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Un homenaje a la antigua Grecia al estilo de Agostino Lacurci

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Esculturas griegas con un estilo psicodélico y pop

El artista multifacético Agostino Lacurci está exponiendo en M77 Gallery en Italia su nueva serie de obras titulada “Gypsoteca”, inspirada en la escultura griega-romana, se encontrará disponible hasta el 8 de septiembre.

Las obras que conforman esta serie van desde pinturas, ilustraciones y esculturas que hacen referencia a las famosas columnas griegas, ya sean rostros o artefactos de mármol o barro.

Cortesía: M77 Gallery

Utilizando vivos colores y dándoles un toque que podría considerarse psicodélico o venido del arte pop, recrea elementos contemporáneos como sillas, flores y hasta frutas.

El nombre de la muestra hace referencia de forma explicita al espacio donde se guardan todas este tipo de esculturas de yeso, barro, mármol, madera y hasta bronce para su resguardo y no alteración, a estos lugares se les llama Gipsoteca.

Cortesía: M77 Gallery

La obra de Lacurci no cambia mucho, mas sin embargo ocupa mucho los elementos simples, siendo así mismo un poco retorico hacia los artistas de esa época que buscaban la perfección dentro de sus obras, haciéndolo con la simplicidad de la imagen.

Cortesía: M77 Gallery

Pero esta inclusión de color en obras antiguas no fue sencillo, hubo un trabajo de investigación de dos años donde se vio como fue concebido y utilizado el color en la practica del realizar las estatuas antiguas.

Cortesía: M77 Gallery

Gracias a esto la colección se vuelve sin duda un viaje por el tiempo mediante imágenes e intervenciones visuales que animan la historia y le dan color a obras que carecían del mismo, dándoles una posible interpretación más allá de la perfección humana.

Ubicación: Mecenate 77, 20138 Milano
Horarios: Martes a Sábado 11:00 a 19:00 hrs.

Cortesía: M77 Gallery

 

Exposición de Pablo Picasso en Tate Modern de Londres

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Un recorrido por uno de los años más importantes para el artista

La Tate Modern de Londres preparó la primera exposición individual del pintor Pablo Picasso, que lleva por nombre “Picasso 1932 – Amor, Fama Tragedia” y se podrá disfrutar hasta el 5 de septiembre.

Esta exposición muestra el trabajo del pintor durante el año de 1932, un año que marcó hito en su vida artística, siendo uno de los más productivos, llamándose “año maravillas”, todo a 52 años de su muerte en Francia en 1973.

Cortesía: Tate Modern

Durante este tiempo el artista se consolidó como uno de los más importantes del Siglo XX y creó obras muy importantes como “Mujer desnuda en un sillón rojo”, así mismo en su vida personal, mantuvo una relación muy estable con su familia.

Más de 100 pinturas, esculturas y obras realizadas en papel muestran el carácter de reproducción que el artista le daba a sus obras, llevando así a la creación de mitos que revela su faceta de artista, así como su complejidad en obras y riqueza visual.

Cortesía: Tate Modern

La exposición nos muestra un recorrido por la vida personal y a lo que Picasso llamaba “Otra forma de llevar un diario”, con lo que te invita a conocer más sobre su proceso creativo y lo que pensaba en el momento de confeccionar las obras.

Cortesía: Tate Modern

La exposición fue organizada en conjunto con Musée national Picasso-Paris y sus curadores fueron  Achim Borchardt-Hume y Nancy Ireson.

Cortesía: Tate Modern

Esperemos esta exposición salga a dar la vuelta el mundo y poder encontrarla en otros espacios donde nos gustaría conocer más a fondo la vida de Picasso.

Un Museo digital en Tokio mezcla la realidad con la naturaleza

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Una iniciativa de la Construcción Mori y el colectivo artístico Teamelab

En el edificio de Mori en Tokio, tiene planeado realizar un museo digital durante este verano en colaboración con el colectivo Teamlab, donde planean unir los espacios, pasillos y salas que conectan dentro del edificio por medio de proyectores y computadoras.

Cortesía: Designboom

Los espacios tridimensionales se intervendrán con 520 computadoras y 470 proyectores, los cuales forman un área total de 10.000 metros cuadrados. Esta intervención planea descubrir la naturaleza que se puede encontrar dentro del lugar y se le ha denominado “teamlab sin fronteras”.

Cortesía: Designboom

“Born from the darkness a loving”, “beautiful world” y “flower forest” son nombres de algunas de las instalaciones que formaran parte de esta mezcla de mundos en un espacio.

Lo interesante es que la presencia de visitantes hace que la obra se manifieste de forma distinta, por lo que cada vez que alguien asista, cabe la posibilidad de ver diferentes cosas.

Cortesía: Designboom

En algunas instalaciones se puede ver de forma cronológica como la flora va cambiando conforme a las estaciones del año, desde su nacimiento, su etapa madura y el proceso en el que se marchitan.

Así mismo, la interacción forma parte importante de la obra, por lo que se creó “Boing boing universo”, un espacio donde el visitante activa su parte física y creativa interactuando con espacios con pendientes y elevaciones tridimensionales.

