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Bordalo II y sus creaciones recicladas por primera vez en Estados Unidos

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El portugués inaugura Trashedy siguiendo su compromiso con el medio ambiente 

Trashedy, la primera exhibición del reconocido artista portugués Bordalo II en Estados Unidos, inaugura este 24 de febrero en la galería Heron Arts de San Francisco. 

 La muestra incluye una gran instalación con su icónica técnica de materiales reciclados, al igual que piezas a la venta. La esencia de Trashedy se basa en la continua exploración por parte del artista sobre los temas de conciencia ambiental y el consumismo masivo. 

Cortesía: Sábado

Artur Bordalo (Bordalo II) nació en 1987 en Lisboa, adquiriendo tan popular nombre en honor a su abuelo y artista Real Bordalo. Su vida ha estado rodeada de arte por parte de su familia. Bordalo II tuvo sus inicios en la cultura underground del grafiti, continuando su educación en Artes Plásticas en la Universidad de Lisboa. Este aprendizaje, sentó las bases para hacer que Bordalo II lograra a partir de la escultura y el implemento de distintos materiales, formar obras que definieran su ya reconocido estilo.

Cortesía: Heron Arts

El artista se especializa en implementar materiales que como él menciona, son de producción muy alta, y que poco a poco, y con el paso del tiempo, van siendo inservibles y desechables para la vida de un individuo. Como bien lo menciona: “La basura de un hombre, puede ser un tesoro para otro”.

Cortesía: Bordalo II

Heron Arts le brinda el espacio de galería para desarrollar sus piezas y generar contacto entre el público y la implementación de recursos poco comunes utilizados por Bordalo, creando conciencia sobre el impacto que tenemos sobre cambio climatológico que padecemos actualmente.

Cortesía: Portugal Confidential
“Chimp Smile” (cortesía: Heron Arts)
“Halfhalf2 (half raccoon)” (cortesía: Heron Arts)

¿Dónde?

Lugar: Heron Arts Gallery, San Francisco

Inauguración: 24 de febrero @ 7 pm

Duración: 24 de Febrero al 24 de Marzo

Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

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La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

Sur-Fest 2018 regresa a una de las tierras con más flow

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El encuentro internacional de grafiti y arte urbano en BogotáMedellín y Cali 

El festival independiente de grafitti y street art, Sur-Fest, que busca el intercambio cultural entre artistas urbanos, contará este año con 30 artistas invitados, 10 de Colombia y 20 de internacionales.

La primera etapa del festival se llevó a cabo del 16 al 22 de febrero en Ibagué; la segunda será del  23 al 28 de febrero en Medellín y terminará  en Bogotá del 1 al 9 de marzo.

Los artistas invitados  realizarán una intervención en cada ciudad, y una vez  culminado el evento, se premiará a los mejores exponentes en cada una de sus diferentes categorías.

Cortesía:  Rafael Perez

Es una gran oportunidad para que los artistas puedan participar en esta producción colectiva. Más que un expresionismo rural, el objetivo de este festival es reunir a gran parte de la comunidad por medio de un mensaje social, donde se pueda dar el valor  merecido a las obras y al artista.

Cortesía: Sur- Fest

Sur- Fest ha abierto un camino crucial para el arte urbano en Colombia, ofreciendo una gran oportunidad a las distintas poblaciones de poder apreciar e integrarse a este tipo de expresiones urbanas.  Es por eso que se eligieron puntos estratégicos, para expandir el mensaje a la mayoría.

Cortesía: Sur-Fest

Contará con diversas actividades, que incluyen conversatorios para intercambiar y dialogar acerca de la práctica responsable del grafiti en el país; distintos talleres con exposiciones de artísticas, así como el proceso de la transformación de comunidades gracias al arte urbano. 

Sigue de cerca los eventos y obras finalistas de los artistas en su página de Facebook.

Os Gemeos por primera vez en Asia

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Presentan la exposición Déjà Vu en Hong Kong

Desde sus humildes comienzos en la década de 1980 como escritores de graffiti en su barrio paulista de Cambuci, hasta museos, galerías y murales de todo el mundo, Os Gemeos se prepara para hito en sus carreras. El 26 de marzo, Lehmann Maupin en Hong Kong inaugura Déjà Vu, la primera exposición individual de los artistas brasileños en Hong Kong.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

La exposición —que se llevará a cabo durante la semana de Art Basel en Hong Kong— será la primera gran muestra de los hermanos gemelos Gustavo y Otavio Pandolfo en Asia. Os Gemeos buscan hacer de las exposiciones de arte experiencias inmersivas y multisensoriales. Déjà Vu rinde homenaje a la música, elemento de gran inspiración para los artistas, en particular con su instalación de sonido mixto, White Carnival (2016), donde los artistas pintaron sus icónicos personajes directamente sobre unos altavoces vintage, en una formación que se asemeja a un coro.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong
Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Al igual que los artistas surrealistas de principios del siglo XX, Os Gemeos buscan desafiar las convenciones y superar los límites del arte y la sociedad a través de la exploración desenfrenada del subconsciente y la propia imaginación.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Pinturas adicionales reflexionan sobre las experiencias vividas e imaginadas que comparten los artistas, Os Gemeos incluyeron motivos alegóricos como el agua, la luna y las estrellas, reproducidos vívidamente para conjurar un estado de sueño lúcido.

