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Festival Kaleidoscope, arte urbano en Bélgica

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3 kilómetros de obras permanentes

El pasado 3 y 4 de junio se llevaron a cabo en la ciudad de Dendermonde, Bélgica, 25 intervenciones de street art en cuadro al festival Kaleidoscope.

Artistas como Low Bros, David Walker y Oli-B intervinieron en cerca de 3 km. de murales que fueron intervenidos durante los dos días que duró el festival. Mismo que se llevó a cabo gracias a los creadores de street art The crystal Ship.

Cortesía: Kaleidoscope por Henrik Haven

Estas obras formarán parte del paisaje urbano de la ciudad y no serán borradas. Así mismo se encuentran obras para gente interesada en lo clásico, el arte callejero, las obras de artistas jóvenes y prometedores locales, tal es el caso del proyecto Art Crackers.

Algunas obras tienen un fondo muy interesante, como las intervenciones de Jaune, quien con pequeños persoanjes mimetiza todo el entorno, haciéndolos partícipes de las paredes, plantas y arboles que están en toda la calle.

Cortesía: Kaleidoscope por Henrik Haven

O la obra de Jachim, quien hace una interesante intervención que llama a un debate acerca del consumismo. La obra más grande fue la de David Walker, que trata de el rostro de una mujer en uno de los edificios habitacionales principales, mostrando un rostro que mira hacia el cielo.

Cortesía: Kaleidoscope por Henrik Haven

Esta es una iniciativa por llevar el arte urbano a las calles de Bélgica, y convertirlas en atractivos turísticos más allá del Beguinaje o la alcaldía de Dendermonde.

Actualmente puedes acudir al pasaje gráfico en compañía de un guía turístico a un precio de 60 Euros.

Cortesía: Kaleidoscope porHenrik Haven

Project Backboard, rescatando las canchas de Basketball con Street Art

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Las canchas se convierten en obras de arte únicas

En Saint Louis, Estados Unidos se ha intervenido una cancha de baloncesto de la misma forma en la que se haría en un mural, pintándola de inicio a fin con el motivo de recuperar el espacio y hacerlo un centro más agradable para la vista de los habitantes.

Cortesía: Project Backboard

La cancha tiene una medida de 20,000 pies cuadrados y la intervención fue una idea del artista Daniel Peterson, que desde el 2015 utiliza las canchas de baloncesto como lienzos, con la intención de mantener activo el deporte en un proyecto llamado “Project Backboard”. El diseño es idea de William LaChance.

Cortesía: Project Backboard

La intención así mismo es convertir las canchas en obras únicas que aumentan el uso del parque, mejorando de esta forma su seguridad y creando interacción entre pobladores y visitantes que aportan de distinta forma al desarrollo de mejores barrios.

Pero este no es su único trabajo popular, de cierta forma, cada una de las canchas que se han intervenido gracias al proyecto, tienen una característica que los hace únicos y que provocan se quiera jugar basketball en ellas.

Cortesía: Project Backboard

En la cancha de Charjean Park en Memphis también se realizaron remodelaciones, las cuales dieron un estilo único a la cancha pintandole totalmente de azul y poniendo en los tableros elementos que representan al equipo local de basketball, Memphis Grizzlies.

Otros tableros en el mismo parque fueron intervenidos de forma psicodélica, mientras que algunos, tenían lineas que mantenían la esencia callejera del juego en el barrio, como si fuera una cancha deteriorada.

Cortesía: Project Backboard

Otra de las intervenciones más recientes fue en Los Ángeles, donde se pintó en un estacionamiento una cancha Pop-up en colaboración con Veniceball y Pigalle, donde los ingresos serán destinados para la reconstrucción de una cancha en Puerto Rico.

La intervención representa una ola y un sol con los colores de un atardecer, algo que representa la frescura del verano, clima perfecto para salir a jugar un partido amistoso.

Retrospectiva de Miss Van en la Galería Openspace de París

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Un recorrido por sus últimos 15 años de trabajo

En Galerie Openspace en París se está realizando una retrospectiva de la artista del grafiti Miss Van, reuniendo más de 90 obras que ha realizado desde el 2003 a la fecha, la exhibición estará disponible hasta el 16 de junio.

La exposición destaca su trabajo sobre papel, madera y lienzo, donde se puede apreciar sus distintas formas de inspiración y la evolución en estos 15 años de su técnica reflejada en personajes femeninos.

Cortesía: Galerie Openspace

La evolución de sus personajes no solo es en tanto técnica, sino que también en forma y expresiones, convirtiéndose en representaciones de la sensualidad y fuerza en cualquier lienzo donde las plasme.

Entre la exhibición se encuentran obras en acrílico, siendo de las primeras realizadas por la artista y óleos, perteneciente a su serie más reciente “Gitanas”. Pero las principales atracciones son las pequeñas Madonnas junto a obras circenses de su serie “Still Little Magic” (2008).

Cortesía: Galerie Openspace

También podemos encontrar trabajos colaborativos o que realizó para publicaciones, como es el caos de la que armó para Juxtapox de su personaje “Atame”, la instalación de madera “Flor Hypnotic” que presentó en MOCA durante el 2011 para Arts in the Streets y su serie de máscaras.

Cortesía: Galerie Openspace

Miss Van es una artista que comenzó a pintar a inicios de la década de los noventa, siendo parte esencial del movimiento femenino en el Street Art, llevándola a intervenir en diferentes países como Estados Unidos, España y Brasil.

Siempre caracterizada por ilustrar mujeres con máscaras de animales y fantasías en entornos naturales o poco reales, proponiendo que todas sus obras se puedan relacionar en un solo mundo, su mundo.

Cortesía: Galerie Openspace

Mediante todos estos años ha experimentado en plasmar su obra en lienzos que pueda transportar, llevando así la misma obra a diferentes lugares, pero como todo artista callejero, tiene obras al aire libre y a gran escala, repartidos entre espacios como calles, bodegas y fachadas.

