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El Festival Intercultural de Muralismo, sobre el agua, la vida y la unidad

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Nueve Arte Urbano plataforma mexicana en apoyo al fomento del arte presenta: “El Agua es Una”

Nueve es una iniciativa a favor del desarrollo del arte la cual fomenta el poderoso trabajo de distintos artistas, con la única y firme intención de cambiar la perspectiva artística en México. Es un proyecto que recrea la responsabilidad total a través de una plataforma que promueve la transformación social mediante la cultura, la producción de murales y el desarrollo de su talento. En alianza con fundaciones como Pangea Seed en Hawaii y la creadora del Festival Sea Walls.

Los productores, artistas y curadores de este evento lograron la creación de una pieza única con la creación de “El Agua es Una” , la cual ya forma parte de las extraordinarias muestras de arte urbano en el mundo.

Dicha muestra conforma una monumental obra de arte sobre el domo del péndulo de Foucault en el Centro Educativo y Cultural del Estado de Querétaro (CECEQ), con 21 intervenciones desarrolladas por 33 artistas y productores, sobre 3 mil metros cuadrados de murales con un tema en específico.

Cortesía: Nueve Arte Urbano

El desarrollo de esta monumental creación fue creado bajo distintos estilos artísticos como: la ilustración, el transgraffiti, el muralismo clásico, el hiperrealismo, la exploración orgánica, el graffiti y la metafísica.

Entre los exponentes encargados de llevar esto a cabo con fama a nivel local, nacional e internacional estuvieron: Aaron Glasson de Nueva Zelanda, Nosego de Estados Unidos, Jason Botkin de Canadá, Mantra de Francia y Sänk de Estonia. En cuanto al talento mexicano se encontraron presentes Bernuz Guerrero, Atole Parra, Saúl Torbe, Renata Martínez, Sermob, Ryper, Demencia Beivide, Smithe, Goal, Miguel Valiñas, Paola Delfín, Tmuz, Pogo y la Xfamilia.

Cortesía: Nueve Arte Urbano

Esta creación es una oda a la historia del arte urbano y un regalo para la población de Querétaro en México cuyos elementos perduraran para la posteridad como un acto de generosidad y amor por la humanidad, en la que cada uno de los artistas implementó su tiempo y su talento para hacer un diálogo con el mundo sobre los problemas a los que se enfrenta la sociedad por la escasez de agua, el consumismo, la explotación de la tierra y el exceso de basura.

Cortesía: Galería Balneario

A continuación te presentamos algunas de las obras que cada uno de estos excelentes artistas realizó para este increíble proyecto:

Aaron Glasson de Nueva Zelanda y la mexicana Renata Martinez desarrollan la historia de la sed y la ausencia del agua colocando en un extremo a Macedonia Blas Flores, mujer indígena, defensora de los derechos humanos, que fue nominada al Premio Nobel de la Paz, la cual sostiene una jarra de agua. Un hombre de rasgos españoles a sus espaldas con una jarra rota por un niño indígena para alimentar un jardín y en el centro un hombre desesperado por beber de una botella. En esta obra se abordan temas como la contaminación presente en el agua, la sequía, las inundaciones, las dificultades para llevar el líquido a la viviendas y la fauna marina afectada por esto.

Cortesía: Galería Balneario

Pogo ilustrador y diseñador mexicano apasionado por el desarrollo de piezas con fuerte significado crea un mural que describe un conflicto entre fuerzas oponentes, en el que el agua y la naturaleza empujan con vida a una bestia que ataca en uno de sus extremos envuelto por la ambición humana, basura y aguas negras.

Cortesía: Galería Balneario

Favio Martinez muestra sobre la cúpula en la que destaca un ventanal de bulbo sobre un espacio tridimensional,  una figura femenina llamada Chalchiuhtlicue esposa de Tlaloc el dios del agua. Ella flota sobre el aire, mientras que de ella nacen ríos y caudales que alimentan los lagos y los mares, mostrando el amor de la naturaleza por cada una de las criaturas vivas en la tierra.

Cortesía: Galería Balneario

Lilian Muñoz artista especializada en artes plasticas de Queretaro desarrolla “Demencia” reflejando la dualidad que representa la vida y la muerte así como la fragilidad de cada uno de los seres del planeta, expresando su preocupación sobre el futuro y la preservación de las especies.

Cortesía: Galería Balneario

Goal y Ryper artistas de Querétaro con antecedente en el graffiti, desarrollan “El Cipactli” cuya metáfora alude a la creación de la naturaleza, a través de la contaminación y la búsqueda del líquido vital.

