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La nueva “Mastaba” flotante de Christo en Londres

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Alrededor de 7,506 coloridos barriles conforman “London Mastaba”

Ha sido inaugurada la tan esperada pieza de Christo en Hyde Park de Londres. Conformada por una serie de coloridos barriles, esta pieza flotante estará a la vista del público hasta el 23 de septiembre dentro del lago de este parque y es la primera obra que el artista presenta al aire libre en el Reino Unido.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Fue el pasado mes de abril, que el nuevo proyecto flotante de Christo en Hyde Park de Londres comenzó a desarrollarse, proyectando que se inaugurará el 18 de junio y con la idea de que estuviera sobre aguas londinenses.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Esta Mastaba a base de barriles tiene 20 metros de altura y una medida base de 30 x 40 metros y ha tenido como principal objetivo pertenecer a la comunidad, quienes podrán disfrutarla a través de su enigmático lago serpenteante.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

La parte superior y los lados inclinados son de color rojo y blanco, mientras que los extremos visibles, perteneciente a los barriles, tienen una gama de color entre rojo, azul y malva, dándole así un contraste con el color del lago.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Más de 7,000 barriles son usados para dar vida a esta plataforma, financiados por el dinero recaudado en la venta de obras anteriores y exposiciones con fondos de este artista Búlgaro.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Esta instalación coincide con una exposición que documenta el trabajo del artista y su difunta esposa Jeeane-Claude, en Sepertine Gallery, la cual estará abierta al público del 19 de junio al 9 de septiembre. Christo colabora en esta muestra desarrollando estructuras, fotografías y dibujos que documentan más de 50 años de trabajo.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

“The Mastaba” fue originalmente realizada cerca del desierto de Abu Dhabi en 1977 junto a su esposa, uniendo 410,000 barriles, dispuestos a resaltar la arquitectura islámica.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Ahora, esta obra remonta aquella instalación y el trabajo que han tenido los barriles como parte esencial de composición y base para desarrollar actos de resistencia y protesta.

La transformación del arte en Nairobi por el colectivo Brush Tu

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El grupo busca que el arte sea visto como un trabajo real

En Nairobi, Kenia, se está creando una apertura cada vez mayor para los artistas, gracias a colectivos como Brush Tu, que apoyan al talento emergente a que puedan vivir del arte, sirviendo como consejeros.

Impulsarlos a que vean el arte como un negocio serio y que es algo que merece ser reforzado en materia de educación, curaduría y promoción, llevando de esta manera el arte de la ciudad a otro nivel.

Cortesía: Brush Tu / Kipruto

Las principales iniciativas con las que el colectivo Brush Tu apoya a los artistas son residencias y exposiciones, las primeras apoyando a los artistas con talleres, materiales y tutoría profesional para concluir la producción de un trabajo que pueda ser expuesto y así mismo curtir a los artistas en los temas relacionados con la gestión de su obra.

Cortesía: Brush Tu / BushKimani

Las exposiciones, van surgiendo a través del tiempo junto a artistas que van descubriendo a lo largo del tiempo y durante sus residencias o talleres, apoyándolos así con el primer paso más grande, que es ofrecer la obra al público.

Para el cofundador del colectivo, Michael Musyoka, uno de los objetivos principales, por más cliché que parezca, es decir que el arte es un buen trabajo entre la sociedad, donde aún se piensa que no puede ser un trabajo adecuado del cual se pueda vivir.

Cortesía: Brush Tu / e Kimani

De ahí se derivan los talleres, apoyos y consejos que él junto a los otros artistas del colectivo están ofreciendo al nuevo talento de Kenia para lograr que el arte sea visto como cualquier otra profesión como lo es en otras partes del mundo.

La variedad de técnicas artísticas dentro del grupo es grande, podemos encontrar desde fotógrafos como e Kimani, trabajos de collage y máscaras como los de BushKimani Moira, la Xilografía de Kipruto Rop o las pinturas de Mung´ora, a quien hace poco tiempo la primera dama de Kenia, Margaret Gakuo Kenyatta, le compró una obra.

Cortesía: Brush Tu / BN. Kimani

Gracias a ellos, el arte en Kenia está sufriendo una evolución, si bien es poco a poco, el objetivo es claro y se está logrando crear un circuito que aprecie el arte y así mismo de artistas con talento que están ofreciendo algo a sus comunidades.

Cortesía: Brush Tu / Mung´ora Elias

Las ilustraciones arquitectónicas de Liam Cobb

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Colores vivos y contrastantes reflejan el trabajo de un artista

Liam Cobb es un entusiasta de la ilustración situado en Londres, él crea impresionantes obras ricas en detalle y precisión, viviendo su día a día como un talentoso ilustrador independiente.

Cortesía: LIAM COBB

Sus creaciones están hechas por un bolígrafo sobre papel, estas tienen un cuidadoso proceso ya que como primer elemento utiliza esta técnica, para posteriormente escanearlas, pasarlas a Photoshop y darles ese detalle tan especial que las caracteriza, el color.

Cortesía: LIAM COBB

Este artista está inspirado por todo tipo de libros, fotografías y películas, plasmando cada elemento que hay en su mente a través de la ilustración, imaginando la idea, para después ajustarla en su computadora.

