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Entrevista a Laura Meza: “Tenemos todo, menos miedo”

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El sábado 24 de junio la artista inaugura exposición individual en la galería Celaya Brothers

Fotografías Celaya Brothers Gallery y Laura Meza

 –Has mencionado que durante tus viajes por Latinoamérica te interesó investigar el concepto de jocosidad en distintos contextos. De acuerdo a tu experiencia y estos viajes realizados, ¿qué es entonces para ti la jocosidad?

 –Mi estilo de vida y por lo tanto es mi forma de hacer arte. Es como cuando en una fiesta se va la luz y la gente se las ingenia para que todos los invitados se la sigan pasando bien. Durante mis viajes por Latinoamérica he aprendido que entre más grande es la crisis, más grande es la creatividad. Aún con todos los problemas, la gente no deja de convivir, bailar y celebrar.

Laura Meza es una artista mexicana, egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y del programa educativo SOMA, una organización dedicada al intercambio cultural en la Ciudad de México encargada de producir y difundir el arte contemporáneo.

Ha expuesto en Salón Acme, en el Museo Universitario del Chopo, las galerías Maauad y Bikini Wax; asimismo ha realizado residencias en Colombia, Ecuador, Honduras y Estados Unidos. Del 2015 al 2016 fue acreedora de la Beca Adidas Border y actualmente forma parte del Programa de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

Este año fue seleccionada para el programa de residencias de la galería Celaya Brothers, espacio que invita a los artistas a experimentar, a retar y arriesgar los límites de la creatividad.

En ALL CITY CANVAS tuvimos la oportunidad de entrevistar a Laura Meza, quien el sábado 24 de junio inaugura exposición en esta galería. El nombre de su exhibición va más allá de un título, ahora que estamos viviendo tiempos de crisis y temores: Tenemos todo, menos miedo.

 

 

¿Cómo te enteraste o fuiste seleccionada para formar parte del programa de residencias de la galería Celaya Brothers?

Fui seleccionada y estoy profundamente agradecida por eso. Ser artista emergente y que volteen a verte es difícil, y luego ser una artista mujer se vuelve más difícil, porque es verdad  que el machismo existe en el mundo cultural. El año pasado, una curadora realizó una encuesta y de 20 galerías, sólo dos habían tenido exposiciones con mujeres. Es un tema que debemos darle visibilidad.

¿Qué significa el nombre de tu exposición: Tenemos todo, menos miedo?

La frase la vi en un letrero de una fonda y tortillería, luego de que una panadería cerró por el incremento de asaltos. Me pareció una frase muy puntual a lo que vivimos y que pese a todo lo que está ocurriendo, la gente decide salir, no se deja amedrentar por el terror y el miedo.

Decidiste que la inauguración fuera en sábado debido a que cerca de la galería Celaya Brothers se encuentra un tianguis y para ti era importante conectarlo con tu obra. Cuéntanos un poco más sobre esta idea

Me hubiera gustado generar un intercambio cultural con los locatarios, pero como me lastimé mi pie, eso me ha impedido desplazarme, pero quiero que ese tianguis sea una carta de bienvenida a mi exposición; además los mercados y tianguis siempre han sido espacios que me interesan.

Parte también de tu estilo artístico es justamente intervenir espacios urbanos que son parte de lo que llaman “arquitectura defensiva” para darles nuevos usos, ¿por qué el interés en este tipo de espacios?

La arquitectura defensiva no es un concepto tan nuevo, es una tendencia global por colocar pinchos en bancas para evitar que las personas en situación de calle no puedan sentarse. Colocar bardas, ventanas con rejas, vidrios en las azoteas son ideas que se venden como elementos de “seguridad” y “protección”, cuando en realidad estamos volviendo en prisiones nuestras casas y normalizando el miedo.

Las ciudades siempre han sido un punto importante de inspiración para mi obra. De joven practicaba skateboarding  y ahora me gusta mucho caminar ya que puedo notar más cosas de las que podría darme cuenta si voy dentro de un automóvil.

¿Qué elementos mexicanos o latinoamericanos formaron parte de tu inspiración para las obras que expondrás este sábado?