Cortesía: Galerie Openspace

PBOY, el artista que introdujo códigos QR a su obra

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Una alternativa de ingresos directos para los artistas

El artista callejero PBOY ha comenzado a añadir códigos QR a sus pinturas para todo aquel que quiera donarle Bitcoins, logrando así juntar la cantidad necesaria para comprar pintura y materiales necesarios para sus obras.

En conjunto con sus retratos coloridos, como todo artista, PBOY añade su firma y a un costado coloca un gran código que los transeúntes a los que le guste la obra pueden escanear, mismo que los dirigirá a una pagina donde podrán donar la cantidad deseada.

Cortesía: PBOY

Durante noviembre del 2017 el artista comenzó a agregar estos códigos como parte de un experimento, el resultado fue favorable y continua haciéndolo, marcando una posible alternativa a futuro que otros artistas podrían emplear par el ingreso de recursos.

Cortesía: PBOY

Al día de hoy ha juntado 0,11 bitcoins, cuyo valor aproximado es de $1,000 dlls. El mismo PBOY ha declarado que es una alternativa más directa para financiar el trabajo de artista que lleguen a ser de nuestro agrado, omitiendo el patrocinio mediante plataformas intermediarias que tengan acceso a tus cuentas.

Así mismo sirve para mantener la línea del trabajo independiente que ha caracterizado al artista, dejando atrás los patrocinios de galerías e instituciones tradicionales que buscan un beneficio más allá de la difusión y apoyo a las obras.

Cortesía: PBOY

Para optar por la opción del bitcoin, el artista estuvo durante seis meses, de mayo a octubre del 2017, estudiando la nueva moneda, sus repercusiones negativas y favorables, logrando así entender como se maneja el negocio y buscando la forma de implementarlo como artista.

Esto nos demuestra también un tipo de adaptación a las nuevas tecnologías y formas de generar ingresos mediante plataformas digitales, quitando un poco la negatividad que se le da a la supuesta inseguridad y poca eficiencia que se cree que tienen estas herramientas.

Cortesía: PBOY

El colectivo Boa Misutra intervino el Mercado de la Cebada en Madrid

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Recuperando espacios públicos mediante el color

En Madrid el colectivo de muralistas Boa Mistura realizó la recuperación de cúpulas que cubren el mercado de la Cebada en el barrio de la Latina, mediante la intervención con palabras y colores que dan una gran vista aérea.

Cortesía: Boa Mistura

El mercado se encuentra cubierto por seis cúpulas que en total miden 5,450 metros cuadrados, mismos que desde las alturas dan un mensaje muy claro para todos los turistas y asistentes “Llena la vida de color”, haciendo referencia a si mismo a la acción realizada en la cobertura del mercado.

Cortesía: Boa Mistura

Ellos dicen utilizar la palabra como un arma en la intervención del proceso de crear optimismo en una sociedad llena de negatividad, de ahí el origen de la frase que utilizaron para esta ocasión.

Otro impulso para poder pintar estas cúpulas fueron los rumores de el posible derrumbe y la construcción de un centro comercial, como parte de recuperar el espacio que data de 1958 y dar un aire de rejuvenecimiento se realizó dicha intervención.

Cortesía: Boa Misturav

Para este gran espacio se utilizaron 3mil kg. De pintura, contando los seis colores utilizados, azul, rojo, verde, naranja, amarillo y blanco.

El colectivo Boa Mistura se origina en Madrid en el 2001 y se dedica principalmente a intervenir lugares para darles color, vida y sentido con palabras en combinaciones precisas, invitando al transeúnte a crear un vinculo con el lugar.

Cortesía: Boa Mistura

Así mismo buscan recuperar espacios públicos y han intervenido en países como Brasil, México, Noruega y por supuesto España.

Son un colectivo que se mantiene constantemente activo colaborando de país en país y buscando la manera de hacer más agradable la vista a los habitantes de cada ciudad donde colaboran.

El 2° Concurso Internacional de Arte Urbano de FERMAX ya tiene finalistas 🇪🇸

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Te presentamos a los 10 finalistas seleccionados para desbordar talento sobre la fachada de FERMAX

Diez de los mejores representantes internacionales del street art han sido seleccionados por FERMAX en la primera fase de su concurso para formar parte de los finalistas que pasan a la segunda fase. 

Procedentes de lugares como Francia, Alemania, España, México, Argentina e Italia, los participantes de cada equipo tendrán varias semanas para presentar su proyecto. El ganador intervendrá los 1,600 m2 de la mítica esquina valenciana y obtendrá 20,000 euros por ser la pieza ganadora. El llamado a este concurso se realizó en marzo de este año —causando un éxito rotundo a nivel internacional— para el cual Fermax recibió propuestas de 142 artistas procedentes de 18 países con estilos muy variados e increíbles trayectorias.

El jurado se reunió el pasado 3 de mayo para hacer la selección de la primera fase de 10 finalistas que recibirán 1,000 euros cada uno por pasar a la segunda fase del concurso, y tendrán hasta el 15 de junio para entregar sus bocetos y una memoria técnica.

Cortesía: FERMAX

A continuación te presentamos a los diez finalistas con las imágenes de las creaciones que les presentaron a FERMAX para esta segunda etapa:

De Argentina fueron dos los candidatos seleccionados: Elián Chali y Pastelfd. El primero es originario de Córdoba, ha realizado coloridas intervenciones en fachadas de Montblanc, Buenos Aires, Colonia y Girona, entre otros. Por su parte, PastelFd cuenta con un estilo caracterizado por pinturas a gran escala utilizando elementos naturales.

Elián Chali
PastelFd | Cortesía: FERMAX

El equipo Alemán, oriundo de Berlín, conocido como Zebu está conformado por Lynn Lehmann y Denis Gärtner quienes se han desarrollado en la pintura a gran escala (murales), la ilustración, la producción artística seriada y en las que utilizan grandes masas sobre colores sólidos. 

