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Ryan Hewett y sus impresionantes retratos

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Cortesía: Ryan Hewett

Coloridos retratos cubistas conforman la serie de Ryan Hewett

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones abstractas de sujetos sobre retratos. Al contrario de las fotografías que utiliza, Hewett no intenta captar la similitud impresa. Todo lo contrario a esto, intenta realizar un viaje de autoexploración que lo lleve a una completa imaginación creativa.

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones de pinturas abstractas de sujetos sobre retratos.
Cortesía: Ryan Hewett

Su peculiar estilo cubista, ha revolucionado sus obras logrando el retrato de un despreocupado cuerpo lleno de colores y formas, implementando su peculiar técnica de impasto sobre superficies bien delineadas.

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones de pinturas abstractas de sujetos sobre retratos.
Cortesía: Ryan Hewett

Este artista se ha ido desarrollando a pasos agigantados, desde sus primeras obras hechas a lápiz, hasta sus pinturas actuales. Obteniendo como resultado un excelente uso de la abstracción que evoca a lo externo e interno, presente en cada imagen.

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones de pinturas abstractas de sujetos sobre retratos.
Cortesía: KlonBlog

El escritor, crítico y curador de arte Edward Lucie-Smith ha definido en sus palabras el arte de Ryan como:

“Las imágenes de Hewett aparecen en la superficie pintadas en forma de apariciones extraordinarias, presentes pero ausentes. Las marcas vigorosas del pincel los rebelan, pero al mismo tiempo los ocultan”

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones de pinturas abstractas de sujetos sobre retratos.
Cortesía: Ryan Hewett

Ryan Hewett se ha presentado en diversas exposiciones en el mundo. Destacando sus muestras grupales en lugares como Berlín, San Francisco, Londres y por supuesto Sudáfrica su lugar de origen. También ha participado en reconocidas ferias de arte internacional como el Joburg Art Fair, SCOPE Miami y Feria de Arte de Ciudad del Cabo; Fountain Art Fair.

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones de pinturas abstractas de sujetos sobre retratos.
Cortesía: Hi-Fructose Magazine

En la actualidad Hewett sigue perfeccionando su técnica con base en sudáfrica. Dejando en claro que su modelo no representa una constitución realista. Contrario a lo que un retrato podría mostrar en su estructura.

Ryan Hewett es un pintor sudafricano, reconocido por sus representaciones de pinturas abstractas de sujetos sobre retratos.
Cortesía:Fogged Clarity

Descubre las obras abstractas de Ryan Hewett y no te pierdas ningún detalle de las novedades que tenemos para ti, dando click aquí.

 

 

 

 

Los colores de Estambul en las fotografías de Yener Torun

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Cortesía: Yener Torun

Yener  Torun es arquitecto de profesión y fotógrafo por convicción, su trabajo en imágenes se traduce en minimalismo, colores vivos y estética muy cuidada.

Originario de Turquía realiza modificaciones al entorno y el paisaje urbano, dándole mucha importancia a las líneas y al color.

Cortesía: Yener Torun

Este trabajo es principalmente acerca de los edificios y el paisaje de Estambul, ciudad a la que Yener se mudó hace ya casi 20 años.

Esta visión es otra de la ciudad, ya que es muy popular por mantener la arquitectura tradicional y orientalista. De esta forma se ha logrado mostrar un tesoro arquitectónico escondido dentro de Estambul.

Sorprendiendo tanto a residentes como a turistas, ya que logra captar ese color que hace falta en la ciudad.

Cortesía: Yener Torun

Esta variedad de colores, también reflejan simplicidad, ya que muy pocas veces se ve una saturación visual.

Logrando resaltar de esta forma un poco de diversión y optimismo que contagian los colores que crean composiciones minimalistas.

Cortesía: Yener Torun

A pesar de su formación como arquitecto, la arquitectura pasa a segundo plano en sus fotografías, dando mayor importancia a texturas, líneas, patrones y los colores vivos.

Entre sus series fotográficas con estas características, encontramos Blocks, donde da importancia a la figura humana con su entorno.

Daydream, en la cual crea un espacio entre el cielo y edificios con colores y figuras geométricamente estéticas.

Cortesía: Yener Torun

O su trabajo con marcas como con Android, donde realizó fotografías para fondos de pantalla o con Seat Ibiza, donde realizó la fotografía publicitaria para su más reciente modelo en color rojo.

El trabajo de  Yener Torun se puede acoplar a cualquier necesidad, ya sea conocer los lugares más hermosos de una ciudad o buscar la estética en aquellos sitos donde es difícil encontrarla.

Cortesía: Yener Torun

Esculturas hechas de madera por Bennet Hewing

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Cortesía: Bennet Ewig

Artista crea detallados y expresivos rostros a base de madera

 

Bennet Ewig conocido como “Eyevan Tumbleweed” de Massachusetts, es un artista que se caracteriza por su detallada técnica, al crear una gran variedad de rostros sobre pedazos de madera que encuentra a su paso.