Cortesía: LIAM COBB

Cobb tiene una estética elaborada destacando colores contrastantes, sobre una línea clara y bien definida, lo que crea originales e inspiradoras piezas, que podemos observar de manera individual y en su serie de cómics.

Cortesía: People of Print

¡Dejate llevar por las increíbles y detallas obras de Liam Cobb!

“Fragments Urbains” la nueva exhibición de Vhils en Francia

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Primer muestra monográfica de Alexandre Farto

Alexandre Farto aka Vhils tiene nueva muestra en Le Centquatre-París llamada “Fragments Urbains” la cual continúa con el principal mensaje que el artista ha fomentado en cada una de sus obras, la naturaleza de la sociedad actual y los modelos dominantes de desarrollo globalizado que crean un impacto constante en la sociedad.

Cortesía: VHILS

Vhils asegura que el proceso de globalización ha moldeado de manera contundente el mundo en nuestra actualidad, aportando reacciones positivas y negativas en cada uno de sus habitantes. Cambiando no solo su forma de desarrollo si no su pensamiento y la relación existente con el planeta.

Cortesía: VHILS

En cada uno de sus trabajos este artista trata de rescatar la esencia y la naturaleza, cincelada a cincelada, sacando desde el fondo imágenes que hablan de la verdadera humanidad oculta en grandes ciudades globales del siglo XXI, que siguen un mismo patrón de conducta con tendencia a ocultar lo que verdaderamente los hace ser.

Cortesía: VHILS

Esta exhibición muestra el otro lado del desarrollo basándose en las siguientes preguntas: “¿Cómo nos están afectando estos procesos?, ¿Qué están haciendo con nuestra identidad, con nuestra propia naturaleza?, ¿Cómo podemos absorber estos cambios vertiginosos?, ¿Dónde está nuestra esencia como seres humanos en medio de todas estas nuevas capas que constantemente se amontonan encima de nosotros?, ¿Dónde está la esencia de nuestra historia y nuestro pasado en medio del exceso de información que constantemente nos alimentan a diario? y ¿Dónde está nuestro futuro en medio de todo esto?”

Cortesía: VHILS

Fragments Urbains cuenta con una serie de instalaciones diferentes dentro de cada una de las salas y el patio de Le Centquatre-París, por lo que sus asistentes podrán observar grandes esculturas,  vídeos, carteles, algunas puertas de madera talladas y mucho más.

Cortesía: VHILS

¡Dejate llevar por las extraordinarias obras de Vhils y échale un vistazo a su página oficial!

Entrevista al artista brasileño Álvaro Naddeo por Edu NosE

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 Edu NosE de visita en el estudio de Álvaro Naddeo

Eduardo Vea artista español, estuvo presente en el estudio de Álvaro Naddeo para mostrar el increíble trabajo y la perfecta dedicación de este brasileño, el cual tiene como tema principal en cada una de sus obras el consumo excesivo, la desigualdad en la sociedad y los desperdicios que se van dejando con el paso del tiempo.

Descubre lo que Edu NosE nos cuenta sobre Álvaro Naddeo y su trabajo, con motivo de su próxima exhibición en Los Ángeles.

 

Lo que no se ve en las acuarelas de Álvaro Naddeo.

 El brasileño Alvaro Naddeo dejó Sao Paulo hace mucho tiempo. Pasó por Lima, Nueva York, Florida y ahora en California parece que está echando raíces y creciendo como artista.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

Su vida ha estado siempre relacionada con la publicidad y a día de hoy sigue siendo la que alimenta a su familia. Álvaro es hijo de ilustrador, pero nunca pensó estar su altura así que se decantó por la dirección de arte en publicidad. Su carrera le ha llevado por diferentes países y de cada uno, se ha guardado un buen pedazo para revisitarlos en el taller que se ha montado en su garaje de Torrance, en la costa oeste americana.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Los recuerdos de sus viajes no son los del típico turista. Álvaro no colecciona postales ni imanes para su nevera. A él le gusta recordar las ciudades por las que ha pasado, con la textura de sus calles “Todos los lugares tienen cosas en común, la basura y los deshechos nos hacen a todos iguales” En los trabajos de Naddeo, se pueden ver composiciones imposibles y arquitecturas efímeras realizadas con elementos cotidianos. Sus estructuras recuerdan a tótems habitables aunque sus inquilinos nunca aparecen en escena.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Naddeo es un tipo metódico, tranquilo, sin prisa. En el suelo de su taller tiene medido un metro cuadrado para ayudarle a componer sus piezas. “Todo comienza con un cubo, ahí voy encajando los elementos que quiero que aparezcan en la obra, pero siempre respetando unas dimensiones. La gravedad y la estabilidad son a mi antojo pero las dimensiones quiero mantenerlas” comenta el artista.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