Zebu | Cortesía: FERMAX

La propuesta del mexicano Himed & Reyben originario de Querétaro, se centra en figuras humanas en las que las manos y los rostros resultan ser su principal foco de atención.

Himed & Reyben | Cortesía: FERMAX

El artista de origen francés Honet comenzó su carrera a finales de los 80, recorriendo ciudades de todo Europa y el mundo con sus obras en grafiti e inspiradas en comic. 

Honet | Cortesía: FERMAX

El grupo más numeroso de la selección es el de los españoles, con representantes como Dadospuntocero (David Esteban), el cual realiza increíbles trabajos adecuándose a las formas de las fachadas que interviene con su estilo hiperrealista, mientras que RSR conocido como Roice- Srger- Rosh (Raúl Gandolfo) crea imaginativas piezas llenas de color sobre formas orgánicas, las cuales parecen mecidas por el viento. Finalmente, Marest (Antonio Martínez) se inspira en el mar y en el color del entorno mediterráneo, utilizando una gran variedad de colores y una visión alegre y geométrica.

Dadospuntocero
RSR
Marest | Cortesía: FERMAX

Alberonero (Luca Boffi) es un artista del norte de Italia que ha hecho de la repetición de formas mínimas y la gradación del color asombrosas obras que poseen una singular belleza. 

Alberonero | Cortesía: FERMAX

Las obras de Paul Loubet —originario de Francia y el último de los finalistas— se conforman de un estilo un tanto infantil y gambero. 

Paul Loubet | Cortesía: FERMAX

El jurado responsable de la selección de los 10 finalistas del Concurso Internacional de Arte Urbano de Fermax lo conforman dos directivos de Fermax, Elena Ravello y Alberto Maestre; dos profesores de la UPV, los cuales han estado involucrados en el desarrollo del arte urbano, Juan Bautista Peiró López y Juan Canales; la galerista especializada en grafiti, Anna Dimitrova, y Ramón Benedito, diseñador de la mayor parte de los productos de Fermax. Cada uno de estos miembros realizará una votación en cuanto todos los proyectos se encuentren listos para anunciar al ganador definitivo el próximo 29 de junio.

Cortesía: FERMAX

El concurso consta de 3 fases (la primera ya concluida), con las siguientes bases 👇🏽

BASES

  • El concurso es de carácter abierto y anónimo, no se hará pública la identidad de los participantes que no lleguen a la fase 2 (los últimos 10).
  • El autor es responsable, ante FERMAX y frente a terceros, del cumplimiento de lo establecido en estas bases.
  • FERMAX busca un trabajo único y original, por lo que está terminantemente prohibido imitar o copiar, a priori como a posteriori, la obra realizada. El mural debe ser inédito y no haber sido presentado anteriormente en otros concursos.
  • El diseño entregado debe encontrarse libre de quejas y reclamaciones instadas por terceros. Si hay sospecha de copia, el autor será descalificado y asumirá las responsabilidades pertinentes.
  • No se limitan los criterios generales de la propuesta más allá de la calidad esperada y el respeto a un entorno donde conviven menores de edad, jóvenes y familias (sentido común).
  • El artista ganador deberá ceder gratuitamente a FERMAX los derechos de explotación, incluyendo la reproducción, distribución y difusión en redes sociales y materiales gráficos. En especial, ceden a FERMAX el derecho ilimitado de reproducción para utilizarse en publicidad y promoción de sus actividades. El artista no podrá utilizar la imagen para fines publicitarios sin autorización de FERMAX.
  • La obra es  carácter temporal, así que podrá ser sustituida por FERMAX sin aviso.
  • El Concurso podrá declararse sin ganador a decisión de FERMAX, sin objeción alguna del resto de participantes.
  • No se admitirán propuestas ofensivas o discriminatorias.
Cortesía: FERMAX

FASES

Fase 1 – Concluida

Fase 2 – Finalistas  (1 de mayo al 15 de junio)

  1. Los 10 artistas elegidos recibirán 1,000 euros para desarrollar su propuesta con base en las particularidades de la misma. Además, deberán enviar:
    • Planning de producción (los días disponibles son del 25 de julio al 31 de agosto).
    • Lista de materiales necesarios: financiados por FERMAX (la pintura debe durar 5 años).
    • Requerimientos técnicos: esta lista tendrá que adecuarse técnicamente al espacio público y tener en cuenta aspectos básicos como la seguridad.

Fase 3 – Winner (29 de junio)

  1. Se elegirá a un ganador siguiendo criterios de calidad, adecuación al espacio intervenido, capacidad del equipo, buzz generado en las redes sociales y sintonía con los valores FERMAX
  2. El ganador recibirá 20,000 euros y el apoyo de FERMAX para llevar a cabo el proyecto.

¡Mantente atento para el anuncio del ganador de este proyecto y no olvides visitar la página de FERMAX!

Killart 2018: El festival de street art que colorea Barranquillas

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La ciudad portuaria evoluciona con murales de talento local e internacional

Gris, Cortesía: El Heraldo

En su cuarta edición el Festival de grafiti y arte urbano de Barranquilla Killart, vuelve para a abrir espacios a las voces de talentos originarios del barrio (y también foráneas) en una serie de 17 murales, que nacieron para seguir cambiando el aspecto urbano de la pintoresca ciudad.

Kid Creole y Boogie, Cortesía: El Heraldo

Tocando temas como la dignificación femenina, el reflejo de la autenticidad barranquillera, la cultura colombiana en general, el famoso carnaval natal y el imaginario de la ciudad, los murales son un claro ejemplo de que las culturas latinas tienen todo un espectro de posibilidades sociales que su gente puede mostrar: De realidad a fantasía, de la felicidad y la festividad, a retratos un poco más crudos, todas ellas formando un mismo pueblo.

