Art, Design & Culture + Soul = ⚡️ Uniqueness

Tag archive

arte contemporáneo

Los rastros del punk en el arte contemporáneo 🤘 Museo del Chopo

Blog/Español/Exhibiciones por

Punk: sus rastros en el arte contemporáneo, una exhibición sobre movimientos, actitudes e ideas

Fotografías por Omar Ulises Callejas

La “melancolía” de la llegada de los años 70 comienza con el fin del sueño hippie, las constantes crisis económicas y el miedo al regreso de las ideas conservadoras. Ante la situación, el punk apareció como un movimiento que provocaba y rechazaba su entorno, generando consecuencias en la literatura, música, cine y el arte contemporáneo.

Punk: sus rastros en el arte contemporáneo es la exposición que se encuentra en Museo del Chopo y en la cual, a través de instalaciones, fotografías y videos, muestran cómo el espíritu cuestionador y crítico del punk repercutió en el mundo del arte, al hablar de temas de género, violencia, la sexualidad y el sistema político del mundo.

Más de 40 artistas nacionales e internacionales participaron con sus obras para esta exhibición. Israel Martínez, Semefo, Yoshua Ocon, Miguel Calderón, Docttor Lakra son algunos de los artistas mexicanos que colaboraron con sus trabajos para la exposición.

Foto Museo Chopo. Obra Doctor Lakra.

David G. Torres, curador de esta exposición, en entrevista para All City Canvas dijo que el arte contemporáneo había sido “especialmente poroso por la influencia del punk”, ya que nació en un contexto creativo para la música, el diseño, arte y moda.

Esta exposición ha estado también en Barcelona y Madrid. “Los contextos sociales y culturales de Barcelona a finales de los 70, el de México entre los 80 y 90 son distintos, pero ambos están marcados por el desencanto de una juventud que se revela frente a un panorama social y cultural que ofrece pocas opciones”, dijo G.Torres.

G.Torres mencionó que los rastros del punk en el arte contemporáneo son ideas y actitudes compartidas en un mismo contexto: ir en contra de una sociedad alineada por prejuicios y estereotipos.

 El “anti, el “hazlo-tú-mismo” sirvieron de frases para generar un territorio más cuestionador en el que la exposición, en palabras de su curador, postula un malestar que sigue presente en muchos de los trabajos del arte contemporáneo.

En el Museo del Chopo lo que se exhibe no es sobre el punk, sino a partir del punk.

Jack Tv: el canal de arte contemporáneo que tienes que ver

Blog/Español por

Fundación MAXXI lanza el primer canal de arte contemporáneo en Italia

La cultura italiana es reconocida a nivel mundial por su gran nivel de tradicionalismo. El arte no es la excepción a esta regla: no hay quien no piense en Michelangelo, Botticelli o Tiziano (por mencionar algunos), cuando de obras artísticas en el país hablamos; sin embargo, a partir del 2009, el curso artístico, que hasta entonces se gestaba en los museos del país europeo, cambió gracias a la creación del Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), el cual también funge como fundación. La semana pasada el Museo creó su canal Jack Tv, para promover la cultura contemporánea y el intercambio internacional.

Jack Contemporary Arts TV (Jack Tv) es el espacio creado por el Museo y la empresa de software Engineering, como un soporte tecnológico a los proyectos de museos italianos e internacionales, a través del cual se promueve la creatividad contemporánea y el implemento de vínculos de intercambio cultural.

Los fundadores del canal eligieron “Jack”, por considerarlo un nombre que le resulta familiar a la mayoría de las personas, con ello se sigue el sentido de universalidad que buscan implementar en el sitio.

La plataforma, disponible en italiano e inglés, ya cuenta con la participación de instituciones nacionales, como la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma; e internacionales como el Foam de Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Estambul, entre otros.

Muestra Carlo Scarpa e il Giappone

MAXXI se cataloga como “un laboratorio de experimentación e innovación cultural, de estudio, investigación y producción de contenidos estéticos de nuestro tiempo”. El Museo y también fundación creada por Giovanna Melandri rompe con los estereotipos y la añoranza del arte antiguo.

Yona Friedman, Arquitectura móvil

Fotografía, arquitectura y diseño son los ejes rectores del proyecto de formas distintas: live streaming broadcsast, contribuciones de artistas en la modalidad “bloggera” y creación de contenido exclusivo (como videos sobre retrospectivas, análisis y exposiciones).

