STREET CULTURE

Tag archive

Instalación

El Espíritu de la ciudad: La nueva instalación site specific

Blog/Español por

Un trabajo que refleja lo mejor de la instalación, cada vez más presente en lo urbano

Cortesía: BMW Group

En el barrio de Greenpoint de la consagrada como referente cultural del mundo: Brooklyn, fue montada la instalación site specific Spirit of the City, dentro del espacio creativo A/D/O.

Cortesía: BMW Group

Creada por los el colectivo originario de la Gran Bretaña United Visual Artists (UVA), que intenta explorar las sensaciones y reacciones que la gente tiene cuando se descubre y navega en nuevos ambientes urbanos.

Cortesía: BMW Group

En un destechado espacio, la instalación recoge un poco la tendencia que busca crear espacios virtuales a través del material y que intervengan de manera relevante y espacial en lo cotidiano. Además de explorar nuevas visiones a través del reflejo, la Luz y la sombra, donde el individuo es participante clave para que la pieza de arte logre los cambios estéticos que la dotan significado.

Cortesía: BMW Group

Las columnas con movimiento propio buscan ser una metáfora que asemeje la sensación de entusiasmo y sorpresa, que cualquier viajero puede tener cuando explora la urbanidad de cualquier nueva ciudad, siendo así una delicada conversación entre los 3 elementos.

El colectivo creador UVA es ya un experimentado dentro de la creación de instalaciones site specific de gran escala, así como en escultura y piezas de diseño. Intentan examinar el uso inteligente de las tecnologías creando arte que trascienda lo físico meramente, y logre el debate entre lo relativo y personal que puede ser nuestra experiencia frente a su trabajo.

Cortesía: BMW Group

Phillip K. Smith III: de arquitecto a instalaciones artísticas

Blog/Español por

Conozcan al creador que está abriendo portales a través del arte

Cortesía: pks3

Phillip K. Smith III es un artista que graduado de arquitectura, es ya muy reconocido por su trabajo creando instalaciones temporales a gran escala. Con su particular estilo está fusionando dos áreas que parecieran ajenas.

Sobresaliente no solo por ser visualmente increíble, sino tambien se distingue por haber logrado ir en contra del modelo “galería”; exhibiendo sus piezas en Instagram, y logrando online funding para financiar los resultados finales; los mismos fans a los que debe la mayoría de su fama actual.

Cortesía: pks3

Originario de California, su obra pareciera intentar explorar el reflejo como herramienta de ampliación de ambientes, abriendo posibilidades de visión  y en el imaginario, particularmente en espacios tan abiertos como los desiertos de Palm Springs.

Trabajos como 1/4 Mile Arc dónde extiende una serie de espejos a lo largo de la orilla de Main Beach, que parecieran dejar que el ambiente decida el resultado final de la pieza; cobra vida por si sola al depender de la interacción del espectador.

Cortesía: pks3

También está el espacio que diseñó para el festival Coachella, en el 2016 titulada Portals, donde de igual manera el resultado final, es el espectador quien decide como recibir esta combinación de arquitectura y arte digital.

Cortesía: pks3

Pareciera que toma las bases de cada rama para agregar un poco de experimentación a sus ambientalistas proyectos, que envuelven por poseer gran formato, y ofrecer una vista totalmente nueva de los espacios en las que están montadas.

Cortesía: pks3

Revolucionario en lo estético y propositivo en sus maneras de exhibición, se enfrenta a teoremas contemporáneos del arte, dónde se haya un dilema frente a la comercialización y elitismo del arte en general; demostrando que el arte es mas poderoso cuando es del humano para el deleite humano por naturaleza.

Trump encerrado en una celda en su propio Hotel

Blog/Español por

Indecline realiza instalaciones en contra del presidente Trump

El colectivo Indecline decidió rentar una habitación en el Trump International Hotel and Tower y crear una instalación subversiva que representa al ahora presidente de Estados Unidos esposado en una celda junto a unas ratas.

Cortesía: Indecline

La instalación llevó por nombre “The people´s Prision” y representó al presidente #45 de los Estados Unidos  esposado en una celda junto a  restos de comida de McDolnalds, además de otras referencias políticas y una colección de banderas.