Cortesía: El Heraldo
Shot, Cortesía: El Heraldo

Uno de los artistas locales que representó con honores su natal ciudad fue Roberto Barraza, que en un gran lienzo de 23 metros de largo por 3 de alto dignifica el trabajo de los populares “carretilleros”, ya que dice, el arte es una herramienta de transformación social que refleja el lado bello de lo común.

Roberto Barraza, Cortesía: El Heraldo

En otro polo de la vida cotidiana del barrio colombiano, el artista francés Hopare, utilizo el retrato (su especialidad) para formar el rostro de “Rami” un habitante de calle, muy reconocido en el Barrio bajo de la ciudad, “Sentí el deber de hacer algo por él, y con mi arte sé que lo haré mucho más visible hacía la sociedad.”, dice el joven artista de 27 años.

Hopare, Cortesía: El Heraldo

Otros artistas participantes fueron; originarios de Barranquillas: Graff24, Joy, Omar Alonso, Linda Montoya y Shot, tres bogotanos: Guache, Gris y Notable, y 6 franceses: Cart1, Reso, Vinie Graffiti, Goin, Kid Kreol y Boggie.

Guache, Cortesía: El Heraldo
Vinie Graffiti, Cortesía: El Heraldo

Este festival que ya es un referente cultural turístico de la ciudad, volverá en futuras ediciones para seguir celebrando la visión de un pueblo tan lleno de identidad, que mucho tiene que aportar a la memoria cultural y artística del mundo. Les dejamos otros trabajos y sus autores para que se alegren la vista:

Graff 24, Cortesía: El Heraldo
Linda Montoya, Cortesía: El Heraldo
Reso, Cortesía: El Heraldo
Notable, Cortesía: El Heraldo

“O sciore cchiù felice”, el nuevo mural de Fabio Petani

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Forma parte del programa social Parco dei Murales

El Nuevo mural de Fabio Petani lleva por nombre “o sciore cchiù felice”, traducido del italiano como “La flor más feliz”, y es el séptimo mural que forma parte del programa Parco dei Murales en Italia.

Este programa promueve la actividad del arte urbano como parte de un renacimiento artístico y de regeneración social en Ponticelli, Nápoles.

Cortesía: Parco Dei Murales

El mural muestra una Arum italicum, una planta que florece durante el mes de marzo y que se dice cuenta con propiedades mágicas, capaz de eliminar espíritus malignos, hasta poder dar amor a aquellas parejas que cruzan por una mala etapa.

Está inspirado en el botánico Aldo Merola, uno de los directores más importantes del Real Jardín Botánico de Nápoles y el nombre en una canción de la banda Almamegretta, también es un homenaje a Aldo Merola, ya que el edificio donde se llevó a cabo esta obra, lleva el nombre del mismo.

El mural crea una química artificial entre el arte y la naturaleza, mostrando la planta con figuras geométricas y un poco de referencias a la arquitectura industrial. Dando como resultado final una obra con colores purpuras y toques de amarillo y azul, dando un peso visual a cada una de las hojas representadas.

Cortesía: Parco Dei Murales

Pero no todo fluyo como una idea original, hubo un apoyo de ideas por parte de niños y jóvenes que han sido parte del proyecto de murales desde su inició.

Mismos que durante una visita al jardín botánico de Nápoles, en el cual fotografiaron y dibujaron su experiencia y aprendizaje durante el recorrido.

Cortesía: Parco Dei Murales

Petani se ha caracterizado por realizar obras a gran escala así como en dimensiones más pequeñas, donde mezcla la geometría y la naturaleza, mostrando de una forma sutil el poder que la flora tiene ante la sociedad y gran parte de nuestra cultura.

Cortesía: Parco Dei Murales

Colombia: un país lleno de arte urbano

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Las calles más coloridas de Latinoamérica

El arte urbano tiene la peculiaridad de dar una visión diferente del mundo, dar vida a las calles y ser una alternativa de expresión más para aquellas personas que no quieren quedarse calladas.

Cortesía: stinkfish

Pero a pesar de las críticas que se reciben de este movimiento, el ámbito artístico en las calles ha creado circuitos para salir adelante, ejemplo de ello es Colombia. País donde el grafiti, los murales y las paredes en general, se han vuelo un hito del arte urbano en Latinoamérica.

Así mismo es un ejemplo de valoración del arte, ya que los ciudadanos tienen cada vez más aceptación a ver cada vez más pintas y ya no señalar de forma negativa las obras de los artistas.

Cortesía: Skore 999

El grafiti en Colombia está ayudando a formar nuevas expresiones que aportan al patrimonio nacional y cultural, ya que han transformado el entorno de una forma positiva, dejando atrás el pasado tortuoso que sufrió.

Cortesía: Dj Lu

Ledania, Ceroker, Toxicómano, Skore 999, Dj Lu, Gleo, Lina Arias y Stinkfish son tan solo algunos nombres de los artistas más reconocidos en el ámbito, pero no son todos los que colorean las calles, hay anónimos y otros nombres no tan conocidos, pero que se dedican a ir a cada rincón del país para no dejar sin color una calle.

Cortesía: Lina Arias

Esta gran variedad atrae a festivales especializados y a turistas que se sienten llamados especialmente por esta forma de expresión.

También ha servido como ventana y herramienta de debate a temas políticos, sociales e históricos, plasmando en paredes las demandas, los hechos y situaciones que viven el día a día en Colombia.

Cortesía: Gleo

De cierta forma, Colombia podría ser considerado un ejemplo a seguir, invita a proyectar ideas en sus paredes y provoca un movimiento social y cultural que muchos creen imposible por los espacios.

Al final del día, hay arte para todos los gustos, lo importante es que las calles no están vacías, siempre hay expresiones artisticas que refleja un sentimiento y que hace una caminata por las calles colombianas más amena.

