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Las obras surrealistas de Woodcum

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Impresionantes collages fuera de este mundo por Philipp Igumnov

Artista ruso crea increíbles obras surrealistas a través del collage, la ilustración y la fotografía dándole vida a ingeniosas imágenes, situándose en un mundo en donde el humor y lo poco probable son completamente apreciables.

Cortesía: NeoTeo

Philipp Igumnov mejor conocido como “Woodcum”, fue inspirado cuando era tan solo un joven de secundaria  por su profesor de inglés el cual constantemente repetía la palabra “vendría” con un tic característico.

Cortesía: Pinterest

Ha adoptado un estilo muy peculiar, tomando como ejemplo a distintos artistas que han realizado trabajos similares en el arte digital, haciendo un proceso de interacción entre la fotografía retro y la manipulación de la imagen.

Cortesía: SIngenio Blog

Igumnov se especializaba únicamente en la ilustración al descubrir este nuevo método, su trabajo se centró específicamente en el diseño de imágenes ensambladas con las que ha logrado realidad y claridad, cosa que con la ilustración en ocasiones no lograba.

Cortesía: Neoteo

Sin duda este artista crea perfectos ensambles fuera de la realidad, con humor, magia y creatividad, en los que observaremos aliens, mujeres con cabeza de flor y hombres del espacio con un mensaje especial, todos situados en una época distinta a la que conocemos.

Cortesía: Nuncalosabre

Actualmente sus trabajos se exhiben en su Flickr, blog y se pueden adquirir algunas de sus impresiones.

¡Conoce una forma novedosa de interpretación de la  imagen con Woodcum!

Las ilustraciones de Vera Ying Yang

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Ilustradora feminista le da voz a sus artísticas obras mediante empoderadores y reivindicativos mensajes

Vera Ying Yang es una ilustradora española que ha llamado la atención del público por sus contundentes imágenes enfocadas en el feminismo con mensajes ideológicos en contra de la opresión.

Cortesía: Oldskull

En cada muestra implementa varios colores con predominante rosa, usando varias técnicascomo la pintura acrílica, el arte digital y spray, aprovechando al máximo los diferentes materiales y formatos para expresarse. 

Cortesía: Oldskull

Sus ilustraciones contienen fuertes mensajes sociales y en sus palabras ha confesado estar hasta los “ovarios” de la opresión en contra  del sexo femenino, expresando su rabia y pretendiendo fomentar el derecho de las mujeres para darles voz dentro de la sociedad que por años las ha mantenido en silencio.

Cortesía: culturainquieta

En sus obras Vera hace uso de frases que resultan ser el marco perfecto para el entendimiento de su postura ideológica, la cual  sin lugar a dudas es el trabajo de una mujer que cansada de la injusticia ha decidido luchar día con día, tratando de hacer un mundo justo para todos. Haciendo uso de su talento artístico como recurso fundamental para el cambio.

Cortesía: culturainquieta

¡Conoce el arte de Vera Ying Yang y sus mensajes reivindicadores!

 

 

 

El humor de Joan Cornellà en Corea del Sur

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Esta es la segunda exhibición en solitario del español

El ilustrador español, Joan Cornellà, inauguró este mes de abril en Studio Concrete en Corea del Sur su segunda exposición individual, llena de sus personajes irreverentes, con un humor cínico y ácido.

Sus personajes rosados y siempre sonrientes estarán exhibidas en Seúl, Corea del Sur, bajo el nombre de “JOAN COMIX”, además de algunas ilustraciones ya populares, nuevas obras forman parte del repertorio gráfico del español.

Cortesía: Joan Cornellà

Estas ilustraciones son un ejemplo de la versatilidad que puede tener cualquier obra artística y que la temática para plasmar, siempre va a ser libre, a pesar de tener un toque de irreverencia, mostrando que la autocensura es el peor enemigo del arte.

Entre todo lo que ofrece el ilustrador, se encuentran historietas, posters y una que otra escultura que da una dimensión diferente al humor plano que muestra en sus obras.

Cortesía: Joan Cornellà

Temas que van desde la violencia, el amor y la política, siempre vistas dese un punto de vista con humor negro, en 66 carteles, número total de obras para la exhibición, además de aditamentos que hacen más rica e interesante la exposición.

Las obras más destacadas de esta exhibición son retratos del gobernante de Corea del Norte Kim Jong haciendo figuras de corazón con sus manos y una persona con el letrero de abrazos gratis, pero sin brazos.

