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Impresionante escultura de Guan Yu en China

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Al rededor de 1.320 toneladas y 58 metros de altura conforman al dios de la guerra chino en Jingzhou

Guan Yu quien fue conocido en su época por todos los ciudadanos locales como un general militar con complejas habilidades de guerrero, destreza, rectitud en el campo y lealtad a sus seguidores. Vivió en el siglo III AC, un periodo intranquilo para el país asiático durante el enfrentamiento denominado Los Tres Reinos quienes luchaban por el dominio de China.

Actualmente la historia de este guerrero es venerada por distintas sectas divinas en China como el budismo, el taoísmo y el confucianismo atrapando la atención de ciudadanos y turistas al rededor del mundo.

Cortesía: Nerdist

Esta comúnmente representado con una espada, utilizada contra sus enemigos en el terreno de batalla y a la cual llamaba Espada Creciente Verde del Dragón con un peso de 18.5 kg.

Cortesía: Sploid

La estatua de Guan Yu es un espectáculo impresionante para todos aquellos que asisten a contemplarlo, su estructura es de 58 metros de altura, formada con aproximado de 4.000 tiras de bronce. Se encuentra justo por encima de un buque de guerra, con aspecto poderoso, preparado y listo para la batalla.

Cortesía: Made in Shuereditch

Este increíble modelo arquitectónico esta abierto a visitantes que quieran conocer un poco más sobre él. Donde tendrás que ingresar por el buque, el cual es casa del espectacular Museo Guan Yu.

Esta creación resulta ser una celebración a su ejercito, la cultura y los mitos sobre su legado.

¡Una muestra más de la impresionante arquitectura en China!

 

 

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Nuevo Museo Leonora Carrington en San Luis Potosí

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Se exhibirán desde pinturas, esculturas y hasta joyas creadas por la artista

El 22 de marzo abrirá sus puertas el nuevo Museo Leonora Carrington en San Luis Potosí. Donde se exhibirán trabajos de la pintora inglesa, desde pinturas, esculturas y obras en tapiz, siendo este un refugio para su legado.

Se trata de la reconstrucción de un edificio de 2,500 metros cuadrados que fue restaurado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia durante los últimos seis meses y llevo un costo total de 450 millones de pesos.

Cortesía: Leonora Carrington

Para el gobierno de San Luis Potosí representa un hito para que busca crecer el turismo del estado, además de fomentar la cultura con una de las exponentes más importantes del surrealismo.

El museo contará con tres salas permanentes y una temporal divididas en tres niveles. Donde se expondrán 70 esculturas, así como fotografías e información del movimiento surrealista. También habrá tienda y cafetería.

Cortesía: Leonora Carrington

La línea de exposiciones temporales tendrá relación en específico con la obra de Carrington, así como retrospectivas a las corrientes artísticas actuales.

“Queremos acercar la obra escultórica y las joyas que vamos a recibir, es decir, es obra nunca vista, que ella realizó en pintura, escultura y tapiz. Que los espectadores reflexionen sobre el proceso creativo”. Aldo Arellano Paredes, curador del Museo.

Cortesía: Leonora Carrington

Esta fue iniciativa del hijo de Leonora, Pablo Weisz Carrington, quien le prometió a su madre hacerle un museo, ahora,.

Leonora Carrington llegó a México en 1941 después de la ocupación Nazi en París, buscando ayuda a través de la embajada de México en Lisboa, quedándose en el país hasta su muerte en la Ciudad de México en el 2011.