Además, siguiendo la idea de un verdadero intercambio con el público y las instituciones artísticas, la plataforma también cuenta con la realización de productos en lenguaje de señas.

 

Con información de MAXXICorriere della sera, La RepubblicaJack TvArt fix dialy y Artforum .

El arte provocativo de Andrea Fraser

Blog/Español/Exhibiciones por

Andrea Fraser: el arte que critica al arte

Fotografías y texto por Cristina Ochoa y Mariana Gaona

Artista estadounidense de performance,  imagen  clave de la llamada crítica institucional, conocida por sus prácticas artísticas que han sido calificadas como retadoras, provocativas e inteligentes. Ella es Andrea Fraser, actualmente  una de las figuras más importantes del arte contemporáneo.

La crítica institucional, dentro de la que se encuentran sus trabajos, es una corriente del mundo del arte surgida en los años 60 que se encargaba de cuestionar a museos, galerías y colecciones.  Las obras de Fraser nos retan a reflexionar sobre nuestro rol como espectadores: “No es cuestión de estar en contra de la institución. Nosotros somos la institución. La cuestión es qué clase de institución somos, qué clase de valores institucionalizamos, qué formas de práctica premiamos y a qué clase de premios aspiramos”, escribió en 2005.

¿Qué nos motiva a consumir el arte de nuestra preferencia?, ¿quién nos dice cómo debemos comportarnos en el museo?, ¿vamos guiados por nuestras propias convicciones o por las instituciones artísticas?  Son esas las reflexiones que Fraser busca dejar en sus trabajos.

En 2003  fue cuestionada por su video nombrado Sin título, en el que la artista mantiene relaciones sexuales con un coleccionista de arte, quien le pagó a Fraser 20 mil  dólares, y le propuso quedarse con una de las dos únicas copias del filme. La artista explicó que todo lo anterior fue  parte de un análisis respecto al vínculo económico con la institución artística.

El cuerpo de Fraser es elemento de sus investigaciones y parte fundamental en su trabajo; el cual está influenciado por temas feministas, sociológicos, económicos y psicológicos; además incluye reflexiones sobre el modo en que el arte puede servir de instrumento de distinción social.

Actualmente, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) presenta la primera muestra retrospectiva individual en México de la artista: L’1% c’est moi , con la curaduría de Cuahutémoc Medina y Hiuwai Chu, que incluye obras producidas a lo largo de sus más de 30 años de cuestionamiento al mundo del arte.


El nombre de la exhibición es el mismo que utilizó para   la revista alemana Texte Zur Kunst, en la cual escribió un ensayo exponiendo la relación entre la riqueza de coleccionistas y el crecimiento de la desigualdad social, criticando el valor monetario en el que se ha estado desenvolviendo el arte.

Las obras de Andrea Fraser nos llevan al análisis, la introspección, el cuestionamiento y a su definición de arte.

Positive Propaganda: haz arte, no guerra

Blog/Español por

El street art no ignora los problemas sociales

El arte puede ser una expresión artística  y política, eso lo saben perfectamente en Positive Propaganda, una organización sin fines de lucro asentada en Múnich, Alemania, que se dedica a poner arte contemporáneo y sociopolítico en espacios urbanos. Los Derechos Humanos o la protección al medio ambiente son parte de sus temas más recurrentes.

Algunos de los artistas que han colaborado con Positive Propaganda son Aryz, Kripoe, Mark Jenkins, Shepard Fairey, Blu, el dúo Cyrcle, entre otros. Con ellos han desarrollado murales de gran formato sobre temas que van desde la influencia de las empresas petroleras en la política global, la destrucción que dejan a su paso; hasta el cuestionamiento del acceso restringido al arte que hay en algunas localidades internacionales.

Una de sus premisas es que el arte no sólo debería entretener al espectador, sino sorprenderlo y provocar una reacción en él, permitiendo una apertura crítica y visionaria sobre su realidad.

La mayoría de las actividades de la organización consisten en invitar artistas para que pinten murales de gran formato en distintos puntos de la ciudad, así como diseño de ilustraciones sátiras que retraten nuestro sistema político. Positive Propaganda organiza muestras en su galería con el fin de construir diálogos entre los ciudadanos respecto a la situaciones actuales de su país.

