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Las mejores obras de Urban Art Fair 2017💣

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Artistas conocidos y nuevos talentos se dieron cita en París para la segunda edición de la UAF

Fotografías por C. Gaillard

Por segundo año consecutivo, París recibió a Urban Art Fair 2017, feria internacional dedicada a exhibir las mejores obras del arte urbano contemporáneo, así como exposiciones de galerías y trabajos de artistas.

28 galerías interncionales se reunieron en el centro cultural Le Carreau du Temple junto con varios artistas como Banksy, D*Face, Seth y Tóxico.

Esta feria es una iniciativa para que los parisinos, artistas, galerías y diseñadores convivan en un edificio histórico, que data del siglo XII, y así exista una mayor confluencia de arte urbano contemporáneo en una de las capitales europeas más importantes.

En la feria se podían encontrar composiciones desérticas de Joram Roukes o lienzos enmarcados con una fotografía de paisajes urbanos intervenidos por Jaune.

El reciclaje también fue tema en la feria, pues Jana & JS intervinieron latas de pintura, Zenoy hizo lo propio con un buzón y Fred Allard modificó la marca Yves Saint Laurent al introducir caramelos en un recipiente de vidrio.

Una de las obras que más llamó la atención del público, fue la parte inferior de un caballo, la cual estaba de cabeza (con las patas arriba). Esta escultura fue llevada a cabo por la galería Open Space de París.

La UAF también es impulsora de nuevos talentos. Esta edición acudieron nombres que, probablemente serán mencionados con frecuencia en los siguientes años, algunos de ellos fueron: Kan, Fin DAC, Vincent Chery, Kongo y la galería Bartoux.

Además de obras de arte como pinturas, instalaciones y hasta realidad virtual, también una exposición de ocho películas que cuentan la historia del arte urbano.

PArC: la feria de arte contemporáneo en Perú que premiará a artistas con residencia en Mana Wynwood

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Artistas de España, Brasil, Venezuela, Argentina, EEUU, México, entre otros estarán participando

En el 2013, luego de poner sobre la mesa el hecho de que en Perú no se tenían ferias de arte como en otros países latinoamericanos, Gastón Deleau, el gestor de la Semana del Arte y Lima Photo en el país sudamericano, decidió lanzar Perú Arte Contemporáneo (PArC), la primera feria de arte contemporáneo del país que este 2017 realizará su novena edición.

PArC regresa al Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Lima, para presentar lo mejor del movimiento artístico en Latinoamérica. Instalaciones, fotografía, artistas internacionales y conversatorios son las cosas que los visitantes podrán encontrar en la feria.

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Solo Projects: proyecto curatorial más importante de la feria

La sección Solo Project, una de las más importantes del programa, ya que se invitan a seis artistas de diferentes nacionalidades a dialogar sobre las diferentes perspectivas laborales artísticas.  El espectador será testigo del proceso creativo de sus obras: desde la investigación de un tema, hasta la materialización de las ideas plasmadas en pintura, fotografía, escultura, etcétera.

Los artistas que forman parte de los Solo Projects en 2017 son:

1.-Juanli Carrión (España) con Y Gallery (Nueva York)

Artista que trabaja con temas de identidad colectiva e individual, comunidad, memoria, historia social, política y cultural del lugar donde se encuentre realizando trabajos. Ha expuesto en el Instituto de Arte de Chicago, el Centro de Artes Abrons, la Galería Y, Museo de Arte Contemporáneo ARTIUM, Galería Rosa Santos o Centro Parraga en España; Museo Ex-Teresa, entre otros.

2.-Laura Belém (Brasil) con Athena Contemporânea (Río de Janeiro)

Tiene una maestría en Artes Visuales por Central Saint Martins College of Art & Design de Londres.  Ha realizado residencias en Canadá, España, Estados Unidos. Fue galardonada en Miami por Cisneros Fontanals Art Foundation al ser catalogada como una de las grandes promesas de artistas emergentes. Tienes exhibiciones en Brasil, Londres, Estados Unidos, Portugal, entre otros.

3.-Emilia Azcárate (Venezuela) con Henrique Faria (Nueva York)

Pintora que trabaja el tema de la abstracción. Recién participó en la feria Arco Madrid. Admira a Goya, vive actualmente en Madrid. Estudió en la Universidad de Arte de Saint Martins en Londres. Su trabajo pictórico ha sido influenciado por un viaje que hizo a la India, además del uso de materiales como semillas, piedras,  metales para realizar sus famosas mandalas.