El de Sao Paulo mantiene un dialogo callado con su obra. Es miope y para pintar se quita gafas y lentillas y se acerca al papel hasta casi besarlo. Con pinceles de 0.2mm como principal herramienta y una paciencia infinita, consigue las texturas perfectas “Esta es la parte más divertida del proceso, pero realmente es la que menos tiempo me toma. Encontrar los elementos y componerlos es lo que más lleva. Una vez está todo en su sitio, el color es cosa de un par de semanas” explica mientras de fondo suenan podcasts de temas muy variados.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Naddeo hace un primer boceto digital en 3D donde coloca los elementos de mayor tamaño. Posteriormente añade en Photoshop las capas con el resto de objetos. Muchas veces, saca él mismo las fotos de las latas, las bolsas o los palés con los que va a completar la obra. Otras, tira de Internet buscando referencias de su adolescencia: zapatillas de deporte, tablas de skate, revistas, pegatinas… “La práctica me ha ayudado a encontrar atajos a la hora de trabajar y mi formación grafica me he ayudado mucho” apunta. A la hora de añadir colores y texturas, los bordes de cada pieza se convierten en muestrarios que van creciendo a medida que la obra avanza “Lo bueno de la acuarela es que los materiales duran mucho, con un mismo color puedes crearte muchos tonos, luego es ir probando hasta dar con el adecuado” añade.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Álvaro probó esta disciplina por necesidad. Buscaba una vía de escape a la rutina de su trabajo publicitario. Esto sucedió mientras vivía en un diminuto apartamento en Nueva York y una pequeña caja de acuarelas que aún está por su taller, y unos cuadernos, eran lo único que le entraba en su mini mesa de cocina. Naddeo cuenta su evolución mientras me enseña aquellos primeros dibujos, la mayoría en blanco y negro.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

A día de hoy, su lugar de trabajo es amplio y está lleno de latas y botellas de cerveza, bolsas de plástico con diferentes mensajes, trozos de cajas de cartón y maderas de tamaños variados con las que crea sus bodegones contemporáneos. Los fondos los deja vacíos, sin color. Eso ayuda a convertir la basura que dibuja en objetos de mayor valor.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

Viendo de manera cronológica el trabajo de Álvaro se aprecia mayor libertad en sus últimas acuarelas. Libertad que le ha ayudado a crecer como artista “Al principio no jugaba con el equilibrio de las cosas, creo que una vez rompí esa barrera, mi obra ha ganado en frescura”

Cortesía: Álvaro Naddeo

Desde sus inicios como artista autodidacta, hace algo más de 7 años, han pasado muchas cosas: Investigó cómo entrar en el mundo del arte. Escribió a diferentes artistas y galerías pidiendo consejo. Fue paciente y perseverante. Algunos le contestaron y le dieron buenas sugerencias. En algunas exposiciones grupales le galardonaron como la mejor obra del show y el boca a boca ha ido haciendo el resto. Gracias a la visita de un curador a una de aquellas exposiciones, fue invitado a participar en otra colectiva en la galería ThinkSpace que además llevó alguna de sus piezas a Pow-Wow Hawaii. Álvaro también ha sido invitado a exponer en París, pero de momento ha tenido que posponerlo “Espero poder hacerlo el año que viene” cuenta esperanzado. Este mes, Naddeo muestra en solitario su trabajo más reciente en una de las salas de ThinkSpace “Aún estoy empezando. Como me dijeron una vez, los inversores o compradores solo se fijan en la gente que ya es famosa, nadie… muy pocos escriben sobre artistas como yo. El talento no es lo único que valoran. Miran la fama y el potencial de la obra y el artista, pero para conseguirla tienes que crear obra y enseñarla” concluye.

Cortesía: Álvaro Naddeo

Álvaro no descansa. Trabaja de día haciendo anuncios y por la noche, crea sus mundos aparentemente abandonados, oxidados, distópicos y llenos de referencias pop. Mundos repletos de basura y crítica social, una especie de purga al contenido comercial y consumista que le toca hacer de día.

 

Comienza la semana del arte en Suiza

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¡Grandes expositores en Art Basel!

La semana del arte en el contexto de Art Basel en Suiza, reúne lo mejor del arte internacional, mostrando obras de 291 galerías, com más de 4.000 artistas a través de un programa completo que incluye charlas, exposiciones y eventos ofrecidos por instituciones culturales de la región del 14 al 17 de junio.

Las obras que este magno evento ofrece incluyen diversas piezas de arte moderno y contemporáneo como: dibujos, esculturas, pinturas, instalaciones, video, arte digital y fotografía. Todos los proyectos son seleccionados previamente  y pueden estar conformados por exposiciones temáticas de distintas culturas, generaciones y estilos, presentaciones individuales y yuxtaposiciones.

Cortesía: Ganabasd

Art Basel incluye a sus asistentes en diversas actividades, destacando declaraciones por parte de artistas emergentes, muestras editoriales, proyección de películas experimentales, stands de revistas de arte y artistas que involucran al público en la colocación de esculturas, presentaciones e intervenciones, para hacerlos vivir una experiencia inolvidable.

Cortesía: Red Bull

¡Si quieres conocer lo mejor de la semana del arte de Art Basel 2018  no olvides visitar su página web!

 

Decked Out, la influencia del skate en el arte en NÜART Gallery

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Obras inspiradas en el skateboarding

¿Quién dijo que el skate no podía ser arte?, aún no lo sabemos, pero esos clichés están quedando atrás, muestra de ello es la exposición “Decked Out” que se está llevando a cabo en Nüart Gallery en Nuevo México, donde se explora el aporte que el skate ha tenido al arte contemporáneo.