Cortesía: Joan Cornellà

A pesar de tener una carrera que apenas llega a los 10 años, el ilustrador se ha hecho famoso en las redes sociales, principalmente en la página que difunde más su trabajo, conocida como Ordure bizarre.

Y de esta forma llega al público indicado, intentando no herir susceptibilidades de cualquier persona a la que se le quiera mostrar estas ilustraciones y llegando a quien realmente se lo tomara por la parte de humor sin crear tanto ruido de forma negativa.

Cortesía: Joan Cornellà

Aquí también hay una pregunta que dejamos al aire, ¿Por qué un artista español de esta índole tiene mayor oportunidad de hacer exposiciones en solitario en países de oriente, que en países de habla hispana?

Ilustradores mexicanos reinventan clásicas bebidas

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Conoce a los artistas creadores de ilustraciones para el ron Zacapa

Cuatro talentosos artistas se reúnen para la creación de diseños innovadores, con motivo del lanzamiento del nuevo Zacapa Ambar.

Los artistas seleccionados fueron Minerva GM, Roberto Sánchez, Guillo Castellanos y Melissa Flan, cada uno de ellos con el estilo del estado al que pertenecen, reinventando ilustraciones para famosos cócteles.

Con bebidas como la cuba libre, el daiquiri, la piña colada y el mojito, hacen uso de la creatividad para mostrarnos su talento y su dominio en distintas técnicas.

Imágenes por: Zacapa

A continuación te presentamos a cada uno de los artistas encargados de las ilustraciónes:

Minerva GM  (@minervagm) es originaria de Toluca en el Estado de México, trabajó durante 8 años en el diseño editorial de distintas revistas, actualmente reside en Playa del Carmen en donde sigue realizando colaboraciones.

En esta ilustración hace uso de la feminidad y el color para darle un giro completamente diferente a la cuba libre, presentándonos una forma fresca y divertida de interpretar esta bebida.

Cortesía: Zacapa

Roberto Sánchez (@robsoart) es de Jalisco, a lo largo de su carrera se ha desarrollado en la intervención fotográfica, el live sketching, la ilustración editorial y la moda. Él ha escogido la piña colada, dándole un toque único y original a la bebida, que a pesar de su simpleza es catalogada uno de los tragos favoritos en la sociedad.

Cortesía: Zacapa

Gillo Catellanos (@gillo_castellanos) es de Guadalajara desde muy chico comenzó su pasión por la creación de imágenes, ha colaborado con distintas agencias publicitarias, lo que lo llevó a seguir el camino de la ilustración y crear increíbles piezas. En esta ocasión él ilustra un mojito, haciendo uso de los colores, el contraste y la fantasía, lo que nos da como resultado una ilustración alegre y atractiva.

Cortesía: Zacapa

Por ultimo tenemos a Melissa Flan (@elyelyilustra) originaria de Aguascalientes, con residencia en la CDMX. ElyEly como es conocida, es una ilustradora freelance, ha desarrollado ilustraciones multimedia, editorial, murales, branding y muchas más.

Ella nos muestra el daiquiri,  a través de los colores, el uso de elementos naturales y la abstracción.

Cortesía: Zacapa

¡Conoce y comparte el trabajo de estos talentosos artistas!

Señalamientos ilustrados en el Barrio Chino de NY

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La historia de los residentes y visitantes de Chinatown en creativas imagenes

Creados por la diseñadora e ilustradora Dingding Hu, quien ha caracterizado su carrera en ser una fiel amante de la observación de la vida diaria. La artista logra crear novedosas señalizaciones públicas haciendo una mezcla importante entre sus personajes, el acontecer diario y los objetos que los rodean.

Estas intervensiones se llevarón a cabo en colaboración con el Museo Chino en Estados Unidos (MOCA), el departamento de arte de NYC DOT  y Dingding, quienes se encargaron de llenar de imágenes de color basadas en la vida de los habitantes de Nueva York, que actualmente se puede disfrutar por las calles del barrio chino de Manhattan.

Cortesía: lonelyplanet

Su creación pretende atraer aún mas la atención de turistas y visitantes amantes de la comida asiática y su cultura, con carteles que poseen un atractivo contenido, lleno de diversión que invita a los ciudadanos a formar parte importante de Chinatown y la diversidad de actividades que en su espacio se pueden realizar.