Cortesía: Designboom

El museo y el colectivo quieren motivar a la gente a crear durante el proceso de visita y después del mismo, ya que la interacción es algo que muy pocas veces se ha visto, creando también así un instintivo de labor social para la comunidad de Tokio.

Cortesía: Designboom

A 50 años de Mai 68, se recuerda con el legado gráfico

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50 carteles que muestran la relación de la protesta política y el arte

Durante el mes de mayo la galería Lazinc Sackville exhibirá carteles que fueron usados durante los disturbios de “Mai 68”, esto para demostrar la importancia artística que hubo en el movimiento revolucionario y conmemorar 50 años de sucedido.

Mai 68 fue una de las épocas más turbias en Francia, es considerada la mayor revuelta estudiantil y huelga en la historia del país. Misma que se une con otros movimientos que sucedían el mismo año en otros países como México, España y Argentina.

Algunos teóricos consideran que fue más una revolución artística que social, justo por los resultados que vemos en estos posters y otras expresiones, también hay quienes piensan que fue una revolución fallida por los resultados a medias que el gobierno dio con nuevas reformas y acuerdos.

Carteles Mai 68

50 carteles originales, pertenecientes al archivo de Lazinc son los que se encontraran expuestos junto a películas históricas, imágenes y objetos que se relacionan con los movimientos políticos que hubo en esa década.

Para darle un toque más familiar e histórico, también se está trabajando en un estudio de Atelier Populaire, para mostrar una sala de serigrafía donde se llegaron a trabajar estos carteles.

 

Esta colección data de inicios del siglo XX y contiene carteles  maoístas chinos de inicio de siglo, carteles de protesta de las Panteras Negras, propaganda comunista rusa de los 70 y 80 hasta carteles de la Revolución Cubana.

Una de las preguntas principales y a las que quiere llegar la exposición, es la relación de entre los carteles políticos y el arte callejero actual, tomando en cuenta la relación que tuvieron en el 68, misma que se muestra en la exhibición.

Carteles Mai 68

Así mismo el papel que tiene el cartel en las propuestas actuales y como lo ha modificado el arte que se gesta hoy en día. Y su roll como inspiración para contemporáneos como Banksy, Vhils y JR en su arte político y callejero.

Esta exposición fue mostrada al público por última vez en la Galería Hayward en 2008 y actualmente forma parte de la colección permanente de Lazinc en el ámbito de obras propagandísticas y de contraculturas, es una de las colecciones más grandes de esa naturaleza.

Carteles Mai 68

Apertura: 3 de mayo, 18:00 a 21:00 hrs.
Duración: 4 al 12 de mayo
Horarios: 10:00 a 18:00 hrs
Lugar: Lazinc Sackville, 29 Sackville St, Mayfair, Londres
Entrada Gratuita

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Doug Aitken presenta una nueva instalación en New York

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Doug Aitken hace un pequeño homenaje a Martin Cooper, creador del Celular

El artista Estadounidense Doug Aitken presentará su exposición “New Era” en 303 Gallery en New York y posteriormente en Galerie Eva Presenhuber de Suiza, donde muestra una instalación con lazos entre Martin Cooper, los celulares, la conectividad y el futuro.

 

Cortesía: Doug Aitken

Dentro de la instalación se puede encontrar un pabellón de forma hexagonal donde el espectador se encontrará con tres proyectores y tres paredes con espejos.

Esta forma crea una pantalla tridimensional, donde el espectador puede ver bucles de luz que van desarrollando ideas plasmadas por el artista, mismas que se consideran de Martin Cooper, a quien se le atribuye como el creador del teléfono Celular.

Cortesía: Doug Aitken

Dentro de esta exposición y de los videos proyectados, destaca uno donde se encuentra Cooper sentado y dice “hola, mi nombre es Martin Cooper: en 1973, mi equipo y yo creamos el primer teléfono celular”, enseguida se desvanece y comienza un juego visual entre Cooper e imágenes de celulares.

Una segunda sala se conecta con esta primera y lleva al espectador a un viaje futurista con luces neón y que contrasta con las expresiones que Martin Cooper demostró en sus primeros patrones de celulares.

Cortesía: Doug Aitken

El trabajo de Doug Aitken se caracteriza por aprovechar al máximo cada una de las herramientas que decida implementar, intentando hacer siempre una instalación que se camuflaje bajo cualquier lugar donde sea exhibida.

El contraste visual de lo real y lo futurista queda muy reflejado en sus obras que terminan siendo líneas del tiempo que quedan a libre interpretación. Su exposición en 303 Gallery inició el 13 de abril y terminará el 25 de junio, de ahí e transportará a Suiza del 9 de junio al 21 de julio.

Cortesía: Martin Cooper

Como dato extra y curioso, el 3 de abril se cumplieron 50 años de que se realizará la primer llamada por teléfono celular, fue en 1973 cuando Cooper tenía que demostrar los avances tecnológicos de Motorola, desde una calle de Nueva York.

Esta primer llamada fue hecha a Joel Engel, su competencia de AT&T, ambos buscaban realizar un teléfono móvil, pero esta fue la forma de decirle a Engel, que ya había ganado esta pequeña competencia tecnológica.

