasado 16 de febrero su más reciente material discográfico que lleva por nombre Sir, esto a casi una década de haber mostrado música nueva con Entertainment en 2009.

El sonido de música club de principios de siglo se mantiene muy fuerte en esta producción y como muchas bandas de antaño, la adaptación a los nuevos sonidos es un paso necesario, y este dúo lo hizo de manera favorable, haciendo que te den ganas de salir de fiesta toda la noche de viernes y bailar a su ritmo.

Cortesía Fischerspooner

Está compuesto por 13 canciones y tiene algunas colaboraciones que enriquecen esta nueva etapa de los neoyorquinos, entre ellas con Michael Stipe de REM en la producción y Caroline Polachek de Chairlift en algunas voces.

Visualmente, en tanto a la portada y a los videos musicales que se desprenden del disco, nos muestran un género que musicaliza a la comunidad gay, siendo a la vez irreverente y manteniendo seriedad y el respeto que se merece.

Portada de Sir, Cortesía: Fischerspooner

El blog Highsnobiety definió el disco como “agresivamente gay” por su portada, a lo que el vocalista Casey Spooner respondió, que era su intención hacer una imagen sobre el cuerpo humano e inspirada en la escultura “Belvedere Torso”, mostrar eso antes de la era Photoshop, y que el cuerpo era idealizado en piedra.

Cortesía Fischerspooner

Los principales sencillos de este disco son “Togetherness”, canción en conjunto con Caroline Polachek; “TopBrazil”, y el más reciente “Butterscotch Goddam”, junto a Johnny Magee. Estas tres canciones ya cuentan cada una con su video y reafirman esa esencia que en la que se ha manejado el disco.

Esto puede ser un pretexto perfecto para comenzar una gira y regresar a México, claro si te gustan los shows extravagantes y no te asusta ver a un señor en calzoncillos y atuendos raros en escena, la última vez que visitaron el país fue para el festival Corona Capital 2017.

Buff Monster y Dalek presentan “Spaced Out” en Nueva York

Blog/Español/Exhibiciones por

Los artistas exponen juntos por primera vez en GR Gallery

Del 8 de marzo al 28 de abril, la galería neoyorquina GR Gallery une — por primera vez — a los legendarios artistas urbanos James Marshall, mejor conocido como Dalek y Buff Monster en la exposición colectiva Spaced Out.

Se presentarán 16 piezas creadas especialmente para la muestra, las cuales incluyen pinturas, instalaciones y ediciones que adentrarán al espectador en un viaje psicodélico.

Cortesía: GR Gallery

A través de sus personajes misteriosos, establecidos ya como iconos del arte urbano contemporáneo, Dalek y Buff Monster utilizan sus coloridas y destacadas formas para crear un medio que intenta representar a la sociedad de hoy, llevando el concepto de la cultura callejera a otro nivel, y demostrando que no solo comparten el gusto por el street art, sino también por la estética visual y la vanguardia.

Cada uno de los artistas aporta su toque a Spaced Out. Dalek lo hace a través su alter ego Space Monkey, con el cual interpreta su concepto de un ser humano perdido y sin rumbo en la actual y creciente ola tecnológica. Por su parte, Buff Monster juega con sus icónicos “melties”, y presenta su visión del mundo  a través de personajes amigables y paisajes que demuestran la imaginación constante y la activación de la creatividad.

Cortesía: GR Gallery

La complicidad entre ambos artistas lleva años desarrollándose, pero por cuestiones que salían de sus manos, no habían podido exponer y crear juntos. Ahora GR Gallery les brinda ese espacio, un lugar para el cual el arte urbano es esencial.

Y para darle más impresión a su primera colaboración, reinventaran el espacio de la galería, dando un toque único a su exposición, ofreciendo así un extra al público.

Cortesía: GR Gallery
¿Dónde?
Lugar: GR Gallery, 255 Bowery, Nueva York
Inauguración: jueves 8 de marzo, 2018
Hora: 6 – 9 pm
Duración: 8 de marzo – 28 abril, 2018

 

The Rise of Graffitti Writing: a series on the emergence of street art

Blog/English por

The documentary series will dig into the rise of graffiti and its history over the last five decades

Red Tower Films, a freelance company that focuses on short films, and Art Creative, a French digital platform that produces and  broadcasts art content, will release The Rise of Graffiti Writing, a documentary series that merges the origins and history of graffiti, a movement that has been in existence for five decades.