Cortesía: Bennet Ewig

Desde el 2001 Ewig ha realizado el ensamblado de distintas piezas, que van desde perfectos rostros, hasta cuerpos, con madera que selecciona en los distintos viajes que realiza sobre montañas, pantanos, desiertos, zonas boscosas, ríos y playas, enlazando sus imágenes de forma meticulosa, creando rostros no del todo humanos.

Cortesía: Bennet Ewig

Este artista, considera que sus creaciones de adultos son parte de la manera en la que él percibía el rostro de la naturaleza en su niñez, llevándose una bella sorpresa al percibir una serie de imágenes en las distintas formas naturales, por lo que en algún momento llegaron a considerar que padecía de pareidolia (ver facciones en donde no los hay).

Cortesía: Bennet Ewig

Eyevan es conocido por su gran amor por la naturaleza, ha viajado por 40 estados de Estados Unidos, Canadá, México e Irlanda, usando formas naturales de cada uno de los lugares que visita en sus esculturas, decidiendo que este sea el principal enfoque para su trabajo.

Cortesía: Bennet Ewig

Las esculturas de Eyevan son adheridas con pegamento y reforzadas con epoxi, inspirándose en las expresiones, pensamiento y emociones de distintas entidades selváticas; “las entidades selváticas y sus expresiones de pensamiento y emoción muestran un atisbo de un reino del otro mundo que no es del todo desconocido”.

Cortesía: Bennet Ewig

Su técnica combina la fantasía y la realidad como un diseño ornamental, con tendencia a caer completamente dentro del realismo abstracto. Tomándose el tiempo para la recolección de sus elementos principales y así crear inimaginables figuras que sin dudarlo, forman parte de un reino encantado, similar a los cuentos de hadas.

Cortesía: Bennet Ewig

¡No te pierdas ninguna de las obras Eyevan Tumbleweed!

 

Pinturas clásicas convertidas en GIF´s

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Cortesía: Art UK

Una forma de llevar grandes obras a todo el público

Art Uk es una organización que se encuentra recolectando gifs de obras de arte, con el objetivo de volverlas más accesibles al público, volviendolas digitales  e interactivas.

Esta iniciativa forma parte de la estrategia más reciente de Art Uk para sus redes sociales, donde se busca que la interacción con el arte sea cada vez mayor.

Castle Howard Shorthorns
by Henry Stafford (1830–1873), Doncaster Museum and Art Gallery, CC BY. Animation created by Matthias Brown.

Matthias Brown es el artista más solicitado por la organización, ya que es un artista que ha animado obras muy importantes, dándoles así un toque humorístico que funciona muy bien para las redes de Art Uk, logrando su cometido principal.

Entre estas pinturas podemos encontrar la pintura “Castle Howard Shorthorns” de  Henry Stafford, donde se muestran dos vacas, pero en su versión GIF, además de hacerse compañía, podemos apreciarlas mientras bailan Twerk.

Artista desconocido, Frances Wansford , 1608, animado por Matthias Brown. Cortesía de Doncaster Museum Service and Art UK.

Del mismo artista “‘Rover’, the Duke of Kingston’s Favourite Setting Dog” en el que podemos ver a un perro bailando de forma feliz y el retrato de William Wrightson por Joseph Highmore, que en su versión animada mueve la cabeza y su mano de una forma muy curiosa.

‘Rover’, the Duke of Kingston’s Favourite Setting Dog
by George Haugh (1756–1827), Doncaster Museum and Art Gallery, CC BY. Animation created by Matthias Brown.

El movimiento da un doble sentido a las obras originales, dando respuesta a el por qué este formato ha resultado de una manera muy favorable para las redes sociales. Respuesta que se da por la variación de interpretación que le da el movimiento a la imagen.

Para ampliar el catálogo de pinturas y hacer partícipes a más personas, tanto artistas como público amante del arte, la organización lanzó una convocatoria donde recibirán obras intervenidas en el formato de GIF, para volverlos arte de su base de datos y publicaciones.

Audrey Wimble
by unknown artist, Lewes Town Council, CC BY. Animation created by Matthias Brown.

Un vistazo a la nueva expo de JAZ en Argentina

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Cortesía: Franco Fasoli

Una introspección de la vida a través de formas artísticas

La Galería Quimera en Argentina ha inaugurado la nueva exhibición de Franco Fasoli mejor conocido como JAZ  llamada “Trampa”, contado con la participación especial y la curaduría de su antigua colaboradora Diana Aisenberg.

Cortesía: Franco Fasoli

Franco Fasoli regresa a Argentina con un nuevo proyecto y una visión diferente, utilizando la ciudad como un punto de referencia para su desarrollo y estructura. Tomando en cuenta la cotidianidad con la que se vive normalmente, este artista implementa el uso de materiales colocados de forma precisa en un lugar, cosa que observamos en esta exhibición, invadida por el dorado y el amarillo.