Cortesía: Galería Balneario

Jason Botkin de Canadá muestra elementos fundamentales en el mestizaje cultural mexicano como una manera de honrar los legados ancestrales. En la punta del domo se puede observar una reinterpretación del calendario azteca, mientras que en su punta se observan cuatro puntos fundamentales, que hacen una representación de las vías por las que transitan las fuerzas atmosféricas, en este caso la lluvia. 

Cortesía:Galería Balneario

Mientras que en la fachada o base del domo, Jason realiza un monje que evoca a San Francisco de Asís, cuya cabeza está dividida en dos partes, por un lado el monje y por  el otro Quetzalcoatl como metáfora de la identidad mexicana. En algunas viñetas laterales se pueden observar manos impartiendo bendiciones mientras que el pueblo sediento aparece bajo las mangas de la túnica con vasijas llenas y vacías de agua, lo cual expresa a la humanidad que podría verse en peligro de extinción.

Cortesía: Galería Balneario

Youri Cansell de Francia, intervino la base de la cupula para represntar la importancia del agua sobre la vida y la muerte como desesperación a su ausencia, mientras que en el domo se observa la presencia femenina inspirada en las deidades mesoamericanas, representando a la naturaleza y unificando su simbología bajo el elemento agua.

Cortesía: Galería Balneario

Godwin de Estados Unidos desarrolló “Baño de Sol”, en la que se puede observar a una mujer de rasgos africanos, levantando sus manos creando un sortilegio de luz y amor para la naturaleza.

Cortesía:Galería Balneario

La mexicana Paola Delfín creó él Tláloc Zapoteca: Pitao Cosijo, cuyas manos sostienen un corazón, simbolizando el regalo de la vida, con una cascada que fluye recordando la conexión entre la vida y la retribución que se hace a base de trabajo.

Cortesía: Galería Balneario

Smithe elaboró un códice que describe a Tláloc y a Coatlicue, enfermos y desgastados. Ambos dioses han sido explotados por lo que se muestran cargados de  tubos, cables y pozos elementos que el ser humano ha considerado necesarios para sobrevivir. En el que encontraremos sed, desgaste, muerte y destrucción como consecuencia final.

Cortesía: Galería Balneario

Sänk de Estonia recrea la leyenda de Chan, criatura mitológica que reina en las aguas de los manantiales, retratando la leyenda de una persona sabia del pueblo en la que le resan a Chan para que el agua fluya. En el apreciamos una serie de ajolotes, lluvias que brotan y ríos que nacen.

Cortesía: Nueve Arte Urbano

El mexicano Sergio Morales sobre la fachada del Museo de Ciencia y Tecnología, realizó un mural en el que destaca lo indivisible que conforma el mundo, en el que las criaturas marinas hacen una fusión con los seres humanos haciendo referencia a un solo ente universal.

En la parte superior encontramos a una persona simbolizada por Tláloc intentando sostener una cubeta representando la dificultad que tiene la naturaleza para hacer llegar el agua.

Cortesía: Nueve Arte Urbano

Estas y algunas obras más forman parte del increíble poder artístico que se hace presente en Querétaro el cual ayuda a valorar el arte como un método de cambio y difusión de conciencia para el cuidado del ecosistema para todos los seres en el planeta.

 

 

 

 

 

Nuart Aberdeen 2018

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Todo lo que deseas saber sobre el festival más importante de street art

Nuart Aberdeen es una plataforma que se encarga de fomentar el desarrollo del arte urbano, presentando lo más relevante actualmente, inspirando y motivando a la escena local emergente en esta ciudad escosesa.

Aberdeen proporciona una plataforma en la cual cada uno de los artistas pueden desarrollarse bajo su propio estilo, ya sea con exposiciones temporales, intervenciones, murales, instalaciones. El programa se complementa con una serie de presentaciones, charlas, proyecciones de películas, talleres y recorridos a pie.

El tema principal de Aberdeen de este año se centró entorno al concepto “Una revolución de lo ordinario’: una mirada al mundo paralelo del arte y la cultura no institucionales” con la firme convicción de enfocar el arte como una experiencia cotidiana accesible para todos.

En esta pasada edición Nuart Aberdeen 2018 contó con la presencia de distintos exponentes encargados de realizar monumentales muestras de talento, artistas como: DR.D, Bordalo II , Carrie Reichardt, Hyuro, SNIK, Ernest Zacharevic, Phlegm, Bortusk Leer, Gonzo & GlöBEL, Elki, Milu Correch y  NIMI & RH54 estuvieron presentes.