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4.-Emanuel Tovar (México) con Páramo Galería (Guadalajara)

Estudió Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara, participó en el tercer encuentro de Profesores y Estudiantes de Artes Visuales en Cuba.

Ha exhibido en México, Suiza, Estados Unidos, España, entre otros. Fue galardonado cuatro veces por el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes, dentro del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico.

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5.-.-Andrés Marroquín W (Perú) con Revolver (Lima)

Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima. En 2002 realizó estudios sobre fotografías en Berlín. Es director y fundador de Meier Ramirez, editorial que produce y publica libros del artista, donde se traduce el lenguaje artístico en letras.

 

6.-Rubela Dávila (Perú) con Henrique Faria (Buenos Aires)

Artista que es reconocida por explorar en los medios ópticos, el Op Art, el neo plasticismo y la abstracción geométrica. Pertenece a los grupos de artistas peruanos en las que estas vanguardias intentaron modernizar la plástica del país latinoamericano.

Solo Projects 2017 será curada por Daniela Pérez, quien recientemente, entre 2015 y 2017, fue subdirectora artística en el Museo Tamayo de la Ciudad de México. En 2015 curó la exposición, Debemos convertirnos en idealistas o morir. Gustav Metzger, en el Museo Jumex. Ha trabajado en el Museu de Arte Moderna de Sao Paulo; New Museum en Nueva York; Museo de Arte Carrillo Gil en México

Mana Contemporary es una de las organizaciones de arte contemporáneo más grande e innovadora de Estados Unidos, ya que permite intercambios de ideas entre artistas con diferentes nacionalidades.

Este año, Mana Contemporary y PArC se unieron para que el segundo lugar del Solo Projects tenga una residencia de tres meses en Mana Wynwood.

El escritor, artista e investigador peruano Miguel López se encargará de programar la sección Auditorio, un encuentro para el debate sobre el arte y los procesos de éste a través del coleccionismo, en los últimos años.

 

Nuevamente, la feria que se celebrará del 20 al 23 de abril, se contará con la participación de Tijuana Arte Impreso,  una propuesta que nació en el 2009 en Sao Paulo y con la cual se busca la exhibición y promoción de libros internacionales de investigación sobre arte.

 

ENTREVISTA: Ernesto Ríos, primer latinoamericano en ganar Premio Artes Visuales SIEMENS

La galería SISMO albergará su nueva exposición

Ernesto Ríos presenta Constelaciones, su nueva exposición en la galería SISMO, de la Ciudad de México.

Artista multidisciplinario nacido en Cuernavaca, México. Ha expuesto individualmente en Nueva York, Melbourne, La Habana, Ciudad de México, entre otras ciudades;  además de colaborar en más de 60 exhibiciones colectivas.

Para Ríos, los cerillos representan la vida a través de la madera y al mismo tiempo la muerte al transformarse en ceniza. Son claros de un lado y oscuros del otro; generan luz, calor, fuego y al final se transforman en pequeños restos carbonizados. La dualidad entre la vida y la muerte.

En ALL CITY CANVAS lo entrevistamos y nos habló de cómo surgieron los intereses en los temas plasmados de su exposición Constelaciones:

 

 

Para Ernesto Ríos, la siguiente playlist es su fiel acompañante en cada proceso creativo:

 

Exposición de Björk en México, la más grande de realidad virtual en el mundo😲

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Ocho salas conforman la exhibición en Foto Museo Cuatro Caminos

Fotografías por Eduardo Pacheco

Video por Luis Ángel Guerrero

Entrar al Foto Museo Cuatro Caminos es como llegar a otro mundo, a una realidad diferente de la que se vive afuera. Dos murales de impresión digital, con lo que pareciera ser una mujer creada con alambres, reciben a la gente. Las camisetas de los guías y las de las personas que están a punto de adentrarse a este lugar sólo tienen un nombre: Björk.

Las escaleras que llevan al primer piso dejan situada a la gente en una mesa con múltiples tablets y audífonos. “Esta es la aplicación oficial de Björk, pueden jugar en lo que comienza esta aventura”, mencional el guía, mientras mira la cara de confusión de las personas que presionan la pantalla.