Cortesía: Cortesía: Franco Fasoli

Con el objetivo de remontar su raíces este artista muestra su propia percepción a través de los objetos, poniendo como pieza central una emblemática escultura presente en Argentina, utilizando una serie de collage y elementos ornamentales a su alrededor, que hacen una introspección entre lo que es, de donde viene y su vida actual.

Cortesía: Franco Fasoli

Jaz se define como un artista que trabaja desde taller, reflejando el significado de su obra a través de los materiales y cómo estos mismos pueden dar un significado distinto para cada uno de sus espectadores.

Cortesía: Franco Fasoli

¡Te invitamos a descubrir “Trampa” de Franco Fasoli!

 

 

 

La nueva “Mastaba” flotante de Christo en Londres

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Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Alrededor de 7,506 coloridos barriles conforman “London Mastaba”

Ha sido inaugurada la tan esperada pieza de Christo en Hyde Park de Londres. Conformada por una serie de coloridos barriles, esta pieza flotante estará a la vista del público hasta el 23 de septiembre dentro del lago de este parque y es la primera obra que el artista presenta al aire libre en el Reino Unido.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Fue el pasado mes de abril, que el nuevo proyecto flotante de Christo en Hyde Park de Londres comenzó a desarrollarse, proyectando que se inaugurará el 18 de junio y con la idea de que estuviera sobre aguas londinenses.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Esta Mastaba a base de barriles tiene 20 metros de altura y una medida base de 30 x 40 metros y ha tenido como principal objetivo pertenecer a la comunidad, quienes podrán disfrutarla a través de su enigmático lago serpenteante.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

La parte superior y los lados inclinados son de color rojo y blanco, mientras que los extremos visibles, perteneciente a los barriles, tienen una gama de color entre rojo, azul y malva, dándole así un contraste con el color del lago.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Más de 7,000 barriles son usados para dar vida a esta plataforma, financiados por el dinero recaudado en la venta de obras anteriores y exposiciones con fondos de este artista Búlgaro.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Esta instalación coincide con una exposición que documenta el trabajo del artista y su difunta esposa Jeeane-Claude, en Sepertine Gallery, la cual estará abierta al público del 19 de junio al 9 de septiembre. Christo colabora en esta muestra desarrollando estructuras, fotografías y dibujos que documentan más de 50 años de trabajo.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

“The Mastaba” fue originalmente realizada cerca del desierto de Abu Dhabi en 1977 junto a su esposa, uniendo 410,000 barriles, dispuestos a resaltar la arquitectura islámica.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Ahora, esta obra remonta aquella instalación y el trabajo que han tenido los barriles como parte esencial de composición y base para desarrollar actos de resistencia y protesta.

La transformación del arte en Nairobi por el colectivo Brush Tu

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Cortesía: Brush Tu

El grupo busca que el arte sea visto como un trabajo real

En Nairobi, Kenia, se está creando una apertura cada vez mayor para los artistas, gracias a colectivos como Brush Tu, que apoyan al talento emergente a que puedan vivir del arte, sirviendo como consejeros.

Impulsarlos a que vean el arte como un negocio serio y que es algo que merece ser reforzado en materia de educación, curaduría y promoción, llevando de esta manera el arte de la ciudad a otro nivel.

Cortesía: Brush Tu / Kipruto

Las principales iniciativas con las que el colectivo Brush Tu apoya a los artistas son residencias y exposiciones, las primeras apoyando a los artistas con talleres, materiales y tutoría profesional para concluir la producción de un trabajo que pueda ser expuesto y así mismo curtir a los artistas en los temas relacionados con la gestión de su obra.

Cortesía: Brush Tu / BushKimani

Las exposiciones, van surgiendo a través del tiempo junto a artistas que van descubriendo a lo largo del tiempo y durante sus residencias o talleres, apoyándolos así con el primer paso más grande, que es ofrecer la obra al público.

Para el cofundador del colectivo, Michael Musyoka, uno de los objetivos principales, por más cliché que parezca, es decir que el arte es un buen trabajo entre la sociedad, donde aún se piensa que no puede ser un trabajo adecuado del cual se pueda vivir.

Cortesía: Brush Tu / e Kimani

De ahí se derivan los talleres, apoyos y consejos que él junto a los otros artistas del colectivo están ofreciendo al nuevo talento de Kenia para lograr que el arte sea visto como cualquier otra profesión como lo es en otras partes del mundo.

La variedad de técnicas artísticas dentro del grupo es grande, podemos encontrar desde fotógrafos como e Kimani, trabajos de collage y máscaras como los de BushKimani Moira, la Xilografía de Kipruto Rop o las pinturas de Mung´ora, a quien hace poco tiempo la primera dama de Kenia, Margaret Gakuo Kenyatta, le compró una obra.