Cortesía: designboom

Denominado “Bienvenido a Chinatown”, se puede encontrar en las 7 entradas de Chinatown,  esta conformada por una pieza de vinilo ubicada en el Chinatown Kiosk de Canal Street y Walker Street, una malla metálica  bajo el puente de Brooklyn y 45 carteles de aluminio en cada uno de los postes.

Cortesía: designboom

Dingding Hu argumenta haber paseado por el entorno, retratando momentos en cada una de las calles y llevandolos a su estudio personal para así desarrollarlos y lograr que estos cuenten una historia. Tomando como referencia importante acontecimientos, datos sobre la interacción del lugar, haciendo una mezcla de colores fascinantes para la comunidad local.

Cortesía: lonelyplanet

Estas creativas ilustraciones estarán presentes en Chinatown durante 10 meses, para que los ciudadanos locales y turistas puedan apreciarlas y observar desde una danza con dragones, hasta personas disfrutando de actividades recreativas.

Pictoline convoca a la Primera Bienal de Ilustración en México

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Ilustraciones artísticas con los mejores exponentes del medio

La convocatoria está abierta para todo el que desee participar, la única condición es que las obras participantes deben de ser inéditas y personales, cualquier obra que quisiera formar parte de la bienal, debería de haber sido realizada del 2016 a la fecha.

La etapa de inscripción comenzó el  23 de febrero y si no te has registrado, aún hay tiempo ya que el cierre de convocatoria será hasta el 27 de marzo del 2018 a las 23:59 (hora del centro CST).  Además por si fuera poco el premio en efectivo, las obras que resulten ser ganadoras, tendrán un lugar especial en el Centro Cultural Digital.

 

Cortesía: Pictoline

 

Pictoline es un equipo de 13 personas, conformado por ilustradores, programadores, editores y gerentes de marca. Es una estructura orgánica que sirve como incubadora de proyectos gráficos potenciales, es digamos, una plataforma donde creadores visuales se encuentran para que sus ideas se materialicen en proyectos.

La Bienal de Ilustración en México, evento lanzado por Pictoline, trata de una colaboración de varios autores nacionales experimentados por brindar un espacio en el que se den oportunidades a las nuevas propuestas artísticas y estéticas contemporáneas, en formatos físicos y digitales con gran potencial para trascender en lo visual y en lo social.

(Da clic a la imagen y observa el video promocional)

Cortesía: Vimeo

 

Cortesía: Bienal de Ilustración

Las obras que resulten en primer lugar serán reconocidas con dos premios económicos con valor de $115,ooo pesos, se espera que esta primera edición no solo reúna a una gran cantidad de talento,  sino que ayude a consolidar a México como una referencia de la ilustración a nivel mundial.

Cortesía: Bienal de Ilustración

El jurado será de talla internacional y de primer nivel, los cuales serán los encargados de elegir a los ganadores, personajes como por ejemplo:

Cortesía: Garybaseman

Gary Baseman, es uno de los artistas más influyentes de la cultura pop, además es pintor, diseñador de juguetes e ilustrador.

Cortesía: Malika Favre

La diseñadora gráfica, Malika Favre, ilustra el poder de las mujeres, se ha consolidado en el mundo editorial y de moda.

Cortesía: Widewalls

Mcbess, es un reconocido ilustrador procedente de francia, maneja un estilo muy monocromático basado en caricaturas retro.

Cortesía: Google

Metthew Cruickshank este diseñador de origen Ingles, es un artista, ha trabajado para empresas como Disney y Warner Bros, actualmente colabora con el equipo de Google Doodles.

Cortesía: Cultura Impopular

Los autores cuyas obras hayan sido seleccionadas por el jurado como finalistas podrán consultarse en la página oficial

www.bienaldeilustracion.com donde también podrás ver a detalle las bases y condiciones de este atractivo y artístico evento.

“Ixchel y su Melena” una exposición llena de pasión e imaginación

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Ilustraciones del libro infantil de Alejandra Mijares y Jaime Mijares en El Rojo de Tacubaya

La exposición de las ilustraciones creadas para el libro infantil Ixchel y su Melena realizado por los hermanos Alejandra y Jaime Mijares se presenta en la galería El Rojo de Tacubaya en la CDMX hasta el 15 de marzo.

A los 28 años, Jaime, distinguido por muchos al ser una persona sociable y amante de la literatura, concluye esta pieza que corresponde a uno de sus tantos proyectos literarios, en el que nos muestra un estilo literario único, claro, sencillo y breve, abriendo paso al desarrollo de una gran historia marcada por la valentía, la aventura y la enseñanza.

