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Bordalo II y sus creaciones recicladas por primera vez en Estados Unidos

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El portugués inaugura Trashedy siguiendo su compromiso con el medio ambiente 

Trashedy, la primera exhibición del reconocido artista portugués Bordalo II en Estados Unidos, inaugura este 24 de febrero en la galería Heron Arts de San Francisco. 

 La muestra incluye una gran instalación con su icónica técnica de materiales reciclados, al igual que piezas a la venta. La esencia de Trashedy se basa en la continua exploración por parte del artista sobre los temas de conciencia ambiental y el consumismo masivo. 

Cortesía: Sábado

Artur Bordalo (Bordalo II) nació en 1987 en Lisboa, adquiriendo tan popular nombre en honor a su abuelo y artista Real Bordalo. Su vida ha estado rodeada de arte por parte de su familia. Bordalo II tuvo sus inicios en la cultura underground del grafiti, continuando su educación en Artes Plásticas en la Universidad de Lisboa. Este aprendizaje, sentó las bases para hacer que Bordalo II lograra a partir de la escultura y el implemento de distintos materiales, formar obras que definieran su ya reconocido estilo.

Cortesía: Heron Arts

El artista se especializa en implementar materiales que como él menciona, son de producción muy alta, y que poco a poco, y con el paso del tiempo, van siendo inservibles y desechables para la vida de un individuo. Como bien lo menciona: “La basura de un hombre, puede ser un tesoro para otro”.

Cortesía: Bordalo II

Heron Arts le brinda el espacio de galería para desarrollar sus piezas y generar contacto entre el público y la implementación de recursos poco comunes utilizados por Bordalo, creando conciencia sobre el impacto que tenemos sobre cambio climatológico que padecemos actualmente.

Cortesía: Portugal Confidential
“Chimp Smile” (cortesía: Heron Arts)
“Halfhalf2 (half raccoon)” (cortesía: Heron Arts)

¿Dónde?

Lugar: Heron Arts Gallery, San Francisco

Inauguración: 24 de febrero @ 7 pm

Duración: 24 de Febrero al 24 de Marzo

Bogotá desde las alturas del drone de Navas

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Camilo Monzón Navas capta sitios arquitectónicos icónicos de la capital colombiana

Cortesía: Camilo Monzón Navas

Camilo Monzón Navas,  reconocido diseñador y fotógrafo colombiano,  le rinde homenaje a la arquitectura más emblemática de Bogotá, reinterpretando la fotografía clásica con un drone y retratando la personalidad urbana y sabor único de la capital.

A Navas le surgió la idea de su serie Aerial Facades al explorar la ciudad desde la terraza de su departamento. La inusual perspectiva de estas vistas lo alentó a retratar un lado inédito de Bogotá.

Cortesía: Camilo Monzón Navas
Cortesía: Camilo Monzón Navas

La serie presenta edificios del reconocido arquitecto Rogelio Salmona y sus característicos ladrillos rojos y formas en espiral, logrando crear un paisaje urbano inolvidable visto desde el cielo.

Cortesía: Camilo Monzón Navas

El “lente” de Monzón Navas se enfocó en las formas geométricas, el contraste de la luz y la composición, mostrando Bogotá desde una óptica inigualable.

Cortesía: Camilo Monzón Navas
Cortesía: Camilo Monzón Navas

Cabe mencionar que algunas veces el fotógrafo combina imágenes tomadas desde el nivel de la vista, lo que resulta en paisajes plegados que parecen imposibles, remontándonos a escenas de la película Inception.

Cortesía: Camilo Monzón Navas

Monzón Navas espera exponer “las miles de caras que muestra Bogotá desde las alturas” pronto.

Mientras tanto, disfruta de sus bellezas en su  cuenta de Instagram.

Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

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La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

Sur-Fest 2018 regresa a una de las tierras con más flow

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El encuentro internacional de grafiti y arte urbano en BogotáMedellín y Cali 

El festival independiente de grafitti y street art, Sur-Fest, que busca el intercambio cultural entre artistas urbanos, contará este año con 30 artistas invitados, 10 de Colombia y 20 de internacionales.

La primera etapa del festival se llevó a cabo del 16 al 22 de febrero en Ibagué; la segunda será del  23 al 28 de febrero en Medellín y terminará  en Bogotá del 1 al 9 de marzo.