Cortesía: Brush Tu / BN. Kimani

Gracias a ellos, el arte en Kenia está sufriendo una evolución, si bien es poco a poco, el objetivo es claro y se está logrando crear un circuito que aprecie el arte y así mismo de artistas con talento que están ofreciendo algo a sus comunidades.

Cortesía: Brush Tu / Mung´ora Elias

Veinte artistas en una obra de caridad única

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Cortesía: Weird World Cup

Debido a la popularidad de la Copa Mundial 2018, asombrosos diseños salen a relucir

La agencia creativa Middleboop se unió al diseñador londinense Callum Stephenson, para lograr que 20 diseñadores y artistas hicieran una serie de portavasos, con sus momentos favoritos del fútbol. Los artistas creadores de esto fueron: Mason London, Studio Hey, Wade JeffreeBratislav Milenkovic, Yarza Twins, Dan Woodger, Velvet Espectrum, Biff, Jack Renwick, Brand Nu, Ben Hasking, Thomas Hedger, Sarah Boris, Ben Tallon, Callum Stephenson, Raj Draws, Kill Cooper, entre otros.

Cortesía: Weird World Cup

Dichos portavasos se venderán en establecimientos de Londres y estarán disponibles a través de una tienda en línea llamada Weird World Cup, presentando para todos espectaculares diseños que seguro van a encantar a más de un fanático.

Cortesía: Weird World Cup

Los fondos recaudados durante su presentación, serán invertidos en una serie de programas escolares y un refugio para todos esos jóvenes desfavorecidos de Londres.

Cortesía: Weird World Cup

Stephenson y Middleboop ofrecen a todos los momentos más relevantes del fútbol, mientras ayudan a personas de bajos recursos, en un lugar lleno de apasionados por el deporte.

Cortesía: Weird World Cup

¡Conoce estos divertidos diseños, una fascinante iniciativa de Middleboop y Callum Stephenson!

Las ilustraciones arquitectónicas de Liam Cobb

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Cortesía: LIAM COBB

Colores vivos y contrastantes reflejan el trabajo de un artista

Liam Cobb es un entusiasta de la ilustración situado en Londres, él crea impresionantes obras ricas en detalle y precisión, viviendo su día a día como un talentoso ilustrador independiente.

Cortesía: LIAM COBB

Sus creaciones están hechas por un bolígrafo sobre papel, estas tienen un cuidadoso proceso ya que como primer elemento utiliza esta técnica, para posteriormente escanearlas, pasarlas a Photoshop y darles ese detalle tan especial que las caracteriza, el color.

Cortesía: LIAM COBB

Este artista está inspirado por todo tipo de libros, fotografías y películas, plasmando cada elemento que hay en su mente a través de la ilustración, imaginando la idea, para después ajustarla en su computadora.

Cortesía: LIAM COBB

Cobb tiene una estética elaborada destacando colores contrastantes, sobre una línea clara y bien definida, lo que crea originales e inspiradoras piezas, que podemos observar de manera individual y en su serie de cómics.

Cortesía: People of Print

¡Dejate llevar por las increíbles y detallas obras de Liam Cobb!

Nueva exposición de Bruce Nauman en Suiza

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Una retrospectiva al trabajo de uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo

El Schaulager de Basilea en colaboración con el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), presentan una impresionante retrospectiva llamada “Bruce Nauman: Disappearing Acts”, la cual reúne alrededor de 170 obras del artista a través de los años.

Cortesía: Schaulager

Esta impresionante exhibición incluye vídeos, fotografías, dibujos, grabados e instalaciones, así como grandes piezas nunca antes vistas. Ofreciendo el estreno mundial de la proyección 3D “Contrapposto Split” (2017) y la escultura monumental “leaping foxes” (2018). Dándole lugar a una importante muestra tras 25 años de no presentar el trabajo de Nauman en todo su esplendor.

 

Cortesía: Schaulager

Nacido en 1941 en Indiana, Bruce Nauman ha desarrollado un estilo muy particular desde su incursión en el arte en 1960, exponiendo su trabajo en museos de todo el mundo pese a las críticas impuestas en el, abriendo paso al artista que actualmente conocemos como uno de los más cotizados del mundo.

Cortesía: Schaulager

La primera exposición individual de Nauman tuvo lugar en 1968 en la Galería Leo Castelli de Nueva York, la cual destacaba su primera escultura llamada “De la mano a la boca” y la que fuera una de sus conocidas obras en neón “Mi apellido generado catorce veces en posición vertical”,  inspirado en los anuncios de cerveza de su localidad. Tanta fue la popularidad del artista que posteriormente se presentó en grandes museos en el mundo, introduciendo el neón oficialmente a finales de los años 80.

Cortesía: Schaulager

Bruce Nauman ha utilizado todo tipo de elementos dentro de sus obras, hasta su propio cuerpo, implementando una gran variedad de técnicas con la finalidad de sorprender e interactuar con su público. Tanto así, que sus vídeos han logrado conmocionar a todos los asistentes con el uso de ciertas imágenes y sonidos.