Cortesía: Amsterdam Street Art

A continuación te presentamos una semblanza de cada uno de ellos y no olvides dar un recorrido por la página de Nuart Aberdeen.

Dr.D artista londinense, implementa la técnica de cortar y pegar sobre carteles politicos y grandes vallas publicitarias, imitando su escala y visibilidad, con la finalidad de crear conciencia sobre el significado que le damos a nuestro entorno y el poder que se le atribuye. Su observación comúnmente se ve reflejada en respuesta al debate social y asuntos de relevancia actual.

Cortesía: DR.D

En esta ocasión hizo carteles con leyendas como “No bald games” o barriles etiquetados con “Art is the new oil” en el que abordó una temática sobre la economía, el clima social  y el desarrollo político en la actualidad. Cabe destacar que uno de sus trabajos más característicos en esta edición, fue en un anuncio sobre los campos de golf de Trump encontrado a unos cuantos kilómetros de la ciudad, haciendo una declaración clara sobre la actual situación en los Estados Unidos y el Reino Unido, colocando un colorido monstruo con el letrero “Do not be a Trump”.

Su trabajo sin duda hará que cada persona de la localidad se cuestione, dando un sentido diferente de conciencia social.

Cortesía: DR.D

Carrie Reichardt es una artista londinense, a través de murales de mosaico a gran escala ha logrado captar la atención del público, desarrollando técnicas como la serigrafía y el muralismo. Uno de sus trabajos más impresionantes que por fin vio completado este año, fue un mural hecho por mosaico en su hogar al oeste de Londres y el cual le llevó 20 años concluir.

Cortesía: isupportstreetart

Hyuro es una street artist originaria de Argentina, normalmente realiza composiciones en las que la feminidad se encuentra presente, abordando situaciones sociopolíticas, cuestionando la libertad y los derechos de las personas.

Cortesía: isupportstreetart

SNIK es un dúo de artistas principalmente inspirados en la escena graffiti, trabajan con distintos recursos y técnicas mediante el stencil y la pintura en aerosol, sus creaciones son una combinación entre el realismo y la fantasía.

Cortesía: inspiringcity

Ernest Zacharevic originario de Lituania, crea retratos con inspiración en el ambiente y el lugar en donde lo lleva a cabo . Actualmente Zacharevic forma parte de la campaña “Splash and Burn” enfocada a la creación de conciencia entorno a la destrucción del ecosistema.

Cortesía: isupportstreetart

Phlegm es un artista de Sheffield que desarrollaba su trabajo en la ilustración de cómics, sus ilustraciones actualmente se encuentran sobre espacios deteriorados, implementando un toque de inocencia. 

Cortesía: Arrested Motion

Bortusk Leer con sede en Ámsterdam, logra divertidos monstruos llenos de color que invaden las calles en paredes, puertas y cajas, sacando de la realidad a las personas mediante la sonrisa.

Cortesía: nspiringcity

Gonzo & GlöBEL de Glasgow, son dos hermanos que reviven la antigua tradición de la pintura sobre carteles. Ciaran implementa la escritura para el desarrollo de impresionantes obras a mano, mientras que Conzo utiliza elementos figurativos para ello.

Cortesía: inspiringcity

Elki desarrolla su estilo con base al fotorrealismo implementando plantillas cortadas a mano. Ha fungido en el desarrollo de impresionantes piezas en Europa, con referencia en distintas subculturas con asociación al arte callejero como los DJ y el graffiti.

Cortesía: inspiringcity

Milu Correch artista argentina enfocada en la creación de murales a gran escala y una de las street artist más importantes dentro de América del Sur. Está inspirada en el cómic, la literatura y el cine, su trabajo combina la certeza estética con la moral.

Cortesía: isupportstreetart

NIMI & RH54 es un dúo de street artist de Noruega, RH74 emplea el uso del arte urbano fino, mediante el retrato. NIMI es un artista que creció en Inglaterra, le gusta experimentar con su trabajo, implementando todos los días una técnica nueva, enfocado en el romanticismo y la sátira política.

Cortesía: isupportstreetart

Bordalo II es un artista que mediante el uso de elementos reciclados logra rescatar la belleza del material, dándole vida a animales a gran escala, fomentando el cuidado y la protección de su hábitat natural.

Cortesía: instagrafite

 

Recluso en Guantánamo en la lucha por mostrar su arte

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Ejercen restricciones a Ammar al Baluchi para hacer uso de materiales que muestren su lado artístico

Un hombre llamado Ammar al Baluchi presuntamente implicado en el ataque del 11 de septiembre a las torres gemelas, lucha contra las restricciones impuestas por el Departamento de Defensa de los Estados Unidos, tras la entrega de algunas de sus obras a curadores de una exposición de arte sobre reclusos en Nueva York.