Tengo una fascinación por esas cubetas que llenan de cemento y tienen enterrado un palo largo, que generalmente usan para ponerlos en las calles y no permiten que se estacionen en cierto lugar los coches. Es algo que he visto en Latinoamérica.  Yo los nombro apartadores y en mi exposición los replico pero subvirtiendo un poco la lógica y les doy un nuevo uso: donde pueden colgarse hamacas u otros objetos. Coloco plantas y frutas porque son elementos con los que crecí en casa de mi abuela.

¿Por qué la gente debe venir a la inauguración de Tenemos todo, menos miedo?

Si les gusta la fruta, la pintura y pasar un rato con desconocidos entonces, ésta es la exposición que no deben perderse.

Laura Meza también nos habló de la actual escena artística en Latinoamérica, la cual describe como vibrante y atractiva. Dijo que para septiembre el Museo Hammer, en Los Ángeles, inaugurará una exposición de artistas mujeres relevantes en Latinoamérica.

Los temas y líneas de investigación de la artista son el humor, la vida, la fiesta y el juego que pueda generarse en espacios artísticos, en donde la mayoría, pintan de blanco sus paredes.

Inyectar a tu obra de humor y fiesta, ¿cómo lo logras?

El humor es vital en la vida, más en estos momentos porque estamos rodeados de gente que se quiere hacerse la “chistosa”, pero necesitamos un humor que nos haga reflexionar y sensibilizarnos sobre la actualidad.

La fiesta es un concepto con el que siempre he estado familiarizada. De niña me gustaba ir a las ferias, ver a la gente bailar en los sonideros, jugar canicas, comer en los puestos. Esos colores y sabores que tengo impregnados y que fueron posibles trasladarlos al mundo arte.

Muchos espacios artísticos son de color blanco y a mí me gusta inyectarlos de humor, fiesta y diversión.

¿Qué viene para Lara Meza?

Seguirme moviendo por Latinoamérica, estoy en un proyecto con la Fundación Alumnos 47 a finales de este año, una exposición en Ladrongalería y una residencia en Argentina.

 

Arte, luces y música, la nueva exposición de Brian Eno en Ivorypress

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Light, primera exposición individual de Brian Eno en la galería Ivorypress 

Brian Eno es un artista británico que se ha desempeñado también en la música; es compositor y productor. Se le atribuye el término de música ambiental.

En esta ocasión, es la primera vez que el artista expondrá en Ivorypress, galería ubicada en Londres y que desde el 1996 se ha consolidado también como librería y consultoría de arte contemporáneo.

Light es el nombre la exposición individual de Eno por primera vez en Ivorypress, la cual consta de una instalación con focos LED en cajas que juegan con la perspectiva visual del espectador.

Cada una de las cajas que componen la instalación tiene una composición musical única para así crear una pieza de sonido para toda la exhibición. Éstas también se encuentran publicadas en su libro Ligh Music, el cual está centrado en su trayectoria artística.

Además de la instalación lumínica y musicalizada, Eno también exhibe dos obras, las cuales fueron creadas con efectos ópticos de movimiento y profundidad.

La galería también cuenta con proyectos editoriales, de producción audiovisual y programas educativos. Ivorypress fue el espacio donde presentó su primera exposición individual la fotógrafa estadounidense Mariana Cook.

Arts Writing Awards: los primeros premios que galardonan lo mejor al arte digital

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The Carl & Marilynn Thoma Art Foundation se encargó de los galardones

Los premios Arts Writing reconocen los logros innovadores de escritores establecidos y emergentes que contribuyan significativamente al campo del arte digital; premios que otorga cada año The Carl & Marilynn Thoma Art Foundation desde el 2015. Dicha fundación reconoce el poder de las artes para desafiar y cambiar las percepciones, estimular la creatividad y conectar a las personas a través de la diversidad de culturas que existen en el mundo.

Los premios son los primeros de su tipo para hacer hincapié en la importancia de la escritura en el tema de las artes: tecnología y crítica, el camino por el cual ha estado evolucionando el arte contemporáneo.

Los galardonados en esta edición 2017 fueron Rudolf Frierling y Ed Halter, seleccionados de entre un grupo de 30 artistas y escritores provenientes de Estados Unidos y Europa.

Rudolf Frieling es Curador de Artes de Medios en el Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA). El jurado lo eligió ganador en la categoría de escritor establecido porque sus textos se dirigen a una amplia audiencia; conectan el arte digital con el contemporáneo. Su proyecto Media Art Net en ZKM | Centro de Arte y Medios de Comunicación Karlsruhe ejemplifica su forma innovadora de pensar sobre la escritura.