La exposición de realidad virtual más grande del mundo de Björk, la cual ni siquiera el Museo de Arte Moderno de Nueva York tiene completa, está en México. “¿Fuiste al concierto de ayer o irás al del sábado?”, se escucha decir a un hombre con una playera negra de la cantante islandesa. La mayoría son fans de su música.

Un cuarto oscuro, dos pantallas muy grandes y 58 bocinas en las cuales se escucha al unísono: “My soul torn apart, my spirit is broken, into the fabric of all, he is woven”, es lo que se encuentra en esta primera sala. Disfrutar a Björk es lo que todo fanático quiere.

Las personas comenzaron a admirar más a Björk. Se nota porque ya hablan más de ella, ahora hasta discuten el sentido de sus canciones durante el camino a la siguiente exhibición. “Esta es la parte de realidad virtual”, menciona el guía al entrar a una explanada techada: bancos de metal giratorios, lentes muy grandes y audífonos esperan a la gente. Ahí existirían encuentros íntimos con Björk.

“El video de Mouth Mantra habla sobre el sufrimiento que tuvo por la casi pérdida de su voz, por ese esa escenografía. Ella está obsesionada con cantar bien”, dice la chica encargada de esa sala. Dos videos en concierto privado, como si Björk estuviera a centímetros de tocarlos es lo que se vive gracias a la realidad virtual. Es inevitable que los fanáticos coreen las canciones de su artista favorita.

We carry the same wound, but have different cures. Similar injuries, but opposite remedies”, se escucha en los oídos de las personas. Toda esta exposición está basada en el divorcio de Björk con Matthew Barney. El sufrimiento y la oscuridad están plasmados en las canciones de las primeras salas, para luego dar paso la superación de su duelo por medio del apoyo de sus familiares.

La exposición finaliza en un cine a pequeña escala donde se reproducen continuamente videos remasterizados de Björk. Además de poder disfrutar su música, esa sala también funciona como un lugar para reflexionar todo lo acontecido en las anteriores. “Me dijeron que Björk tuvo que realizar algunas escenas con traje verde para esta exposición. ¡Es una gran cantante!”, comenta un fanático, luego pide que le tomen una fotografía junto a los murales que ahora despiden a la gente.

Esta exposición logra el cometido de introducir a la gente en un nuevo universo. Los fans salen emocionados y con nuevas amistades. Los que no lo son, probablemente quieran escucharla un poco más para poder compartir la emoción que los seguidores reflejaban cada vez que se coreaba el mismo nombre: Björk.

La exhibición estará hasta el siete de mayo en Foto Museo Cuatro Caminos.

Spectrum Indian Wells galardona lo mejor del arte contemporáneo

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Yenny Cocq, Hollander Gallery y Essence Arts fueron reconocidos en la edición 2017

Fotografías por: Spectrum/Robert J. Hibbs

Ha finalizado Spectrum Indian Wells, una de las ferias más importantes de arte contemporáneo que se lleva a cabo en el festival de Coachella. Este año, el jurado seleccionó lo mejor en pintura, instalación, escultura, entre otros trabajos, y premió a galería y artistas.

Algunas de las premiaciones que otorgó Spectrum fueron:

1.-Mejor escultura: Yenny Cocq, artista que se interesa por el tema de los paisajes naturales. la artista utiliza medios como la arquitectura, el grabado, la escultura y la pintura. Explorar estructuras artificiales, representar sus emociones, imaginaciones y represiones en sus obras, es parte de su enfoque como artista.

 2.-Mejor nueva exhibición: Vandegraaff Gearheardt, artista que en sus piezas trabaja con objetos nuevos y viejos. La artesanía, los sonidos  y la tecnología forman parte del inicio de cada uno de sus procesos creativos. Cuenta con una recopilación de música electrónica que usa para sus diferentes obras.

3.-Mejor exhibición internacional: Renssen Art Gallery.

Erick Renssen es un artista holandés reconocido por su trabajo litográfico y linograbado. Los retratos, la naturaleza muerta, paisajes urbanos y la vida familiar, son temas en su obra. Cuenta con su propia galería, ubicada en Ámsterdam.

4.-Mejor diseño de booth: Essence Arts, es un estudio de diseño y arte en el que los colores, imágenes y los objetos convergen en un dinamismo dentro de un espacio compartido. Para esta edición de Spectrum, exhibieron al artista Tom Boatright en su booth, el cual utiliza la pintura para generar experiencias físicas y psicológicas.