Cortesía: artnet News

Baluchi es acusado por fiscales militares por ser parte fundamental del ataque y ser un alto miembro de Al Qaeda financiando los viajes y organizando el ataque de las torres gemelas en nueva York, por lo que fue capturado en Pakistan en el 2003, su defensa dice que no hay pruebas suficientes para acusarlo.

Cortesía: Washington Post

Sara Higgins comandante naval y portavoz del Pentágono destacó que todos los trabajo realizados en la Bahía de Guantánamo son propiedad de los Estados Unidos, por lo que no puede, ni hará comentario alguno acerca del caso de Ammar.

Cortesía: CBS News

Tras presentarse la pieza “Vértigo en Guantánamo”  exhibida en el John Jay College of Criminal Justice y la cual desarrolla una serie de puntos de colores que hacen alusión a un tornado, ha logrado captar la atención del publico conocedor, por lo que según sus abogados defensores, fue un motivo para que el Departamento de Defensa lograra determinar que ningún objeto fabricado dentro de la Isla la abandonaría, al prohibir la difusión e intercambio de arte por parte de los reclusos.

Actualmente Ammar al Baluchi se encuentra sin poder acceder a ningún material para la creación de obras de arte, cosa que Pradhan a intentado cambiar.

 

Conoce el arte de las calles de Beirut

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Monumentales muestras de arte se hacen presentes en tierras libanesas

Beirut es una de las ciudades de medio oriente que durante 15 años padeció los efectos de una guerra civil, con el paso del tiempo esta ciudad ha encontrado la forma de reconstruirse mediante el apoyo de elementos culturales y artísticos, haciendo posible la creación de monumentales obras de arte que intentan recordar lo que era Beirut antes de que el caos invadiera y dejará huella en cada una de sus calles.

Cortesía: Al Arabiya

Abdel Hamid Baalbaki (1940- 2013), fue un musulmán que se dedicó en mayor parte a crear obras de arte sobre la guerra, hasta sus últimas muestras de mediados de los 2000. Fue el primer hombre en retratar lo que acontecía, realizando la primera obra llamada “The War Mural”, en 1976, que retrataba el conflicto en Beirut.

Baalbaki se desarrolló en la escultura, la pintura, la poesía y la ficción, graduándose del Instituto de Bellas Artes de la Universidad Libanesa, para después volver a la misma como profesor. Fue presidente de la Asociación Libanesa de Pintores y Escultores de 1992 a 1994 y presentado en diversas exposiciones.

Cortesía: Blouin Artinfo

Yazan Halwani nació en 1993 en Beirut, ha trabajado en la creación de monumentales muestras que hagan ruido en cada una de las divisiones demográficas que aún se muestran en la ciudad libanesa. Hawani fue fuertemente influenciado por el Hip Hop y el grafiti de los Estados Unidos para después rediseñar su propio estilo, enfocado a sus raíces, implementando el retrato y la caligrafía árabe como su fuente principal.

Los murales creados por Yazan constantemente tienen un mensaje, utilizando imágenes de la sociedad árabe, artistas e iconos sobre monumentales estructuras marcadas por la guerra.

Cortesía: Six Pillars

Por último otro artista que creó otra de las muestras más importantes dentro de la ciudad es Jorge Rodríguez Gerada, Cuba 1966. Gerada en colaboración con BAD Built by Associative Data y el distrito digital de Beirut, logra una excepcional muestra sobre un edificio invadido por agujeros hechos por metralletas. Esta gran pieza en la que implemento el grafiti, muestra a un niño con una pieza de hardware, fomentando la educación y el futuro de la población infantil.

Cortesía: BBC Arts

Estos y muchos otros artistas que día a día invaden las calles de Beirut son una muestra más de que mediante el arte se puede  crear una visión diferente ante acontecimientos en los que el caos se hace presente.

 

 

 

TRUMPadas del arte

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El concurso que invitó a plasmar al político en piezas de arte

Después del levantamiento de opiniones frente a los controvertidos (y muy bien realizados) retratos al expresidente Barack Obama y su esposa Michelle, el podcast Lovett or Leave it llamó a sus escuchas a retratar al actual y muy criticado presidente de los Estados Unidos Donald Trump en piezas de arte. El resultado fue sin duda fabuloso, divertido y controvertido, pero sobre todo incitador.

La convocatoria recibió alrededor de 1,000 propuestas, acortando a 18 finalistas que fueron expuestos frente a un panel de expertos que determinaron las mejores imágenes que el mundo merecía, juzgando obras que rozaban una cantidad amplia de técnicas —collage, ilustración, fotografía—.