Los artistas invitados  realizarán una intervención en cada ciudad, y una vez  culminado el evento, se premiará a los mejores exponentes en cada una de sus diferentes categorías.

Cortesía:  Rafael Perez

Es una gran oportunidad para que los artistas puedan participar en esta producción colectiva. Más que un expresionismo rural, el objetivo de este festival es reunir a gran parte de la comunidad por medio de un mensaje social, donde se pueda dar el valor  merecido a las obras y al artista.

Cortesía: Sur- Fest

Sur- Fest ha abierto un camino crucial para el arte urbano en Colombia, ofreciendo una gran oportunidad a las distintas poblaciones de poder apreciar e integrarse a este tipo de expresiones urbanas.  Es por eso que se eligieron puntos estratégicos, para expandir el mensaje a la mayoría.

Cortesía: Sur-Fest

Contará con diversas actividades, que incluyen conversatorios para intercambiar y dialogar acerca de la práctica responsable del grafiti en el país; distintos talleres con exposiciones de artísticas, así como el proceso de la transformación de comunidades gracias al arte urbano. 

Sigue de cerca los eventos y obras finalistas de los artistas en su página de Facebook.

El arte huichol invade Reforma

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La exposición de arte huichol más grande del mundo estará en CDMX

La muestra de arte huichol más grande del mundo permanecerá el mes de febrero en Paseo de la Reforma. La oportunidad de apreciar obras hechas por artistas wixarikas no se da todos los días, pero como 2018 es un año lleno de sorpresas, tendremos la dicha de contemplar arte huichol en vivo y a todo color este mes de febrero, en una de las avenidas principales de la CDMX.

Foto: Dónde Ir

El arte huichol es reconocido y apreciado no sólo por los mexicanos, sino por la comunidad internacional. Y es que ese dominio de color ha tenido tal impacto, que no son pocas las marcas que han querido poner un poco de él en sus productos, tal es el caso de los tennis New Balance y el famoso Vochol de Volkswagen.

Foto: The Happening

Paricuta es la responsable de que podamos tener más cerca que nunca la exposición de arte Huichol más grande del mundo. Esta empresa apoya a artesanos y artistas waxarikas, en miras de fortalecer la economía de la comunidad y difundir su trabajo artístico.

Inauguración oficial de la exposición más grande del mundo de arte huichol.No te la puedes perder en Paseo de la Reforma, iniciando de la Diana Cazadora durante todo el mes de febrero.

Posted by Paricuta on Wednesday, February 7, 2018

El proceso para crear las piezas que podremos disfrutar este mes no fue fácil, pues esta muestra es fruto del trabajo de 100 artistas de la comunidad que utilizaron como instrumento 20 millones de chaquiras aproximadamente. En relación a los deportes, la obra cuenta con piezas grandiosas de, por ejemplo, un auto Fórmula 1 y y una estatua de Muhammad Ali. Destaca también la figura de un rinoceronte en tamaño real, cuya realización tomó cinco años. ¡No te lo puedes perder!

Foto: Territorio Informativo
Foto: Chilango

¡Artistas al grito del arte!

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5 artistas que usan el arte como herramienta de transformación social

Ante un mundo hostil, el trabajo del artista revoluciona. El arte contemporáneo, a menudo es usado como herramienta de transformación social. En Latinoamérica no son pocos los problemas que atañen al artista. Todas estas problemáticas, como la discriminación de género, las fronteras, las diferencias de clase y el deterioro del ambiente, alientan a creadores que se desarrollan en distintas disciplinas artísticas a manifestarse a través de lo que mejor saben hacer.

Las múltiples crisis que padece México actualmente hacen que los artistas contemporáneos nacionales e internacionales inviten a repensar la realidad a través de su trabajo. Todos los problemas tienen que ver con una frontera, un obstáculo que se tiene que vencer.

Estos cinco artistas representan esta lucha a través de su arte, usándolo como forma de protesta.

  • Javier Téllez – One Flew Over the Void (Bala perdida)

El concepto de esta pieza-performance gira en torno a las fronteras de todo tipo, materiales y mentales. El artista venezolano Javier Téllez trabajó con pacientes del Centro de Salud Mental en Mexicali, Baja California. Inspirado en la icónica figura circense del hombre-bala, el artista, junto con su equipo de trabajo, culminó su performance lanzando a Dave Smith, el hombre-bala más famoso del mundo, a través de la frontera entre Estados Unidos y México, de Tijuana a San Diego.