Trabajo de Tom Boatright y Essence Arts.

Christopher Williams fue el artista seleccionado para crear una exposición específicadurante en esta feria. Forma parte de Desert Aids Project Art Gallery, afiliación que le ha dado la oportunidad de crecer profesionalmente.

Gracias a Spectrum,el corazón del valle de Coachella generó una unión aficionados del arte y los artistas, brindando  la oportunidad de conocer a autores como: Jeffrey Bisaillon, Anita Lewis, Lisa Ashinoff, James Paterson, entre muchos otros más.

También se pudo disfrutar de demostraciones en vivo de algunos artistas como: Maria McDonough, Greg Barnhart, Juan-Manuel Alonso, Robin Raznick o Alan Krugs.

La feria logró una convergencia entre coleccionistas de arte, universidades, instituciones locales de arte, espacios alternativos, artistas emergentes y espectadores.

Días Fantasma,la exhibición con los mejores artistas nacionales e internacionales

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La exhibición reúne a más de 50 artistas nacionales e internacionales

Fotos de Gabriel Rendón

Días Fantasma es la exposición con la que se inaugura el centro cultural Panteón, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México: un espacio que promueve la unión y trascendencia a través del arte y la cultura. En la exhibición se reúnen obras de los mejores artistas nacionales e internacionales.

Durante el 2017 artistas como Fusca, Apolo Cacho, Raudiel Sañudo, Daniel Coca, Revost estarán participando con exposiciones en Panteón.

Ciler es un artista que expone sus obras en Días Fantasma.

Días fantasma es una plataforma cultural que se originó a partir de una publicación gratuita en formato fanzine, creada para difundir obras de artistas mexicanos e internacionales contemporáneos que influyen en la escena cultural de la Ciudad de México, y este 18 de febrero inauguró su primera exposición, cuyo nombre es el mismo de su publicación.

La intención de la exposición es celebrar la comunidad que se ha creado alrededor de este fanzine, por lo que muchos de los que han colaborado están incluidos en ella.

Fotos cortesía de Panteón

La exposición Días Fantasma estará disponible hasta el 12 de abril.

Instagram: @diasfantasma

Twitter: @diasfantasma

Ex integrante de la banda Mew exhibirá sus pinturas

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El ex integrante de Mew presentó su exposición Den Bulede Verden en la galería Benoni

Bo Rune Madsen, ex integrante de Mew, abandonó a la banda en 2015 para centrarse en su trabajo artístico. Hoy anuncia su exposición Den Bulede Verden, la cual será exhibida en la galería Benoni.

Desde su perspectiva, Rune Madsen pinta su alrededor, no plasma el objeto empírico, sino que expresa sus sentimientos en su obra. “Pinto, por lo tanto, no sólo lo que veo, sino lo que siento”, menciona el artista.

Del código musical entró al visual creado por imágenes que pueden provocar algo en el espectador. “Busco una expresión comprimida de un estado de ánimo, no la perfección”, sentenció Rune Madsen acerca de su obra.

En su obra trata la fragmentación de un mundo natural que ha sido modificado por las manos humanas, y como estas acciones desvían a la sociedad a experimentar un mundo lleno de baches, impredecible.

A través de los ojos de Rune Madsen, se podrá observar todas las abolladuras que rodean el ambiente donde se vive, la desmoronación y descomposición orgánica que provoca la sociedad.

Spectrum Indian Wells Art, el excepcional show de arte contemporáneo

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Artistas como Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland se darán cita en California

Spectrum Indian Wells Art Show es un espectáculo en el corazón de California que recopila a algunos de los mejores artistas y galerías de arte contemporáneo. Se llevará a cabo del 16 al 19 de marzo de 2017. La sede es el Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

Esta edición contará con un comité de expositores  de cuatro personas con destacadas reputaciones en la edición y el desarrollo del artista. Se aplicarán normas rigurosas sobre la estética y atención al detalle, proporcionando un lugar aerodinámico, nítido y limpio para que los propietarios de galerías, diseñadores, arquitectos y coleccionistas disfruten.

Algunos de los trabajos que se exhibirán en Spectrum serán pinturas, fotografía, escultura, glassworks y más. Esta amplia gama de técnicas logran una gran conexión entre artistas, el jurado y las personas que disfrutarán esta presentación artística; también le otorga una gran oportunidad a los artistas contemporáneos emergentes que entren a esta demostración.