Ed Halter es crítico con residencia en Bard College de Nueva York, además de fundador y director de la Light Industry, un lugar para el cine y el arte electrónico en Brooklyn. El jurado resaltó su compromiso con las artes mediáticas en todas sus formas, y su evolución más reciente: el paso de la escritura para cine hacia el arte digital, para así otorgarle el galardón como escritor emergente.

Entrevista a Matteo Amadio, uno de los fundadores de BLOOP festival👌

El festival tiene como objetivo llevar el arte a todo público

 “Ibiza me enamoró. Sucedió por casualidad, pero decidí que quería pasar aquí tanto tiempo como fuera posible, no sólo porque es una isla de la fiesta, creatividad y transgresión, sino también, y sobre todo, por la tolerancia”, dijo Matteo Amadio, fundador de Bloop.  En ALL CITY CANVAS lo entrevistamos para que nos contara sobre los inicios del festival y las razones por las cuales es necesarios expandir el arte a toda la gente.

BLOOP, el festival de arte proactivo, regresa este 2017 con una nueva palabra temática: Cambios. Ibiza será la sede del festival, una isla construida con base en prejuicios sobre el descontrol y los excesos, mismos que se quieren deshacer con las propuestas de Bloop.

Desde hace seis años que se lleva a cabo este festival. La idea de llevar arte a todo público de manera gratuita, es para generar interacción entre la obra y los espectadores, rompiendo las barreras entre el arte y los asistentes.

¿Por qué elegir la palabra Cambios como la temática de este año?

Venimos de un gran período de crisis económica. Sumémosle los cambios inesperados, como la elección del Reino Unido de salir de la Unión Europea y la decisión de Estados Unidos de elegir a Trump como presidente que despiertan grandes incógnitas. También basta pensar en cómo la relación con la tecnología ha cambiado nuestra forma de socializar. Es decir, si miramos el presente, el pasado o el futuro, el tema más candente hoy parece precisamente eso.

Foto Por Marc Colomines

Cada año la elección de tema por edición de festival es elegida con base en experiencias y anécdotas del mundo de Matteo Amadio. En algún momento, luego de haber sido engañado por su novia, reunió a artistas que habían pasado por la misma situación y querían expresar su sentir por medio de obras de arte.

“Cuando mi ex novia me engañó, decidí organizar en Milán una exposición con artistas cornudos que quisieran expresar a través de arte sus experiencias con sus exes. Con Bloop buscamos ampliar un poco más el horizonte, miramos la realidad de escenarios culturales, sociales y geopolíticos”, contó Amadio.

Foto por Mar Colomines.

El arte logra que las barreras de nacionalidades se rompan, ¿crees que BLOOP pueda cruzar fronteras?

Sin duda nos gustaría que esta experiencia se pudiera repetir en otras ciudades. Sin embargo, antes de aventurarnos a un nuevo territorio, debemos entenderlo perfectamente, sobre todo si llevamos una propuesta como Bloop, tenemos que encontrar socios locales para así mantener el espíritu que hemos creado en Ibiza.

Cada año el objetivo se cumple. La sociedad se acerca al arte. La gente se mezcla y el arte gana terreno para crear un nuevo turismo. Los cambios no sólo son en el escenario o en la temática del festival, sino en todo lo que rodea al mundo. 

 

Esta nueva edición de BLOOP, la cual se llevará a cabo del 23 de agosto al 16 de septiembre de este año, pretende continuar la esencia con la cual se creó: hacer arte para todos, esto se ha logrado desde los estilos de algunos artistas como INO, Aec Interesni Kazki, INTI, Bisser, Tom Gallant, Martha Cooper.

Cada vez está más cerca este importante festival. ¡ATENTOS!

 

Artista crea instalación basada en las Panteras Negras

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La inspiración llegó desde la basílica de San Pedro y de las Panteras Negras

Kevin Beasley, artista norteamericano, creó esta inusual mezcla en la galería Vault en el UCLA’s Hammer Museum. El título de la exhibición es Hammer Projects: Kevin Beasley.

La obra es un altar que levita, el cual está rodeado con velos de diferentes colores, como si representaran personas que cuidaran la silla solitaria.

Esta instalación se completa con una cortina negra de un material parecido a una piel de animal, que impide la vista si se para frente a ella, pero que si se rodea, se podrá encontrar la solitaria silla.