Cortesía: Alejandra Mijares

Alejandra, apasionada de las artes visuales a muy corta edad, es  impulsada por el deseo de continuar y llevar a cabo la obra de Jaime  por lo que dedica 3 años a su ilustración. En cada una de sus obras, con un choque de pasión e incontrolable imaginación,Alejandra abre ventanas a mundos nuevos, implementando un ojo critico y sin duda, una chispa  debajo de cada una de las capas de pintura.

Cortesía: Alejandra Mijares

Ixchel y su Melena es un cuento fantástico que nos relata la historia de una niña y su magnifica melena, quien se embarca en un viaje por el inframundo en busca de una fruta que promete salvar la vida de su madre, utilizando tres regalos dados por su padre antes de su partida.

Cortesía: HotBook

La historia transmite enseñanza sobre la convicción de una hija y su valentía al enfrentar adversidades plasmando un relato sobre el sacrificio y la lucha por el bienestar de los seres queridos.

 

¿Dónde?

Lugar: Galería El Rojo de Tacubaya

Dirección: San Miguel Chapultepec, CDMX

Duración:  Del 15 de febrero al 15 de marzo

Horario: Lunes a Viernes 11 am a 6 pm, Sábados de 12 pm a 3 pm

 

Los artistas fallecidos del 2017

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Entre ellos se encuentran figuras que rompieron paradigmas en el arte de México y el mundo

El 2017 ha sido un año que se ha caracterizado por llevarse a figuras muy queridas en el ámbito de la música, la pintura y el arte en general.  Este es un recuento de aquellos que serán recordados por destacar al imponer grandes cambios en el arte nacional e internacional.

José Luis Cuevas

Fue un escultor y pintor de la Ciudad de México, considerado un visionario y un rebelde para su época.

También es un representante de la Generación de la Ruptura,  un grupo de jóvenes que radicaban en México en la década de los 50 y que dejó a un lado la cultura hegemónica de la pintura en México desde la Revolución Mexicana, que se componía de trabajos plásticos con un contenido de izquierda, nacionalista y revolucionario, para  imponer nuevas vanguardias artísticas mexicanas con una visión más cosmopolita y abstracta.

Cuevas nombró Zona Rosal al corredor turístico ubicado cerca del Paseo de la Reforma; en dicho lugar realizó Mural Efímero, una obra que alude a las palabras del José Clemente Orozco sobre el estado perecedero de los trabajos artísticos que se realizan en espacios públicos. Entre otras de sus obras destaca el trabajo que hizo sobre lámina en apoyo al movimiento de estudiantes en el 68 y La Giganta, una escultura ubicada en el museo que lleva su nombre e inauguró en 1992.

Ramón Valdiosera

Fue un escritor, diseñador y pintor veracruzano que se desarrolló en el área del cine, la ilustración, la historieta y la moda. Es conocido por crear el color rosa mexicano y por posicionar a México como un lugar que expresa a su cultura por medio de la moda en el mundo.

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Boutique, una exhibición realizada por el artista, hizo historia por ser la primera exposición en un museo de México sobre moda.

Fundó la Academia Mexicana de Arte Secuencial (AMAS), Estudios América, y el Museo de la Moda en Zona Rosa. Recibió dos Arieles por sus filmes Himno Nacional (1948) y Los hombres pájaro (1949),  y tuvo su propia línea de ropa que estaba disponible en 14 tiendas alrededor de la república y una en Beverly Hills. El último trabajo que realizó fue una serie de murales para la Línea 12 del metro de la Ciudad de México.

Felipe Ehrenberg

Ehrenberg era un diseñador, escultor, pintor y dibujante mexicano, pionero en el arte contemporáneo y fundador del colectivo Tepito Arte Acá.

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Fue embajador de México en Brasil del 2001 al 2006 y director en relaciones internaciones de la Televisión América Latina (TAL). A lo largo de su vida, recibió becas como la Guggenheim y la Fullbright.

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El artista siempre pensó al arte como medio para entablar un diálogo con la gente que lo rodeaba.

Richard Hambleton, “Shadowman”

También conocido como  Shadowman, fue uno de los artistas conceptuales y urbanos más aclamados en la época de los 80 por las siluetas que realizaba de manera misteriosa en distintos edificios en Manhattan con pintura negra.

