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Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

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La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

El arte huichol invade Reforma

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La exposición de arte huichol más grande del mundo estará en CDMX

La muestra de arte huichol más grande del mundo permanecerá el mes de febrero en Paseo de la Reforma. La oportunidad de apreciar obras hechas por artistas wixarikas no se da todos los días, pero como 2018 es un año lleno de sorpresas, tendremos la dicha de contemplar arte huichol en vivo y a todo color este mes de febrero, en una de las avenidas principales de la CDMX.

Foto: Dónde Ir

El arte huichol es reconocido y apreciado no sólo por los mexicanos, sino por la comunidad internacional. Y es que ese dominio de color ha tenido tal impacto, que no son pocas las marcas que han querido poner un poco de él en sus productos, tal es el caso de los tennis New Balance y el famoso Vochol de Volkswagen.

Foto: The Happening

Paricuta es la responsable de que podamos tener más cerca que nunca la exposición de arte Huichol más grande del mundo. Esta empresa apoya a artesanos y artistas waxarikas, en miras de fortalecer la economía de la comunidad y difundir su trabajo artístico.

Inauguración oficial de la exposición más grande del mundo de arte huichol.No te la puedes perder en Paseo de la Reforma, iniciando de la Diana Cazadora durante todo el mes de febrero.

Posted by Paricuta on Wednesday, February 7, 2018

El proceso para crear las piezas que podremos disfrutar este mes no fue fácil, pues esta muestra es fruto del trabajo de 100 artistas de la comunidad que utilizaron como instrumento 20 millones de chaquiras aproximadamente. En relación a los deportes, la obra cuenta con piezas grandiosas de, por ejemplo, un auto Fórmula 1 y y una estatua de Muhammad Ali. Destaca también la figura de un rinoceronte en tamaño real, cuya realización tomó cinco años. ¡No te lo puedes perder!

Foto: Territorio Informativo
Foto: Chilango

Os Gemeos por primera vez en Asia

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Presentan la exposición Déjà Vu en Hong Kong

Desde sus humildes comienzos en la década de 1980 como escritores de graffiti en su barrio paulista de Cambuci, hasta museos, galerías y murales de todo el mundo, Os Gemeos se prepara para hito en sus carreras. El 26 de marzo, Lehmann Maupin en Hong Kong inaugura Déjà Vu, la primera exposición individual de los artistas brasileños en Hong Kong.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

La exposición —que se llevará a cabo durante la semana de Art Basel en Hong Kong— será la primera gran muestra de los hermanos gemelos Gustavo y Otavio Pandolfo en Asia. Os Gemeos buscan hacer de las exposiciones de arte experiencias inmersivas y multisensoriales. Déjà Vu rinde homenaje a la música, elemento de gran inspiración para los artistas, en particular con su instalación de sonido mixto, White Carnival (2016), donde los artistas pintaron sus icónicos personajes directamente sobre unos altavoces vintage, en una formación que se asemeja a un coro.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong
Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Al igual que los artistas surrealistas de principios del siglo XX, Os Gemeos buscan desafiar las convenciones y superar los límites del arte y la sociedad a través de la exploración desenfrenada del subconsciente y la propia imaginación.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Pinturas adicionales reflexionan sobre las experiencias vividas e imaginadas que comparten los artistas, Os Gemeos incluyeron motivos alegóricos como el agua, la luna y las estrellas, reproducidos vívidamente para conjurar un estado de sueño lúcido.

No podían faltar piezas que le rinden homenaje a la era dorada del hip hop de los años setenta y ochenta. La muestra es una especie de viaje en el tiempo para los artistas, una verdadera joya visual.