No podían faltar piezas que le rinden homenaje a la era dorada del hip hop de los años setenta y ochenta. La muestra es una especie de viaje en el tiempo para los artistas, una verdadera joya visual.

Déjà Vu estará abierta del 26 de marzo al 12 de mayo, 2018

El colectivo de arte urbano detrás de los videos de U2

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Broken Fingaz produce el video de Get Out of Your Own Way

El último video que lanzó U2 para Get Out of Your Own Way usa un stop motion increíble como técnica de animación, un contraste fenomenal entre situaciones sombrías y escenas llenas de color.

No solo es un deleite escuchar a estos rockeros irlandeses y sus ritmos icónicos, sino que el video fue producido por nada menos que los artistas Broken Fingaz.

Foto: Broken Fingaz

No es la primera vez que los irlandeses colaboran con el colectivo israelí; en noviembre del año pasado, se encargaron de producir el video para American Soul. Ambos trabajos han resultado brutales. Bono, el legendario vocalista de U2, dijo a The Art Newspaper que “el colectivo es muy hábil y capaz de resolver problemas, como deben hacerlo los artistas”.

Foto: Broken Fingaz
Foto: Broken Fingaz

El fondo del video es un álbum de recortes de todo lo que el colectivo ha estado haciendo durante años: fusionar el arte callejero contemporáneo con temas importantes. Aunque los miembros de Broken Fingaz prefieren permanecer en el anonimato, el equipo publicó algunas fotografías de lo que hubo detrás de escenas en la producción de Get Out of Your Own.

Foto: Broken Fingaz
Foto: Broken Fingaz

Es indudable que el arte urbano y el arte contemporáneo están en todos lados y se ha posicionado en un lugar importante dentro del mundo del arte.  Chécate el video Get Out of Your Own Way y sus increíbles visuales.

Vhils, Pantone, Futura, Banksy y más de los grandes en Singapur

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La histórica exposición colectiva Art from the Streets se presenta en el ArtScience Museum

No hay nada como reunir a los grandes en una sola sala y ver una muestra histórica. La exposición Art from the Streets, curada por la experta en arte urbano Magda Danysz, presenta obras nunca antes vistas por las ligas mayores del mundo del street art: Banksy, Crash, D*Face, Vhils, Fab 5 Freddy, Shepard Fairey, Seen, JR, Futura, Invader, Felipe Pantone, Eko Nugroho, Ludo, M-City, and Zevs, por nombrar a algunos.

Foto: Vhils

Art from the Streets está compuesta por 200 obras que incluyen pinturas, instalaciones, bocetos, videos e incluso material de archivo de algunos de los nombres más emblemáticos del street art. En conjunto, la exposición explora el fenómeno global del graffiti, desde que arrasó en el Nueva York de los setentas hasta el día de hoy.

Foto: Stephane Bisseuil
Foto: ArtScience Museum
La exposición que se divide en 6 secciones únicas que detallan aspectos significativos del arte urbano, también muestra las diversas técnicas artísticas utilizadas y cómo las nuevas tecnologías han creado nuevos medios de expresión para los artistas. A través de Art from the Streets, el museo le dará visibilidad al trabajo de artistas urbanos emergentes del sudeste asiático.
Art from the Streets estará abierta al público hasta el 3 de junio.
 
Foto: ArtScience Museum
Foto: Stratosphere

El fotógrafo Alan Schaller y su “Metropolis”

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La nueva serie del fotógrafo se inspira en el Bauhaus “urbano”

Cuando pensamos más allá de nosotros mismos, podemos darnos cuenta de lo pequeños que somos en comparación con el universo. Pequeños frente a lo que ha estado aquí antes de nosotros, la tierra, el mar o el cielo. Algo similar se experimenta al vivir en la urbe; los edificios y las grandes construcciones de la ciudad pueden llevarnos a sentirnos abrumados, desconectados.