La inspiración de Beasley fue el retablo barroco del siglo XVII diseñado por el escultor Gian Lorenzo Bernini en la Basílica de San Pedro, en Roma, y un retrato fotográfico del co-fundador del Partido de las Panteras Negras Huey P. Newton sentado en una silla de rattan (hilos finos de las palmeras).

Los colores de los velos en el altar contrastan con la cortina negra frente a él, por lo tanto, cuando se observa a la luz de la lámpara que lo mantiene iluminado, la vista no puede dejar de clavarse ahí y pensar en la idea del poder de Huey P. Newton y el maravilloso arte de la basílica de San Pedro.

Documenta: importante muestra de arte contemporáneo en el mundo

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Por primera vez en la historia tendrá dos sedes: Kassel y Atenas

La 14° entrega de Documenta tendrá por primera vez en su historia dos sedes: la ciudad alemana de Kassel y Atenas, Grecia.

Este festival, la mayor muestra de arte contemporáneo internacional, se realiza cada cinco años desde su primera exhibición en 1955, de la mano de Arnold Bode, quien tenía como objetivo impulsar el arte en la situación de la posguerra.

En estos momentos no se vive una guerra, pero sí en una situación de crisis económica, política y social que abarcan muchas partes del mundo. Por eso Atenas, ciudad griega, será sede, ya que ha sido un país muy asediado por las crisis en los últimos años.

Con el título de Documenta 14: Aprende de Atenas, se llevará a cabo este enorme festival con una duración de 100 días, el cual se inauguró el ocho de abril de este año, para luego dar paso a la realización en Kassel el próximo 10 de junio.

La idea de la realización de Documenta 14 es “reflejar la situación actual en Europa y poner de relieve las tensiones palpables entre el norte y el sur”, dijo Adam Szymczyk, director artístico de la feria.

El festival contará con la presencia de varios artistas como: Akinbode Akinbiyi, Michel Auder, Moyra Davey, Guillermo Galindo, Olaf Holzapfel y Nikhil Chopra.

Pinturas, esculturas, instalaciones, exhibiciones públicas, documentales, algunos homenajes y conciertos conformarán las actividades que se podrán disfrutar durante el lapso de Documenta 14: Aprende de Atenas.

Artistas intervienen tablas de skate por los 100 días de gobierno de Trump 🏂

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The Skateroom: Ai Weiwei y Shepard Fairey han intervenido tablas

The Skateroom es una organización que tiene como propósito empoderar a los jóvenesa través del skate y el arte. Parte de sus proyectos es invitar a artistas que intervengan tablas y sean vendidas a un precio accesible.

El dinero recaudado sirve para continuar con el proyecto y realizar más actividades sociales a nivel internacional. Todo esto se lleva a cabo gracias al financiamiento de Skateistan, una asociación sin fines de lucro que se acerca a los jóvenes a través de la educación y el skateboarding.

Entre sus proyectos más actuales figura el realizado con el artista y activista político Ai Weiwei. Con motivo de los 100 días de Trump como presidente de Estados Unidos, intervino unas tablas con la fotografía Study of Perspective – White House, trabajo que realizó para su exhibición Fuck off.

También el artista estadounidense Shepard Fairey, como manifestación en contra de la elección de Donald Trump, colaboró con The Skateroom para crear “No Future”. Fairey mantiene una constante actividad política con su arte. Anteriormente creó carteles para la campaña “We the people”, también en contra de Trump.

Anteriormente, las obras de Andy Warhol, Araki, ROA y Robin Rhode han colaborado The Skateroom.

Las mejores obras de Urban Art Fair 2017💣

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Artistas conocidos y nuevos talentos se dieron cita en París para la segunda edición de la UAF

Fotografías por C. Gaillard

Por segundo año consecutivo, París recibió a Urban Art Fair 2017, feria internacional dedicada a exhibir las mejores obras del arte urbano contemporáneo, así como exposiciones de galerías y trabajos de artistas.

28 galerías interncionales se reunieron en el centro cultural Le Carreau du Temple junto con varios artistas como Banksy, D*Face, Seth y Tóxico.

Esta feria es una iniciativa para que los parisinos, artistas, galerías y diseñadores convivan en un edificio histórico, que data del siglo XII, y así exista una mayor confluencia de arte urbano contemporáneo en una de las capitales europeas más importantes.