Foto: Remezcla

Chequen el performance en el canal de YouTube “Herby”.

 

2. Lapiztola – Sembremos sueños, cosechemos esperanzas

Esta imagen, además de ser sumamente llamativa, esconde en sí un significado grandísimo. Fue pintada en Oaxaca de Juárez, con técnica de esténcil en 2015. Sembremos sueños, cosechemos esperanzas nos muestra a una niña mixteca sosteniendo un corazón. Debajo de ella, se lee una frase de Bety Cariño, activista Mixteca asesinada en 2010:

“Hermanos, hermanas, abramos el corazón como una flor que espera el rayo del sol por las mañanas, sembremos sueños y cosechemos esperanzas, recordando que esa construcción sólo se puede hacer abajo, a la izquierda y del lado del corazón”.

Foto: Cultura Colectiva

3. Proceso Pentágono, Serpientes y petróleo

Proceso Pentágono es un colectivo artístico que se integró formalmente en 1976 y continúa activo. A partir de intervenciones e instalaciones, abordan temas del panorama político de México y América Latina, como la represión, la tortura y la desaparición forzada. Producen arte experimental, comprometido con las luchas populares. Intervenir espacios no académicos, es su forma de manifestarse en contra de la elitización del arte.

Foto: Revista Código

4. Rafael Lozano-Hemmer, Nivel de confianza

Esta instalación hecha en 2015 aborda una de las representaciones más crueles de la desaparición forazada. La pieza muestra el rostro de los 43 estudiantes desaparecidos de la Escuela Normal Rural “Raúl Isidro Vargas” en Ayotzinapa, Guerrero.

A través de un software gratuito que puede descargarse desde distintos dispositivos electrónicos. Frente a una cámara, identifica tus coincidencias faciales con el rostro de aquellos estudiantes. Sin duda, una forma revolucionaria de hacer arte, donde la tecnología toma parte para lograr empatía. Aunque, como dicen, nadie experimenta en cabeza ajena.

Foto: Revista Código

5. Mónica Mayer, El Tendedero

El Tendedero, instalación creada por Mónica Mayer en 2016, es una sátira al rol de género que se ha asignado a la mujer en los espacios de limpieza, y además  una protesta contra el acoso, la violencia y demás manifestaciones machistas a las que las mujeres se enfrentan diariamente. A través de esta instalación, se reúnen distintos testimonios de mujeres y niñas que escriben, por ejemplo, la edad a la que fueron acosadas por primera vez. Una instalación impactante y poderosa, que demuestra que lo personal es político.

Foto: Washington Post
Foto: Cultura Colectiva

Ante un mundo hostil, que el arte nos salve.

El Museo de la CDMX presenta un recorrido histórico por la jungla de concreto

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La Ciudad de México en el arte: Travesía de ocho siglos 

En noviembre pasado, el recinto emblemático del siglo XVIII que fue el Palacio de la Condesa de Santiago, abrió nuevamente sus puertas después de los trabajos de rehabilitación supervisados por el INAH, con la inauguración de la exposición La Ciudad de México en el arte. Travesía de ocho siglos, la cual presenta 500 obras de artistas como Frida Kahlo, José Clemente Orozco, Manuel Tolsá, José Guadalupe Posada, así como piezas prehispánicas, publicaciones, documentos y cartografía; un conjunto de historias que han tomado como inspiración las calles de nuestra enorme y siempre impactante Ciudad de México.

Foto: Museo CDMX

Los especialistas que seleccionaron las piezas tomaron en cuenta criterios sociológicos, antropológicos, visuales e incluso musicales de distintos periodos históricos de la capital. Las obras que conforman la exposición son aquellas que mejor contaron o reflejaron lo sucedido en las travesías de esta enorme ciudad.

La muestra se presenta en orden cronólgico y se divide en periodos delimitados: la cultura precolombina, el Virreinato, la consolidación como país independiente en el siglo XIX y la modernidad en el siglo XX.

Está, por ejemplo, el Arte Prehispánico, que específicamente presenta manifestaciones artísticas de la cultura Mexica, donde podemos encontrar dos caras: lo aterrador y lo sublime.

Foto: Museo CDMX

El Arte Virreinal, de los siglos XVI-XVIII. El choque cultural que hubo posterior a la conquista, desarrolló una mezcla asombrosa en todos los ámbitos de la vida en la ciudad, y el arte no fue la excepción. Aquí hay producciones culturales y artísticas de primer orden.