Cortesía: Ledania

Boa Mistura: La mezcla adecuada que rescata barrios

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El colectivo español que va tatuando ciudades alrededor del mundo

Boa Mistura (expresión que viene del portugués “Buena Mezcla”) es un colectivo formado por 5 artistas con raíces en el graffiti: un arquitecto, dos licenciados en Bellas Artes —uno por la rama de Imagen y otro por Diseño Gráfico—, un ilustrador además de publicista y un ingeniero de Caminos. Su objetivo es ir dignificando paredes de distintos barrios alrededor del mundo, llenándolos de color a la vez que cambia la atmósfera del lugar, para llevar un mensaje de unión a través del arte, rigiéndose por el lema: “Elegimos el arte urbano para conectarnos con la gente”.

Cortesía: Boa Mistura

Uno de sus más recientes proyectos fue con los habitantes de la Unidad Habitacional Independencia en Guadalajara en México. Los residentes de la comunidad escogieron por medio de encuestas los espacios que ellos consideraban propios y se unieron junto con el equipo para llevar a cabo la intervención pública. FUI, SOY, SERÉ, las palabras que gritan las tres fachadas que rodean la plaza. Ellas formadas por figuras geométricas, inspiradas en la cultura wixárika (en español huichol), etnia asentada al oeste de México, así pues usan también los característicos colores brillantes en contrastes y el resultado es imponente.

Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura

Entre otro de sus proyectos se encuentra la intervención una comunidad brasileña dentro de las conocidas Favelas, en 2012. Les tomo 2 semanas realizar un conjunto de cinco obras, en epecífico palabras repartidas en diversos callejones:“BELEZA”, “FIRMEZA”, “AMOR”, “DOÇURA” y “ORGULHO”. En marzo de 2017 el equipo añadió dos nuevas palabras con el propósito de incrementar el radio de acción de la obra inicial: “Poesía” y “Mágica”, las cuales subrayan la belleza y el encanto del crecimiento urbano espontáneo, así como el fuerte lazo que la comunidad ha creado.

Su trabajo puede ser descrito sin duda como inspirador, a continuación les compartimos algunas imágenes y no olviden revisar el resto de su trabajo aquí.

Cortesía: Boa Mistura

Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura

¡Line-Up del Nuart Aberdeen 2018 revelado!

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Uno de los festivales de arte urbano más importante regresa en su 2ª edición

Un equipo de artistas internacionales y artistas locales serán exhibidos en la ciudad escocesa del 12 al 15 de abril en Nuart Aberdeen 2018.

 

 

Asegurándose de mostrar al mundo las nuevas tendencias en técnicas, ideas temáticas y materiales diversos, los artistas anunciados son: Bordalo II (PT), Bortusk Leer (UK), Carrie Reichardt (UK), Dr. D (UK), Elki (UK), Ernest Zacharevic (LT), Glöbel Bros. (UK), Hyuro (AR), Milu Correch (AR), Nimi & RH74 (NO), Phlegm (UK), Snik (UK).

Los organizadores esperan seguir dejando un legado importante a la ciudad y seguir atrayendo talento internacional de alto calibre.

Nimi & RH74 Cortesía: Arrested Motion

A la cabeza del line up se encuentra Bordalo II , quien acaba de presentar su solo show en la Heron Arts de San Francisco. El concepto clave de su obra es el reciclaje y el materialismo que ha destruido la naturaleza.

Bordalo II Cortesía: Suport Street Art

También estarán los Glöbel Bros.; Ciaran Glöbel y Conzo Throb, quienes intentan revivir la venerable técnica del sign painting, al desarrollar texturas tipográficas en colores brillantes y dibujadas a mano.

Glöbel Bros. Cortesía: Nuart Aberdeen

Este año en el festiva abordará el concepto de “Una revolución de lo ordinario”, que busca investigar el paralelismo del arte no institucional y la cultura a través de un programa de debates, proyecciones, tours guiados y talleres a lo largo del festival.

Ernest Zacharevic Cortesía: Aliran

 

Milu Correch Cortesía: Urbanite

 

Bortusk Leer Cortesía: Instagrafite

Nuart Aberdeeen es una oportunidad única para conocer y seguir el talento urbano emergente. Les dejamos a continuación un video del trabajo de Carrie Reichardt, artista perteneciente a la tendencia del Craftivism. Quien a través de mosaicos cubre los muros con imágenes de historias tomadas de los archivos históricos de las ciudad de Aberdeen, recreando las escenas e inmortalizándolas.

 

 

Participa en el 2° Concurso Internacional de Arte Urbano de FERMAX 🇪🇸

Blog/Español por

¡Cámbiale la cara a la fachada de FERMAX!

La reconocida empresa valenciana convoca por segundo año a todo artista internacional a participar en su Concurso Internacional de Arte Urbano, brindándole un “lienzo blanco” de 1,600 m2 para plasmar su creación. El objetivo: impactar a la comunidad y reflejar los valores de innovación, diseño y liderazgo que son los pilares de FERMAX.

El concurso consta de 3 fases y las bases que te presentamos a continuación. ¡El ganador y su equipo podrán llevarse 20,000 euros e impactar a una comunidad con su arte!