Estás banderas intervenidas por 12 artistas como Molly Crabapple, Ann Lewis, LMNOPI y Panic Collective, representan a 12 activistas a nivel mundial, entre los que se encuentran Muhammad Ali, Leonard Peltier, Angela Davis, Hunter S. Thompson y Howard Zinn, Activistas que admiran los pertenecientes a Indecline.

Cortesía: Indecline

Fue un trabajo que se tuvo que realizar durante menos de 24 horas y el proceso quedo grabado en un pequeño documental donde se ve desde el proceso de la entrada a la habitación, el juntar las ratas vivas, la comida de mc donalds y el montaje de la instalación.

Bajo el nombre de Hyperallergic, un perteneciente del colectivo, declaró que se trata de un caballo de troya, un ataque directo “Queríamos hacer algo en las entrañas de la bestia”.

Cortesía: Indecline

Al retirarse, el colectivo expresó que esta instalación no debería traer problema alguno a los empleados, ya que ellos solo cumplen su función de rentar habitaciones, además de aclarar que después de su partida, no hubo rastro alguno de que la instalación fue colocada en ese cuarto de hotel.

Cortesía: Indecline

El colectivo Indecline es también conocido por realizar un cementerio en el campo de golf Bedminister de Trump, “Ku Klux Klowns”, que fue una instalación de miembros del KKK colgados de un árbol y hasta colocar estatuas de un Trump desnudo en varias ciudades de Estados Unidos durante las elecciones de 2016.

Cortesía: Indecline

Para que esta exhibición no quedara solo en la memoria la instalación se encontrara del 11 de abril al 11 de mayo en Gallery 30 South, en Pasadena, California.

Revolución, Arte, Protesta o no temerle a la muerte, ¿Cómo lo llamarías tú?

La nueva “Mastaba” flotante de Christo

Blog/Español por

7,506 barriles serán usados para esta instalación

El pasado 3 de abril, el nuevo proyecto flotante de Christo, en Hyde Park de Londres comenzó a desarrollarse, esperando se inaugure el 18 de junio y se encontrará sobre las aguas londineses hasta el 23 de septiembre del 2018.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Se trata de una mastaba a base de barriles que tendrá 20 metros de altura y una medida base de 30 x 40 metros, esta escultura tiene como objetivo ser una obra que pertenezca a todos los habitantes que visiten aquel lago serpenteante.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

La parte superior y los lados inclinados serán de color rojo y blanco, mientras que los extremos visibles, perteneciente a los barriles, estarán entre gamas de rojos, azules y malva, dándole así un contraste con el color del lago.

7,506 barriles serán usados para dar vida a esta plataforma, y son financiados por el dinero recaudado en la venta de obras anteriores y exposiciones que han recaudado fondos del artista de origen Búlgaro.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

Esta instalación coincidirá con una exposición que documenta el trabajo del artista y su difunta esposa Jeeane-Claude, en Sepertine Gallery. La exhibición estará abierta al público del 19 de junio al 9 de septiembre. Para esta exposición el artista también está colaborando para el desarrollo de estructuras, fotografías y dibujos que documentan más de 50 años de trabajo.

Christo and Jeanne-Claude

“The Mastaba” fue originalmente realizada cerca del desierto de Abu Dhabi en 1977 y lo realizó junto a su esposa, uniendo 410,000 barriles, dispuestos a resaltar la arquitectura islámica.

Ahora, esta obra remonta aquella instalación y el trabajo que han tenido a los barriles como parte esencial de composición y base para desarrollar actos de resistencia y protesta.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

La obra de Christo tiene la característica de ser extravagante, junto a su esposa realizaron la cobertura de grandes edificios y monumentos con tela de colores, creando obras ambientales y muy visuales.

Cortesía: Christo and Jeanne-Claude

¡Artistas al grito del arte!

Blog/Español por

5 artistas que usan el arte como herramienta de transformación social

Ante un mundo hostil, el trabajo del artista revoluciona. El arte contemporáneo, a menudo es usado como herramienta de transformación social. En Latinoamérica no son pocos los problemas que atañen al artista. Todas estas problemáticas, como la discriminación de género, las fronteras, las diferencias de clase y el deterioro del ambiente, alientan a creadores que se desarrollan en distintas disciplinas artísticas a manifestarse a través de lo que mejor saben hacer.