Cortesía: Nüart Gallery

Mediante instalaciones, videos, fotografía y obras de arte se planea entrar en el mundo que ha creado una amplia relación entre el deporte callejero y el urban art.

Más de 28 artistas mostrarán su trabajo relacionado con el skateboarding, principalmente obras creadas sobre patinetas, convirtiéndolas así no solo en la herramienta para patinar, sino también una obra de arte que podría ser exhibida en una galería, como lo es en esta ocasión.

Cortesía: Nüart Gallery

La exposición también explora no solo la relación que se tiene con el arte actual, sino la repercusión que tuvo en los Estados Unidos durante la década de los 80, especialmente en New York, donde se comenzó a consolidar la cultura callejera en el mundo del arte.

Así como los estilos muy característicos y adoptados por la juventud como el Hip-Hop, el punk y el pop, junto a la ideología del “Do It Yourself”, con la cual la juventud, más allá de artistas, se sintió identificada.

Cortesía: Nüart Gallery

Decked Out pretende enaltecer y darle el espacio que se merece a la fuente de inspiración que ha influenciado a un sinfín de trabajos a artistas, cineastas y creadores urbanos.

AFK, Hama Woods, SKURK y Nina Chafair son algunos de los artistas que estarán presentando intervenciones en tablas y obras que se ven influenciadas directamente por la cultura del skateboarding.

Cortesía: Nüart Gallery

La muestra estará disponible hasta el ocho de julio, puedes consultar horarios y la lista completa de participantes en la página oficial de la galería.

Cortesía: Nüart Gallery

Empathy la nueva expo de EVER en LA

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La exhibición que te muestra la relación humana con los objetos

The Diogenes Club presenta Empathy, la nueva muestra individual de Nicolás Romero mejor conocido como Ever en Los Ángeles, CA. En esta exhibición se destaca la conexión que un humano adquiere con objetos de su vida durante el paso del tiempo. 

Cortesía: Nicolás Romero

La componen distintas obras alegóricas contemporáneas que muestran una percepción diferente de las cosas más allá de su uso cotidiano o simbolismo, para de esta forma poder reflejar nuestros sentimientos sobre objetos que a pesar de no tener vida, demuestran mucha de nuestra existencia.

Cortesía: Nicolás Romero

 

En el caso de Ever, dichas obras reflejan sus conexiones personales, incluyendose a sí mismo como un elemento referencial en el desarrollo de la exposición, valiéndose de ciertos elementos como la relación con su madre y el uso de internet, invitando a todos los asistentes a la reflexión a través de determinar qué significa realmente la empatía.

Cortesía: Nicolás Romero

¡Si te encuentras en LA no olvides visitar Empathy en The Diogenes Club, Los Ángeles !

 

 

Nueva exhibición de Ricardo Cavolo en Montreal

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“Cambiamento” la exposición que invita a un nuevo orden social

Ricardo Cavolo nos vuelve sorprender, ahora con una exhibición individual en la Galería Station 16 en Montreal a la cual ha denominado “Cambiamento” que hace referencia a la palabra Italiana sobre “cambio” , presente hasta el 23 de junio.

En esta presentación Ricardo muestra alrededor de 30 pinturas de banderas de distintos países y murales a gran escala abordando cuestiones socio políticas presentes en el mundo, haciendo uso exclusivo de sus coloridas ilustraciones para destacar cada uno de los mensajes basados en un orden social a través de valores como la solidaridad, el progreso y la unidad.

En esta exposición se observa el corazón en llamas característico de Cavolo, banderas con la palabra “Cambiamento” o “New World Now“, como una manera de crear conciencia e invitar a un cambio inminente sobre la situación social en el mundo y participar en el teniendo una postura diferente, para crear un mundo mejor para todos.

Si te perdiste la entrevista de ALL CITY CANVAS y Ricardo Cavolo en su visita a la Ciudad de México pulsa aquí.

Y por último también otra entrevista le hicimos exactamente un año atrás en Montreal.

 

 

¡No le pierdas la pista a esta imponente ilustrador español!

 

 

Ilustraciones de Amit Shimoni en #YoSiVoto

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Von Zeppelin se une con Amit Shimoni para crear camisetas de candidatos presidenciales e icónicos personajes

Imágenes modernas son las que podremos observar de los candidatos presidenciales López Obrador, Meade, Anaya y “El Bronco” en México, por parte del artista israelí Amit Shimoni y la marca de ropa mexicana Von Zeppelin con #YoSiVoto, esto como parte del desarrollo de la serie Hipstory de Shimoni que ilustra a líderes internacionales de forma hipster.

Cortesía: Paredro

Estas playeras reinventan la manera de ver a distintos candidatos nacionales y personajes públicos internacionales, dándoles un sentido divertido y atractivo de forma artística. Tan solo imaginen a la Princesa Diana o a Gandhi con un outfit adaptado a la tendencia actual dentro de coloridas camisetas. ¡Ahora es posible!

Cortesía: Scroll Sambil Layan

Amit Shimoni es un artista del Mediterráneo, el cual aporta un sentido divertido y creativo a cada uno de sus diseños dentro de su serie Hipstory, conformada por más de 40 iconos a nivel mundial y reconocida por distintos medios de comunicación en todo el mundo por sus muestras innovadoras.