Florence, Italy, 2017

El fotógrafo Alan Schaller es cofundador de Street Photography International, un colectivo de fotógrafos callejeros que busca promover lo mejor de la fotografía callejera a nivel mundial, y brindarle una plataforma a los fotógrafos emergentes con talento.

London, UK, 2017
London, UK, 2017

Schaller nacido en Londres, comenzó ahí la serie Metropolis. La mayoría de las fotografías fueron tomadas en las calles, con franqueza, porque Schaller quiso que transmitir un verdadero sentido de la vida urbana en sus múltiples facetas.

Mumbai, India, 2017
London, UK, 2015
London, UK, 2017

En su nueva serie, Schaller explora cómo el mundo moderno puede empequeñecernos. Su trabajo resulta impactante, pues podemos darnos cuenta de que ahora no sólo nos impacta la naturaleza, sino lo que hemos creado con nuestras manos. Ver la grandeza de la creación humana puede ser una fuente tanto de alegría como de angustia.

Metropolis se exhibe en Leica Store City, en Londres hasta el 10 de febrero.

Bournemouth Beach, UK, 2017
Florence, Italy, 2017

Banksy: de la calle a la galería

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La obra del artista se exhibirá en la Biblioteca de Jacksonville

Fue en 2010 que Banksy crea “La Rata”. El icónico artista la pintó portando una boina con una estrella al medio, al estilo Che Guevara, afuera de un hotel de San Francisco.

Foto: savethebanksy.com

Fue esta obra la que Brian Greif, coleccionista y curador de arte urbano, se encargó de conservar, a fin de que no fuera usada para propósitos comerciales o la dañaran otros artistas. La obra valuada en 2 millones de dólares ha recorrido varios espacios expositivos y pronto se exhibirá en la galería Jax Makerspace, perteneciente a la Biblioteca Pública de Jacksonville.

Foto: Independent
Fuente: Just Looks

Para recibir esta pieza, la galería Jax Makerspace también albergará una exposición titulada Writing on the Walls, en la que los visitantes podrán ser testigos del trabajo de diversos artistas urbanos locales. La exposición estará abierta al público del 14 de febrero al 14 de abril. La biblioteca estará colaborando con el Centro Cultural de Jacksonville y otras instituciones para ofrecer un programa educativo a los visitantes y recomendar listas de lectura sobre el tema de arte urban.

Fuente: Dezeen

Acá te dejamos el trailer del documental Saving Banksy, realizado en 2017, que narra más detalladamente la historia de esta obra.

 

Los artistas fallecidos del 2017

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Entre ellos se encuentran figuras que rompieron paradigmas en el arte de México y el mundo

El 2017 ha sido un año que se ha caracterizado por llevarse a figuras muy queridas en el ámbito de la música, la pintura y el arte en general.  Este es un recuento de aquellos que serán recordados por destacar al imponer grandes cambios en el arte nacional e internacional.

José Luis Cuevas

Fue un escultor y pintor de la Ciudad de México, considerado un visionario y un rebelde para su época.

También es un representante de la Generación de la Ruptura,  un grupo de jóvenes que radicaban en México en la década de los 50 y que dejó a un lado la cultura hegemónica de la pintura en México desde la Revolución Mexicana, que se componía de trabajos plásticos con un contenido de izquierda, nacionalista y revolucionario, para  imponer nuevas vanguardias artísticas mexicanas con una visión más cosmopolita y abstracta.

Cuevas nombró Zona Rosal al corredor turístico ubicado cerca del Paseo de la Reforma; en dicho lugar realizó Mural Efímero, una obra que alude a las palabras del José Clemente Orozco sobre el estado perecedero de los trabajos artísticos que se realizan en espacios públicos. Entre otras de sus obras destaca el trabajo que hizo sobre lámina en apoyo al movimiento de estudiantes en el 68 y La Giganta, una escultura ubicada en el museo que lleva su nombre e inauguró en 1992.

Ramón Valdiosera

Fue un escritor, diseñador y pintor veracruzano que se desarrolló en el área del cine, la ilustración, la historieta y la moda. Es conocido por crear el color rosa mexicano y por posicionar a México como un lugar que expresa a su cultura por medio de la moda en el mundo.

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Boutique, una exhibición realizada por el artista, hizo historia por ser la primera exposición en un museo de México sobre moda.

Fundó la Academia Mexicana de Arte Secuencial (AMAS), Estudios América, y el Museo de la Moda en Zona Rosa. Recibió dos Arieles por sus filmes Himno Nacional (1948) y Los hombres pájaro (1949),  y tuvo su propia línea de ropa que estaba disponible en 14 tiendas alrededor de la república y una en Beverly Hills. El último trabajo que realizó fue una serie de murales para la Línea 12 del metro de la Ciudad de México.