Los 3 finalistas fueron:

Un retrato minimalista de Trump representado por una dona y un pedazo de queso. (Creado por Abigail Hammett)

Una ilustración de un bebé Trump siendo cargado por el presidente Ruso Vladimir Putin. (Creado por Jamie Fontana)

Una ilustración hiper-realista del presidente vomitando Tweets (su actividad favorita por las mañanas) (Creado por Casey Promise)

Los ganadores ademas de ser reconocidos, verán sus trabajos convertirse en Merch, y los fondos recaudados se donarán a P.S. Arts, una organización sin fines de lucro que apoya la enseñanza del arte en escuelas publicas del estado de California.

Acá les dejamos las imágenes de los demás finalistas para que escojan a su favorito y que gracias a movimientos como esto queda más en claro que el arte no solo es imagen si no catalizador de críticas frente al mundo, y nos permite reírnos un poquito de él.

Cortesía: Alex Lockwood (Izq.) Edward Charbonneau (Der.)
Cortesía: Lauren Hughes (Izq.) Rosie O’Donnell (Der.)
Cortesía: Paul Fiegenschue
Cortesía: Olivia Wolfe (Izq.) Lauren Kaelin (Der.)

 

Conoce el arte de Stephanie Kilgast

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Con el uso de materiales de segunda mano crea increíbles obras de arte

La artista de origen francés Stephanie Kilgast recrea impresionantes obras de arte sobre elementos desechados por el hombre, dándole un reflejo diferente al pensamiento desechable y creando  objetos únicos.

Cortesía: Colossal

Kilgast que esta basada en Francia, toma objetos como tarros de mermelada, tazas, platos rotos, cámaras y hasta discos de vinilo para llenarlos de color y darles una segunda oportunidad. De esta forma embellece su estructura con crecimientos parecidos al nacimiento de un coral, invadido por hongos, diversas plantas, cristales y hasta animales.

Cortesía: Colossal

Con el paso del tiempo esta artista ha perfeccionado su técnica orientada a los detalles, mediante la fabricación de alimentos hiperrealistas en miniatura, utilizando arcilla polimérica en cada uno de ellos.

Cortesía: Artospective

El proyecto mas arduo según la artista lo desarrolló al esculpir fruta y una hortaliza encompleta en miniatura. Presentando la cantidad de plantas comestibles existentes e incitando a consumir en menor medida productos de origen animal.

Cortesía: Saatchi Art

Ella misma describe su trabajo como: “Esto es una oda a la naturaleza con coloridas esculturas orgánicas sobre objetos hechos por el hombre, celebrando la belleza de la naturaleza en un diálogo con la humanidad, cuestionando el equilibrio perdido entre las actividades humanas y la naturaleza”.

Cortesía: Brown Paper Bag

Normalmente esta artista graba el proceso de cada una de sus creaciones en sus redes sociales (Instagram, Web, YouTube) y ha expuesto en lugares como Europa, América y Asia. En este último con un espectáculo grupal denominado “Monochrome” en Art Number 23 de Londres.

¡Te invitamos a seguir su proceso creativo lleno de color y asombrosas muestras!

Retrospectiva de Manuel Álvarez en la galería Juan Martín

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La visión dela fotografía como arte de Manuel, abrió el camino a nuevos fotografos

Este mes de abril, en la Galería Juan Martín se realiza una retrospectiva del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Braco, uno de los representantes más importantes de la fotografía moderna en el país.

Esta muestra es una más que se añade a las más de 30 veces que se ha expuesto el trabajo del fotógrafo, la primera vez fue en 1975 cuando la galería se encontraba en zona rosa.

Cortesía: Manuel Álvarez Bravo

A Álvarez Branco siempre le gustó mostrar su trabajo, mismo con el que quería demostrar el valor artístico que podía llegar a tener la fotografía y que no solo tenía la alternativa de ser una fuente de empleo en ese entonces.

Gracias a esto y al apoyo que Manuel mostraba a los fotógrafos, la galería dedicó su segundo piso para exponer trabajo fotográfico, algo realmente raro en galerías.

Cortesía: Manuel Álvarez Bravo

Un trabajo visual que recorre desde los años 20 hasta inicios del siglo XXI es lo que dejo de legado Manuel Álvarez Branco, además de una perspectiva diferente hacia la fotografía mexicana.

Para esta retrospectiva se seleccionaron 67 fotografías, entre las que se encuentran “Roca cubierta de liquen” (1927), “Los obstáculos” (1929), “trapo negro” (1986) y “El autorretrato de reflejos” (1995).