Tienes hasta el 30 de abril para enviar tu diseño, ¡así es que toma nota! 👇🏽

Cortesía: FERMAX

BASES

  • El concurso es de carácter abierto y anónimo, no se hará pública la identidad de los participantes que no lleguen a la fase 2 (los últimos 10).
  • El autor es responsable, ante FERMAX y frente a terceros, del cumplimiento de lo establecido en estas bases.
  • FERMAX busca un trabajo único y original, por lo que está terminantemente prohibido imitar o copiar, a priori como a posteriori, la obra realizada. El mural debe ser inédito y no haber sido presentado anteriormente en otros concursos.
  • El diseño entregado debe encontrarse libre de quejas y reclamaciones instadas por terceros. Si hay sospecha de copia, el autor será descalificado y asumirá las responsabilidades pertinentes.
  • No se limitan los criterios generales de la propuesta más allá de la calidad esperada y el respeto a un entorno donde conviven menores de edad, jóvenes y familias (sentido común).
  • El artista ganador deberá ceder gratuitamente a FERMAX los derechos de explotación, incluyendo la reproducción, distribución y difusión en redes sociales y materiales gráficos. En especial, ceden a FERMAX el derecho ilimitado de reproducción para utilizarse en publicidad y promoción de sus actividades. El artista no podrá utilizar la imagen para fines publicitarios sin autorización de FERMAX.
  • La obra es  carácter temporal, así que podrá ser sustituida por FERMAX sin aviso.
  • El Concurso podrá declararse sin ganador a decisión de FERMAX, sin objeción alguna del resto de participantes.
  • No se admitirán propuestas ofensivas o discriminatorias.
Cortesía: FERMAX

FASES

Fase 1 – Open Call  (1 marzo al 30 de abril)

  1. Suscríbete al canal de YouTube de FERMAX.
  2. Envía tu portafolio demostrando tu capacidad y la de tu equipo para llevar a cabo este proyecto.
  3. Se elegirán 10 proyectos que pasarán a la siguiente fase siguiendo criterios de calidad, innovación y los valores FERMAX.

Fase 2 – Finalistas (1 de mayo al 15 de junio)

  1. Los 10 artistas elegidos recibirán 1,000 euros para desarrollar su propuesta con base en las particularidades de la misma. Descarga los planos aquí. Además, deberán enviar:
    • Planning de producción (los días disponibles son del 25 de julio al 31 de agosto).
    • Lista de materiales necesarios: financiados por FERMAX (la pintura debe durar 5 años).
    • Requerimientos técnicos: esta lista tendrá que adecuarse técnicamente al espacio público y tener en cuenta aspectos básicos como la seguridad.
  2. Vídeo de 1 min del proceso de creación de tu equipo, el cual compartirás en tus redes sociales y las de tu equipo; éste para formar parte del canal de  YouTube de FERMAX.

Fase 3 – Winner (29 de junio)

  1. Los 10 equipos finalistas elegidos asistirán al evento (“retrasmitido”) dónde el jurado seleccionará al equipo ganador.
  2. Se elegirá a un ganador siguiendo criterios de calidad, adecuación al espacio intervenido, capacidad del equipo, buzz generado en las redes sociales y sintonía con los valores FERMAX
  3. El ganador recibirá 20,000 euros y el apoyo de FERMAX para llevar a cabo el proyecto.

¿Qué esperas? ¡Inscríbete ya y participa para ganar!

Buff Monster y Dalek presentan “Spaced Out” en Nueva York

Blog/Español/Exhibiciones por

Los artistas exponen juntos por primera vez en GR Gallery

Del 8 de marzo al 28 de abril, la galería neoyorquina GR Gallery une — por primera vez — a los legendarios artistas urbanos James Marshall, mejor conocido como Dalek y Buff Monster en la exposición colectiva Spaced Out.

Se presentarán 16 piezas creadas especialmente para la muestra, las cuales incluyen pinturas, instalaciones y ediciones que adentrarán al espectador en un viaje psicodélico.

Cortesía: GR Gallery

A través de sus personajes misteriosos, establecidos ya como iconos del arte urbano contemporáneo, Dalek y Buff Monster utilizan sus coloridas y destacadas formas para crear un medio que intenta representar a la sociedad de hoy, llevando el concepto de la cultura callejera a otro nivel, y demostrando que no solo comparten el gusto por el street art, sino también por la estética visual y la vanguardia.

Cada uno de los artistas aporta su toque a Spaced Out. Dalek lo hace a través su alter ego Space Monkey, con el cual interpreta su concepto de un ser humano perdido y sin rumbo en la actual y creciente ola tecnológica. Por su parte, Buff Monster juega con sus icónicos “melties”, y presenta su visión del mundo  a través de personajes amigables y paisajes que demuestran la imaginación constante y la activación de la creatividad.

Cortesía: GR Gallery

La complicidad entre ambos artistas lleva años desarrollándose, pero por cuestiones que salían de sus manos, no habían podido exponer y crear juntos. Ahora GR Gallery les brinda ese espacio, un lugar para el cual el arte urbano es esencial.

Y para darle más impresión a su primera colaboración, reinventaran el espacio de la galería, dando un toque único a su exposición, ofreciendo así un extra al público.

Cortesía: GR Gallery
¿Dónde?
Lugar: GR Gallery, 255 Bowery, Nueva York
Inauguración: jueves 8 de marzo, 2018
Hora: 6 – 9 pm
Duración: 8 de marzo – 28 abril, 2018

 

Sur-Fest 2018 regresa a una de las tierras con más flow

Blog/Español por

El encuentro internacional de grafiti y arte urbano en BogotáMedellín y Cali 

El festival independiente de grafitti y street art, Sur-Fest, que busca el intercambio cultural entre artistas urbanos, contará este año con 30 artistas invitados, 10 de Colombia y 20 de internacionales.

La primera etapa del festival se llevó a cabo del 16 al 22 de febrero en Ibagué; la segunda será del  23 al 28 de febrero en Medellín y terminará  en Bogotá del 1 al 9 de marzo.

Los artistas invitados  realizarán una intervención en cada ciudad, y una vez  culminado el evento, se premiará a los mejores exponentes en cada una de sus diferentes categorías.

Cortesía:  Rafael Perez

Es una gran oportunidad para que los artistas puedan participar en esta producción colectiva. Más que un expresionismo rural, el objetivo de este festival es reunir a gran parte de la comunidad por medio de un mensaje social, donde se pueda dar el valor  merecido a las obras y al artista.