Al poco tiempo, sus obras, junto con las de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, fueron consideradas arte y sirvieron como inspiración para las siguiente generación de artistas urbanos en Nueva York y el mundo. Sus siluetas alcanzaron otros materiales, como el lienzo y el papel, lo cual le brindó el reconocimiento internacional que ahora tiene.

Lamentablemente, el artista vivió gran parte de su vida en una batalla en contra de las adicciones, que lo alejó de la escena del arte varios años y lo llevó a vivir en la calle. Cambió un tiempo a las siluetas por pintar paisajes, pero un “redescubrimiento” lo llevó a retomar su obra más aclamada hasta su fallecimiento.

Barkley L. Hendricks

Hendricks era un pintor  y fotógrafo estadounidense que incursionó en el retrato africano: un cambio de paradigma en su país, debido a que la gente de color todavía era vista con inferioridad en la década de los 60.

Su estilo fue realista y posmoderno, desde sus inicios en la pintura hasta el fin de sus días.  En sus retratos y pinturas, y a veces en poses no tan naturales, el artista presentaba a la cotidianidad de la comunidad afroamericana en Estados Unidos.

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Entre sus últimos trabajos, se encuentra Birth of the cool, exposición itinerante  que ha recorrido diversos espacios dentro de su país, desde el Museo de Arte Nasher en Carolina del Norte, hasta el Museo de Arte Contemporáneo en Houston, Texas.

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Danny Hogg, “Cool ‘Disco’”

Conocido también como Cool “Disco”, fue un artista urbano de Washington en la década de los 80,una época muy difícil para ejercer el arte en espacios públicos, debido a que el lugar era conocido en esa época como “la capital del asesinato”.

El artista siempre estuvo apegado al arte. Desde pequeño dibujaba, pero fue hasta su adolescencia que comenzó a hacer graffiti en distintos edificios de su ciudad.

Aunque dejó el graffiti en el 2000, el artista tuvo un sorpresivo regreso en el 2013 para el estreno de The Legend of Cool “Disco”, un documental que consigue contar la historia de Washington en esas épocas por medio de la vida de Hogg.

Eduardo del Río, “Rius”

Fue un caricaturista michoacano, que se dedicó a la sátira política gran parte de su vida que firmaba bajo el pseudónimo de “Rius”.

Su obra se compone de cientos de publicaciones. Entre sus libros más conocidos se encuentran Los Supermachos (1990) y Los agachados (1997).

Rius pensaba en su material gráfico no sólo como una forma de hacer que la gente se diera cuenta de cosas que en México se realizan con impunidad por medio del humor, sino que lo concebía como un puente para que las personas se interesaran en leer.

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OBEY GIANT: Documental sobre la vida de Shepard Fairey

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James Franco y James Moll producen la obra para Hulu

OBEY GIANT, documental producido por el director de cine James Moll y el actor James Franco, sobre la vida y obra del artista urbano Shepard Fairey ya está disponible en Hulu.

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El documental hace un recorrido de la carrera del artista desde sus principios en el punk rock y el skateboarding, hasta la creación de su icónico póster de Barack Obama con la leyenda “HOPE”, el cual capturaba el optimismo de la campaña presidencial del ahora ex presidente de los Estados Unidos, pero le provocó problemas legales a Fairey posteriormente.

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El día del lanzamiento del documental, Fairey inauguró Damaged, su más grande exhibición hasta el momento. El evento se realizó en un almacén en China Town de Nueva York, exponiendo 200 pinturas, impresiones e ilustraciones que tocaron distintos temas, como las políticas destructivas del medio ambiente en su país, y la vida de excesos en Wall Street.

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Christoph Niemann presenta exposición en Nueva York

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El artista es conocido por sus colaboraciones en  The New Yorker y The New York Times

Christoph Niemann

La SVA Chelsea Gallery en Nueva York estará exhibiendo una recopilación de la obra del ilustrador Christoph Niemann. Entre sus trabajos se encuentran portadas en The New Yorker, WIRED y The New York Times Magazine.

La exposición individual es parte de la 29 ° entrega anual del Master Series Award de la New Yorker School of Visual Arts. Ha ganado premios como AIGA, el Art Directors Club y The Lead Awards.

El nombre de la exposición es The Master Series: Christoph Niemannm, y cuenta con ilustraciones, portadas de revistas, animaciones y demás trabajos digitales del artista.

 

Niemman es parte de la Alianza Gráfica Internacional (AGI), la cual es una prestigiosa asosiación de profesionales en el campo del diseño gráfico. Participó en la serie de Netflix Abstract, y ha dibujado para el biennale de arte de Venecia y los Juegos Olímpicos de Londres.