Cortesía: Manuel Álvarez Bravo

Estas obras forman parte del archivo dela galería y todas son en Blanco y negro. Mostrando la evolución visual del fotógrafo, así como la influencia del Estadounidense Edward Weston y Tina Modotti.

Cortesía: Manuel Álvarez Bravo

La celebración de la galería queda en marco a dos acontecimientos importantes que incluyen al fotógrafo, primero, el pasado 4 de febrero se cumplieron 116 años de su nacimiento y el pasado 7 de marzo, el archivo Manuel Álvarez Bravo fue acreedor a el certificado de inscripción en el Registro Internacional de Memoria del Mundo de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura.

Cortesía: Manuel Álvarez Bravo

La muestra estará abierta hasta el 28 de abril en la galería Juan Martín, Dickens 33-B, Polanco, de lunes a sábados, consulta horarios en la página oficial.

Cortesía: Manuel Álvarez Bravo

Increíbles estructuras en Coachella 2018

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Artista Italiano crea impresionantes estructuras de malla y alambre

Edoardo Tresoldi denominado como “artista de la materia ausente” y conocido por sus excelentes trabajos, fue encargado de la creación de impresionantes estructuras a base de malla y alambre, esto para la pasada edición del Festival de Música y Artes de Coachella. Una producción que impresiona a los asistentes con su magnificencia haciendo de su visita todo un espectáculo desde el momento en el que la observan.

Costesía: Roberto Conte

Esta obra de arte fue nombrada como “Etherea”, su creador se inspiró en la arquitectura barroca y neoclásica. La conforman tres estructuras transparentes con medidas que van entre 36, 54 y 72 pies de altura cada una.

Cortesía: Roberto Conte

La estructura es una investigación de su autor, el cual utiliza la arquitectura como herramienta para la creación de un espacio dedicado a la naturaleza. Debido a que su formación transparente permite a los asistentes disfrutar del paisaje que California ofrece para ellos y así vivir un acercamiento experimental, entre un espacio arquitectónico, musical y una variedad de elementos naturales que se hacen presentes durante un fin de semana completo.

Cortesía: Roberto Conte

Su autor menciona el firme deseo de que todos los asistentes se lleven muy buen sabor de boca ya que “Está fuertemente relacionado con el lado recreativo del festival y está diseñado específicamente para una interacción continua con los visitantes. ”

Cortesía: Roberto Conte

No te pierdas ningún detalle de este artista, sus próximas creaciones y dale un vistazo a este excelente trabajo a través de @coachella en Instagram.

La nueva “Mastaba” flotante de Christo

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7,506 barriles serán usados para esta instalación

El pasado 3 de abril, el nuevo proyecto flotante de Christo, en Hyde Park de Londres comenzó a desarrollarse, esperando se inaugure el 18 de junio y se encontrará sobre las aguas londineses hasta el 23 de septiembre del 2018.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Se trata de una mastaba a base de barriles que tendrá 20 metros de altura y una medida base de 30 x 40 metros, esta escultura tiene como objetivo ser una obra que pertenezca a todos los habitantes que visiten aquel lago serpenteante.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

La parte superior y los lados inclinados serán de color rojo y blanco, mientras que los extremos visibles, perteneciente a los barriles, estarán entre gamas de rojos, azules y malva, dándole así un contraste con el color del lago.

7,506 barriles serán usados para dar vida a esta plataforma, y son financiados por el dinero recaudado en la venta de obras anteriores y exposiciones que han recaudado fondos del artista de origen Búlgaro.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Esta instalación coincidirá con una exposición que documenta el trabajo del artista y su difunta esposa Jeeane-Claude, en Sepertine Gallery. La exhibición estará abierta al público del 19 de junio al 9 de septiembre. Para esta exposición el artista también está colaborando para el desarrollo de estructuras, fotografías y dibujos que documentan más de 50 años de trabajo.

Christo and Jeanne-Claude

“The Mastaba” fue originalmente realizada cerca del desierto de Abu Dhabi en 1977 y lo realizó junto a su esposa, uniendo 410,000 barriles, dispuestos a resaltar la arquitectura islámica.