Entre los artistas que estarán presentes en Spectrum, se contará con la presencia de: Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland.

Parte de las galerías y estudios de fotografía que expondrán algunas de sus obras son: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio.

Más de 16 artistas intervendrán el valle de Coachella, California

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El valle de Coachella, California será el lienzo ocupado por artistas como Doug Aitken

El paisaje desértico del valle de Coachella, California-Estados Unidos será el lienzo para los artistas participantes en el proyecto Desert X, el cual se llevará a cabo hasta el 30 de abril de este año.

16 artistas conocidos y emergentes, como Doug Aitken, Norma Jeane, Phillip K. Smith III, Juliao Sarmento y Gabriel Kuri, darán a conocer sus obras en este magno festival de arte.

Temas que van desde el cambio climático, cielos estrellados y cultura tribal e inmigrante (para difundir el turismo), estarán presentes en las obras artísticas.

Cada artista elige la ubicación que será sede de la obra que realizará. Instalaciones cerradas o al aire libre, cualquier escenario es ideal para plasmar la creatividad de cada uno.

Desert X toma el paisaje mismo como su espacio de exposición. Ofrecerá la oportunidad de explorar lo familiar y lo desconocido a través de los ojos de otros. “Si el desierto es dios sin el hombre, entonces Desert X es el arte sin construcción”, sentencia Neville Wakefield, director artístico del proyecto.

Susan Davis, fundadora de Desert X, quiere que los artistas se involucren tanto con el entorno impactante como con la mirada de problemas sociológicos que se enfrentan en la zona, para conjuntarlas y lograr crear un gran espectáculo artístico.

Los rastros del punk en el arte contemporáneo 🤘 Museo del Chopo

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Punk: sus rastros en el arte contemporáneo, una exhibición sobre movimientos, actitudes e ideas

Fotografías por Omar Ulises Callejas

La “melancolía” de la llegada de los años 70 comienza con el fin del sueño hippie, las constantes crisis económicas y el miedo al regreso de las ideas conservadoras. Ante la situación, el punk apareció como un movimiento que provocaba y rechazaba su entorno, generando consecuencias en la literatura, música, cine y el arte contemporáneo.

Punk: sus rastros en el arte contemporáneo es la exposición que se encuentra en Museo del Chopo y en la cual, a través de instalaciones, fotografías y videos, muestran cómo el espíritu cuestionador y crítico del punk repercutió en el mundo del arte, al hablar de temas de género, violencia, la sexualidad y el sistema político del mundo.

Más de 40 artistas nacionales e internacionales participaron con sus obras para esta exhibición. Israel Martínez, Semefo, Yoshua Ocon, Miguel Calderón, Docttor Lakra son algunos de los artistas mexicanos que colaboraron con sus trabajos para la exposición.

Foto Museo Chopo. Obra Doctor Lakra.

David G. Torres, curador de esta exposición, en entrevista para All City Canvas dijo que el arte contemporáneo había sido “especialmente poroso por la influencia del punk”, ya que nació en un contexto creativo para la música, el diseño, arte y moda.

Esta exposición ha estado también en Barcelona y Madrid. “Los contextos sociales y culturales de Barcelona a finales de los 70, el de México entre los 80 y 90 son distintos, pero ambos están marcados por el desencanto de una juventud que se revela frente a un panorama social y cultural que ofrece pocas opciones”, dijo G.Torres.

G.Torres mencionó que los rastros del punk en el arte contemporáneo son ideas y actitudes compartidas en un mismo contexto: ir en contra de una sociedad alineada por prejuicios y estereotipos.

 El “anti, el “hazlo-tú-mismo” sirvieron de frases para generar un territorio más cuestionador en el que la exposición, en palabras de su curador, postula un malestar que sigue presente en muchos de los trabajos del arte contemporáneo.

En el Museo del Chopo lo que se exhibe no es sobre el punk, sino a partir del punk.

Jack Tv: el canal de arte contemporáneo que tienes que ver

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Fundación MAXXI lanza el primer canal de arte contemporáneo en Italia

La cultura italiana es reconocida a nivel mundial por su gran nivel de tradicionalismo. El arte no es la excepción a esta regla: no hay quien no piense en Michelangelo, Botticelli o Tiziano (por mencionar algunos), cuando de obras artísticas en el país hablamos; sin embargo, a partir del 2009, el curso artístico, que hasta entonces se gestaba en los museos del país europeo, cambió gracias a la creación del Museo Nacional de las Artes del siglo XXI (MAXXI), el cual también funge como fundación. La semana pasada el Museo creó su canal Jack Tv, para promover la cultura contemporánea y el intercambio internacional.