En la feria se podían encontrar composiciones desérticas de Joram Roukes o lienzos enmarcados con una fotografía de paisajes urbanos intervenidos por Jaune.

El reciclaje también fue tema en la feria, pues Jana & JS intervinieron latas de pintura, Zenoy hizo lo propio con un buzón y Fred Allard modificó la marca Yves Saint Laurent al introducir caramelos en un recipiente de vidrio.

Una de las obras que más llamó la atención del público, fue la parte inferior de un caballo, la cual estaba de cabeza (con las patas arriba). Esta escultura fue llevada a cabo por la galería Open Space de París.

La UAF también es impulsora de nuevos talentos. Esta edición acudieron nombres que, probablemente serán mencionados con frecuencia en los siguientes años, algunos de ellos fueron: Kan, Fin DAC, Vincent Chery, Kongo y la galería Bartoux.

Además de obras de arte como pinturas, instalaciones y hasta realidad virtual, también una exposición de ocho películas que cuentan la historia del arte urbano.

PArC: la feria de arte contemporáneo en Perú que premiará a artistas con residencia en Mana Wynwood

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Artistas de España, Brasil, Venezuela, Argentina, EEUU, México, entre otros estarán participando

En el 2013, luego de poner sobre la mesa el hecho de que en Perú no se tenían ferias de arte como en otros países latinoamericanos, Gastón Deleau, el gestor de la Semana del Arte y Lima Photo en el país sudamericano, decidió lanzar Perú Arte Contemporáneo (PArC), la primera feria de arte contemporáneo del país que este 2017 realizará su novena edición.

PArC regresa al Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Lima, para presentar lo mejor del movimiento artístico en Latinoamérica. Instalaciones, fotografía, artistas internacionales y conversatorios son las cosas que los visitantes podrán encontrar en la feria.

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Solo Projects: proyecto curatorial más importante de la feria

La sección Solo Project, una de las más importantes del programa, ya que se invitan a seis artistas de diferentes nacionalidades a dialogar sobre las diferentes perspectivas laborales artísticas.  El espectador será testigo del proceso creativo de sus obras: desde la investigación de un tema, hasta la materialización de las ideas plasmadas en pintura, fotografía, escultura, etcétera.

Los artistas que forman parte de los Solo Projects en 2017 son:

1.-Juanli Carrión (España) con Y Gallery (Nueva York)

Artista que trabaja con temas de identidad colectiva e individual, comunidad, memoria, historia social, política y cultural del lugar donde se encuentre realizando trabajos. Ha expuesto en el Instituto de Arte de Chicago, el Centro de Artes Abrons, la Galería Y, Museo de Arte Contemporáneo ARTIUM, Galería Rosa Santos o Centro Parraga en España; Museo Ex-Teresa, entre otros.

2.-Laura Belém (Brasil) con Athena Contemporânea (Río de Janeiro)

Tiene una maestría en Artes Visuales por Central Saint Martins College of Art & Design de Londres.  Ha realizado residencias en Canadá, España, Estados Unidos. Fue galardonada en Miami por Cisneros Fontanals Art Foundation al ser catalogada como una de las grandes promesas de artistas emergentes. Tienes exhibiciones en Brasil, Londres, Estados Unidos, Portugal, entre otros.

3.-Emilia Azcárate (Venezuela) con Henrique Faria (Nueva York)

Pintora que trabaja el tema de la abstracción. Recién participó en la feria Arco Madrid. Admira a Goya, vive actualmente en Madrid. Estudió en la Universidad de Arte de Saint Martins en Londres. Su trabajo pictórico ha sido influenciado por un viaje que hizo a la India, además del uso de materiales como semillas, piedras,  metales para realizar sus famosas mandalas.

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4.-Emanuel Tovar (México) con Páramo Galería (Guadalajara)

Estudió Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara, participó en el tercer encuentro de Profesores y Estudiantes de Artes Visuales en Cuba.

Ha exhibido en México, Suiza, Estados Unidos, España, entre otros. Fue galardonado cuatro veces por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, dentro del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico.

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5.-.-Andrés Marroquín W (Perú) con Revolver (Lima)

Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima. En 2002 realizó estudios sobre fotografías en Berlín. Es director y fundador de Meier Ramirez, editorial que produce y publica libros del artista, donde se traduce el lenguaje artístico en letras.