La exhibición estará disponible en la galería hasta el 4 de noviembre de este año.

 

Código gris: el arte futurista de Fusca en el Centro Cultural Panteón

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La artista expone su muestra individual Código gris

Fotografía por Cristina Ochoa

 En entrevista para Dálmata, Pilar Cárdenas, artista sinaloense, mejor conocida como Fusca, mencionó que el  origen de su seudónimo se debió a su forma de vestir y a su convivencia con los niños de su barrio que eran considerados como “mala influencia”. Los amigos de su hermano comenzaron a llamarla por su alias. Posteriormente, el significado de Fusca iba también con su estilo artístico.

 Fusca presenta su muestra individual Código gris en el Centro Cultural Panteón de la Ciudad de México. La artista reconoce que el color es uno de los elementos principales en el arte, es por ello que para esta muestra ha decidido quitar la expresividad de los tonos en los matices y con ello dar paso a otro tipo de detalles que destaquen  su trabajo.

Código gris está conformado por trabajos que tienen una especie de futurismo y bien podrían recordarte a alguna banda de música electrónica, con cascos, y el anonimato como elemento destacado en su anatomía; pero el sentido de la muestra va más allá: Fusca pretende ser una idea futurística en el arte, que el acercamiento hacia los detalles, permitan a los espectadores cuestionar sus percepciones o significados de sus obras.

“ Las imágenes de esta muestra no han salido de mi imaginación, sino de percepciones muy concretas de mi realidad. Son el resultado de un comienzo de descodificación de la información que he encontrado rezagada dentro de mí y lo que me rodea…”, declaración de la artista que fue trasncrita para el texto curatorial de la exposición.

Código gris es la reafirmación de su arte, de su estilo y de su vida.

Las 10 razones por las que se recordará a Ramón Valdiosera, creador del color rosa mexicano

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Artista, diseñador, pintor, escritor; Valdiosera posicionó la moda mexicana en el mundo

La historieta, el diseño de modas, la ilustración y el cine fueron los campos en los que desarrolló proyectos y ganó premios el mexicano Ramón Valdiosera, conocido por ser el creador del color rosa mexicano, el cual fue punto de partida para posicionar internacionalmente a México como un país que difundía su cultura a través de la moda.

Valdiosera nació en Veracruz, lo llamaban “El Maestro”, fundó la Academia Mexicana de Arte Secuencial (AMAS), en la que también impartía clases. Defensor de la cultura nacional y sus tradiciones, el diseñador mexicano fue un referente de la moda en nuestro país.

Las 10 razones por las que Valdiosera será recordado

1.-Boutique fue la primera exposición de moda presentada en un museo del país. Museo Carrillo Gil albergó la exhibición en los años 90.  Posteriormente, publicó el libro 300 años de moda mexicana.

2.-Director de Chamaco Chico, primer modelo de publicación en forma de historieta.

3.- Fanático de los cómics, fundó los Estudios América, donde reunió un equipo de jóvenes dibujantes. De esta agrupación, se formaron grandes dibujantes como Ángel Mora y Antonio Gutiérrez; sus obras fueron adaptadas al cine y la televisión.

4.-Dos veces ganador del premio Ariel por sus documentales Himno Nacional (1948) y Los hombres pájaro (1949).

 

5.- Sus diseños de moda fueron relevantes, al ser los primeros en usar telas típicas de los indígenas mexicanos. En 1949, el hotel Waldorf-Astoria de Nueva York exhibió la línea de vestidos realizada por Valdiosera. La prensa estadounidense nombró al estilo colorido de sus diseños como Mexican pink.

6.- En 1960 Valdiosera creó su línea de ropa comercial que se vendía en 14 tiendas de la República Mexicana y una en Beverly Hills.

7.- En 2009, su exposición Rosa Mexicano. Moda e identidad: la mirada de dos generaciones en Casa Lago fue motivo para que Fashion Group International México le rindiera un homenaje en el Mercedes-Benz Fashion Week Mexico.

8.- En 1936 fue cronista y pintor taurino en Excélsior.

9.-En 1959 abrió el Museo de la Moda en la calle de Varsovia, Zona Rosa, de la Ciudad de México. Tenía una diversa colección de esculturas y joyerías prehispánicas.

10.- Su último trabajo fue una serie de murales para la línea 12 del metro de la Ciudad de México.

 

Con información de El Financiero, El Universal y Gatopardo

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