Jack Contemporary Arts TV (Jack Tv) es el espacio creado por el Museo y la empresa de software Engineering, como un soporte tecnológico a los proyectos de museos italianos e internacionales, a través del cual se promueve la creatividad contemporánea y el implemento de vínculos de intercambio cultural.

Los fundadores del canal eligieron “Jack”, por considerarlo un nombre que le resulta familiar a la mayoría de las personas, con ello se sigue el sentido de universalidad que buscan implementar en el sitio.

La plataforma, disponible en italiano e inglés, ya cuenta con la participación de instituciones nacionales, como la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma; e internacionales como el Foam de Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Estambul, entre otros.

Muestra Carlo Scarpa e il Giappone

MAXXI se cataloga como “un laboratorio de experimentación e innovación cultural, de estudio, investigación y producción de contenidos estéticos de nuestro tiempo”. El Museo y también fundación creada por Giovanna Melandri rompe con los estereotipos y la añoranza del arte antiguo.

Yona Friedman, Arquitectura móvil

Fotografía, arquitectura y diseño son los ejes rectores del proyecto de formas distintas: live streaming broadcsast, contribuciones de artistas en la modalidad “bloggera” y creación de contenido exclusivo (como videos sobre retrospectivas, análisis y exposiciones).

Además, siguiendo la idea de un verdadero intercambio con el público y las instituciones artísticas, la plataforma también cuenta con la realización de productos en lenguaje de señas.

 

Con información de MAXXICorriere della sera, La RepubblicaJack TvArt fix dialy y Artforum .

El arte provocativo de Andrea Fraser

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Andrea Fraser: el arte que critica al arte

Fotografías y texto por Cristina Ochoa y Mariana Gaona

Artista estadounidense de performance,  imagen  clave de la llamada crítica institucional, conocida por sus prácticas artísticas que han sido calificadas como retadoras, provocativas e inteligentes. Ella es Andrea Fraser, actualmente  una de las figuras más importantes del arte contemporáneo.

La crítica institucional, dentro de la que se encuentran sus trabajos, es una corriente del mundo del arte surgida en los años 60 que se encargaba de cuestionar a museos, galerías y colecciones.  Las obras de Fraser nos retan a reflexionar sobre nuestro rol como espectadores: “No es cuestión de estar en contra de la institución. Nosotros somos la institución. La cuestión es qué clase de institución somos, qué clase de valores institucionalizamos, qué formas de práctica premiamos y a qué clase de premios aspiramos”, escribió en 2005.

¿Qué nos motiva a consumir el arte de nuestra preferencia?, ¿quién nos dice cómo debemos comportarnos en el museo?, ¿vamos guiados por nuestras propias convicciones o por las instituciones artísticas?  Son esas las reflexiones que Fraser busca dejar en sus trabajos.

En 2003  fue cuestionada por su video nombrado Sin título, en el que la artista mantiene relaciones sexuales con un coleccionista de arte, quien le pagó a Fraser 20 mil  dólares, y le propuso quedarse con una de las dos únicas copias del filme. La artista explicó que todo lo anterior fue  parte de un análisis respecto al vínculo económico con la institución artística.

El cuerpo de Fraser es elemento de sus investigaciones y parte fundamental en su trabajo; el cual está influenciado por temas feministas, sociológicos, económicos y psicológicos; además incluye reflexiones sobre el modo en que el arte puede servir de instrumento de distinción social.

Actualmente, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) presenta la primera muestra retrospectiva individual en México de la artista: L’1% c’est moi , con la curaduría de Cuahutémoc Medina y Hiuwai Chu, que incluye obras producidas a lo largo de sus más de 30 años de cuestionamiento al mundo del arte.


El nombre de la exhibición es el mismo que utilizó para   la revista alemana Texte Zur Kunst, en la cual escribió un ensayo exponiendo la relación entre la riqueza de coleccionistas y el crecimiento de la desigualdad social, criticando el valor monetario en el que se ha estado desenvolviendo el arte.

Las obras de Andrea Fraser nos llevan al análisis, la introspección, el cuestionamiento y a su definición de arte.

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