Ahora, esta obra remonta aquella instalación y el trabajo que han tenido a los barriles como parte esencial de composición y base para desarrollar actos de resistencia y protesta.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

La obra de Christo tiene la característica de ser extravagante, junto a su esposa realizaron la cobertura de grandes edificios y monumentos con tela de colores, creando obras ambientales y muy visuales.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Entrevista al artista Ampparito por el artista EduNose

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“Ampparito, ¡ya te vale!”, una entrevista de artista a artista

EduNose sobre nombre de el artista Eduardo Vea Keating originario de España con residencia en Chicago, quien gusta realizar obras de arte con materiales que encuentra a su paso, dándoles una segunda oportunidad y una nueva visión. Eduardo nos presenta una entrevista exclusiva para All City Canvas llamada “Ampparito, ¡ya te vale!”, a el artista español Ampparito que trabaja subvirtiendo significados, objetos, y realidades, generando nuevas y creativas necesidades y experiencias.

Cortesía

A continuación te presentamos la visión de EduNose tras la entrevista con Ampparito un contenido lleno de talento e ingenio.

Ampparito, ¡ya te vale!

Ampparito caminaba por el madrileño barrio de Embajadores para ir todos los días a la escuela; y todos los días se detenía para contemplar los graffitis de Jamón, Soen o Dakaneh. Cada vez que descubría piezas nuevas, su día se iluminaba. Ampparito ha crecido. Ya no va a la escuela aunque sigue aprendiendo y admirando a diario las paredes que otros pintan. Ampparito sigue disfrutando de los trazos limpios y los colores vivos que adornan la ciudad, pero ahora sus intervenciones también viven en el espacio público. Ampparito es el sobrenombre de Nacho Nevado, un artista inspirado en lo cotidiano y lo metafórico. “Con las metáforas puedes hablar de manera no categórica. Si es aplicado a una obra de arte, hay un hueco que tiene que rellenarlo el espectador con su sensibilidad y que en muchas ocasiones supera lo que yo quiero transmitir relata el joven artista. Ampparito no utiliza sprays como los artistas que admiraba cuando era un chaval. Él es un pintor conceptual pero de brocha gorda.

Cortesía

De su admiración por el graffiti cuando niño, pasó a experimentar con la contra publicidad en el bachillerato. La evolución era clara aunque él cree en las casualidades. Pasó por la Universidad Complutense para estudiar Bellas Artes. Sus primeros años allí, estuvo obsesionado con la técnica “Por aquel entonces creía que eso era lo único que diferenciaba lo que es arte y lo que no, y me convertí en un mono bastante entrenado” comenta con ironía. Más tarde, él mismo se dio cuenta de la imposibilidad de encontrar la certeza del arte y pasó de buscar esas certezas a abrirse e intentar apreciar todo en lugar de juzgar qué está bien y qué mal. Y así de pronto, dio un giro inesperado y como hobby comenzó a estudiar finanzas. “Aunque parezca mentira, de ese mundo de bonos, opciones, warrants y futuros, es la fuente de dónde he sacado más poesía para mis pinturas e incluso la base de mi proyecto de fin de carrera.”

Cortesía

Tras sus años de formación, como muchos españoles de su edad, sin un futuro definido, se marchó a Londres para darse cuenta de lo que realmente es un salario mínimo. Allí también, aprendió a apreciar el tiempo libre aprovechándolo siempre para pintar. “En aquella época mi currículum cabía en un post-it, así que me puse a pintar por placer, también en la calle. El espacio público es el lugar perfecto para desarrollar un lenguaje más libre, ya que no tienes que pedir permisos ni tener el OK de comisarios, gestores, galeristas u otros agentes culturales” añade. Varias de sus intervenciones públicas más conocidas están en el pueblo de su madre, huyendo del gentío y las miradas de los transeúntes. “Pintar en lugares donde la gente no se espera una pintada, ofrece a la obra otra dimensión. La descontextualización de los objetos que pinto otorgan a la obra un lenguaje más poético, casi surrealista convirtiendo esos objetos figurativos en piezas más abstractas explica.

Cortesía

“Además, no es lo mismo ir a ver un cuadro a un museo y que te guste o decepcione, que mostrar objetos que nadie se espera encontrar a la vuelta de la esquina. Las expectativas no son las mismas y es más fácil sorprender en un lugar en el que no te esperas encontrar una obra” El trabajo de Ampparito sorprende de verdad, por los lugares que escoge, pero además por las ideas que representan. Todo tiene una razón de ser y aunque quizá tu interpretación como espectador no sea la que él tenía en mente, será igualmente válida.