Cortesía: Artboost

Si quieres adquirir alguna de las camisetas ilustradas por Amit Shimoni, que van del Che Guevara a Obama y de  Anaya a Meade, se pueden encontrar a la venta en la página oficial de Von Zeppelin con distintos precios. 

Cortesía: Paredro

¡Conoce las ilustraciones de Amit Shimoni y no te quedes sin tu camiseta!

 

Las meticulosas obras de arte de Manabu Ikeda

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Artista japonés crea impresionantes imágenes en tinta y pluma

Un trabajo que representa gran precisión y paciencia es el que desarrolla Manabu Ikeda, este japones pasa años creando dibujos de grandes dimensiones a base de tinta y pluma.

En cada una de sus obras Ikeda intenta reflejar  el conflicto existente entre la naturaleza y los seres humanos, elemento que utiliza para crear un mensaje en cada detalle y en cada trazo que coloca sobre su lienzo.

Cortesía: canacopegdl

Actualmente Manabu centra su temática en eventos de relevancia en el mundo o de sus pasadas experiencias, desarrollando trabajos enfocados en distintas catástrofes naturales como tsunamis, desastres nucleares y terremotos.

Cortesía:Genso

La técnica utilizada se remonta a la tradición artesanal japonesa del takumi e implementa finos y detallados trazos, creando diversos paisajes realistas de algún acontecimiento importante.

Cortesía: ThePinsta

Su proyecto “Rebirth” es uno de los más grandes trabajos que este artista ha desarrollado, invirtiendo en el alrededor de 10 horas al día durante 3 años en el 2011, tras el terremoto y tsunami en Tohoku, Japón.

Cortesía: canacopegdl

Este artista describe su obra como una manera de plasmar su pensamiento y  lograr expresar su visión del mundo con tan solo una pluma y tinta las cuales resultan ser las mejores herramientas para desarrollarlo.

Cortesía: ViralBandit

Manabu Ikeda ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera de su natal Japón impresionando a más de uno por la excelente precisión y detalle en cada una de sus piezas.

Cortesía: Hyperallergic

¡Conoce la extraordinaria técnica de Manabu Ikeda!

Instituto Alumnos de Arte Contemporáneo

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Te presentamos un nuevo espacio para crear educadores enfocados en el arte contemporáneo

Instituto Alumnos es un espacio creado para la formación de educadores especializados en arte. Este espacio consta de un aula y una bodega en la que se albergan más de 300 piezas de arte contemporáneo y una biblioteca que contiene libros de distintos artistas, utilizados como recurso pedagógico.

Foto: David Zuriaga

El programa con el que se inaugurará este Instituto lleva por nombre “PLASMA”y consta de un seminario intensivo totalmente gratis en el que educadores de distintas disciplinas podrán darse cita y utilizar las artes como herramienta de formación.

Foto: David Zuriaga

El objetivo principal de PLASMA se centra en los alumnos, con la firme intención de ofrecer más espacios de educación en el país en el que los educadores pondrán en práctica nuevos recursos pedagógicos para crear nuevo conocimiento en otros educadores y de esta forma se genere un círculo constante de entendimiento.

Foto: David Zuriaga

En la presentación oficial de este evento se encontrarán presentes Bárbara Bang, Directora del Instituto Alumnos y Tiago Pinto de Carvalho actual Director de Fundación Alumnos (Antes Alumnos 47), este próximo 31 de mayo.

 

 

Nueva expo de Felipe Pantone en Bélgica

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Artista crea llamativas obras de arte inspiradas en el grafiti y el modelado en 3D

Felipe Pantone aclamado artista presenta su nueva exhibición en la Galería Alice de Bélgica, llamada “Excès de Vitesse” (“Exceso de velocidad”) con su increíble y definida gama de colores.

La nueva serie de Pantone está inspirada en la cinética, los problemas técnicos, el grafiti y el modelado en 3D, acompañados por diversas formas con bordes afilados y colores fuertes, las cuales al ser observadas logran una alucinante reacción.

#ExcèsDeVitesse @alice_bxl May 24th 🇧🇪 🛫

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Este artista es sido conocido por su técnica, ya que en ella logra fusionar el grafiti convencional con elementos de diseño basados en estructuras geométricas y elementos Op- Art, creando una estructura moderna con una impresionante potencia e impacto visual

Felipe desde sus inicios ha tenido una gran fascinación las artes visuales, cosa lo ha motivado a implementar un método novedoso en el cual se refleje un cambio inspirado en el movimiento continuo del mundo y su propia experiencia dentro de él.

Actualmente las obras de Pantone pueden ser vistas en Asia, Australia, America y Europa, formando parte de diversas colecciones privadas.

¡Te invitamos a conocer más sobre Felipe Pantone y sus monumentales obras de arte!

Grenoble Street Art Fest! Vol. 4

¡Vuelve el festival alpino de arte urbano!

Junio está a la vuelta de la esquina y eso significa que la cuarta edición del Grenoble Street Art Fest! esta a punto de empezar. El festival nació en 2015 y se concibió como el primer festival en Europa que combina exposiciones y creaciones in situ en la ciudad, con la intención de hacer el arte accesible a todos al mismo tiempo que muestran la variedad de técnicas que incluye el street art: murales monumentales, tradicionales, collages, stencil, esculturas urbanas, trabajos en lienzos, instalaciones, obras digitales, etc.