Cortesía: Leonora Carrington

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Os Gemeos por primera vez en Asia

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Presentan la exposición Déjà Vu en Hong Kong

Desde sus humildes comienzos en la década de 1980 como escritores de graffiti en su barrio paulista de Cambuci, hasta museos, galerías y murales de todo el mundo, Os Gemeos se prepara para hito en sus carreras. El 26 de marzo, Lehmann Maupin en Hong Kong inaugura Déjà Vu, la primera exposición individual de los artistas brasileños en Hong Kong.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

La exposición —que se llevará a cabo durante la semana de Art Basel en Hong Kong— será la primera gran muestra de los hermanos gemelos Gustavo y Otavio Pandolfo en Asia. Os Gemeos buscan hacer de las exposiciones de arte experiencias inmersivas y multisensoriales. Déjà Vu rinde homenaje a la música, elemento de gran inspiración para los artistas, en particular con su instalación de sonido mixto, White Carnival (2016), donde los artistas pintaron sus icónicos personajes directamente sobre unos altavoces vintage, en una formación que se asemeja a un coro.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong
Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Al igual que los artistas surrealistas de principios del siglo XX, Os Gemeos buscan desafiar las convenciones y superar los límites del arte y la sociedad a través de la exploración desenfrenada del subconsciente y la propia imaginación.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Pinturas adicionales reflexionan sobre las experiencias vividas e imaginadas que comparten los artistas, Os Gemeos incluyeron motivos alegóricos como el agua, la luna y las estrellas, reproducidos vívidamente para conjurar un estado de sueño lúcido.

No podían faltar piezas que le rinden homenaje a la era dorada del hip hop de los años setenta y ochenta. La muestra es una especie de viaje en el tiempo para los artistas, una verdadera joya visual.

Déjà Vu estará abierta del 26 de marzo al 12 de mayo, 2018

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El Museo de la CDMX presenta un recorrido histórico por la jungla de concreto

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La Ciudad de México en el arte: Travesía de ocho siglos 

En noviembre pasado, el recinto emblemático del siglo XVIII que fue el Palacio de la Condesa de Santiago, abrió nuevamente sus puertas después de los trabajos de rehabilitación supervisados por el INAH, con la inauguración de la exposición La Ciudad de México en el arte. Travesía de ocho siglos, la cual presenta 500 obras de artistas como Frida Kahlo, José Clemente Orozco, Manuel Tolsá, José Guadalupe Posada, así como piezas prehispánicas, publicaciones, documentos y cartografía; un conjunto de historias que han tomado como inspiración las calles de nuestra enorme y siempre impactante Ciudad de México.

Foto: Museo CDMX

Los especialistas que seleccionaron las piezas tomaron en cuenta criterios sociológicos, antropológicos, visuales e incluso musicales de distintos periodos históricos de la capital. Las obras que conforman la exposición son aquellas que mejor contaron o reflejaron lo sucedido en las travesías de esta enorme ciudad.

La muestra se presenta en orden cronólgico y se divide en periodos delimitados: la cultura precolombina, el Virreinato, la consolidación como país independiente en el siglo XIX y la modernidad en el siglo XX.

Está, por ejemplo, el Arte Prehispánico, que específicamente presenta manifestaciones artísticas de la cultura Mexica, donde podemos encontrar dos caras: lo aterrador y lo sublime.

Foto: Museo CDMX

El Arte Virreinal, de los siglos XVI-XVIII. El choque cultural que hubo posterior a la conquista, desarrolló una mezcla asombrosa en todos los ámbitos de la vida en la ciudad, y el arte no fue la excepción. Aquí hay producciones culturales y artísticas de primer orden.

Foto: Museo CDMX

Podrás disfrutar de obras como la Lápida conmemorativa del Templo Mayor de 1487, el facsímil del Códice Boturini del siglo XVI, la piedra de la Serpiente enroscada de 1325 y la Piedra del Tlaltecuhtli del mismo periodo. ¡Puras joyas históricas!

La Ciudad de México a través del Arte también pone especial atención a la cartografía, mostrándonos cómo se construyó la capital que habitamos hoy en día.

Foto: Museo CDMX

Los rasgos característicos del arte y sociedad de cada época se muestra en los diferentes estilos de representación, dando cuenta de una tendencia, sus cambios y decadencia. El secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, explicó que: “Participaron más de 75 coleccionistas privados, así como fundaciones e instituciones. El público va a encontrar una ciudad que dialoga con el tiempo y la creación de nuestro sincretismo, de los elementos que nos dan identidad. Es imposible salir de esta exposición sin sentirse orgullosos de ser parte de esta ciudad… una ciudad de ciudades”.