Déjà Vu estará abierta del 26 de marzo al 12 de mayo, 2018

El Museo de la CDMX presenta un recorrido histórico por la jungla de concreto

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La Ciudad de México en el arte: Travesía de ocho siglos 

En noviembre pasado, el recinto emblemático del siglo XVIII que fue el Palacio de la Condesa de Santiago, abrió nuevamente sus puertas después de los trabajos de rehabilitación supervisados por el INAH, con la inauguración de la exposición La Ciudad de México en el arte. Travesía de ocho siglos, la cual presenta 500 obras de artistas como Frida Kahlo, José Clemente Orozco, Manuel Tolsá, José Guadalupe Posada, así como piezas prehispánicas, publicaciones, documentos y cartografía; un conjunto de historias que han tomado como inspiración las calles de nuestra enorme y siempre impactante Ciudad de México.

Foto: Museo CDMX

Los especialistas que seleccionaron las piezas tomaron en cuenta criterios sociológicos, antropológicos, visuales e incluso musicales de distintos periodos históricos de la capital. Las obras que conforman la exposición son aquellas que mejor contaron o reflejaron lo sucedido en las travesías de esta enorme ciudad.

La muestra se presenta en orden cronólgico y se divide en periodos delimitados: la cultura precolombina, el Virreinato, la consolidación como país independiente en el siglo XIX y la modernidad en el siglo XX.

Está, por ejemplo, el Arte Prehispánico, que específicamente presenta manifestaciones artísticas de la cultura Mexica, donde podemos encontrar dos caras: lo aterrador y lo sublime.

Foto: Museo CDMX

El Arte Virreinal, de los siglos XVI-XVIII. El choque cultural que hubo posterior a la conquista, desarrolló una mezcla asombrosa en todos los ámbitos de la vida en la ciudad, y el arte no fue la excepción. Aquí hay producciones culturales y artísticas de primer orden.

Foto: Museo CDMX

Podrás disfrutar de obras como la Lápida conmemorativa del Templo Mayor de 1487, el facsímil del Códice Boturini del siglo XVI, la piedra de la Serpiente enroscada de 1325 y la Piedra del Tlaltecuhtli del mismo periodo. ¡Puras joyas históricas!

La Ciudad de México a través del Arte también pone especial atención a la cartografía, mostrándonos cómo se construyó la capital que habitamos hoy en día.

Foto: Museo CDMX

Los rasgos característicos del arte y sociedad de cada época se muestra en los diferentes estilos de representación, dando cuenta de una tendencia, sus cambios y decadencia. El secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, explicó que: “Participaron más de 75 coleccionistas privados, así como fundaciones e instituciones. El público va a encontrar una ciudad que dialoga con el tiempo y la creación de nuestro sincretismo, de los elementos que nos dan identidad. Es imposible salir de esta exposición sin sentirse orgullosos de ser parte de esta ciudad… una ciudad de ciudades”.

Foto: Museo CDMX
Foto: Museo CDMX

La muestra estará abierta hasta el 1 de abril.

Abierto de martes a domingo
Acceso general al museo: $30.00
Tarifa especial presentando credencial vigente de estudiante, maestro o INAPAM: $15.00
Miércoles entrada libre

¡No te la pierdas!

El fotógrafo Alan Schaller y su “Metropolis”

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La nueva serie del fotógrafo se inspira en el Bauhaus “urbano”

Cuando pensamos más allá de nosotros mismos, podemos darnos cuenta de lo pequeños que somos en comparación con el universo. Pequeños frente a lo que ha estado aquí antes de nosotros, la tierra, el mar o el cielo. Algo similar se experimenta al vivir en la urbe; los edificios y las grandes construcciones de la ciudad pueden llevarnos a sentirnos abrumados, desconectados.

Florence, Italy, 2017

El fotógrafo Alan Schaller es cofundador de Street Photography International, un colectivo de fotógrafos callejeros que busca promover lo mejor de la fotografía callejera a nivel mundial, y brindarle una plataforma a los fotógrafos emergentes con talento.

London, UK, 2017
London, UK, 2017

Schaller nacido en Londres, comenzó ahí la serie Metropolis. La mayoría de las fotografías fueron tomadas en las calles, con franqueza, porque Schaller quiso que transmitir un verdadero sentido de la vida urbana en sus múltiples facetas.