Lo que nos ofrecerá esta edición

El festival tendrá lugar del 1 de junio al 1 de julio y en esta ocasión los artistas trabajarán, además de en Grenoble, en algunas localidades vecinas: Fontaine, Saint-Martin-D’Hères y Pont-de-Claix.

El Grenoble Street Art MOVIE FEST será el primer evento de los muchos que habrá, incluyendo varias exposiciones (que esperan recibir unos 15,000 visitantes), firmas de libros, talleres, conferencias, visitas guiadas (en francés, inglés, español y en lengua de signos francesa), pintura en vivo, muchas inauguraciones y otros.

Cortesía

Algunos de los aristas que participarán en esta edición son ya conocidos del público grenobloise, como or ejemplo Snek, Veks Van Hillik, Etien’ y AnimalitoLand. Para otros será su primera vez creando en las calles de Grenoble. Pantonio, Sampsa, Mademoiselle Maurice, Sainer, Sebas Velasco y Serty31 son algunos de estos recién llegados.

The wire – Seth (2017)

En cuanto a las exposiciones, hay varios lugares que merece la pena tener en cuenta: en el Ancien Musée de Peinture (Grenoble) a partir del 6 de junio se podrá disfrutar de una gran exposición colectiva en la que habrá obras de la mayoría de artistas participantes en el festival; el Espace Vallès (Saint-Martin-D’Hères) acogerá una exposición del artista español Isaac Cordal; en el centro Vog (Fontaine) se expondrán obras de los artistas Green y Emmanuel Louisgrand; y por último, “Anarchically Yours” es una exposición en solitario del artista GOIN que tendrá lugar en Spacejunk  Art Center Grenoble después de haber pasado ya por las salas de Spacejunk en Bayona y Lyon.

L’arme de paix – Snek (2016)

El programa completo puede verse aquí. Además, es posible, seguir las cuentas de Facebook y Instagram del festival donde comparten todas las novedades. Y para que la espera se más corta, el teaser de la edición de 2017 sirve como aperitivo.

Veks Van Hillik – La Tortue (2017)

Los organizadores

El festival fue creado y sigue siendo organizado por la asociación Spacejunk Art Center, en concreto por su sede de Grenoble (Francia). A la cabeza del equipo está Jérôme Catz, director de exposiciones, programación y proyectos. Fue en 2003 cuando Jérôme abrió en Grenoble el primer centro de Spacejunk, dedicado a la Board Culture, el street art, el arte Lowbrow y el Surrealismo Pop. Desde entonces otros dos centros han abierto sus puertas en Bayona y Lyon. Desde su creación, la red Spacejunk ha organizado al menos 15 exposiciones dedicadas exclusivamente al street art.

How & Nosm – Food for Thought (2017)

Evolución

El Grenoble Street Art Fest! empezó como un festival pequeño, con pocos medios y realizando todas sus obras en el mismo barrio (alrededor del centro Spacejunk). Sin embargo, con mucha ambición, mucho esfuerzo del equipo y gracias al gran apoyo recibido tanto por parte de patrocinadores (públicos y privados) como por parte del público, el festival ha ido creciendo hasta convertirse en un referente nacional e internacional.

Alrededor de 50 artistas (locales, nacionales y extranjeros) plasmarán sus creaciones en los muros de Grenoble, contribuyendo así a agrandar este nuevo patrimonio cultural que año a año va atrayendo a más turistas.

GOIN – Lady Refugee (2017)

¿Habrá una quinta edición?

Pues sí, de hecho el equipo de Spacejunk ya está trabajando en la edición de 2019 mientras se encarga de dar los últimos retoques al festival que comienza ya mismo. Toda la información sobre futuras ediciones estará disponible en su web y en sus RRSS.

Cody Hudson y su modernismo urbano.

Entrevista de artista a artista con EduNosE y Cody Hudson

En esta ocasión el artista EduNosE originario de España, nos muestra en exclusiva para ALL CITY CANVAS, una entrevista realizada a  Cody Hudson el cual ha destacado dentro del medio artístico por su producción de gráficos multidimensionales, con diseños limpios, formando parte de la deconstrucción visual orgánica y el modernismo urbano.

A continuación te presentamos la visión de EduNosE en entrevista con Cody Hudson:

Cortesía:Cody Hudson

Hace algo más de diez años conocí el trabajo de Cody Hudson. Por aquel entonces vivía en Madrid y uno de mis mejores amigos le hacía una entrevista para una revista española. Hudson ya llevaba tiempo currando como artista y diseñador y mi colega definió su trabajo como arte que parece que cualquiera podría hacer. Es totalmente cierto, lo parece. Pero nadie más lo hace como él.

Cortesía:Cody Hudson

Hoy día, vivo en la misma ciudad que Cody Hudson y he tratado de entrevistarle en varias ocasiones. A la tercera, va la vencida. El artista del medio oeste americano acepta y me contesta a unas preguntas sobre su proceso creativo, sus orígenes y su evolución.

 

Cody Hudson, el departamento de formas y colores.