Foto: Museo CDMX
Foto: Museo CDMX

La muestra estará abierta hasta el 1 de abril.

Abierto de martes a domingo
Acceso general al museo: $30.00
Tarifa especial presentando credencial vigente de estudiante, maestro o INAPAM: $15.00
Miércoles entrada libre

¡No te la pierdas!

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Vhils, Pantone, Futura, Banksy y más de los grandes en Singapur

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La histórica exposición colectiva Art from the Streets se presenta en el ArtScience Museum

No hay nada como reunir a los grandes en una sola sala y ver una muestra histórica. La exposición Art from the Streets, curada por la experta en arte urbano Magda Danysz, presenta obras nunca antes vistas por las ligas mayores del mundo del street art: Banksy, Crash, D*Face, Vhils, Fab 5 Freddy, Shepard Fairey, Seen, JR, Futura, Invader, Felipe Pantone, Eko Nugroho, Ludo, M-City, and Zevs, por nombrar a algunos.

Foto: Vhils

Art from the Streets está compuesta por 200 obras que incluyen pinturas, instalaciones, bocetos, videos e incluso material de archivo de algunos de los nombres más emblemáticos del street art. En conjunto, la exposición explora el fenómeno global del graffiti, desde que arrasó en el Nueva York de los setentas hasta el día de hoy.

Foto: Stephane Bisseuil
Foto: ArtScience Museum
La exposición que se divide en 6 secciones únicas que detallan aspectos significativos del arte urbano, también muestra las diversas técnicas artísticas utilizadas y cómo las nuevas tecnologías han creado nuevos medios de expresión para los artistas. A través de Art from the Streets, el museo le dará visibilidad al trabajo de artistas urbanos emergentes del sudeste asiático.
Art from the Streets estará abierta al público hasta el 3 de junio.
 
Foto: ArtScience Museum
Foto: Stratosphere

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El primer museo de música electrónica estará en Europa

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MOMEM: el espacio de interacción creativa

The Museum of Modern Electronic Music, mejor conocido como MOMEN (por sus siglas en inglés) será el primer museo de música electrónica en Europa. El proyecto se dio a conocer este proyecto años antes, en 2015 para ser exactos, y este año se materializará al fin, abriendo sus puertas a los amantes de la música electrónica en abril.

Foto: Indie Hoy

 La sede de MOMEM será el Children’s Museum, ubicado en una de las ciudades alemanas referentes de la música electrónica a lo largo de la historia: Frankfurt. Hay quienes dicen que esta propuesta tan innovadora no pudo estar situada en mejor lugar.

World Club Dome, Frankfurt 2017.  Foto: Festicket

El MOMEM nace de la iniciativa del DJ Andreas Tomalla −conocido como TALLA 2XLC−, quien organizó una campaña de fondeo durante varios años para hacer realidad este proyecto. El fundador del sello discográfico Tetsuo y de Technoclub hoy nos sorprende con una idea que reproduce todo el espíritu de la música electrónica; un museo que no es para nada como los que acostumbramos visitar.

Foto: Ibero
MOMEM no es un museo tradicional, pero sí es todo lo que un museo debería ser. Busca una experiencia sensorial y la cercanía de los visitantes con todos los aspectos relacionados a la música electrónica, como la tecnología, el sonido e incluso la moda. MOMEM es un “espacio de interacción creativa” donde se impartirán talleres, conferencias y presentaciones en vivo.
Foto: Ibero
Además de brindar a sus visitantes una experiencia única e interactiva, el museo tampoco se olvida de la historia de la música electrónica, ni de la importancia que ha tenido dentro de la cultura popular, por lo que también contará con secciones que muestran los distintos estilos de música electrónica, así como las influencias que ha tenido y seguirá teniendo.
Para que te vayas preparando, te dejamos este video.