Foto: Museo CDMX

Podrás disfrutar de obras como la Lápida conmemorativa del Templo Mayor de 1487, el facsímil del Códice Boturini del siglo XVI, la piedra de la Serpiente enroscada de 1325 y la Piedra del Tlaltecuhtli del mismo periodo. ¡Puras joyas históricas!

La Ciudad de México a través del Arte también pone especial atención a la cartografía, mostrándonos cómo se construyó la capital que habitamos hoy en día.

Foto: Museo CDMX

Los rasgos característicos del arte y sociedad de cada época se muestra en los diferentes estilos de representación, dando cuenta de una tendencia, sus cambios y decadencia. El secretario de Cultura de la Ciudad de México, Eduardo Vázquez Martín, explicó que: “Participaron más de 75 coleccionistas privados, así como fundaciones e instituciones. El público va a encontrar una ciudad que dialoga con el tiempo y la creación de nuestro sincretismo, de los elementos que nos dan identidad. Es imposible salir de esta exposición sin sentirse orgullosos de ser parte de esta ciudad… una ciudad de ciudades”.

Foto: Museo CDMX
Foto: Museo CDMX

La muestra estará abierta hasta el 1 de abril.

Abierto de martes a domingo
Acceso general al museo: $30.00
Tarifa especial presentando credencial vigente de estudiante, maestro o INAPAM: $15.00
Miércoles entrada libre

¡No te la pierdas!

Banksy: de la calle a la galería

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La obra del artista se exhibirá en la Biblioteca de Jacksonville

Fue en 2010 que Banksy crea “La Rata”. El icónico artista la pintó portando una boina con una estrella al medio, al estilo Che Guevara, afuera de un hotel de San Francisco.

Foto: savethebanksy.com

Fue esta obra la que Brian Greif, coleccionista y curador de arte urbano, se encargó de conservar, a fin de que no fuera usada para propósitos comerciales o la dañaran otros artistas. La obra valuada en 2 millones de dólares ha recorrido varios espacios expositivos y pronto se exhibirá en la galería Jax Makerspace, perteneciente a la Biblioteca Pública de Jacksonville.

Foto: Independent
Fuente: Just Looks

Para recibir esta pieza, la galería Jax Makerspace también albergará una exposición titulada Writing on the Walls, en la que los visitantes podrán ser testigos del trabajo de diversos artistas urbanos locales. La exposición estará abierta al público del 14 de febrero al 14 de abril. La biblioteca estará colaborando con el Centro Cultural de Jacksonville y otras instituciones para ofrecer un programa educativo a los visitantes y recomendar listas de lectura sobre el tema de arte urban.

Fuente: Dezeen

Acá te dejamos el trailer del documental Saving Banksy, realizado en 2017, que narra más detalladamente la historia de esta obra.

 

Urban Art Show en CDMX

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Tendrá a la venta obras de diferentes artistas

Urban Art Show, asociado con British Brunch Club y Mercado Mosaique, llevará a cabo el domingo 11 de febrero un brunch y bazaar de moda que también incluirá obras de arte a la venta de numerosos muralistas y artistas urbanos.

Te presentamos a algunos de los artistas que participarán en este evento para que conozcas más de su trabajo y puedas ir haciendo tu selección de obras.

Lourdes Villagomez: Artista visual mexicana.

Foto: The Best of Art, Fashion & Entertainment

Libre Gutierrez es un artista mexicano con una larga trayectoria en murales, esculturas, diseño, arquitectura y proyectos sociales.

Luisa Estrada: artista mexicana especializada en gráfica

Foto: Blogs FAD UNAM

¡Qué mejor manera de terminar la semana de arte! La cita es en el bar Crisanta, Av. Plaza De La República #51, en la colonia Tabacalera. La fiesta de apertura se llevará a cabo el sábado 10 de febrero, de 7 pm a 2 am y contará con DJs, obsequios y un cóctel de bienvenida. Y lo mejor… ¡No hay cover!

La galería de Rotterdam dónde el arte se escucha

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Ocho músicos invaden el cubo blanco

Los cuadros han desaparecido de las paredes y en medio de ese blanco absoluto, se ha levantado el sonido. ¿Podemos prescindir de la vista para apreciar una obra de arte? El Centro de Arte Contemporáneo Witte de With en Rotterdam ha demostrado que sí. Es el  compositor y director estadounidense Ari Benjamin Meyers quién dirigirá el proyecto Kunsthalle for Music, nombre que deriva de la palabra alemana que describe un espacio en el que se muestra arte.