Cortesía: Sur- Fest

Sur- Fest ha abierto un camino crucial para el arte urbano en Colombia, ofreciendo una gran oportunidad a las distintas poblaciones de poder apreciar e integrarse a este tipo de expresiones urbanas.  Es por eso que se eligieron puntos estratégicos, para expandir el mensaje a la mayoría.

Cortesía: Sur-Fest

Contará con diversas actividades, que incluyen conversatorios para intercambiar y dialogar acerca de la práctica responsable del grafiti en el país; distintos talleres con exposiciones de artísticas, así como el proceso de la transformación de comunidades gracias al arte urbano. 

Sigue de cerca los eventos y obras finalistas de los artistas en su página de Facebook.

Os Gemeos por primera vez en Asia

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Presentan la exposición Déjà Vu en Hong Kong

Desde sus humildes comienzos en la década de 1980 como escritores de graffiti en su barrio paulista de Cambuci, hasta museos, galerías y murales de todo el mundo, Os Gemeos se prepara para hito en sus carreras. El 26 de marzo, Lehmann Maupin en Hong Kong inaugura Déjà Vu, la primera exposición individual de los artistas brasileños en Hong Kong.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

La exposición —que se llevará a cabo durante la semana de Art Basel en Hong Kong— será la primera gran muestra de los hermanos gemelos Gustavo y Otavio Pandolfo en Asia. Os Gemeos buscan hacer de las exposiciones de arte experiencias inmersivas y multisensoriales. Déjà Vu rinde homenaje a la música, elemento de gran inspiración para los artistas, en particular con su instalación de sonido mixto, White Carnival (2016), donde los artistas pintaron sus icónicos personajes directamente sobre unos altavoces vintage, en una formación que se asemeja a un coro.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong
Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Al igual que los artistas surrealistas de principios del siglo XX, Os Gemeos buscan desafiar las convenciones y superar los límites del arte y la sociedad a través de la exploración desenfrenada del subconsciente y la propia imaginación.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Pinturas adicionales reflexionan sobre las experiencias vividas e imaginadas que comparten los artistas, Os Gemeos incluyeron motivos alegóricos como el agua, la luna y las estrellas, reproducidos vívidamente para conjurar un estado de sueño lúcido.

No podían faltar piezas que le rinden homenaje a la era dorada del hip hop de los años setenta y ochenta. La muestra es una especie de viaje en el tiempo para los artistas, una verdadera joya visual.

Déjà Vu estará abierta del 26 de marzo al 12 de mayo, 2018

Vhils, Pantone, Futura, Banksy y más de los grandes en Singapur

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La histórica exposición colectiva Art from the Streets se presenta en el ArtScience Museum

No hay nada como reunir a los grandes en una sola sala y ver una muestra histórica. La exposición Art from the Streets, curada por la experta en arte urbano Magda Danysz, presenta obras nunca antes vistas por las ligas mayores del mundo del street art: Banksy, Crash, D*Face, Vhils, Fab 5 Freddy, Shepard Fairey, Seen, JR, Futura, Invader, Felipe Pantone, Eko Nugroho, Ludo, M-City, and Zevs, por nombrar a algunos.

Foto: Vhils

Art from the Streets está compuesta por 200 obras que incluyen pinturas, instalaciones, bocetos, videos e incluso material de archivo de algunos de los nombres más emblemáticos del street art. En conjunto, la exposición explora el fenómeno global del graffiti, desde que arrasó en el Nueva York de los setentas hasta el día de hoy.

Foto: Stephane Bisseuil
Foto: ArtScience Museum
La exposición que se divide en 6 secciones únicas que detallan aspectos significativos del arte urbano, también muestra las diversas técnicas artísticas utilizadas y cómo las nuevas tecnologías han creado nuevos medios de expresión para los artistas. A través de Art from the Streets, el museo le dará visibilidad al trabajo de artistas urbanos emergentes del sudeste asiático.
Art from the Streets estará abierta al público hasta el 3 de junio.
 
Foto: ArtScience Museum
Foto: Stratosphere

Banksy: de la calle a la galería

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La obra del artista se exhibirá en la Biblioteca de Jacksonville

Fue en 2010 que Banksy crea “La Rata”. El icónico artista la pintó portando una boina con una estrella al medio, al estilo Che Guevara, afuera de un hotel de San Francisco.

Foto: savethebanksy.com

Fue esta obra la que Brian Greif, coleccionista y curador de arte urbano, se encargó de conservar, a fin de que no fuera usada para propósitos comerciales o la dañaran otros artistas. La obra valuada en 2 millones de dólares ha recorrido varios espacios expositivos y pronto se exhibirá en la galería Jax Makerspace, perteneciente a la Biblioteca Pública de Jacksonville.

Foto: Independent
Fuente: Just Looks

Para recibir esta pieza, la galería Jax Makerspace también albergará una exposición titulada Writing on the Walls, en la que los visitantes podrán ser testigos del trabajo de diversos artistas urbanos locales. La exposición estará abierta al público del 14 de febrero al 14 de abril. La biblioteca estará colaborando con el Centro Cultural de Jacksonville y otras instituciones para ofrecer un programa educativo a los visitantes y recomendar listas de lectura sobre el tema de arte urban.

Fuente: Dezeen

Acá te dejamos el trailer del documental Saving Banksy, realizado en 2017, que narra más detalladamente la historia de esta obra.

 

Urban Art Show en CDMX

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Tendrá a la venta obras de diferentes artistas

Urban Art Show, asociado con British Brunch Club y Mercado Mosaique, llevará a cabo el domingo 11 de febrero un brunch y bazaar de moda que también incluirá obras de arte a la venta de numerosos muralistas y artistas urbanos.

Te presentamos a algunos de los artistas que participarán en este evento para que conozcas más de su trabajo y puedas ir haciendo tu selección de obras.