Cortesía: Schaulager

Sus obras cumplen con el objetivo principal, integrandolas y haciéndolas formar parte de todos los sentidos de los visitantes, adquiriendo con el tiempo una gran variedad de influencias como: Ludwig Wittgenstein, Jasper Johns, Andy Warhol, Samuel Becket y por mencionar algunos.

Cortesía: Schaulager

¡Conoce el trabajo de Bruce Nauman, que invade los sentidos!

 

 

“Fragments Urbains” la nueva exhibición de Vhils en Francia

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Primer muestra monográfica de Alexandre Farto

Alexandre Farto aka Vhils tiene nueva muestra en Le Centquatre-París llamada “Fragments Urbains” la cual continúa con el principal mensaje que el artista ha fomentado en cada una de sus obras, la naturaleza de la sociedad actual y los modelos dominantes de desarrollo globalizado que crean un impacto constante en la sociedad.

Cortesía: VHILS

Vhils asegura que el proceso de globalización ha moldeado de manera contundente el mundo en nuestra actualidad, aportando reacciones positivas y negativas en cada uno de sus habitantes. Cambiando no solo su forma de desarrollo si no su pensamiento y la relación existente con el planeta.

Cortesía: VHILS

En cada uno de sus trabajos este artista trata de rescatar la esencia y la naturaleza, cincelada a cincelada, sacando desde el fondo imágenes que hablan de la verdadera humanidad oculta en grandes ciudades globales del siglo XXI, que siguen un mismo patrón de conducta con tendencia a ocultar lo que verdaderamente los hace ser.

Cortesía: VHILS

Esta exhibición muestra el otro lado del desarrollo basándose en las siguientes preguntas: “¿Cómo nos están afectando estos procesos?, ¿Qué están haciendo con nuestra identidad, con nuestra propia naturaleza?, ¿Cómo podemos absorber estos cambios vertiginosos?, ¿Dónde está nuestra esencia como seres humanos en medio de todas estas nuevas capas que constantemente se amontonan encima de nosotros?, ¿Dónde está la esencia de nuestra historia y nuestro pasado en medio del exceso de información que constantemente nos alimentan a diario? y ¿Dónde está nuestro futuro en medio de todo esto?”

Cortesía: VHILS

Fragments Urbains cuenta con una serie de instalaciones diferentes dentro de cada una de las salas y el patio de Le Centquatre-París, por lo que sus asistentes podrán observar grandes esculturas,  vídeos, carteles, algunas puertas de madera talladas y mucho más.

Cortesía: VHILS

¡Dejate llevar por las extraordinarias obras de Vhils y échale un vistazo a su página oficial!

Entrevista al artista brasileño Álvaro Naddeo por Edu NosE

in Blog/Entrevistas/Español
Cortesía: Álvaro Naddeo

 Edu NosE de visita en el estudio de Álvaro Naddeo

Eduardo Vea artista español, estuvo presente en el estudio de Álvaro Naddeo para mostrar el increíble trabajo y la perfecta dedicación de este brasileño, el cual tiene como tema principal en cada una de sus obras el consumo excesivo, la desigualdad en la sociedad y los desperdicios que se van dejando con el paso del tiempo.

Descubre lo que Edu NosE nos cuenta sobre Álvaro Naddeo y su trabajo, con motivo de su próxima exhibición en Los Ángeles.

 

Lo que no se ve en las acuarelas de Álvaro Naddeo.

 El brasileño Alvaro Naddeo dejó Sao Paulo hace mucho tiempo. Pasó por Lima, Nueva York, Florida y ahora en California parece que está echando raíces y creciendo como artista.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

Su vida ha estado siempre relacionada con la publicidad y a día de hoy sigue siendo la que alimenta a su familia. Álvaro es hijo de ilustrador, pero nunca pensó estar su altura así que se decantó por la dirección de arte en publicidad. Su carrera le ha llevado por diferentes países y de cada uno, se ha guardado un buen pedazo para revisitarlos en el taller que se ha montado en su garaje de Torrance, en la costa oeste americana.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Los recuerdos de sus viajes no son los del típico turista. Álvaro no colecciona postales ni imanes para su nevera. A él le gusta recordar las ciudades por las que ha pasado, con la textura de sus calles “Todos los lugares tienen cosas en común, la basura y los deshechos nos hacen a todos iguales” En los trabajos de Naddeo, se pueden ver composiciones imposibles y arquitecturas efímeras realizadas con elementos cotidianos. Sus estructuras recuerdan a tótems habitables aunque sus inquilinos nunca aparecen en escena.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Naddeo es un tipo metódico, tranquilo, sin prisa. En el suelo de su taller tiene medido un metro cuadrado para ayudarle a componer sus piezas. “Todo comienza con un cubo, ahí voy encajando los elementos que quiero que aparezcan en la obra, pero siempre respetando unas dimensiones. La gravedad y la estabilidad son a mi antojo pero las dimensiones quiero mantenerlas” comenta el artista.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