La rutina no parece afectar la productividad de Cody Hudson. El artista de Wisconsin residente en Chicago no necesita grandes rituales para hacer todo lo que hace. Su curiosidad es el motor de su trabajo y una ayuda para encontrar la inspiración “Me gusta absorberlo todo, pasar tiempo con mi familia, los bosques de Wisconsin, la música, ver arte, ir a exposiciones… dar un paseo”

Cortesía:Cody Hudson

Hudson no solo pinta y hace esculturas. También diseña, pinta murales y es socio de varios restaurantes y una destilería en la ciudad del viento. No tiene ningún as en la manga para poder hacerlo todo. “Nunca acepto más trabajo del que creo que voy a poder hacer” comenta. Día a día, va tachando los deberes de su lista y así, sin prisa pero sin pausa, cumple cada uno de sus proyectos. Proyectos que hace sin líneas rectas. No las necesita. Su obra respira frescura, su trazo es suelto y sus composiciones imperfectas. El uso exquisito del color y los títulos de sus trabajos invitan al espectador a pensar qué hay detrás de cada obra, y aunque en algunas ocasiones las formas son figurativas y el mensaje es más directo, normalmente la abstracción predomina. “No quiero decir a la gente lo que tiene que pensar o sentir acerca de mi trabajo. Así que como no hay mucha historia en las piezas, me parece divertido darles nombres que son textos más largos. A veces hablan de ideas que he buscado en el proceso de la creación (situaciones comunes, drogas sicoactivas, música techno… etc.) otras veces pueden no tener ninguna relación con el trabajo pero tienen un momento interno en el tiempo para mí” explica.

Cortesía:Cody Hudson

El de Kenosha, cuenta que tuvo una infancia normal. Buena parte la pasó dibujando personajes de Dragones y Mazmorras y patinando en el parking de Sears mientras iba llenando de más y más dibujos la lija de sus tablas. Poco después, con más edad, empezó a hacer sus primeros fanzines y a viajar a Milwaukee y Chicago para descubrir nuevos spots. Pero no fue hasta más tarde cuando sus garabatos se convirtieron en temas más serios.

Cortesía:Cody Hudson

Estudió arte comercial en un colegio técnico de Milwaukee “Aquello fue antes de que hubiese ordenadores, así que las clases consistían en saber manejar una cámara, maquetar, componer textos letra a letra… básicamente, cosas que ya nadie hace. Aunque no fuese exactamente una academia, fue interesante aprender cómo se hacían las cosas” Según él, todo aquello le ha ayudado a conseguir la estética de su trabajo.

Cortesía:Cody Hudson

Durante un tiempo estuvo viajando por EE.UU pero decidió hacer de Chicago su lugar de residencia y base para su estudio Struggle Inc. Chicago está a tan solo una hora de su lugar de origen, así que sonaba como la opción más interesante sin irse muy lejos de casa “El Medio Oeste americano tiene un ritmo que no es el de Nueva York o Los Ángeles, pero sin duda, es más el mío” añade.

Cortesía:Cody Hudson

Los últimos 25 años de su carrera han estado vinculados exclusivamente al arte y al diseño. Primero, con varios empleos relacionados con la industria gráfica, y durante un tiempo, rodeado de diseñadores y agencias para ver y aprender como funcionaba esa parte del negocio. Cuando decidió ponerse por su cuenta vio que además tenía tiempo para pintar y hacer sus esculturas. Desde entonces, no ha parado.

Cortesía:Cody Hudson

Cody se levanta temprano, lleva a sus hijas al colegio y de allí a su estudio en East Garfield Park donde pasa el día. “Trato de volver a casa para cenar con mis hijas y a veces depende del trabajo que tenga, me vuelvo un rato al estudio” Después de 25 años haciendo lo que hace, no se aburre. Sigue probando cosas nuevas para hacer el proceso más excitante. Evoluciona en los colores que según él van en olas. Dice estar saliendo de los tonos pasteles y sumergiéndose en colores más terrosos; salta de un material a otro; y aunque ahora está a tope con las esculturas de acero recubiertas en pintura, asegura que en algún momento pasará página y probará otra cosa o volverá a la madera. Cody Hudson tiene la misma pasión por su trabajo que aquel chico que patinaba en el aparcamiento de Sears con 13 años. Actualmente no patina tanto como le gustaría, pero su trabajo le da la misma felicidad y muchos menos moratones que aquellas tardes de patín con los amigos.

Cortesía:Cody Hudson

Este año Cody ha pintado un mural en Palm Springs, presentado sus últimas esculturas en la galería Andrew Rafacz que le representa en Chicago, visitado Seúl para decorar un hotel, Ámsterdam para una exposición en solitario y ha hecho varias colaboraciones. Al año le quedan meses y a Hudson, mucho que tachar de su lista de deberes.

 

Eduardo Vea Keating /aka NosE

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El arte de Kazuki Takamatsu

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Artista japonés desarrolla obras surreales a través del “deph mapping”

Kazuki Takamatsu es el nombre de un artista japonés nacido en Sendai, Miyagi en el año de 1978. La tecnica del artista se caracteriza por crear excelentes muestras a través del acrílico y el gouache con perfectos degradados en gris.