Las múltiples crisis que padece México actualmente hacen que los artistas contemporáneos nacionales e internacionales inviten a repensar la realidad a través de su trabajo. Todos los problemas tienen que ver con una frontera, un obstáculo que se tiene que vencer.

Estos cinco artistas representan esta lucha a través de su arte, usándolo como forma de protesta.

  • Javier Téllez – One Flew Over the Void (Bala perdida)

El concepto de esta pieza-performance gira en torno a las fronteras de todo tipo, materiales y mentales. El artista venezolano Javier Téllez trabajó con pacientes del Centro de Salud Mental en Mexicali, Baja California. Inspirado en la icónica figura circense del hombre-bala, el artista, junto con su equipo de trabajo, culminó su performance lanzando a Dave Smith, el hombre-bala más famoso del mundo, a través de la frontera entre Estados Unidos y México, de Tijuana a San Diego.

Foto: Remezcla

Chequen el performance en el canal de YouTube “Herby”.

 

2. Lapiztola – Sembremos sueños, cosechemos esperanzas

Esta imagen, además de ser sumamente llamativa, esconde en sí un significado grandísimo. Fue pintada en Oaxaca de Juárez, con técnica de esténcil en 2015. Sembremos sueños, cosechemos esperanzas nos muestra a una niña mixteca sosteniendo un corazón. Debajo de ella, se lee una frase de Bety Cariño, activista Mixteca asesinada en 2010:

“Hermanos, hermanas, abramos el corazón como una flor que espera el rayo del sol por las mañanas, sembremos sueños y cosechemos esperanzas, recordando que esa construcción sólo se puede hacer abajo, a la izquierda y del lado del corazón”.

Foto: Cultura Colectiva

3. Proceso Pentágono, Serpientes y petróleo

Proceso Pentágono es un colectivo artístico que se integró formalmente en 1976 y continúa activo. A partir de intervenciones e instalaciones, abordan temas del panorama político de México y América Latina, como la represión, la tortura y la desaparición forzada. Producen arte experimental, comprometido con las luchas populares. Intervenir espacios no académicos, es su forma de manifestarse en contra de la elitización del arte.

Foto: Revista Código

4. Rafael Lozano-Hemmer, Nivel de confianza

Esta instalación hecha en 2015 aborda una de las representaciones más crueles de la desaparición forazada. La pieza muestra el rostro de los 43 estudiantes desaparecidos de la Escuela Normal Rural “Raúl Isidro Vargas” en Ayotzinapa, Guerrero.

A través de un software gratuito que puede descargarse desde distintos dispositivos electrónicos. Frente a una cámara, identifica tus coincidencias faciales con el rostro de aquellos estudiantes. Sin duda, una forma revolucionaria de hacer arte, donde la tecnología toma parte para lograr empatía. Aunque, como dicen, nadie experimenta en cabeza ajena.

Foto: Revista Código

5. Mónica Mayer, El Tendedero

El Tendedero, instalación creada por Mónica Mayer en 2016, es una sátira al rol de género que se ha asignado a la mujer en los espacios de limpieza, y además  una protesta contra el acoso, la violencia y demás manifestaciones machistas a las que las mujeres se enfrentan diariamente. A través de esta instalación, se reúnen distintos testimonios de mujeres y niñas que escriben, por ejemplo, la edad a la que fueron acosadas por primera vez. Una instalación impactante y poderosa, que demuestra que lo personal es político.

Foto: Washington Post
Foto: Cultura Colectiva

Ante un mundo hostil, que el arte nos salve.

A Forest where Gods Live: la mejor instalación de Japón del 2017

Blog/Español/Exhibiciones por

La exhibición cuenta con 14 instalaciones que enaltecen y amplifican los rasgos de la naturaleza que intervienen

Fotografías Design Boom

A Forest where Gods Live es la última exhibición de Teamlab, colectivo interdisciplinario japonés reconocido mundialmente por su tecnoarte. Se compone de más de una docena de instalaciones digitales en el antiguo parque Mifuneyama Rakuen, ubicado al oeste de la montaña Mifune, en la prefectura de Saga, Japón. Su trabajo, que supera las expectativas de una exhibición de arte ordinaria, no sólo da una sensación de paz, sino que crea una atmósfera en donde se tiene la impresión de estar en un lugar encantado.