Lourdes Villagomez: Artista visual mexicana.

Foto: The Best of Art, Fashion & Entertainment

Libre Gutierrez es un artista mexicano con una larga trayectoria en murales, esculturas, diseño, arquitectura y proyectos sociales.

Luisa Estrada: artista mexicana especializada en gráfica

Foto: Blogs FAD UNAM

¡Qué mejor manera de terminar la semana de arte! La cita es en el bar Crisanta, Av. Plaza De La República #51, en la colonia Tabacalera. La fiesta de apertura se llevará a cabo el sábado 10 de febrero, de 7 pm a 2 am y contará con DJs, obsequios y un cóctel de bienvenida. Y lo mejor… ¡No hay cover!

Daniel Muñoz hace residencia en Festival Asalto y crea mural con la comunidad

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“El arte no da lecciones, hace cuestionar la realidad”

Obras de Daniel Muñoz, fotografías cortesía de Ink and Movement

Festival Asalto, 2017

Daniel Muñoz es un artista español que desde los 13 años comenzó hacer graffiti y tags influenciado por la cultura del Hip Hop y del arte urbano en Madrid de la década de los años  80. Nació y vivió parte de se infancia y adolescencia en Cáceres, región que en ese entonces contaba con apenas siete mil habitantes y en donde las “firmas en las paredes” en voz del artista eran “cosas de extraterrestres, porque era un pequeño pueblo, entonces la práctica ilegal en lo rural se hacía detrás de corrales, nada que ver con lo urbano”.

Cáceres, España.
Cáceres, España.

En entrevista para ALL CITY CANVAS, Daniel Muñoz nos contó sobre su transición del graffiti y letras al neomuralismo y estilo figurativo, así como su residencia recientemente en Festival Asalto y sus proyectos a futuro.

“La Universidad Complutense de Madrid nunca me sedujo”

Interesado por el arte desde niño, cuando dibujaba en sus ratos libres, Daniel decidió inscribirse en la Facultad de Bellas Artes, la más grande de España, en la Universidad Complutense. El tomar clases con más de 80 alumnos, en donde nunca hubo una verdadera interacción entre estudiante-profesor, el artista comienza a interesarse por trabajar y es invitado a sus 18 años a exhibir y trabajar en Francia, Alemania y ciudades españolas. La escuela pasó a segundo plano.

Francia

“Ya no tenía tiempo, dejé mis estudios, leí por mi cuenta, comencé a documentarme sobre las vanguardias artísticas. La universidad nunca me sedujo”, nos contó Daniel.

Francia

La calle: un espacio comunicativo para protestar

En el 94, el artista comenzó hacer tags de manera ilegal por la noche, todo corría de manera normal, hasta que en el 95 cuando inició la transición de hacer graffiti a crear murales y esculturas en el espacio público, su trabajo comenzó a llamar más la atención, por lo cual fue arrestado a sus 14 años.

Atlanta

“Debo admitir que la calle la use para contar cosas de carácter social y político, al principio mi obra criticaba a políticos españoles. La calle es un muy buen espacio comunicativo y ese interés propio ha ido creciendo, porque ahora me interesa plasmar ´extrañezas´ en mis murales, para que a la gente les cause dudas e incertidumbre”, explicó.

Atlanta

Para el artista, su actual trabajo se focaliza en que su obra construya diálogos con los ciudadanos, no de una manera imponente o forzada, más bien reflexiva.  “Los artistas no somos misioneros”.

Atlanta

El street art está desgastado

“El street art ahora mismo no es que esté muerto, está desgastado porque parece que estamos viendo repeticiones estilísticas. Ya sabemos quién es el que siempre hace ´animalitos ´o  usa los mismos ´colores´. Vivimos en una repetición de imágenes”, opinó.

Daniel Muñoz ha estado inmerso desde hace tiempo en la investigación sobre la ciudad, como solución ante lo que él llama “la estrategia empresarial artística del street art”. El artista con base en su experiencia en el espacio público, ha concluido que el arte en la calle debe ser una responsabilidad con la gente, su entorno y consigo mismo, porque no quiere tener un estilo monótono. “No quiero aburrirme como artista. La innovación y enriquecimiento son cosas naturales del ser humano y hay que obedecerlas, aprovecharlas y vivirlas. Ya no sólo por tu obra, sino por ti mismo”, dijo.

Madrid

La residencia artística en el Festival Asalto

Durante 15 días, Daniel estuvo en el Ayuntamiento de Avilés dialogando con las 12 asociaciones vecinales, las cuales, a través de cada uno de sus representantes, le entregaron al artista fotografías, documentos y platicaron con él sobre la historia de su vecindario. El objetivo: transmitir todas esas historias en un mural que refleje la identidad del barrio.

Festival Asalto, 2017
Festival Asalto, 2017

“Lo más difícil fue separar la información, no sólo había que elegir las fotografías por los estético, ya que  había historias increíbles, como por ejemplo, los historia que te contaba la gente sobre la mezcla entre la cultura musulmana y europea,  cuando se luchó porque la mujer dejara de ser como una ´moneda de cambio´ entre musulmanes, etcétera. El mural es un retrato de esa pequeña identidad que cada vecino me dio”, contó.

Investigación para Festival Asalto, 2017
Investigación para Festival Asalto, 2017

El trabajo final del artista se hizo con base en las fotografías que le fueron entregadas que contaban la historia del puerto, de la llegada de españoles del sur al norte, la construcción de la ciudad, no sólo a través de la arquitectura, sino de las propias historias de vida de su residentes.

Investigación para Festival Asalto, 2017

Lo que sigue para Daniel Muñoz

“Murales en Estados Unidos, la publicación de un libro junto a otros dos amigos que plasmamos nuestra visión sobre el Street art, una residencia en Brasil, una exhibición en Portugal y lo que más venga en el camino”.

 

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