El de Sao Paulo mantiene un dialogo callado con su obra. Es miope y para pintar se quita gafas y lentillas y se acerca al papel hasta casi besarlo. Con pinceles de 0.2mm como principal herramienta y una paciencia infinita, consigue las texturas perfectas “Esta es la parte más divertida del proceso, pero realmente es la que menos tiempo me toma. Encontrar los elementos y componerlos es lo que más lleva. Una vez está todo en su sitio, el color es cosa de un par de semanas” explica mientras de fondo suenan podcasts de temas muy variados.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Naddeo hace un primer boceto digital en 3D donde coloca los elementos de mayor tamaño. Posteriormente añade en Photoshop las capas con el resto de objetos. Muchas veces, saca él mismo las fotos de las latas, las bolsas o los palés con los que va a completar la obra. Otras, tira de Internet buscando referencias de su adolescencia: zapatillas de deporte, tablas de skate, revistas, pegatinas… “La práctica me ha ayudado a encontrar atajos a la hora de trabajar y mi formación grafica me he ayudado mucho” apunta. A la hora de añadir colores y texturas, los bordes de cada pieza se convierten en muestrarios que van creciendo a medida que la obra avanza “Lo bueno de la acuarela es que los materiales duran mucho, con un mismo color puedes crearte muchos tonos, luego es ir probando hasta dar con el adecuado” añade.

 

Cortesía: Álvaro Naddeo

Álvaro probó esta disciplina por necesidad. Buscaba una vía de escape a la rutina de su trabajo publicitario. Esto sucedió mientras vivía en un diminuto apartamento en Nueva York y una pequeña caja de acuarelas que aún está por su taller, y unos cuadernos, eran lo único que le entraba en su mini mesa de cocina. Naddeo cuenta su evolución mientras me enseña aquellos primeros dibujos, la mayoría en blanco y negro.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

A día de hoy, su lugar de trabajo es amplio y está lleno de latas y botellas de cerveza, bolsas de plástico con diferentes mensajes, trozos de cajas de cartón y maderas de tamaños variados con las que crea sus bodegones contemporáneos. Los fondos los deja vacíos, sin color. Eso ayuda a convertir la basura que dibuja en objetos de mayor valor.

Cortesía: Álvaro Naddeo

 

Viendo de manera cronológica el trabajo de Álvaro se aprecia mayor libertad en sus últimas acuarelas. Libertad que le ha ayudado a crecer como artista “Al principio no jugaba con el equilibrio de las cosas, creo que una vez rompí esa barrera, mi obra ha ganado en frescura”

Cortesía: Álvaro Naddeo

Desde sus inicios como artista autodidacta, hace algo más de 7 años, han pasado muchas cosas: Investigó cómo entrar en el mundo del arte. Escribió a diferentes artistas y galerías pidiendo consejo. Fue paciente y perseverante. Algunos le contestaron y le dieron buenas sugerencias. En algunas exposiciones grupales le galardonaron como la mejor obra del show y el boca a boca ha ido haciendo el resto. Gracias a la visita de un curador a una de aquellas exposiciones, fue invitado a participar en otra colectiva en la galería ThinkSpace que además llevó alguna de sus piezas a Pow-Wow Hawaii. Álvaro también ha sido invitado a exponer en París, pero de momento ha tenido que posponerlo “Espero poder hacerlo el año que viene” cuenta esperanzado. Este mes, Naddeo muestra en solitario su trabajo más reciente en una de las salas de ThinkSpace “Aún estoy empezando. Como me dijeron una vez, los inversores o compradores solo se fijan en la gente que ya es famosa, nadie… muy pocos escriben sobre artistas como yo. El talento no es lo único que valoran. Miran la fama y el potencial de la obra y el artista, pero para conseguirla tienes que crear obra y enseñarla” concluye.

Cortesía: Álvaro Naddeo

Álvaro no descansa. Trabaja de día haciendo anuncios y por la noche, crea sus mundos aparentemente abandonados, oxidados, distópicos y llenos de referencias pop. Mundos repletos de basura y crítica social, una especie de purga al contenido comercial y consumista que le toca hacer de día.

 

Comienza la semana del arte en Suiza

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Cortesía: YouTube

¡Grandes expositores en Art Basel!

La semana del arte en el contexto de Art Basel en Suiza, reúne lo mejor del arte internacional, mostrando obras de 291 galerías, com más de 4.000 artistas a través de un programa completo que incluye charlas, exposiciones y eventos ofrecidos por instituciones culturales de la región del 14 al 17 de junio.

Las obras que este magno evento ofrece incluyen diversas piezas de arte moderno y contemporáneo como: dibujos, esculturas, pinturas, instalaciones, video, arte digital y fotografía. Todos los proyectos son seleccionados previamente  y pueden estar conformados por exposiciones temáticas de distintas culturas, generaciones y estilos, presentaciones individuales y yuxtaposiciones.