La exhibición cuenta con 14 instalaciones, las cuales están en armonía con el ambiente en el que se encuentran, enalteciendo y amplificando los rasgos de la naturaleza a la que intervienen. El recorrido se realiza diariamente y comienza a las 20 horas en el estanque del Mifuneyama, en donde se traslada a la gente en pequeños botes.

El estanque cuenta con un fulgor azul y peces koi digitales programados para aparecer y nadar al ritmo en que se mueven las pequeñas lanchas. Después de unos minutos, los peces dejan rastros de colores vibrantes en el agua, que crea una ilusión caleidoscópica por 13 minutos.

Un angosto camino de escaleras de piedras lleva a la siguiente intervención, la cual es una proyección sobre una roca milenaria que forma una  cascada y alude al kami Inari Daimyojin, una de las principales entidades del sintoísmo: es la deidad de los zorros,  la fertilidad, el arroz, el té, el sake, la agricultura y la prosperidad. La programación de la cascada fue calculada con el movimiento físico del agua, por lo que cambia si algún visitante toca la roca.

teamlab mifuneyama

Entre las demás instalaciones se pueden ver piedras que respiran luz en las partes profundas y obscuras del parque,  una roca con flores naciendo y marchitándose de manera cíclica para representar el ciclo de la vida, y una “caligrafía espacial”, en donde la práctica ensō, que consiste en  dibujar un círculo con un pincel para liberar al cuerpo y permitir a este crear, es articulado de manera tridimensional en la superficie de una roca inmensa.

teamlab mifuneyama

La exhibición es presentada por Shiseido, marca de cosméticos japonesa que apoya a las artes y su desarrollo, para presentar su nueva línea de productos para el cuidado de la piel, WASO.

 

Increíble instalación hace que artista camine sobre el mar

Blog/Español por

La instalación en el mar, crea la ilusión de caminar sobre el agua

Fotografìas tomadas del instagram @newyorksunshine y la página designboom

John Margaritis es un diseñador y artista multidiscliplinario, amante de las olas y el mar. Su última instalación crea la ilusion de caminar sobre el agua.

Para la creación de esta instalación, el artista tuvo que considerar el escenario natural que alberga la pieza: elementos como la marea y el viento intervinieron en el proceso para colocar un cubo de espejos que pudiera generar la sensación de caminar sobre el agua.

Después de varios intentos, Margaritis y su equipo lograron que las olas y el cubo convivieran, y así conectar de una forma diferente con el mar. Cumplir con la misión tomó dos meses y en el proceso, el primer modelo del cubo no resistio la fuerza del oleaje.

Walking on water se titula la obra y es una metafóra de lo imposible. En esta pieza, Margaritis juega con la física, el agua y las olas del mar a través del diseño y la arquitectura.

Margaritis también es el fundador de  New York Sunshine , marca de ropa inspirada en el concepto de street wear neoyorkino que combina estilos con deportes como el básquetbol y el surf.

 

Con  información de designboom

 

La intervención artística más larga en Francia

Blog/Español por

Elian Chali se apodera de la arquitectura de un estacionamiento en Francia

Elian Chali, artista argentino de arte urbano contemporáneo, inauguró su más reciente intervención en la región francesa de Saint Gervais. El montaje resulta imponente por la forma en la que Chali adaptó la arquitectura del espacio, además de su extensión, ya que abarca todo un piso, siendo la más larga en un estacionamiento francés.

El estilo principal del artista es crear una atmósfera creada en los espacios que interviene, a través de la utilización de colores primarios para construir un arte anamórfico, es decir, que se convierte un objeto aparentemente multidimensional cuando se ve desde un punto en particular.

Para Chali es importante construir este tipo de intervenciones ya que con ellas demuestra la interacción que se puede tener con la arquitectura a través de intervenir los espacios públicos. Mencionó lo interesante e inspirador que resulta  para una persona encontrarse con una obra de arte urbano en su rutina habitual.

Ir a Arriba