Mumbai, India, 2017
London, UK, 2015
London, UK, 2017

En su nueva serie, Schaller explora cómo el mundo moderno puede empequeñecernos. Su trabajo resulta impactante, pues podemos darnos cuenta de que ahora no sólo nos impacta la naturaleza, sino lo que hemos creado con nuestras manos. Ver la grandeza de la creación humana puede ser una fuente tanto de alegría como de angustia.

Metropolis se exhibe en Leica Store City, en Londres hasta el 10 de febrero.

Bournemouth Beach, UK, 2017
Florence, Italy, 2017

Banksy: de la calle a la galería

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La obra del artista se exhibirá en la Biblioteca de Jacksonville

Fue en 2010 que Banksy crea “La Rata”. El icónico artista la pintó portando una boina con una estrella al medio, al estilo Che Guevara, afuera de un hotel de San Francisco.

Foto: savethebanksy.com

Fue esta obra la que Brian Greif, coleccionista y curador de arte urbano, se encargó de conservar, a fin de que no fuera usada para propósitos comerciales o la dañaran otros artistas. La obra valuada en 2 millones de dólares ha recorrido varios espacios expositivos y pronto se exhibirá en la galería Jax Makerspace, perteneciente a la Biblioteca Pública de Jacksonville.

Foto: Independent
Fuente: Just Looks

Para recibir esta pieza, la galería Jax Makerspace también albergará una exposición titulada Writing on the Walls, en la que los visitantes podrán ser testigos del trabajo de diversos artistas urbanos locales. La exposición estará abierta al público del 14 de febrero al 14 de abril. La biblioteca estará colaborando con el Centro Cultural de Jacksonville y otras instituciones para ofrecer un programa educativo a los visitantes y recomendar listas de lectura sobre el tema de arte urban.

Fuente: Dezeen

Acá te dejamos el trailer del documental Saving Banksy, realizado en 2017, que narra más detalladamente la historia de esta obra.

 

La galería de Rotterdam dónde el arte se escucha

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Ocho músicos invaden el cubo blanco

Los cuadros han desaparecido de las paredes y en medio de ese blanco absoluto, se ha levantado el sonido. ¿Podemos prescindir de la vista para apreciar una obra de arte? El Centro de Arte Contemporáneo Witte de With en Rotterdam ha demostrado que sí. Es el  compositor y director estadounidense Ari Benjamin Meyers quién dirigirá el proyecto Kunsthalle for Music, nombre que deriva de la palabra alemana que describe un espacio en el que se muestra arte.

Foto: The New York Times

Hasta el 3 de marzo, un conjunto de ocho músicos, entre ellos violinistas, guitarristas y saxofonistas, presentará 38 piezas musicales, cuatro horas al día, cuatro días a la semana. Una forma de apreciar el arte que asegura ser una experiencia absorbente.

“Las paredes están vacías pero el espacio está lleno”, dijo la nueva directora del centro de arte, Sofía Hernández Chong Cuy. “No es una simple apropiación del edificio, sino que se apodera de todos tus sentidos.”

Foto: The New York Times

El Sr. Meyers y la Sra. Chong Cuy buscan crear una propuesta musical fuera de lo tradicional, extrapolando la música clásica de su entorno tradicional y llevándola al “cubo blanco” de una galería. Tanto los visitantes como los músicos podrán apreciar la experimentación sonora de una manera completamente diferente.

Al alejarse de las formas estrictas y tradicionales, Kunsthalle for Music genera una cercanía entre las personas y el arte, y qué manera más accesible de percibir y sentir que escuchando. Dependiendo del momento en el que lleguen, los visitantes podrán disfrutar desde una pieza de Dominique Gonzalez-Foerster, a la composición “Sky Piece to Jesus Christ” de 1965 de Yoko Ono, hasta algún fragmento de “Vexations” de Erik Satie.

Foto: The New York Times

¡Franco Fasoli inaugura exposición en Alemania!

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La exhibición estará en Berlín del 29 de junio al 7 de octubre

El pintor y muralista argentino Franco Fasoli presentó su exposición individual compuesta por sus últimos collages y esculturas. La exhibición lleva por nombre Pretensión de Grandeza (Pretension of Greatness) y se presentará de junio a octubre en la galería BC, en Berlín.