Cortesía: Ganabasd

Art Basel incluye a sus asistentes en diversas actividades, destacando declaraciones por parte de artistas emergentes, muestras editoriales, proyección de películas experimentales, stands de revistas de arte y artistas que involucran al público en la colocación de esculturas, presentaciones e intervenciones, para hacerlos vivir una experiencia inolvidable.

Cortesía: Red Bull

¡Si quieres conocer lo mejor de la semana del arte de Art Basel 2018  no olvides visitar su página web!

 

Decked Out, la influencia del skate en el arte en NÜART Gallery

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Cortesía: Nüart Gallery

Obras inspiradas en el skateboarding

¿Quién dijo que el skate no podía ser arte?, aún no lo sabemos, pero esos clichés están quedando atrás, muestra de ello es la exposición “Decked Out” que se está llevando a cabo en Nüart Gallery en Nuevo México, donde se explora el aporte que el skate ha tenido al arte contemporáneo.

Cortesía: Nüart Gallery

Mediante instalaciones, videos, fotografía y obras de arte se planea entrar en el mundo que ha creado una amplia relación entre el deporte callejero y el urban art.

Más de 28 artistas mostrarán su trabajo relacionado con el skateboarding, principalmente obras creadas sobre patinetas, convirtiéndolas así no solo en la herramienta para patinar, sino también una obra de arte que podría ser exhibida en una galería, como lo es en esta ocasión.

Cortesía: Nüart Gallery

La exposición también explora no solo la relación que se tiene con el arte actual, sino la repercusión que tuvo en los Estados Unidos durante la década de los 80, especialmente en New York, donde se comenzó a consolidar la cultura callejera en el mundo del arte.

Así como los estilos muy característicos y adoptados por la juventud como el Hip-Hop, el punk y el pop, junto a la ideología del “Do It Yourself”, con la cual la juventud, más allá de artistas, se sintió identificada.

Cortesía: Nüart Gallery

Decked Out pretende enaltecer y darle el espacio que se merece a la fuente de inspiración que ha influenciado a un sinfín de trabajos a artistas, cineastas y creadores urbanos.

AFK, Hama Woods, SKURK y Nina Chafair son algunos de los artistas que estarán presentando intervenciones en tablas y obras que se ven influenciadas directamente por la cultura del skateboarding.

Cortesía: Nüart Gallery

La muestra estará disponible hasta el ocho de julio, puedes consultar horarios y la lista completa de participantes en la página oficial de la galería.

Cortesía: Nüart Gallery

Empathy la nueva expo de EVER en LA

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Cortesía: Nicolás Romero

La exhibición que te muestra la relación humana con los objetos

The Diogenes Club presenta Empathy, la nueva muestra individual de Nicolás Romero mejor conocido como Ever en Los Ángeles, CA. En esta exhibición se destaca la conexión que un humano adquiere con objetos de su vida durante el paso del tiempo. 

Cortesía: Nicolás Romero

La componen distintas obras alegóricas contemporáneas que muestran una percepción diferente de las cosas más allá de su uso cotidiano o simbolismo, para de esta forma poder reflejar nuestros sentimientos sobre objetos que a pesar de no tener vida, demuestran mucha de nuestra existencia.

Cortesía: Nicolás Romero

 

En el caso de Ever, dichas obras reflejan sus conexiones personales, incluyendose a sí mismo como un elemento referencial en el desarrollo de la exposición, valiéndose de ciertos elementos como la relación con su madre y el uso de internet, invitando a todos los asistentes a la reflexión a través de determinar qué significa realmente la empatía.

Cortesía: Nicolás Romero

¡Si te encuentras en LA no olvides visitar Empathy en The Diogenes Club, Los Ángeles !

 

 

Nueva exhibición de Ricardo Cavolo en Montreal

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Cortesía: Ricardo Cavolo

“Cambiamento” la exposición que invita a un nuevo orden social

Ricardo Cavolo nos vuelve sorprender, ahora con una exhibición individual en la Galería Station 16 en Montreal a la cual ha denominado “Cambiamento” que hace referencia a la palabra Italiana sobre “cambio” , presente hasta el 23 de junio.

En esta presentación Ricardo muestra alrededor de 30 pinturas de banderas de distintos países y murales a gran escala abordando cuestiones socio políticas presentes en el mundo, haciendo uso exclusivo de sus coloridas ilustraciones para destacar cada uno de los mensajes basados en un orden social a través de valores como la solidaridad, el progreso y la unidad.

En esta exposición se observa el corazón en llamas característico de Cavolo, banderas con la palabra “Cambiamento” o “New World Now“, como una manera de crear conciencia e invitar a un cambio inminente sobre la situación social en el mundo y participar en el teniendo una postura diferente, para crear un mundo mejor para todos.