Visita la exposición Híbridos en Bellas Artes

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Se reúnen obras para mostrar la infinidad de criaturas posibles a existir

La exposición “Híbridos, El cuerpo como imaginario” está exhibiéndose en el Museo del Palacio de Bellas Artes del 9 de marzo al 27 de mayo, donde se encuentran piezas de museos como el de Louvre, Centre Pompidou, Museo Reina Sofía y Galleria degli Uffizi.

La exposición está organizada en conjunto con el Museo Nacional de Antropología y el Musée de l’Elysée de Suiza y es una respuesta al coloquio que llevo el mismo nombre y se llevó a cabo en 2016.

Cortesía: Orlan

Se reúnen imágenes antiguas entre otras nuevas que crean un ambiente de deconstrucción, el cual provoca cambios que se repiten constantemente, tomando como base la mezcla de diversas especies conocidas.

Cortesía: Francis Picabia

Diego Rivera, Orlan, Carlos Amorales, Francisco de Goya y Matthew Barney son artistas que forman parte de esta exhibición que está abierta a todo el público.

La diversificación de obras nos muestra la importancia que ha tenido la hibridación en diferentes culturas, dejando en tela el trato y el misticismo con la que se trata a estas especies.

Cortesía: Carlos Amorales

Ejemplos simples como minotauros, medusas o sirenas en la mitología europea, se contrastan con la serpiente emplumada y otros dioses que se representan con formas animales en otras culturas.

Esta diferencia y similitud es la que la exposición quiere mostrar, además de ver la infinidad de representaciones que puede adoptar el cuerpo humano.

Cortesía: Orlan

Lugar: Museo del Palacio de Bellas Artes

Horarios: Martes a Domingo, 11:00 a 18:00 hrs.

Duración: 9 de marzo al 27 de mayo

Precios: $65 entrada general, Gratis estudiantes, maestros, INAPAM, empleados de la Secretaría de Cultura e INBA

Jonathan Levine te está buscando para Delusional Art

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 ¡Forma parte de la competencia delirante!

Delusional Art Competition es una competencia organizada por el el galerista y leyenda de arte urbano Jonathan Levine. Su convocatoria brinda por segundo año consecutivo la oportunidad a los artistas internacionales de ganar premios y exponer su trabajo en su galería

Todos los medios son bienvenidos y su trabajo será revisado por siete profesionales de alto perfil. Los 40 finalistas serán incluidos en la exposición colectiva que se llevará a cabo del 1 al 25 de Agosto de este año y apareceran en el sitio web Delusional Art Competition.

La fecha limite para envío de proyectos y trabajos es el 20 de mayo del 2018 y lo más interesante es que el público en general también podrá votar y ayudar a otorgar premios en efectivo a su finalistas favoritos.

Para aplicar y conocer todo los detalles puedes encontrar la información en la página de Jonathan Levine Projects. 

 

Cortesía: Jonathan LeVine Projects

 

Cortesía: Jonathan LeVine Projects

Algunos de los jurados serán: Steven P. Harrington y Jaime Rojo (fundadores del blog Brooklyn Street Art), Yasha Young (Director del Museo de la Nación Urbana), Tara McPherson ( Artista), Jeff Soto (Artista), Jonathan LeVine (Galerista) y Evan Pricco (Editor de Juxtapoz).

 

Premios:

1er lugar: Exposición individual en Jonathan LeVine Projects (Incluye una exposición individual de 4 semanas, vuelo  ida y vuelta con 3 noches de alojamiento en Jersey City).

2do lugar: Participación en una exposición colectiva en Jonathan LeVine Projects.

3er lugar: Una semana de promoción a través de las plataformas de medios sociales de Jonathan LeVine Projects (su trabajo será promocionado en todas las plataformas de medios sociales de Jonathan LeVine).

Cortesía: Jonathan LeVine Projects

Premios por selección de la gente:

La votación se abrirá al público en general y los premios serán los siguientes:

1er lugar  : $ 5,000 usd

2do lugar : $ 2,500 usd

3er lugar  : $1,000  usd

 

Todos los demás finalistas obtendrán una semana de promoción en las redes sociales de Jonathan LeVine Projects que cuenta con más de en 157K seguidores en Instagram y 26.5K en Facebook.

¡No esperes más y muestra tú trabajo con Jonathan LeVine!

 

Chuck D presenta su primer solo show “Behind the Seen”

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El vocalista de Public Enemy y Prophets of Rage muestra otro lado artístico

El rapero Chuck D presentó por primera vez sus obras en una exhibición titulada Behind the Seen en Gallery 30 South en California, mostrando otro lado artístico del reconocido rapero que nos adentra en la escena de la música desde la pintura.

Cortesía: Gallery 30 South

Carlton Ridenhour, nombre real del rapero, estudió diseño gráfico, pero su carrera de diseñador no se vio tan enaltecida como la de cantante. Ahora se “reivindica” presentando este trabajo gráfico que lleva a sus raíces.

Cortesía: Gallery 30 South

Junto a Public Enemy y Prophets of Rage, el cantante ha vivido inmerso en la cultura popular por poco más de 30 años. La música rap, rock y los temas políticos que se han abordado en las letras de cada tema, se ven ahora reflejadas en las obras de Chuck D.