 

6.-Rubela Dávila (Perú) con Henrique Faria (Buenos Aires)

Artista que es reconocida por explorar en los medios ópticos, el Op Art, el neo plasticismo y la abstracción geométrica. Pertenece a los grupos de artistas peruanos en las que estas vanguardias intentaron modernizar la plástica del país latinoamericano.

Solo Projects 2017 será curada por Daniela Pérez, quien recientemente, entre 2015 y 2017, fue subdirectora artística en el Museo Tamayo de la Ciudad de México. En 2015 curó la exposición, Debemos convertirnos en idealistas o morir. Gustav Metzger, en el Museo Jumex. Ha trabajado en el Museu de Arte Moderna de Sao Paulo; New Museum en Nueva York; Museo de Arte Carrillo Gil en México

Mana Contemporary es una de las organizaciones de arte contemporáneo más grande e innovadora de Estados Unidos, ya que permite intercambios de ideas entre artistas con diferentes nacionalidades.

Este año, Mana Contemporary y PArC se unieron para que el segundo lugar del Solo Projects tenga una residencia de tres meses en Mana Wynwood.

El escritor, artista e investigador peruano Miguel López se encargará de programar la sección Auditorio, un encuentro para el debate sobre el arte y los procesos de éste a través del coleccionismo, en los últimos años.

 

Nuevamente, la feria que se celebrará del 20 al 23 de abril, se contará con la participación de Tijuana Arte Impreso,  una propuesta que nació en el 2009 en Sao Paulo y con la cual se busca la exhibición y promoción de libros internacionales de investigación sobre arte.

 

ENTREVISTA: Ernesto Ríos, primer latinoamericano en ganar Premio Artes Visuales SIEMENS

La galería SISMO albergará su nueva exposición

Ernesto Ríos presenta Constelaciones, su nueva exposición en la galería SISMO, de la Ciudad de México.

Artista multidisciplinario nacido en Cuernavaca, México. Ha expuesto individualmente en Nueva York, Melbourne, La Habana, Ciudad de México, entre otras ciudades;  además de colaborar en más de 60 exhibiciones colectivas.

Para Ríos, los cerillos representan la vida a través de la madera y al mismo tiempo la muerte al transformarse en ceniza. Son claros de un lado y oscuros del otro; generan luz, calor, fuego y al final se transforman en pequeños restos carbonizados. La dualidad entre la vida y la muerte.

En ALL CITY CANVAS lo entrevistamos y nos habló de cómo surgieron los intereses en los temas plasmados de su exposición Constelaciones:

 

 

Para Ernesto Ríos, la siguiente playlist es su fiel acompañante en cada proceso creativo:

 

Exposición de Björk en México, la más grande de realidad virtual en el mundo😲

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Ocho salas conforman la exhibición en Foto Museo Cuatro Caminos

Fotografías por Eduardo Pacheco

Video por Luis Ángel Guerrero

Entrar al Foto Museo Cuatro Caminos es como llegar a otro mundo, a una realidad diferente de la que se vive afuera. Dos murales de impresión digital, con lo que pareciera ser una mujer creada con alambres, reciben a la gente. Las camisetas de los guías y las de las personas que están a punto de adentrarse a este lugar sólo tienen un nombre: Björk.

Las escaleras que llevan al primer piso dejan situada a la gente en una mesa con múltiples tablets y audífonos. “Esta es la aplicación oficial de Björk, pueden jugar en lo que comienza esta aventura”, mencional el guía, mientras mira la cara de confusión de las personas que presionan la pantalla.

La exposición de realidad virtual más grande del mundo de Björk, la cual ni siquiera el Museo de Arte Moderno de Nueva York tiene completa, está en México. “¿Fuiste al concierto de ayer o irás al del sábado?”, se escucha decir a un hombre con una playera negra de la cantante islandesa. La mayoría son fans de su música.

Un cuarto oscuro, dos pantallas muy grandes y 58 bocinas en las cuales se escucha al unísono: “My soul torn apart, my spirit is broken, into the fabric of all, he is woven”, es lo que se encuentra en esta primera sala. Disfrutar a Björk es lo que todo fanático quiere.

Las personas comenzaron a admirar más a Björk. Se nota porque ya hablan más de ella, ahora hasta discuten el sentido de sus canciones durante el camino a la siguiente exhibición. “Esta es la parte de realidad virtual”, menciona el guía al entrar a una explanada techada: bancos de metal giratorios, lentes muy grandes y audífonos esperan a la gente. Ahí existirían encuentros íntimos con Björk.