Si te perdiste la entrevista de ALL CITY CANVAS y Ricardo Cavolo en su visita a la Ciudad de México pulsa aquí.

Y por último también otra entrevista le hicimos exactamente un año atrás en Montreal.

 

 

¡No le pierdas la pista a esta imponente ilustrador español!

 

 

Ilustraciones de Amit Shimoni en #YoSiVoto

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Cortesía: Guilty Code

Von Zeppelin se une con Amit Shimoni para crear camisetas de candidatos presidenciales e icónicos personajes

Imágenes modernas son las que podremos observar de los candidatos presidenciales López Obrador, Meade, Anaya y “El Bronco” en México, por parte del artista israelí Amit Shimoni y la marca de ropa mexicana Von Zeppelin con #YoSiVoto, esto como parte del desarrollo de la serie Hipstory de Shimoni que ilustra a líderes internacionales de forma hipster.

Cortesía: Paredro

Estas playeras reinventan la manera de ver a distintos candidatos nacionales y personajes públicos internacionales, dándoles un sentido divertido y atractivo de forma artística. Tan solo imaginen a la Princesa Diana o a Gandhi con un outfit adaptado a la tendencia actual dentro de coloridas camisetas. ¡Ahora es posible!

Cortesía: Scroll Sambil Layan

Amit Shimoni es un artista del Mediterráneo, el cual aporta un sentido divertido y creativo a cada uno de sus diseños dentro de su serie Hipstory, conformada por más de 40 iconos a nivel mundial y reconocida por distintos medios de comunicación en todo el mundo por sus muestras innovadoras.

Cortesía: Artboost

Si quieres adquirir alguna de las camisetas ilustradas por Amit Shimoni, que van del Che Guevara a Obama y de  Anaya a Meade, se pueden encontrar a la venta en la página oficial de Von Zeppelin con distintos precios. 

Cortesía: Paredro

¡Conoce las ilustraciones de Amit Shimoni y no te quedes sin tu camiseta!

 

Las meticulosas obras de arte de Manabu Ikeda

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Artista japonés crea impresionantes imágenes en tinta y pluma

Un trabajo que representa gran precisión y paciencia es el que desarrolla Manabu Ikeda, este japones pasa años creando dibujos de grandes dimensiones a base de tinta y pluma.

En cada una de sus obras Ikeda intenta reflejar  el conflicto existente entre la naturaleza y los seres humanos, elemento que utiliza para crear un mensaje en cada detalle y en cada trazo que coloca sobre su lienzo.

Cortesía: canacopegdl

Actualmente Manabu centra su temática en eventos de relevancia en el mundo o de sus pasadas experiencias, desarrollando trabajos enfocados en distintas catástrofes naturales como tsunamis, desastres nucleares y terremotos.

Cortesía:Genso

La técnica utilizada se remonta a la tradición artesanal japonesa del takumi e implementa finos y detallados trazos, creando diversos paisajes realistas de algún acontecimiento importante.

Cortesía: ThePinsta

Su proyecto “Rebirth” es uno de los más grandes trabajos que este artista ha desarrollado, invirtiendo en el alrededor de 10 horas al día durante 3 años en el 2011, tras el terremoto y tsunami en Tohoku, Japón.

Cortesía: canacopegdl

Este artista describe su obra como una manera de plasmar su pensamiento y  lograr expresar su visión del mundo con tan solo una pluma y tinta las cuales resultan ser las mejores herramientas para desarrollarlo.

Cortesía: ViralBandit

Manabu Ikeda ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera de su natal Japón impresionando a más de uno por la excelente precisión y detalle en cada una de sus piezas.

Cortesía: Hyperallergic

¡Conoce la extraordinaria técnica de Manabu Ikeda!

Instituto Alumnos de Arte Contemporáneo

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Te presentamos un nuevo espacio para crear educadores enfocados en el arte contemporáneo

Instituto Alumnos es un espacio creado para la formación de educadores especializados en arte. Este espacio consta de un aula y una bodega en la que se albergan más de 300 piezas de arte contemporáneo y una biblioteca que contiene libros de distintos artistas, utilizados como recurso pedagógico.

Foto: David Zuriaga

El programa con el que se inaugurará este Instituto lleva por nombre “PLASMA”y consta de un seminario intensivo totalmente gratis en el que educadores de distintas disciplinas podrán darse cita y utilizar las artes como herramienta de formación.

Foto: David Zuriaga

El objetivo principal de PLASMA se centra en los alumnos, con la firme intención de ofrecer más espacios de educación en el país en el que los educadores pondrán en práctica nuevos recursos pedagógicos para crear nuevo conocimiento en otros educadores y de esta forma se genere un círculo constante de entendimiento.

Foto: David Zuriaga

En la presentación oficial de este evento se encontrarán presentes Bárbara Bang, Directora del Instituto Alumnos y Tiago Pinto de Carvalho actual Director de Fundación Alumnos (Antes Alumnos 47), este próximo 31 de mayo.

 

 

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