Renowned artists  like LEE, Futura, FAB5FREDDY, SKEME and Robert del Naja from Massive Attack will be a part of the series.

The first season has 13 episodes, where various artists from New York and Europe share their experiences and knowledge on their practice  of this art genre, that started in the 70’s in subway wagons and public spaces and is now auctioned, collected and  bought for millions of dollars.

Among those intervieweds is Yaki Kornblit, a notorious Dutch gallerist that introduced New York graffiti to Europe, by setting up some of the first exhibitions of this art genre in the old continent, and promoting the careers of the street art pioneers.

The Rise of Graffiti Writing includes the testimony of Charlie Ahearn, a New York filmmaker who’s  had a great impact on the urban art movement. His most famous work is Wild Style, a film that approaches hip hop as a vast culture that goes hand in hand with MCing, DJing, breakdance and graffiti.

The series will be available to view on arte.tv

 

Underhill Walls: street art project in Brooklyn

Blog/English/Entrevistas por

Curators build collaborative facility in Prospect Heights

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F. in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Briana Prieto F.

Brooklyn is considered the “Mecca” of street art, undoubtedly, the American neighborhood has emerged multiple artists who today are considered pillars of the urban style that is currently booming. That is why the curators Frankie Velez and Jeff Beler decided to make an installation in which different artists participate and change the murals every six months.

Underhill Walls is an artistic initiative created by the curators of urban art that seek to “beautify” the streets of the city, Velez and Beler. After having previously collaborated they decided to promote this project that seeks to be kind of a collective installation: artists will be changing the artwork every six months giving it a greater dynamism to the project.


At ALL CITY CANVAS we had the opportunity to interview the curators of this project.
“Jeff and I started working together two years ago when we curated a project on those walls, it was called What’s Your Sign Mural Project. In this new proposal we work with some of the most talented artists in New York and New Jersey”, says Frankie Velez, who since 2007 has been considered as one of the most outstanding independent curators.


During Underhill Walls, “we will change the murals every six months, and the artists who have collaborated may also do something in August at a party that we will be hosting for this project. Artists will have the opportunity to make a new mural prior to the first change that will be in October”, explains Jeff Beler about the proposal that has been positively assimilated by the people of Brooklyn.


– They have worked with Sacsix, Hektad, Angre Red and many others. Is there any particular artist with whom you would like to collaborate?

– Frankie: I would love to work with Kobra. The colors he uses are very vibrant and full of life. Also, with OsGemeos, who are also from Brazil; I really like their aesthetic hip hopera, old school.

– Jeff: I would like to work with BK Foxx because of his murals that have to do with portraiture and a realistic style.

For both Frankie and Jeff the world of urban art is gaining momentum and importance not only in communities where interventions and murals are performed, but in closed spaces such as museums and galleries too; but as they mentioned, there will always be people who prefer to see the works in the streets.

A couple of years ago, I noticed in Wynwood, Miami and around the world a very clean urban art that was becoming artistic murals. There is still a constant battle for street art to have its place: you can currently see it in galleries around the world but there will always be people who think they do not deserve that place. -Frankie Velez


It was unacceptable to re-name it “graffiti”, as it was at the beginning. It has evolved into murals and murals, though it began with old school writing. -Jeff Beler

Artwork by Shepard Fairey and Kara Walker for an NGO auction!🙌

Blog/English/Exhibiciones por

Young New Yorkers seeks funding for philanthropic projects

Text by Cristina Ochoa

Translation by Briana Prieto F in collaboration with Paula Villanueva

Photos by Briana Prieto F.

On May 10th, the Young New Yorkers (YNY) auction featured artworks by 180 artists, including Shepard Fairey and Kara Walker. The objective of the event was to promote the artistic projects that YNY develops for young people to involve them in cultural activities and eradicate the violence they witness in the different places they reside.

“Horsing Around” by Sean Lugo

“Homer in the Bush” by Hanksy

Celebrities like Michael K. Williams – who is rumored to be Barack Obama’s favorite actor – attended the auction. Williams is very interested in fostering a new culture against violence; he also exhibited his work at the auction.

“Stop Police Brutality” by Icy & Sot

“L.I.C. (Long Island City)” by UR New York

Among the artists whose pieces were auctioned was the “unknown” artist from Chinatown, Hanksy; the photographer, filmmaker and creator Sina Basila; the designer and muralist Lawrence Ciarallo; the project Cash For Your Warhol, among others.