Fue creando las piezas a través de sus giras con ambas agrupaciones y se puede ver en cada una la presencia de elementos representativos de las bandas en un estilo de acuarela con trazos muy definidos.

Cortesía: Gallery 30 South

Las acuarelas del miembro del Rock And Roll Hall of Fame también están a la venta. La muestra es una oportunidad de evidenciar momentos íntimos de las dos bandas y un poco de historia musical.

¿Dónde?

Lugar: Gallery 30 South, 30 S. Wilson Avenue, Pasadena, California, 91106.

Hora: Miércoles a viernes de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. / sábados y domingos de 12 a.m. a 6:00 p.m.

Duración: 1 – 31 de marzo, 2018

“Ixchel y su Melena” una exposición llena de pasión e imaginación

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Ilustraciones del libro infantil de Alejandra Mijares y Jaime Mijares en El Rojo de Tacubaya

La exposición de las ilustraciones creadas para el libro infantil Ixchel y su Melena realizado por los hermanos Alejandra y Jaime Mijares se presenta en la galería El Rojo de Tacubaya en la CDMX hasta el 15 de marzo.

A los 28 años, Jaime, distinguido por muchos al ser una persona sociable y amante de la literatura, concluye esta pieza que corresponde a uno de sus tantos proyectos literarios, en el que nos muestra un estilo literario único, claro, sencillo y breve, abriendo paso al desarrollo de una gran historia marcada por la valentía, la aventura y la enseñanza.

Cortesía: Alejandra Mijares

Alejandra, apasionada de las artes visuales a muy corta edad, es  impulsada por el deseo de continuar y llevar a cabo la obra de Jaime  por lo que dedica 3 años a su ilustración. En cada una de sus obras, con un choque de pasión e incontrolable imaginación,Alejandra abre ventanas a mundos nuevos, implementando un ojo critico y sin duda, una chispa  debajo de cada una de las capas de pintura.

Cortesía: Alejandra Mijares

Ixchel y su Melena es un cuento fantástico que nos relata la historia de una niña y su magnifica melena, quien se embarca en un viaje por el inframundo en busca de una fruta que promete salvar la vida de su madre, utilizando tres regalos dados por su padre antes de su partida.

Cortesía: HotBook

La historia transmite enseñanza sobre la convicción de una hija y su valentía al enfrentar adversidades plasmando un relato sobre el sacrificio y la lucha por el bienestar de los seres queridos.

 

¿Dónde?

Lugar: Galería El Rojo de Tacubaya

Dirección: San Miguel Chapultepec, CDMX

Duración:  Del 15 de febrero al 15 de marzo

Horario: Lunes a Viernes 11 am a 6 pm, Sábados de 12 pm a 3 pm

 

4ta Trienal del New Museum en New York

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En Nueva York se está llevando a cabo la cuarta Trienal de New Museum, que reúne a 26 artistas que expondrán sus piezas hasta el 27 de mayo. El tema es “Songs for Sabotage” y está conformada por artistas visuales de todo el mundo.

Las obras tienen como objetivo cuestionar la forma en la que los individuos y colectivos del mundo podrían conectar imágenes y cultura con las formas de las estructuras sociales.

Aquí puedes conocer un poco más y ver algunas de las obras que han realizado los artistas que se encuentran en esta exposición:

Cian Dayrit (1989, Manila, Filipinas)

Es un pintor y escultor graduado en Bellas Artes de la Universidad de Filipinas, ha expuesto en UP Vargas Museum, y sus obras tienen mayor referencia histórica, explorando por las épocas coloniales y poscolonial, interesado principalmente en crear a base de la etnografía.

Cortesía: Cian Dayrt

Violet Dennison (1989, Bridgeport, CT, vive y trabaja en Nueva York, Nueva York)

Artista contemporánea que experimenta con objetos comunes, desde sillas, tuberías y televisores. Tiene como base principal las personalidades que se le atribuyen a los objetos, teniendo como efecto final, la disposición del ser humano al hablar con los objetos.

Cortesía: Violet Dennison

Tomm El-Saieh (nacido en 1984, Puerto Rico). au-Prince, Haití, vive y trabaja en Miami, FL)

Desde niño pintaba y se desarrolló con varios pintores de su natal Haití. Sus obras van de la mano con la abstracción, teniendo como pretexto la creación de obras que no necesiten de imágenes para ser entendidas. Así mismo impregna poco de arte haitiano en sus terminados.

Cortesía: Tom Elsiah

Janiva Ellis (1987, Oakland, California, vive y trabaja en Los Ángeles, California)

Esta pintora tiene como característica el retratar personas de origen afroamericano, creando collages su integración en la sociedad actual con un toque de humor ácido.

Cortesía: Janiva Ellis

Claudia Martínez Garay (1983, Ayacucho, Perú; vive y trabaja en Amsterdam, Países Bajos)

Es una artista visual que mezcla diversas técnicas, interesada en ver imágenes históricas, representarlas y estudiarlas. Entre los elementos que usa se encuentran obras en papel, monedas, postales y todo lo que pueda representar historia.