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La galería de Rotterdam dónde el arte se escucha

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Ocho músicos invaden el cubo blanco

Los cuadros han desaparecido de las paredes y en medio de ese blanco absoluto, se ha levantado el sonido. ¿Podemos prescindir de la vista para apreciar una obra de arte? El Centro de Arte Contemporáneo Witte de With en Rotterdam ha demostrado que sí. Es el  compositor y director estadounidense Ari Benjamin Meyers quién dirigirá el proyecto Kunsthalle for Music, nombre que deriva de la palabra alemana que describe un espacio en el que se muestra arte.

Foto: The New York Times

Hasta el 3 de marzo, un conjunto de ocho músicos, entre ellos violinistas, guitarristas y saxofonistas, presentará 38 piezas musicales, cuatro horas al día, cuatro días a la semana. Una forma de apreciar el arte que asegura ser una experiencia absorbente.

“Las paredes están vacías pero el espacio está lleno”, dijo la nueva directora del centro de arte, Sofía Hernández Chong Cuy. “No es una simple apropiación del edificio, sino que se apodera de todos tus sentidos.”

Foto: The New York Times

El Sr. Meyers y la Sra. Chong Cuy buscan crear una propuesta musical fuera de lo tradicional, extrapolando la música clásica de su entorno tradicional y llevándola al “cubo blanco” de una galería. Tanto los visitantes como los músicos podrán apreciar la experimentación sonora de una manera completamente diferente.

Al alejarse de las formas estrictas y tradicionales, Kunsthalle for Music genera una cercanía entre las personas y el arte, y qué manera más accesible de percibir y sentir que escuchando. Dependiendo del momento en el que lleguen, los visitantes podrán disfrutar desde una pieza de Dominique Gonzalez-Foerster, a la composición “Sky Piece to Jesus Christ” de 1965 de Yoko Ono, hasta algún fragmento de “Vexations” de Erik Satie.

Foto: The New York Times

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Descubren nuevo dibujo de Van Gogh

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El Museo de Van Gogh confirma su autenticidad

Hace poco, el descubrimiento de un nuevo dibujo de Van Gogh hizo furor en el mundo del arte. El Museo de Van Gogh ha certificado la autenticidad de The Hill of Montmartre with Stone Quarry, un dibujo que el artista comenzó cuando estudiaba en la academia de Amberes y  finalizó en París, en marzo de 1886.

The Hill of Montmartre with Stone Quarry

Lo que se suma a la importancia del descubrimiento es que el Museo Van Gogh ahora está aceptando un trabajo similar que había rechazado hace unos años. Titulado The Hill of Montmartre  sus curadores habían citado el trazo “cauteloso y diligente del dibujo”, la “falta de monumentalidad en los edificios” y un cielo interpretado de manera muy diferente al estilo de Van Gogh.

Foto: Van Gogh Museum

Esa opinión ahora se ha revertido y el museo acepta el dibujo como auténtico. Después de investigar sobre el tema, el estilo, la técnica, los materiales y la procedencia, llegaron a la conclusión de que efectivamente es obra del artista.

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¡Primer museo de graffiti en Barcelona! 😎

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Bóstik Murals es el nombre de este nuevo museo

Bóstik Murals es un espacio que exhibe obras de arte urbano. Desde su apertura, en 2015, este museo es dirigido por Xavier Basiana, arquitecto, activista y fotógrafo catalán; además de contar con el apoyo de Difusor, proyecto que se encarga de buscar espacios urbanos abandonados, los cuales se activan a por medio de intervenciones artísticas.

La iniciativa nace luego de que el gobierno comenzó a borrar murales en Barcelona, por lo que Bóstik Murals se convirtió en un espacio que tiene como objetivo preservar el arte urbano. El museo también cuenta con un auditorio donde se invita a los artistas para que platiquen sobre su obra.

Barcelona es una de las principales capitales del arte urbano, por eso en Bóstik Murals artistas como Sixe Paredes, Roger Serret y Ricou (Rggrroger Ssrroger Rccoger) intervinieron paredes y realizaron conferencias el pasado 10 de junio de 2017.

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Museo Callejero, iniciativa en Dubái para pintar murales en la ciudad

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Los murales retratan la herencia cultural de la ciudad

Fotos Tom Dulat

Un grupo de artistas está convirtiendo a Dubái en un museo al aire libre. La calle Dos de Diciembre, en el corazón del barrio Satwa, se llenó de murales en gran escala que rescatan un tema en común: el pasado y la herencia cultural de la ciudad.