“Commuter” by City Kitty
“Stars (pink)” by Tom Smith
“Psychic Power of Animals 38/50” by Faith 47

For more visit http://www.youngnewyorkers.org/

Artistas demandan a empresario por borrar sus graffitis

Blog/Español por

23 artistas de 5Pointz actuarán legalmente

El arte urbano es una práctica que ha cobrado auge en los últimos años, de la misma forma, ha sucedido con los derechos de las personas que se dedican a su realización. En el 2013, el caso de 23 artistas cuyas obras fueron removidas sin previo aviso en Nueva York causaron controversia entre la comunidad del graffiti. Cuatro años después, actuarán legalmente contra el responsable de esta acción.

Jerry Wolkoff, propietario del edificio en el cual se alberga el trabajo del colectivo 5Pointz mandó borrar el trabajo de 23 artistas en el 2013, en un acto aún más clandestino que la propia práctica clásica grafitera: una noche las pintas se vieron desplazadas por una plasta de pintura blanca.

Wolkoff mencionaba en ese entonces que el acto fue “lo más humano” que pudo haber hecho. La idea de demoler el edificio que albergaba más de mil pintas en su estructura con las pintas aún en ella –para poder realizar una serie de construcciones con departamentos de lujo– le parecía más cruel, por lo cual decidió pintarlas primero. El dueño dijo que incluso lloró con la decisión, pues, dijo, los trabajos hechos en su propiedad eran de su agrado.

Según el periódico The New York Times, el conjunto de artistas lleva la delantera, pues el 31 de marzo un juez determinó que sí es un asunto que puede trasladarse a la corte. Wolkoff señala que él es propietario del lugar y que, además, el grafiti es considerado una práctica efímera; sin embargo, el juez puntualizó que los artistas debieron ser notificados previamente para que tuvieran la posibilidad de proteger su trabajo pues no se trataba de la práctica del grafiti de manera clandestina sino de un trato que hicieron con el empresario.

5Pointz es conocido en el mundo del street art como “La Meca del grafiti”, el lugar ubicado en Long Island, Nueva York ha albergado la propuesta de artistas nacionales e internacionales. El lugar ha sido curado por Jonathan Cohen el artista urbano quien comenzó su carrera a los 13 años, mejor conocido como Meres1, y quien ha expuesto que este es un caso que puede hacer visible la práctica del street art como digna de protección.

 

Con información de: The New York Times, 5Pointz y  swissinfo . 

 

Artistas instalan mural en EEUU con 37 frases misóginas de políticos

Blog/Español por

We hold these truths to be self-evident, un mural anti-sexismo

We hold these truths to be self-evident es un mural de casi 10 metros de longitud, creado por Zoë Buckman y Natalie Frank, el cual captura 37 citas de políticos estadounidenses que denigraron la figura de la mujer y sus derechos. Esta obra está instalada en la New York Live Arts Ford Foundation Live Gallery, un espacio donde se expresan diferentes técnicas artísticas.

“Este proyecto basado en la investigación se refiere a los efectos acumulativos de la negatividad, el odio y el abandono de la ciencia que nos ha desconcertado completamente a las mujeres y las niñas”, mencionó Buckman acerca del mural durante su presentación el 13 de febrero del presente año.

Zoë Buckman es una fotógrafa, escultora y muralista británica. Gracias a su acercamiento con los ideales feministas, logró darse cuenta sobre el poder que tiene el lenguaje para beneficiar o dañar la integridad de las personas.

Bill Clinton, Mike Pence, John F. Kennedy, Roger Rivard y Donald Trump, son algunos de los personajes citados que se presentan en el mural. Cada una de las frases se encuentra numerada para saber por quién fue dicha.

Antes del lanzamiento de We hold these truths to be self-evident, Buckman compartió en su cuenta de Instagram, algunas frases de estos políticos.

“Quiero que este proyecto inicie una conversación sobre la responsabilidad, particularmente en la forma que criamos a nuestros hijos. Estoy muy preocupada por los mensajes que la próxima generación va a recibir… Realmente quiero que el diálogo sea acerca de la rendición de cuentas y para que la gente que no está teniendo estas conversaciones llegue reconocer la inmensidad de estas declaraciones y se de cuenta cómo el lenguaje se alimenta en acciones e ideología “, sentenció Zoë Buckman acerca de la finalidad de su obra.

Instagram: zoebuckman

SPRING/BREAK Art Show: Black Mirror art

Blog/English/Exhibiciones por

400 artists exhibit their work at Armory arts week

Text by Cristina Ochoa in collaboration with Víctor Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

 As strange as having sex with a pig, as futuristic as the hoarding of technology in our daily activities, we experienced SPRING / BREAK Art Show at 4 Times Square in New York City.