Cortesía

Admira el trabajo de otros como Spy, Escif, Ekta, Elian Chali, Eltono, E1000, Black, 108… pero no se detiene en el mundo del arte. El cine de Sorrentino o Carla Simón, los movimientos de cámara y la descontextualización cultural y de objetos también le llaman la atención y lo aplica en muchos de sus trabajos. La música de Nils Frahm, Yung Beef o Tronco, la danza contemporánea, la arquitectura, el cómic abstracto… “Somos nuestras referencias y nuestro trabajo depende de ello” concluye el madrileño. Ampparito se agobia pensando en el futuro. Sin perder la curiosidad, prefiere dar pasos cortos mientras continúa construyendo comunidad, compartiendo y aprendiendo nuevos caminos, al tiempo que desarrolla su lenguaje. En abril expone en Madrid en la galería La Causa. Una vez más, su obra se desarrolla en torno a objetos del día a día. Esta vez quiere sorprender al espectador con una caja de herramientas algo alterada. Ampparito, sigue siendo un chico de barrio tímido y miedoso, pero su trabajo es sólido y habla alto y muy claro.

 

 

Record de visitantes para ver los retratos de los Obama en National Portrait Gallery

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Las pinturas se expondrán de forma permanente en National Portrait Gallery

Los retratos de la ex pareja presidencial (Barack y Michelle Obama) creados por Kehinde Wiley y Amy Sherald que se exponen en National Portrait Gallery en Washington, han recaudado el mayor número de visitantes en el museo, tan solo el 24 de marzo, el registro fue de casi 40 mil asistentes.

Durante el Día de la marcha por nuestras vidas, el museo registró 35,968 visitas, tanto fue la aglomeración que hubo un acceso por tandas, para esperar a que cada uno de los asistentes pudiera ver las pinturas con detenimiento.

Cortesía: National Portrait Gallery

Esta organización ha llevado a que se creen hasta dos filas de espera, una para ver con detenimiento la obra y una segunda para tomarse la famosa selfie con las pinturas.

Mismas que durante la euforia de los asistentes, la directora del museo, Kim Sajet, recalcó que las pinturas formarían parte de la exposición permanente del museo, haciendo la invitación a que habrá tiempo para disfrutar de las pinturas.

A pesar de ser por el momento una de las principales atracciones de la exposición America´s Presidents, los asistentes ven los otros retratos en la exposición y dan un paseo por toda la galería.

Cortesía: Los Ángeles Times

Los retratos oficiales de Michelle y Barack Obama fueron realizados, respectivamente, por Amy Sherald y Kehinde Wiley, la primera muestra a la primera dama con un vestido blanco adornado con figuras geométricas y el segundo al 44° presidente de los Estados Unidos con un fondo con flora muy verde.

Pero el crecimiento de los visitantes al museo no fue lo único que aumento, también las ventas en Internet de los suvenires de la exposición. Las ventas aumentaron un 200%, tan solo con la mercancía de Obama.

A 50 años de Odyssey 2001 de Kubrick

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Una visión artistica de una de las obras maestras de la Ciencia Ficción

Este mes 2001: A Space Odyssey una creación cinematográfica de Stanley Kubrick basada en el libro creado por Christopher Frayling esta celebrando sus 50 años, siendo una de las muestras mas imponentes de la ciencia ficción del año 1968.

Cortesía: El Periódico

Odyssey 2001 reflejaba una visión interior de la evolución humana, el uso de elementos tecnológicos para la vida, dirigiendonos a el 2001 de aquella época y narrandonos la historia de la humanidad desde el “homo sapiens”, hasta el desarrollo de una maquina que controla la nave de una tripulación entera.

Cortesía:Amazon

Esta obra maestra no seria la misma sin un director de arte detrás de cada escena por lo que es importante hablar sobre el trabajo de él artista alemán Harry Lange. Quien antes de comenzar a realizar logros dentro de la industria cinematográfica trabajó ilustrando manuales de vuelo para Estados Unidos durante la Guerra de Corea, en el diseño de misiles balísticos para el ejercito y realizando ilustraciones de naves espaciales para la NASA.

Cortesía: Recent Spaces

Kubrick pese a tener miles de elementos para el desarrollo de su película, decide utilizar la experiencia, el talento y la creatividad de Lange para hacer una obra que muchos de la época observarían imaginando como seria el futuro, a través del uso tecnológico y viajes al espacio. De esta manera le otorga el diseño de la escenografía y utilería lo que lo llevaría tiempo despúes a recibir el Premio BAFTA a Mejor Diseño de Producción y a colaborar como director de arte en entregas cinematográficas de la talla de Alien, Star Wars e Interstellar.

Cortesía: El Intra

2001: A Space Odyssey representa una excepcional puesta en escena siendo inspiración para muchas películas de la actualidad y poniéndola como un icono de la ciencia ficción para el desarrollo de nuevas propuestas, hecho que sin lugar a dudas es gracias al talento de creadores como Stanley Kubrick y Harry Lange.

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