Foto: The New York Times

Hasta el 3 de marzo, un conjunto de ocho músicos, entre ellos violinistas, guitarristas y saxofonistas, presentará 38 piezas musicales, cuatro horas al día, cuatro días a la semana. Una forma de apreciar el arte que asegura ser una experiencia absorbente.

“Las paredes están vacías pero el espacio está lleno”, dijo la nueva directora del centro de arte, Sofía Hernández Chong Cuy. “No es una simple apropiación del edificio, sino que se apodera de todos tus sentidos.”

Foto: The New York Times

El Sr. Meyers y la Sra. Chong Cuy buscan crear una propuesta musical fuera de lo tradicional, extrapolando la música clásica de su entorno tradicional y llevándola al “cubo blanco” de una galería. Tanto los visitantes como los músicos podrán apreciar la experimentación sonora de una manera completamente diferente.

Al alejarse de las formas estrictas y tradicionales, Kunsthalle for Music genera una cercanía entre las personas y el arte, y qué manera más accesible de percibir y sentir que escuchando. Dependiendo del momento en el que lleguen, los visitantes podrán disfrutar desde una pieza de Dominique Gonzalez-Foerster, a la composición “Sky Piece to Jesus Christ” de 1965 de Yoko Ono, hasta algún fragmento de “Vexations” de Erik Satie.

Foto: The New York Times

Cuando las pinturas clásicas visitan el mundo de hoy

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Alexey Kondakov transporta a personajes antiguos al mundo actual

De las pinturas clásicas hay mucho que admirar y aprender. Las personas representadas en ellas dan la idea de ser inalcanzables; mujeres bellísimas con posturas elegantes, hombres galantes con un porte impresionante, plasmados sobre un paisaje que pareciera divino. Pero, ¿alguna vez te has imaginado a aquellas personas en un lugar común y corriente?

El metro, la cafetería, la playa o alguna fiesta, son algunos de los lugares en los que el artista Alexey Kondarov ha colocado a varios personajes de algunas de las pinturas clásicas más icónicas, logrando un efecto impresionante.

El artista ucraniano utiliza photoshop para transportar a personajes de la mitología y la antigüedad al mundo contemporáneo, desde los lugares a los que vamos por rutina, hasta los que visitamos por diversión.

Estas obras forman parte de su serie continua The Daily Life Of Gods (La vida cotidiana de los dioses). La mayoría de los fondos de sus piezas son de algún lugar en Kiev, Ucrania. Sin duda, muestran un contraste increíble entre la antigüedad y la modernidad.

Para disfrutar más obras del artista, síguelo en su Instagram

Amplifier y La Marcha de las Mujeres lanzan convocatoria

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Tu arte puede generar un cambio social

Cuando el año pasado Amplifier —en colaboración con La Marcha de las Mujeres— lanzaron una convocatoria para artistas visuales que quisieran amplificar una protesta (o propuesta) a través del arte, el resultado fue increíble. Los artistas crearon carteles con piezas impresionantes y consignas poderosas. Demostraron que, como afirman algunos, una imagen dice más que mil palabras.

Shepard Fairey

Este año, la convocatoria vuelve para seguir generando cambios. Bajo la consigna Power to the Polls, Amplifier y La Marcha de las Mujeres convocan de nuevo a artistas visuales, buscando incrementar el número de votantes para las elecciones de medio término en EE. UU., aumentar el número de mujeres en puestos políticos y fomentar la participación de comunidades marginadas.

Dicha convocatoria estará abierta hasta el 11 de febrero. Como verás a continuación, el trabajo que se logró hace un año es magnífico. Esta campaña hace del arte una verdadera herramienta de transformación.

Brooke Fischer

 

Molly Crabapple

Una de las artistas que participaron el año pasado es Jessica Sabogal, muralista colombiana-americana que tiene una forma extraordinaria de presentar a las minorías en sus murales y en los maravillosos carteles que respondieron al llamado de Amplifier y La Marcha de las Mujeres.

Jessica Sabogal

 

Kerry Stavely

 

Sarah Rosenblatt

Como puedes ver, el año pasado los resultados fueron sorprendentes. ¿Qué esperas para enviar tu propuesta? Si eres artista visual, ¡esta convocatoria es para ti! Revisa los requisitos aquí.

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