 “El arte por el arte” es una frase que alude la organización para argumentar que las obras artísticas no son ajenas a la realidad social en la que estamos inmersos…y sus exhibiciones lo prueban. En 2014 albergaron la muestra 50 años de infierno, en la que remarcaban el 50° aniversario de la Conferencia de Seguridad de Múnich, reunión celebrada  anualmente donde se discuten temas de seguridad internacional.

En 2016 produjeron el documental sobre la exhibición VICTORY IS PEACE #2, que se presentó en su galería y en la que participaron Shepard Fairey y NoNÅMe. En este trabajo mostraron temas globales como la pérdida  de principios morales y éticos, además del estado frágil de la democracia.

Positive Propaganda también logró que Kripoe, artista alemán, pintara una fachada en Múnich en colaboración con Amnistía Internacional. Ha sido hasta el momento, el mural más grande que ha hecho dentro de su trayectoría artística.  Hands up for gun control fue titulado el mural de Kripoe y fue un llamado por un mundo más justo sin armamento alemán.

Sebastian Pohl, director artístico de la organización, no piensa que el street art deba ser apolítico, aunque como dice “por más que a los alemanes nos vaya bien…en términos generales” , y que la calle no sólo debe ser el espacio donde transitamos, hay algo más que nace de ella y eso, Positive Propaganda lo conoce, lo sabe y lo interviene.

 

Con información de Positive Propaganda e Instituto Goethe.

En video, el recorrido de la primera exhibición de Vhils en Hong Kong

Blog/Español por

Un recorrido virtual por el trabajo de Vhils en HOCA y en las calles de Hong Kong

La identidad y la vida en el contexto urbano es el tema de la exposición Debris  en  Hong Kong Contemporary Art  (HOCA), de Alexandre Farto, mejor conocido como Vhils. La exposición estuvo del 21 de marzo al 4 de abril de 2016 y para todos los que se quedaron con ganas de verla, el artista compartió en su página un recorrido virtual de la exhibición y de su trabajo en las calles.

Vhils es un artista portugués conocido  por usar las paredes para esculpirlas, colocarles collages y, en esta ocasión, llenarlas de luces de neón. La vida urbana y las sociedades contemporáneas han sido sus temas de interés durante su trayectoria artística.

Vhils en Hong Kong: un poco de contexto

Fue la primera exposición individual del artista en esta región asiática. Una serie de intervenciones en los lugares emblemáticos y más transitados de Hong Kong invitó a los residentes y turistas a reflexionar sobre su entorno urbano y paisaje cultural desde la perspectiva del artista; además de que otra parte de su trabajo se expuso en HOCA. El artista utilizó la galería y la calle como espacios de exposiciones y expresiones.

El tiempo, los elementos geométricos e imágenes que se han convertido en símbolos de Hong Kong, fueron también parte de la inspiración de Vhils para intervenir un tranvía con retratos de las historias de los ciudadanos; además de colocar composiciones hechas de neón y metal en medio de las calles, mostrando así una región sumamente transitada envuelta entre su propia diversidad cultural.

Con esta exposición, HOCA, organización fundada en 2014, cumplió uno de sus principales objetivos: promover y desarrollar el acceso al arte contemporáneo en Hong Kong.

 

 

Con información de Vhils, HOCA, We Heart y Artsy.

Jonathan LeVine Gallery regresa a Nueva Jersey: el lugar donde empezó todo

Blog/Español por

La galería que rompe con lo convencional

Nueva York se despide de una de las galerías más emblemáticas del distrito de Chelsea. Luego de 12 años,  Jonathan LeVine Gallery regresa a sus orígenes: Nueva Jersey, el lugar donde su fundador Jonathan LeVine se influenció del graffiti, los tatuajes, cómics y el punk de la década de los 80 para retratar la cultura de una época donde las reglas comenzaban a romperse.

CBGB, Webster Hall, Max Fish y Maxwell’s fueron los clubes del rock y punk en  Nueva York y Nueva Jersey donde LeVine organizó sus  primeras exposiciones en 1994 y al mismo tiempo empezaba a trazar el inicio de una etapa artística experimental y multidisciplinaria.