Cortesía: Claudia Martínez

Haroon Gunn-Salie (nacido en 1989, Ciudad del Cabo, Sudáfrica, vive y trabaja entre Johannesburgo, Sudáfrica y Belo Horizonte, Brasil)

Es un escultor que se inspira de las historias que escucha para transformarlas en arte, creando interpretaciones en sus esculturas de lo relevante de la anécdota.

Cortesía: Haroon Gunn

Matthew Angelo Harrison (nacido en 1989, Detroit, MI; vive y trabaja en Detroit, MI)

Realiza impresiones en 3D y adapta sus propias impresoras, logrando imprimir en arcilla. Sus obras intentan explorar los orígenes de la humanidad  y tiene un acercamiento a la cultura africana.

Cortesía: Matthew Angelo

Manolis D. Lemos (nacido en 1989, Atenas, Grecia, vive y trabaja en Atenas, Grecia)

Realiza collages de pintura y escultura, así mismo experimenta con videos. En sus obras logra captar la atención con la estética que estas tienen, a pesar de las manchas distractoras que intencionalmente coloca en ellas.

Cortesía: Manolis D. Lemos

Zhenya Machneva (1988, Leningrado, Rusia; vive y trabaja en San Petersburgo, Rusia)

Su peculiaridad queda en sus obras hechas en tapicería. Realiza cuadros y bordados a gran escala, teniendo como eje principal la ciudad y la tecnología.

Cortesía: Zhenya Machneva

Chemu Ng’ok (nacido en 1989, Nairobi, Kenia, vive y trabaja en Grahamstown, Sudáfrica)

Su obra expone las tensiones ocultas en las diversas sociedades africanas y lo logra con líneas que se mimetizan entre los colores base de sus obras. De igual forma investiga la dinámica de las relaciones a nivel personal, psicológico, político y espiritual; esto le ha dado una herramienta más para sus obras.

Cortesía: Chemu Ng’Ok

Gresham Tapiwa Nyaude (nacido en 1988, Harare, Zimbabwe, vive y trabaja en Harare, Zimbabwe)

Sus imágenes oscilan entre figuración, abstracción y alucinación. Puede llegar a ser desde muy brutal y sentimental al desafíar la caracterización humana y queriendo llegar a mostrar una calidad de vida que a veces es más que imposible.

Cortesía: Gresham Tapiwa Nyaude

Lydia Ourahmane (1992, Saida, Argelia, vive y trabaja entre Orán, Argelia y Londres, Reino Unido)

Realiza de una forma conceptual la mezcla de sonido, video, fotografía y texto en sus obras que exploran temas geopolíticos que sufre junto a su familia.

Cortesía: Lydia Ourahmane

Hardeep Pandhal (nacido en 1985, Birmingham, Reino Unido, vive y trabaja en Glasgow, Reino Unido)

De una forma cruel y animada, Hardeep realiza instalaciones y pequeños videos con personajes que demuestran los efectos psicológicos que la sociedad actual puede llegar a tener.

Cortesía: Hardeep Pandhal

Dalton Paula (nacido en 1982, Brasilia, Brasil, vive y trabaja en Goiânia, Brasil)

Tomando como referencia el cuerpo humano, el artista busca partir de él para llegar a la colectividad. El se muestra  en pinturas, fotografías y vídeo como es silenciado por el miedo, la inseguridad, la individualidad y la fugacidad.

Cortesía: Dalton Paula

Julia Phillips (nacida en 1985, Hamburgo, Alemania, vive y trabaja en Nueva York, NY)

Haciendo esculturas con cerámica, Julia representa objetos que pueden ser usados en el cuerpo humano. A pesar de ser solamente un objeto, este representa la ausencia del cuerpo con movimientos, orificios o colores. No es solo algo físico como ponerte un cinturón, sino va más allá de lo político y social.

Cortesía: Julia Phillips

Wong Ping (nacido en 1984, Hong Kong, vive y trabaja en Hong Kong)

Mediante ilustraciones coloridas y exageradamente vulgares, Wong Ping demuestra la represión en algunos individuos por su orientación sexual. Utiliza figuras divertidas además de jóvenes y adultos como referencia.

Cortesía: Wong Ping

Manuel Solano (nacido en 1987, México DF, México) y trabaja en la Ciudad de México, México)

Es un artista visual que mezcla varias técnicas, desde fotografía, pintura y video. En todas muestra de una forma sutil la crudeza de las cosas, de tal manera que pareciera hecho por un niño.

Cortesía: Manuel Solano

Diamond Stingily (nacido en 1990, Chicago, IL; vive y trabaja en Brooklyn, NY)

Poeta y artista, sus principales preocupaciones son la identidad racial, la feminidad y la infancia. Todo esto contextualizado al lugar donde creció, contestando a la misma vez transfondos económicos y sociales.

Cortesía: Diamond Stingily

Wilmer Wilson IV (1989, Richmond, VA; vive y trabaja; trabaja en Filadelfia, PA)

La marginación social del cuerpo negro como un objeto efímero de trabajo, deseo y repulsión. Esas son las temáticas de sus composiciones y performances, así mismo sus investigaciones sobre el tema lo han llevado a complementar de manera rápida sus exposiciones.