Aunque la mayoría de los museos tienen un espacio delimitado para mostrar sus obras, este es una excepción, pues la meta es que todos puedan apreciar las piezas de arte; por ello, los edificios son el lienzo sobre el que los artistas expresaron su punto de vista sobre la ciudad.

Otro objetivo del Museo Callejero de Dubái, financiado por el gobierno, es celebrar el patrimonio de los Emiratos. Incluye a 16 artistas de diferentes estilos y nacionalidades, entre ellos The Inkman, Ernest Zacharevic, Case Ma’Claim,  Hua Tunan, Seth, entre otros.

Además de retratar la esencia de Dubái, este proyecto también captura la interpretación de los artistas sobre la ciudad en sus edificios más visibles. El director del proyecto, Shaima Al-Soueidi, ha declarado a la prensa que con estas intervenciones quieren que todos puedan ver que la historia de la urbe está en todas partes, incluso en las calles.

Los murales contrastan con la atmósfera moderna de Dubái: el principal puerto de los Emiratos Árabes Unidos es también un importante centro comercial e industrial. Fue en esa ciudad donde se construyó el rascacielos Burj Khalifa, con 828 metros de altura considerado en 2010 como la estructura más alta del mundo creada por el hombre.

Pedazos de historia como el icónico halcón blanco que abarca cuatro pisos de un edificio o la imagen de un hombre en una abra, la barca tradicional usada para los viajes y el comercio.

La artista Ashwaq Abdullah participó con un mural que retrata a los fundadores de los Emiratos Árabes Unidos, los jeques Rashid Al Maktum y Zayed Al Nahyan. Abdulla han asegurado que la iniciativa fue una oportunidad para expresar el amor por su país, porque, en sus propias palabras, “el arte mural habla a todo el mundo, cualquiera que sea su origen social”.

 

Con información de Asian Age, The Strait Times, La Jornada, The Guardian y Street Art News.

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Skate en el museo: una exposición con esculturas patinables🏂

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Resignificar lo existente es el objetivo de la primera exposición individual de Zarka en España

¿Patinetas deslizándose sobre las esculturas de un museo? Eso es lo que podrás ver en Espacio pavimentado, la primera exposición individual de Raphaël Zarka en España, un artista francés influenciado por el minimalismo y el land art; la mayoría de sus trabajos se centran en la historia de los objetos que expresa a través de la fotografía, el video, la escultura y el dibujo.

Esta exhibición se encuentra en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), un espacio español destinado al arte contemporáneo. El artista se basó en objetos científicos creados por el matemático y cristalógrafo alemán Arthur Schönflies. Esta vez Raphaël Zarka amplió estas figuras y las adaptó al tamaño de las que utilizan los skaters en la calle.

La idea de las “esculturas documentales”, como Zarka llama a sus obras, es que los skaters se adapten a estas piezas al igual que lo hacen con los objetos públicos, pero en Espacio pavimentado espectadores y patinadores tienen que organizar sus propios marcos de convivencia y cohabitar el mismo espacio.

En la sala superior del museo hay una exposición fotográfica llamada Riding Modern Art, en la que Zarka muestra fotografías de esculturas públicas que son utilizadas  como superficie de patinaje. Serra, Deacon, Oteiza o Solano son algunos de los artistas retratados por fotógrafos especializados en skate.

De acuerdo con el artista, el skate es una especie de reescritura de espacios destinados a un uso particular, para posteriormente trasladarlos al quehacer artístico. Él mismo tiene experiencia en el patinaje que combina con su interés por el arte en el espacio público y la reinterpretación de lo existente.

Porque el arte y sus dinámicas cambian todo el tiempo, esta exposición demuestra una vez más que nada está prohibido dentro de un museo… al menos no en Espacio Pavimentado.

 

Con información de Valencia Plaza, Espai d’Art Contemporani de Castelló, Designboom, exit-express y El periódico mediterráneo.

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