 

En febrero de 2001, LeVine abrió su propia galería llamada Tin Man Alley en New Hope, Pennsylvania, pero fue hasta 2005 que la renombró para mudarse a Chelsea y sus exposiciones fueron temas de artículos y notas de medios culturales. Augustine Kofie, Seonna Hong, Joel Rea, Jeremy Gedder, Dylan Egon, son algunos de los artistas que han exhibido en Jonathan LeVine Gallery, un espacio que define sus exposiciones como la construcción de nuevos diálogos a través de la ruptura de lo convencional.

LeVine ha dado a conocer que Mana Contemporary, un destino artístico líder dedicado al proceso creativo en Nueva Jersey, será sede de muchos de sus proyectos, asimismo trabajarán en conjunto para desarrollar programas artísticos emergentes,mismos que ha declarado le  seguirá permitiendo   establecer relaciones con artistas y coleccionistas.

Bienvenidos a Nueva Jersey, es la primera exposición de Jonathan LeVineGallery en su nueva locación, que se inaugurará  el 18 de febrero. Contará con la participación de artistas como Shepard Fairey, Tara McPherson, Adam Wallacavage, AJ Fosik, Alessandro Gallo, Alexis Diaz,  Augustine Kofie, Camille Rose García, entre muchos más que colaboran en decirle “hola de nuevo”a Nueva Jersey.

 

 

Con información de Jonathan LeVine Gallery, artsy y Street Art NY

Artista envía por FedEx esculturas destrozadas para exponerlas

Blog/Español por

Walead Beshty, el artista que hace visible el paso del tiempo

 

Nos han dicho que el tiempo se mide por el movimiento de las manecillas del reloj, que los objetos viejos son desechables porque ya no tienen “valor” y que el arte siempre debe tener una explicación, pero…nos han mentido. Hay algo más allá del “sí” y del “no”. Un poco más…

El artista londinense Walead Beshty actualmente radica en Los Ángeles, es conocido por los temas que ha trabajado: espacio-tiempo y fotografía-escultura. De 2005 a 2014 hizo cubos y otras figuras de vidrio que metió en cajas FedEx sin ningún material que las protegiera durante los diferentes traslados que hicieron para llegar a galerías y exposiciones. Cuando las cajas llegaban a su destino, curadores tuvieron la labor de sacar las piezas con cuidado para conservar las grietas ocasionadas por cada viaje que hacían. ¿El objetivo? Hacer visible el paso del tiempo. ¿Cómo? Las grietas son el testimonio físico de un traslado diferente por día. Así es, el artista diseñó sus piezas para que se rompieran. ¿Por qué? Sigue leyendo, esto se va poner interesante.

Beshty ha dicho que para él, la escultura está relacionada con el espacio y la fotografía con el tiempo y que la verdadera significación de los objetos yace en la comprensión de los diferentes contextos en los que han estado expuestos, es decir, cada visualización está condicionada por tiempo y lugar.  Además, también ha hecho hincapié que como sociedad nos hemos apropiado del espacio y tiempo de los objetos. Ejemplifica que las cajas son propiedad de FedEx y las piezas de vidrio son de él porque las hizo, pero los cambios que sufrieron en los diferentes contextos de viajes son parte del propio tiempo y espacio de las cajas y piezas. Ni de FedEx, ni de él.

Las grietas en el vidrio o la ruptura de la caja son significados diferentes, por eso la exposición de ambas en las galerías.

En el trabajo del artista veremos que el tiempo nos es lineal, que nada tiene certeza de significación o existencia y que el valor artístico no sólo se trata de traspasar la idea al lienzo, el camino que se recorre para llegar a ese punto es lo interesante. “Hay un montón de cosas que pasan durante ese proceso”, dijo Beshty.

Tiempo, espacio, contexto, estar, no estar…entonces, ya en concreto, ¿de qué trata el trabajo del artista y las cajas FedEx?

No te abrumes que Beshty ya te lo resumió:

“FedEx es una acumulación de pensamientos y significados”.

 

 

 

Con información de COLOSSAL y Mikkel  Carl

 

En Nueva York hay arte contemporáneo hasta en el metro

Blog/Español por

Metro de la Segunda Avenida, algo más que trenes y luces

Vaya que a los neoyorquinos les ha llovido, entre sus crisis económicas y políticas, falta decir que llevan esperando una línea de metro en la Segunda Avenida desde 1929. Ante tantas sospechas de inauguración de esta línea, la gente prefiere hacer caso al dicho “hasta no ver, no creer”. Pues véanlo y créanlo. Díganle a sus abuelos que se levanten de la silla, la espera ha terminado.