Cortesía: Wilmer Wilson IV

Shen Xin (nacido en 1990, Chengdu, China, vive y trabaja entre Londres, Reino Unido y Amsterdam, Países Bajos)

Este director explora como en conjunto los individuos, la ética, la emoción y el juico logran influir entre ellos. Como si fuera protesta sus películas invitan a la reflexión y en casos radicales a desmantelar estructuras de poder dominantes.

Cortesía: Shen Xin

La variedad de artistas que se aglomeran en esta exposición es basta, el análisisa  al cual nos invita se complementa gracias a las distintas obras y técnicas. Sin olvidar lo más importante, lospuntos de vista originarios de varios rincones del planeta

Buff Monster y Dalek presentan “Spaced Out” en Nueva York

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Los artistas exponen juntos por primera vez en GR Gallery

Del 8 de marzo al 28 de abril, la galería neoyorquina GR Gallery une — por primera vez — a los legendarios artistas urbanos James Marshall, mejor conocido como Dalek y Buff Monster en la exposición colectiva Spaced Out.

Se presentarán 16 piezas creadas especialmente para la muestra, las cuales incluyen pinturas, instalaciones y ediciones que adentrarán al espectador en un viaje psicodélico.

Cortesía: GR Gallery

A través de sus personajes misteriosos, establecidos ya como iconos del arte urbano contemporáneo, Dalek y Buff Monster utilizan sus coloridas y destacadas formas para crear un medio que intenta representar a la sociedad de hoy, llevando el concepto de la cultura callejera a otro nivel, y demostrando que no solo comparten el gusto por el street art, sino también por la estética visual y la vanguardia.

Cada uno de los artistas aporta su toque a Spaced Out. Dalek lo hace a través su alter ego Space Monkey, con el cual interpreta su concepto de un ser humano perdido y sin rumbo en la actual y creciente ola tecnológica. Por su parte, Buff Monster juega con sus icónicos “melties”, y presenta su visión del mundo  a través de personajes amigables y paisajes que demuestran la imaginación constante y la activación de la creatividad.

Cortesía: GR Gallery

La complicidad entre ambos artistas lleva años desarrollándose, pero por cuestiones que salían de sus manos, no habían podido exponer y crear juntos. Ahora GR Gallery les brinda ese espacio, un lugar para el cual el arte urbano es esencial.

Y para darle más impresión a su primera colaboración, reinventaran el espacio de la galería, dando un toque único a su exposición, ofreciendo así un extra al público.

Cortesía: GR Gallery
¿Dónde?
Lugar: GR Gallery, 255 Bowery, Nueva York
Inauguración: jueves 8 de marzo, 2018
Hora: 6 – 9 pm
Duración: 8 de marzo – 28 abril, 2018

 

Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

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La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

El arte huichol invade Reforma

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La exposición de arte huichol más grande del mundo estará en CDMX

La muestra de arte huichol más grande del mundo permanecerá el mes de febrero en Paseo de la Reforma. La oportunidad de apreciar obras hechas por artistas wixarikas no se da todos los días, pero como 2018 es un año lleno de sorpresas, tendremos la dicha de contemplar arte huichol en vivo y a todo color este mes de febrero, en una de las avenidas principales de la CDMX.

Foto: Dónde Ir

El arte huichol es reconocido y apreciado no sólo por los mexicanos, sino por la comunidad internacional. Y es que ese dominio de color ha tenido tal impacto, que no son pocas las marcas que han querido poner un poco de él en sus productos, tal es el caso de los tennis New Balance y el famoso Vochol de Volkswagen.

Foto: The Happening

Paricuta es la responsable de que podamos tener más cerca que nunca la exposición de arte Huichol más grande del mundo. Esta empresa apoya a artesanos y artistas waxarikas, en miras de fortalecer la economía de la comunidad y difundir su trabajo artístico.

Inauguración oficial de la exposición más grande del mundo de arte huichol.No te la puedes perder en Paseo de la Reforma, iniciando de la Diana Cazadora durante todo el mes de febrero.

Posted by Paricuta on Wednesday, February 7, 2018

El proceso para crear las piezas que podremos disfrutar este mes no fue fácil, pues esta muestra es fruto del trabajo de 100 artistas de la comunidad que utilizaron como instrumento 20 millones de chaquiras aproximadamente. En relación a los deportes, la obra cuenta con piezas grandiosas de, por ejemplo, un auto Fórmula 1 y y una estatua de Muhammad Ali. Destaca también la figura de un rinoceronte en tamaño real, cuya realización tomó cinco años. ¡No te lo puedes perder!