Sus obras, llenas de dinamismo, muestran situaciones reminiscentes de Argentina, México y  Latinoamérica en general. Temas como revueltas civiles o partidos de futbol los veremos representados en su trabajo, aunque con un tono sarcástico.

Sus intervenciones urbanas, así como su carrera en el muralismo, datan de 1999 en las calles de su natal Buenos Aires.

Ha realizado murales en diversos países alrededor del globo; entre los que podemos contar: Marruecos, Canadá, Italia, Francia, Austria, República Dominicana, Estados Unidos y, por supuesto, México.  Sus obras como pintor y escultor han formado parte de cerca de diez exposiciones, individuales y colectivas.

Primera exposición fotográfica sobre el arte urbano de Ecuador📷

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Carl Moore reflexiona sobre el futuro del arte urbano en Latinoamérica

La idea de este prometedor proyecto nace en 2010 cuando el fotógrafo y periodista estadounidense Carl Moore realizó por cuatro años constantes visitas a Ecuador y descubrió una parte de este país en la que nadie se había fijado: las intervenciones de arte realizadas en fachadas, puertas y paredes que en esencia pudieran parecer efímeras, pero han dejado una huella relevante en las ciudades de Quito, Cuenca, Ambato, Baños y Paguche.

A la par de la muestra, se integra la publicación de dos libros A full color y En blanco y negro; el primero plasma el trabajo de  25 artistas  y busca responder a la interrogante de cuál es el futuro del arte urbano en Ecuador; y el segundo, está conformado por una serie de grafitis para que sean coloreados, el autor pretende que las personas desarrollen su mundo creativo.

El prólogo del primer libro esta realizado por María Fernanda López quien es docente en la Universidad de las Artes de Ecuador y se especializa en arte urbano y en el cual resalta la importancia de mostrar la gráfica urbana como una posibilidad para que las personas piensen sobre el uso y apropiación de espacios públicos.

El trabajo de Moore resulta relevante, porque abre una posibilidad a que los visitantes y los artistas observen los diferentes estilos del arte urbano latinoamericano.

 

Entrevista a Felipe Pantone: la importancia del proceso creativo

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“Es más importante el proceso creativo que la obra concluida”

Pintó el código QR más grande del mundo, hizo el mural más grande que haya tenido Lisboa, y sus obras se destacan por que rompen récords de altura o tamaño. Para Felipe Pantone tiene más sentido mostrar su obra que su cara.

“Prefiero que la gente me conozca por mi obra que por mi rostro”.

ALL CITY CANVAS lo entrevistó durante la inauguración de su exposición Planar Direction con la galería Station 16 durante la Feria de Arte que organiza en cada edición Mural Festival.

Cuéntanos un poco del proceso creativo al pintar en un mural el código QR más grande del mundo

Lo más difícil fue convencer al dueño del edificio que me dejara pintar el código. Al él le daba realmente igual, pero a la gente le gusta la belleza, y los códigos QR son bastante feos, por eso la belleza de este trabajo reside en el concepto.

Pantone comenzó a pintar graffiti en las calles a los 12 años, lo cual determinó su gusto por el arte. Hizo la carrera en Bellas Artes en el Reino Unido. Interesado siempre en realizar obras para el espacio público, el artista ha creado esculturas e imágenes digitales tridimensionales.

 

La mayoría de tus obras son a gran escala. Lograste hacer el mural más grande en Lisboa y el código QR más grande del mundo, ¿cuál es tu interés por realizar obras que rompan récords, es parte de un estilo artístico?

Es el mismo estilo que hacía con el graffiti. Me gusta que mi trabajo siempre destaque y sea recordado por alguna característica. Entre más grande el espacio y más sitios públicos donde pintar, mejor. Debes adoptar mecanismos para que el trabajo prevalezca y ver de qué manera hacerlo: generándole curiosidad a la gente, hacer que se sientan atraídos visualmente, otorgarle belleza a lo cotidiano, así es más difícil que lo borren.