El artista se ha dado a conocer debido a su peculiar forma de representación ya que mediante el uso de la técnica “depth mapping” ha logrado un estilo único de ilustración en donde cada degradado en gris logra una profundidad un tanto surreal.

El método que Takamatsu implementa a sus obras está basado e inspirado en los cómics japoneses y en ellas mezcla algunas técnicas modernas y tradicionales, como el dibujo, la pintura de gouache, el aerógrafo y los gráficos por computadora.

Actualmente Kazuki vive y se desarrolla en Sendai su tierra natal, la cual fue devastada por un terrible tsunami y terremoto en el año 2011 situado en Tohoku, lo que inspiró a este artista a crear algunas obras con narrativa en la vida y la muerte.

Las creaciones femeninas de este japonés las cuales a simple vista parecen completamente digitales, estarán presentes en Dorothy Circus Gallery de Roma, Italia a partir del 1 de junio.

MOST el Street Art Festival de Moscú

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El Festival de Arte Callejero MOST en la ciudad de Moscú celebra su cuarta edición

Un grupo de extranjeros decorará las casas de la ciudad en la cuarta edición del Festival de Arte Urbano Most celebrado en Moscú, cuyo tema principal se basa en el fútbol y el desarrollo de este en la próxima copa del mundo.

Cortesía: Most Street Art Festival

Serán 3 artistas los seleccionados para llevar a cabo una serie de murales sobre las fachadas de las casas aledañas, en las cuales tendrán que destacar el famoso deporte a través del implemento de su estilo artístico.

Cortesía: Most Street Art Festival

En la apertura de este festival se encontró desde Argentina, Martín Ron, con su graffiti “Return to the game” el cual se puede observar en un edificio de 5 plantas en Zhukov Avenue. Este artista ha confesado presenciar la pasión, la afición y el orgullo de esa nación por ser el nuevo escenario político internacional, motivo que lo llevó a  desarrollar la imagen de un niño un tanto desafiante como una manera de contar que Rusia está de pie poniendo la pelota en el campo de juego.

Cortesía: Martín Ron

El segundo artista en presentarse es el mexicano Farid Rueda,  quien visitará Moscú y creará imágenes en forma de patrones caleidoscópicos, los cuales decorarán el final de la casa 87/49 de Profsoyuznaya.

Cortesía: Farid Rueda

Aún está la expectativa sobre el tercer artista que se presentará en este evento aunque es de asumir que será una impresionante muestra de talento, en el que el tema principal apasiona a más de uno.

René Magritte tiene versión en miniatura

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El nuevo juguete de René Magritte que lo retrata en su lado más lúdico

Una de las figuras representantes del surrealismo ya tiene figura de acción. René Magritte pintor de origen belga, conocido por sus ingeniosas imágenes en las que a través de la percepción, el espacio y la escala, lograba impresionantes muestras, posee una versión en miniatura de él y sus emblemáticas obras.

Cortesía: Todayisartday

Este increíble juguete cuenta con todos los accesorios característicos de Magritte, su propia pipa inspirada por The Treachery of Images así como un zapato inspirado en The Red Model, ambos diseños basados en sus obras más relevantes.

Cortesía: Mymodernmet

Además, este Magritte de juguete cuenta con una vestimenta vista en su obra”El hijo del Hombre”, con un traje completamente en negro, una corbata roja y una manzana verde sobre su cara que a diferencia de la manzana flotante de la pintura, se puede quitar y volver a colocar revelando el rostro de él artista y el aroma peculiar que también integra a la manzana.

Cortesá: Todayisartday

El pequeño Magritte de 5 pulgadas cuenta con un caballete a pequeña escala y 4 obras maestras que se pueden encontrar a través de la página oficial de My Modern Met junto a otros artistas representativos en el mundo del arte.

 

 

 

Karmaq muestra muebles diseñados por Nicola Formichetti

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Marca de muebles japonesa lanza colección pese a acusaciones de plagio

La marca de muebles Karmaq mostró en Nueva York la que fuera su colección inaugural con productos diseñados por el ex director artístico de Diesel Nicola Formichetti y el diseñador Peter Jan Mattan, aunque poco después tuvo que retirarlos ya que estos resultaban tener ciertas similitudes con Matter Made (2015) de la diseñadora Ana Kras.

Cortesía: Dezeen

En cuentas como Diet Prada publicaron la notable comparación entre los diseños presentados por Formichetti y Mattan para Kamarq, quien después de la presentación anuncio no mostrar más una línea completa debido a la comparación con los diseños de Kras.

Cortesía: Hypebeast

Mattan a través de Instagram aseguro que los modelos presentados están inspirados en gran medida en el conjunto II Colonnato de Mario Bellini (1970) y que ciertas piezas se le atribuían a Ana Kras en Matter, las cuales por respeto a su autor serían eliminadas de la colección.

Cortesía: Artistswork

Los muebles presentados incluyen una serie de mesas, estanterías, taburetes y cajas llamada Kube, diseñados para usarlos de distintas formas y  se pueden encontrar en  distintos colores monocromáticos con el toque de ambos diseñadores en su estructura.

Cortesía: Hypebeast

Los productos de Karmaq se exhibieron en un espacio ubicado en el Soho de Nueva York durante el festival NYCxDesign.

 

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