El departamento de arte de la agencia M.T.A. Arts & Design dio a conocer uno de los proyectos de arte contemporáneo más ambicioso para las estaciones de las calles  96°, 86°, 72° y 63° de la Segunda Avenida. Las paredes han sido intervenidas por artistas de diferentes nacionalidades, así que los neoyorquinos  no sólo serán testigos de remodelaciones de luces, trenes y torniquetes, algo más les espera.

Las buenas noticias siempre se deben contar a detalle, así que gente de Nueva York y del resto del mundo, apaguen unos minutos el noticiario que anuncia el alza del dólar y aprecien los colores que opacan al naranja.

Calle 96

Si caminan junto al vestíbulo de esta estación encontrarán un azulejo con imágenes fragmentadas de andamios, hojas, pájaros. ¿Qué es? La artista Sarah Sze, responsable de esta intervención lo explica mejor: “Quería usar el azulejo como si fuera un pedazo grande de papel. Puede significar el ritmo alucinante que todos nos estamos moviendo ahora”.

Algo así como cuando sales temprano de tu casa y esos 15 minutos previos te permiten alcanzar lugar en el metro y por casualidad ves hacia la venta cómo la velocidad desaparece a las personas esperando el siguiente tren.

Blueprint for a Landscape de Sarah Sze. Foto por Briana Prieto Fuentes.

 

Calle 86

El artista y fotógrafo estadounidense Chuck Close hizo 12 retratos en mosaico, algunos de ellos son el compositor Philip Glass, las artistas Cecily Brown y Kara Walker, dos autorretratos y un retrato colectivo de los artistas Zhang Huan, Sienna Shields y Pozsi B. Kolor que representa a Nueva York como “una ciudad poliglota”.

Así o más claro que “América para los americanos” es una frase ya caduca…no…esperen sí hay mejor frase y la dijo el artista Close respecto a su trabajo: “La riqueza de la ciudad es que todas las culturas se unen”.

Kara Walker de Chuck Close. Foto por Briana Prieto Fuentes.

 

Autorretrato de Chuck Close. Foto por Briana Prieto Fuentes.

Calle 72

“En el metro realmente no terminas recordando nada, excepto a la gente”, dijo el artista brasileño Vic Muniz. Explicó su trabajo Perfect Strangers, una serie de tres docenas de retratos basadas en las personas que viajan en el metro.

Un policía, un adolescente, una joven que evita cualquier contacto verbal por medio del máximo volumen de su aparato reproductor de música y una señora que lleva en la bolsa de papel la comida del día.

Perfect Strangers de Viktor Muniz. Foto por Briana Prieto Fuentes.

 

Para no quedarse atrás, el artista brasileño realizó un autorretrato en donde se está tropezando y tirando al suelo los papeles de su maletín abierto.

Autorretrato de Viktor Muniz. Foto por Briana Prieto Fuentes.

 

Calle 63

Lo que para uno es desechable, para la artista Jean Shin representa melancolía levantada en esculturas o instalaciones, ya que generalmente en su trabajo utiliza materiales que para algunos ya son inservibles.

Su trabajo para la línea del metro de la Segunda Avenida se llama Elevated en la cual ilustra la demolición de la Segunda y Tercera Avenida en la década de los 40 y 50 cuando a la gente se le destruyó la ilusión de su nueva línea del metro…

Visitó el Transit Museum en Brooklyn para tener como base imágenes de las personas que residieron a un Nueva York en la década de los 20.

“Creo que es bueno tener a la gente del pasado entre nosotros. También estaba imaginando a los neoyorquinos en el pasado, sintiendo: ‘Oye, finalmente vamos a conseguir el metro de la Segunda Avenida´”, expresó Jean Shin.

“Finalmente”, seguro se oyó un eco posterior a la frase.

Neoyorquinos del pasado de Jean Shin. Foto por Briana Prieto Fuentes.

 

Neoyorquinos del pasado de Jean Shin. Foto por Briana Prieto Fuentes.

 

Con información The New York Times

Ir a Arriba