Es más fácil que borren un graffiti de los que hacía cuando pequeño a que eliminen una obra en un edificio de 17 pisos.

Felipe Pantone ve su estilo artístico como algo actual, del presente. A pesar de las insistentes comparaciones con el op-art de los años 60 (una corriente artística que intenta crear efectos de movimientos en las obras) o con lo futurista, él no se remite a eso, sino algo único que reinventa cada día.

 

¿Por qué mantener el anonimato?

Mi cara no la elegí yo, no tiene ningún interés. Es más interesante mostrar mi obra, lo que estoy creando a que enseñar mi cara, un rostro que no elegí. Es algo arbitrario, mi cara es de lo menos importante que puedo ofrecer visualmente.

¿Cómo decides lo que vas a plasmar en tu obra? La forma, los colores, el lugar, etc.

Si es en la calle, el lugar me lo da. Debes de trabajar en función a eso. La calle me ofrece cosas que ningún otro lado me da.

En el arte, lo más bonito no es la obra concluida, sino el camino para llegar al resultado: los problemas con los que te enfrentas, la búsqueda de soluciones, las incógnitas, los misterios, y la calle me permite conocer y apreciar de manera más cercana este proceso.

Trabajar en un estudio hace del proceso algo más controlado y lo que más me ayuda a evolucionar son las cosas nuevas, eso me permite seguir buscando lo nuevo y experimentar.

El arte provocativo de Andrea Fraser

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Andrea Fraser: el arte que critica al arte

Fotografías y texto por Cristina Ochoa y Mariana Gaona

Artista estadounidense de performance,  imagen  clave de la llamada crítica institucional, conocida por sus prácticas artísticas que han sido calificadas como retadoras, provocativas e inteligentes. Ella es Andrea Fraser, actualmente  una de las figuras más importantes del arte contemporáneo.

La crítica institucional, dentro de la que se encuentran sus trabajos, es una corriente del mundo del arte surgida en los años 60 que se encargaba de cuestionar a museos, galerías y colecciones.  Las obras de Fraser nos retan a reflexionar sobre nuestro rol como espectadores: “No es cuestión de estar en contra de la institución. Nosotros somos la institución. La cuestión es qué clase de institución somos, qué clase de valores institucionalizamos, qué formas de práctica premiamos y a qué clase de premios aspiramos”, escribió en 2005.

¿Qué nos motiva a consumir el arte de nuestra preferencia?, ¿quién nos dice cómo debemos comportarnos en el museo?, ¿vamos guiados por nuestras propias convicciones o por las instituciones artísticas?  Son esas las reflexiones que Fraser busca dejar en sus trabajos.

En 2003  fue cuestionada por su video nombrado Sin título, en el que la artista mantiene relaciones sexuales con un coleccionista de arte, quien le pagó a Fraser 20 mil  dólares, y le propuso quedarse con una de las dos únicas copias del filme. La artista explicó que todo lo anterior fue  parte de un análisis respecto al vínculo económico con la institución artística.

El cuerpo de Fraser es elemento de sus investigaciones y parte fundamental en su trabajo; el cual está influenciado por temas feministas, sociológicos, económicos y psicológicos; además incluye reflexiones sobre el modo en que el arte puede servir de instrumento de distinción social.

Actualmente, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) presenta la primera muestra retrospectiva individual en México de la artista: L’1% c’est moi , con la curaduría de Cuahutémoc Medina y Hiuwai Chu, que incluye obras producidas a lo largo de sus más de 30 años de cuestionamiento al mundo del arte.


El nombre de la exhibición es el mismo que utilizó para   la revista alemana Texte Zur Kunst, en la cual escribió un ensayo exponiendo la relación entre la riqueza de coleccionistas y el crecimiento de la desigualdad social, criticando el valor monetario en el que se ha estado desenvolviendo el arte.

Las obras de Andrea Fraser nos llevan al análisis, la introspección, el cuestionamiento y a su definición de arte.

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