Based on the opening of spaces for emerging artists, SPRING / BREAK Art Show appeared in 2009 by the duet Andrew Gori and Ambre Kelly, specialists in multimedia products and painting, respectively.

Almost 400 artists participated in this edition whose main theme was Black Mirror. The concept was to create a self-portrait, an interpretation of themselves through non-aesthetics, like Van Gogh did in his time, Jan van Eyck to Chuck Close, Frida Kahlo, among others.


Performances, installations and paintings were the main guidelines of the 2017 proposal. Artists like Nicholas Fraser, Eve Sussman, James Woodruff, Chris Retsina, Rohitash Rao, Jonathan Rosen, among others were present at this edition.

For the artists, their artwork functions like a reflector of an entire creative process, which also involves the personality of its creator.

The project seeks to present new artists in spaces that were not originally created for an art exhibition, which is why Gori and Kelly look for abandoned spaces for project presentations. For example, at 4 Times Square, floors 23 and 24 were used to exhibit the pieces where about 150 curators participated.

The idea is that artists that were featured in the exhibition can get exposure and sell their work at an affordable price; these can also be purchased online.

Lo mejor de la feria de arte contemporáneo SCOPE🎨

Blog/Español/Festivales por

SCOPE: un espacio para el arte contemporáneo emergente

Texto en colaboración con Víctor Arturo Valencia

Fotografías: Briana Prieto

Objetos desbordados, niños en situación de peligro, Donald Trump teniendo sexo con mujeres mexicanas, esculturas que dan la apariencia de ser personas reales; todo eso es lo que se vivió en SCOPE, una de las feria de arte contemporáneo más importante del mundo.

15 años han pasado desde la primera emisión de SCOPE, para 2017, el evento de arte contemporáneo más grande en el mundo: reúne alrededor de 1.2 millones de visitantes.


El artista, especialista en arquitectura y fundador de SCOPE, Alexis Hubshman, decía para la revista Forbes que su proyecto surgió como un evento en el que se buscaba “crear eventos de arte que fueran más íntimos, sexys y emocionantes. (…) nosotros hicimos performance antes de que el performance en el arte fuera cool”. Una oportunidad para los artistas emergentes de hacer cosas que no podían haber hecho en ningún otro lugar.

 

El proyecto, que ha realizado alrededor de 75 ferias, presenta el trabajo de más de 60 galerías, entre las que se encuentran Adelson  Galleries,    Art  Unified,  Arte  Berri,  Cantor  Fine  Art,  Gallery  G-77,  Victor Lope Arte Contemporáneo, otras.

Escultura, pintura e instalaciones son algunas de las cosas que se pueden encontrar en la magno exhibición que se presenta en Nueva York; los temas son variados,  pero tienen en común la idea que difunde el festival: promover proyectos emergentes en el arte contemporáneo.

The best of SCOPE, contemporary art fair

Blog/English/Exhibiciones por

SCOPE: a space for emerging contemporary art

Text by Cristina Ochoa in collaboration with Víctor Arturo Valencia

Translation and photos by Briana Prieto F

Overloaded objects, children in distress, Donald Trump having sex with Mexican women, sculptures that give the appearance of being real people; all that is what was lived at SCOPE, one of the most important contemporary art fairs in the world.

Heart of Sambo by King Saladeen
Orgasm by Dan Lam (left)

15 years have passed since the first issue of SCOPE, one of the largest contemporary art events in the world: it gathers around 1.2 million visitors.


Alexis Hubshman, an architecture specialist and founder of SCOPE, told Forbes magazine that his project emerged as an event that sought to “create art events that were more intimate, sexy and exciting. (…) we did performance before the performance in art was cool.” An opportunity for emerging artists to do things they could not have done anywhere else.

Palazzo Butera by Massimo Listri

 The project, which has held around 75 fairs, presents the work of more than 60 galleries, among which are Adelson Galleries, Art Unified, Arte Berri, Cantor Fine Art, Gallery G-77, Victor Lope Arte Contemporáneo, among others.

Palm Springs II by Dean West

 

Sculpture, painting and installations are some of the things that were found in the great exhibition that was presented in New York last week; the themes are varied, but they share the core idea of ​​the festival: to promote emerging projects in contemporary art.

by Sarah Bahbah
Blindness Purple Rain and Blindness Reaction of the Past by Javier Martin

 

 

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