Foto: Territorio Informativo
Foto: Chilango

Os Gemeos por primera vez en Asia

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Presentan la exposición Déjà Vu en Hong Kong

Desde sus humildes comienzos en la década de 1980 como escritores de graffiti en su barrio paulista de Cambuci, hasta museos, galerías y murales de todo el mundo, Os Gemeos se prepara para hito en sus carreras. El 26 de marzo, Lehmann Maupin en Hong Kong inaugura Déjà Vu, la primera exposición individual de los artistas brasileños en Hong Kong.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

La exposición —que se llevará a cabo durante la semana de Art Basel en Hong Kong— será la primera gran muestra de los hermanos gemelos Gustavo y Otavio Pandolfo en Asia. Os Gemeos buscan hacer de las exposiciones de arte experiencias inmersivas y multisensoriales. Déjà Vu rinde homenaje a la música, elemento de gran inspiración para los artistas, en particular con su instalación de sonido mixto, White Carnival (2016), donde los artistas pintaron sus icónicos personajes directamente sobre unos altavoces vintage, en una formación que se asemeja a un coro.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong
Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Al igual que los artistas surrealistas de principios del siglo XX, Os Gemeos buscan desafiar las convenciones y superar los límites del arte y la sociedad a través de la exploración desenfrenada del subconsciente y la propia imaginación.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Pinturas adicionales reflexionan sobre las experiencias vividas e imaginadas que comparten los artistas, Os Gemeos incluyeron motivos alegóricos como el agua, la luna y las estrellas, reproducidos vívidamente para conjurar un estado de sueño lúcido.

No podían faltar piezas que le rinden homenaje a la era dorada del hip hop de los años setenta y ochenta. La muestra es una especie de viaje en el tiempo para los artistas, una verdadera joya visual.

Déjà Vu estará abierta del 26 de marzo al 12 de mayo, 2018

El Museo de la CDMX presenta un recorrido histórico por la jungla de concreto

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La Ciudad de México en el arte: Travesía de ocho siglos 

En noviembre pasado, el recinto emblemático del siglo XVIII que fue el Palacio de la Condesa de Santiago, abrió nuevamente sus puertas después de los trabajos de rehabilitación supervisados por el INAH, con la inauguración de la exposición La Ciudad de México en el arte. Travesía de ocho siglos, la cual presenta 500 obras de artistas como Frida Kahlo, José Clemente Orozco, Manuel Tolsá, José Guadalupe Posada, así como piezas prehispánicas, publicaciones, documentos y cartografía; un conjunto de historias que han tomado como inspiración las calles de nuestra enorme y siempre impactante Ciudad de México.

Foto: Museo CDMX

Los especialistas que seleccionaron las piezas tomaron en cuenta criterios sociológicos, antropológicos, visuales e incluso musicales de distintos periodos históricos de la capital. Las obras que conforman la exposición son aquellas que mejor contaron o reflejaron lo sucedido en las travesías de esta enorme ciudad.

La muestra se presenta en orden cronólgico y se divide en periodos delimitados: la cultura precolombina, el Virreinato, la consolidación como país independiente en el siglo XIX y la modernidad en el siglo XX.

Está, por ejemplo, el Arte Prehispánico, que específicamente presenta manifestaciones artísticas de la cultura Mexica, donde podemos encontrar dos caras: lo aterrador y lo sublime.

Foto: Museo CDMX

El Arte Virreinal, de los siglos XVI-XVIII. El choque cultural que hubo posterior a la conquista, desarrolló una mezcla asombrosa en todos los ámbitos de la vida en la ciudad, y el arte no fue la excepción. Aquí hay producciones culturales y artísticas de primer orden.

Foto: Museo CDMX

Podrás disfrutar de obras como la Lápida conmemorativa del Templo Mayor de 1487, el facsímil del Códice Boturini del siglo XVI, la piedra de la Serpiente enroscada de 1325 y la Piedra del Tlaltecuhtli del mismo periodo. ¡Puras joyas históricas!

La Ciudad de México a través del Arte también pone especial atención a la cartografía, mostrándonos cómo se construyó la capital que habitamos hoy en día.

Foto: Museo CDMX

Los rasgos característicos del arte y sociedad de cada época se muestra en los diferentes estilos de representación, dando cuenta de una tendencia, sus cambios y decadencia. El secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, explicó que: “Participaron más de 75 coleccionistas privados, así como fundaciones e instituciones. El público va a encontrar una ciudad que dialoga con el tiempo y la creación de nuestro sincretismo, de los elementos que nos dan identidad. Es imposible salir de esta exposición sin sentirse orgullosos de ser parte de esta ciudad… una ciudad de ciudades”.

Foto: Museo CDMX
Foto: Museo CDMX

La muestra estará abierta hasta el 1 de abril.

Abierto de martes a domingo
Acceso general al museo: $30.00
Tarifa especial presentando credencial vigente de estudiante, maestro o INAPAM: $15.00
Miércoles entrada libre

¡No te la pierdas!

El fotógrafo Alan Schaller y su “Metropolis”

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La nueva serie del fotógrafo se inspira en el Bauhaus “urbano”

Cuando pensamos más allá de nosotros mismos, podemos darnos cuenta de lo pequeños que somos en comparación con el universo. Pequeños frente a lo que ha estado aquí antes de nosotros, la tierra, el mar o el cielo. Algo similar se experimenta al vivir en la urbe; los edificios y las grandes construcciones de la ciudad pueden llevarnos a sentirnos abrumados, desconectados.

Florence, Italy, 2017

El fotógrafo Alan Schaller es cofundador de Street Photography International, un colectivo de fotógrafos callejeros que busca promover lo mejor de la fotografía callejera a nivel mundial, y brindarle una plataforma a los fotógrafos emergentes con talento.