“El video de Mouth Mantra habla sobre el sufrimiento que tuvo por la casi pérdida de su voz, por ese esa escenografía. Ella está obsesionada con cantar bien”, dice la chica encargada de esa sala. Dos videos en concierto privado, como si Björk estuviera a centímetros de tocarlos es lo que se vive gracias a la realidad virtual. Es inevitable que los fanáticos coreen las canciones de su artista favorita.

We carry the same wound, but have different cures. Similar injuries, but opposite remedies”, se escucha en los oídos de las personas. Toda esta exposición está basada en el divorcio de Björk con Matthew Barney. El sufrimiento y la oscuridad están plasmados en las canciones de las primeras salas, para luego dar paso la superación de su duelo por medio del apoyo de sus familiares.

La exposición finaliza en un cine a pequeña escala donde se reproducen continuamente videos remasterizados de Björk. Además de poder disfrutar su música, esa sala también funciona como un lugar para reflexionar todo lo acontecido en las anteriores. “Me dijeron que Björk tuvo que realizar algunas escenas con traje verde para esta exposición. ¡Es una gran cantante!”, comenta un fanático, luego pide que le tomen una fotografía junto a los murales que ahora despiden a la gente.

Esta exposición logra el cometido de introducir a la gente en un nuevo universo. Los fans salen emocionados y con nuevas amistades. Los que no lo son, probablemente quieran escucharla un poco más para poder compartir la emoción que los seguidores reflejaban cada vez que se coreaba el mismo nombre: Björk.

La exhibición estará hasta el siete de mayo en Foto Museo Cuatro Caminos.

Spectrum Indian Wells galardona lo mejor del arte contemporáneo

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Yenny Cocq, Hollander Gallery y Essence Arts fueron reconocidos en la edición 2017

Fotografías por: Spectrum/Robert J. Hibbs

Ha finalizado Spectrum Indian Wells, una de las ferias más importantes de arte contemporáneo que se lleva a cabo en el festival de Coachella. Este año, el jurado seleccionó lo mejor en pintura, instalación, escultura, entre otros trabajos, y premió a galería y artistas.

Algunas de las premiaciones que otorgó Spectrum fueron:

1.-Mejor escultura: Yenny Cocq, artista que se interesa por el tema de los paisajes naturales. la artista utiliza medios como la arquitectura, el grabado, la escultura y la pintura. Explorar estructuras artificiales, representar sus emociones, imaginaciones y represiones en sus obras, es parte de su enfoque como artista.

 2.-Mejor nueva exhibición: Vandegraaff Gearheardt, artista que en sus piezas trabaja con objetos nuevos y viejos. La artesanía, los sonidos  y la tecnología forman parte del inicio de cada uno de sus procesos creativos. Cuenta con una recopilación de música electrónica que usa para sus diferentes obras.

3.-Mejor exhibición internacional: Renssen Art Gallery.

Erick Renssen es un artista holandés reconocido por su trabajo litográfico y linograbado. Los retratos, la naturaleza muerta, paisajes urbanos y la vida familiar, son temas en su obra. Cuenta con su propia galería, ubicada en Ámsterdam.

4.-Mejor diseño de booth: Essence Arts, es un estudio de diseño y arte en el que los colores, imágenes y los objetos convergen en un dinamismo dentro de un espacio compartido. Para esta edición de Spectrum, exhibieron al artista Tom Boatright en su booth, el cual utiliza la pintura para generar experiencias físicas y psicológicas.

Trabajo de Tom Boatright y Essence Arts.

Christopher Williams fue el artista seleccionado para crear una exposición específicadurante en esta feria. Forma parte de Desert Aids Project Art Gallery, afiliación que le ha dado la oportunidad de crecer profesionalmente.

Gracias a Spectrum,el corazón del valle de Coachella generó una unión aficionados del arte y los artistas, brindando  la oportunidad de conocer a autores como: Jeffrey Bisaillon, Anita Lewis, Lisa Ashinoff, James Paterson, entre muchos otros más.

También se pudo disfrutar de demostraciones en vivo de algunos artistas como: Maria McDonough, Greg Barnhart, Juan-Manuel Alonso, Robin Raznick o Alan Krugs.

La feria logró una convergencia entre coleccionistas de arte, universidades, instituciones locales de arte, espacios alternativos, artistas emergentes y espectadores.

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