London, UK, 2017
London, UK, 2017

Schaller nacido en Londres, comenzó ahí la serie Metropolis. La mayoría de las fotografías fueron tomadas en las calles, con franqueza, porque Schaller quiso que transmitir un verdadero sentido de la vida urbana en sus múltiples facetas.

Mumbai, India, 2017
London, UK, 2015
London, UK, 2017

En su nueva serie, Schaller explora cómo el mundo moderno puede empequeñecernos. Su trabajo resulta impactante, pues podemos darnos cuenta de que ahora no sólo nos impacta la naturaleza, sino lo que hemos creado con nuestras manos. Ver la grandeza de la creación humana puede ser una fuente tanto de alegría como de angustia.

Metropolis se exhibe en Leica Store City, en Londres hasta el 10 de febrero.

Bournemouth Beach, UK, 2017
Florence, Italy, 2017

Banksy: de la calle a la galería

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La obra del artista se exhibirá en la Biblioteca de Jacksonville

Fue en 2010 que Banksy crea “La Rata”. El icónico artista la pintó portando una boina con una estrella al medio, al estilo Che Guevara, afuera de un hotel de San Francisco.

Foto: savethebanksy.com

Fue esta obra la que Brian Greif, coleccionista y curador de arte urbano, se encargó de conservar, a fin de que no fuera usada para propósitos comerciales o la dañaran otros artistas. La obra valuada en 2 millones de dólares ha recorrido varios espacios expositivos y pronto se exhibirá en la galería Jax Makerspace, perteneciente a la Biblioteca Pública de Jacksonville.

Foto: Independent
Fuente: Just Looks

Para recibir esta pieza, la galería Jax Makerspace también albergará una exposición titulada Writing on the Walls, en la que los visitantes podrán ser testigos del trabajo de diversos artistas urbanos locales. La exposición estará abierta al público del 14 de febrero al 14 de abril. La biblioteca estará colaborando con el Centro Cultural de Jacksonville y otras instituciones para ofrecer un programa educativo a los visitantes y recomendar listas de lectura sobre el tema de arte urban.

Fuente: Dezeen

Acá te dejamos el trailer del documental Saving Banksy, realizado en 2017, que narra más detalladamente la historia de esta obra.

 

La galería de Rotterdam dónde el arte se escucha

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Ocho músicos invaden el cubo blanco

Los cuadros han desaparecido de las paredes y en medio de ese blanco absoluto, se ha levantado el sonido. ¿Podemos prescindir de la vista para apreciar una obra de arte? El Centro de Arte Contemporáneo Witte de With en Rotterdam ha demostrado que sí. Es el  compositor y director estadounidense Ari Benjamin Meyers quién dirigirá el proyecto Kunsthalle for Music, nombre que deriva de la palabra alemana que describe un espacio en el que se muestra arte.

Foto: The New York Times

Hasta el 3 de marzo, un conjunto de ocho músicos, entre ellos violinistas, guitarristas y saxofonistas, presentará 38 piezas musicales, cuatro horas al día, cuatro días a la semana. Una forma de apreciar el arte que asegura ser una experiencia absorbente.

“Las paredes están vacías pero el espacio está lleno”, dijo la nueva directora del centro de arte, Sofía Hernández Chong Cuy. “No es una simple apropiación del edificio, sino que se apodera de todos tus sentidos.”

Foto: The New York Times

El Sr. Meyers y la Sra. Chong Cuy buscan crear una propuesta musical fuera de lo tradicional, extrapolando la música clásica de su entorno tradicional y llevándola al “cubo blanco” de una galería. Tanto los visitantes como los músicos podrán apreciar la experimentación sonora de una manera completamente diferente.

Al alejarse de las formas estrictas y tradicionales, Kunsthalle for Music genera una cercanía entre las personas y el arte, y qué manera más accesible de percibir y sentir que escuchando. Dependiendo del momento en el que lleguen, los visitantes podrán disfrutar desde una pieza de Dominique Gonzalez-Foerster, a la composición “Sky Piece to Jesus Christ” de 1965 de Yoko Ono, hasta algún fragmento de “Vexations” de Erik Satie.

Foto: The New York Times

¡Franco Fasoli inaugura exposición en Alemania!

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La exhibición estará en Berlín del 29 de junio al 7 de octubre

El pintor y muralista argentino Franco Fasoli presentó su exposición individual compuesta por sus últimos collages y esculturas. La exhibición lleva por nombre Pretensión de Grandeza (Pretension of Greatness) y se presentará de junio a octubre en la galería BC, en Berlín.

Sus obras, llenas de dinamismo, muestran situaciones reminiscentes de Argentina, México y  Latinoamérica en general. Temas como revueltas civiles o partidos de futbol los veremos representados en su trabajo, aunque con un tono sarcástico.

Sus intervenciones urbanas, así como su carrera en el muralismo, datan de 1999 en las calles de su natal Buenos Aires.

Ha realizado murales en diversos países alrededor del globo; entre los que podemos contar: Marruecos, Canadá, Italia, Francia, Austria, República Dominicana, Estados Unidos y, por supuesto, México.  Sus obras como pintor y escultor han formado parte de cerca de diez exposiciones, individuales y colectivas.

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