Felipe Ehrenberg

Ehrenberg era un diseñador, escultor, pintor y dibujante mexicano, pionero en el arte contemporáneo y fundador del colectivo Tepito Arte Acá.

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Fue embajador de México en Brasil del 2001 al 2006 y director en relaciones internaciones de la Televisión América Latina (TAL). A lo largo de su vida, recibió becas como la Guggenheim y la Fullbright.

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El artista siempre pensó al arte como medio para entablar un diálogo con la gente que lo rodeaba.

Richard Hambleton, “Shadowman”

También conocido como  Shadowman, fue uno de los artistas conceptuales y urbanos más aclamados en la época de los 80 por las siluetas que realizaba de manera misteriosa en distintos edificios en Manhattan con pintura negra.

Al poco tiempo, sus obras, junto con las de Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, fueron consideradas arte y sirvieron como inspiración para las siguiente generación de artistas urbanos en Nueva York y el mundo. Sus siluetas alcanzaron otros materiales, como el lienzo y el papel, lo cual le brindó el reconocimiento internacional que ahora tiene.

Lamentablemente, el artista vivió gran parte de su vida en una batalla en contra de las adicciones, que lo alejó de la escena del arte varios años y lo llevó a vivir en la calle. Cambió un tiempo a las siluetas por pintar paisajes, pero un “redescubrimiento” lo llevó a retomar su obra más aclamada hasta su fallecimiento.

Barkley L. Hendricks

Hendricks era un pintor  y fotógrafo estadounidense que incursionó en el retrato africano: un cambio de paradigma en su país, debido a que la gente de color todavía era vista con inferioridad en la década de los 60.

Su estilo fue realista y posmoderno, desde sus inicios en la pintura hasta el fin de sus días.  En sus retratos y pinturas, y a veces en poses no tan naturales, el artista presentaba a la cotidianidad de la comunidad afroamericana en Estados Unidos.

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Entre sus últimos trabajos, se encuentra Birth of the cool, exposición itinerante  que ha recorrido diversos espacios dentro de su país, desde el Museo de Arte Nasher en Carolina del Norte, hasta el Museo de Arte Contemporáneo en Houston, Texas.

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Danny Hogg, “Cool ‘Disco’”

Conocido también como Cool “Disco”, fue un artista urbano de Washington en la década de los 80,una época muy difícil para ejercer el arte en espacios públicos, debido a que el lugar era conocido en esa época como “la capital del asesinato”.

El artista siempre estuvo apegado al arte. Desde pequeño dibujaba, pero fue hasta su adolescencia que comenzó a hacer graffiti en distintos edificios de su ciudad.

Aunque dejó el graffiti en el 2000, el artista tuvo un sorpresivo regreso en el 2013 para el estreno de The Legend of Cool “Disco”, un documental que consigue contar la historia de Washington en esas épocas por medio de la vida de Hogg.

Eduardo del Río, “Rius”

Fue un caricaturista michoacano, que se dedicó a la sátira política gran parte de su vida que firmaba bajo el pseudónimo de “Rius”.

Su obra se compone de cientos de publicaciones. Entre sus libros más conocidos se encuentran Los Supermachos (1990) y Los agachados (1997).

Rius pensaba en su material gráfico no sólo como una forma de hacer que la gente se diera cuenta de cosas que en México se realizan con impunidad por medio del humor, sino que lo concebía como un puente para que las personas se interesaran en leer.

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Daniel Muñoz hace residencia en Festival Asalto y crea mural con la comunidad

Blog/Entrevistas/Español por

“El arte no da lecciones, hace cuestionar la realidad”

Obras de Daniel Muñoz, fotografías cortesía de Ink and Movement

Festival Asalto, 2017

Daniel Muñoz es un artista español que desde los 13 años comenzó hacer graffiti y tags influenciado por la cultura del Hip Hop y del arte urbano en Madrid de la década de los años  80. Nació y vivió parte de se infancia y adolescencia en Cáceres, región que en ese entonces contaba con apenas siete mil habitantes y en donde las “firmas en las paredes” en voz del artista eran “cosas de extraterrestres, porque era un pequeño pueblo, entonces la práctica ilegal en lo rural se hacía detrás de corrales, nada que ver con lo urbano”.

Cáceres, España.
Cáceres, España.

En entrevista para ALL CITY CANVAS, Daniel Muñoz nos contó sobre su transición del graffiti y letras al neomuralismo y estilo figurativo, así como su residencia recientemente en Festival Asalto y sus proyectos a futuro.

“La Universidad Complutense de Madrid nunca me sedujo”

Interesado por el arte desde niño, cuando dibujaba en sus ratos libres, Daniel decidió inscribirse en la Facultad de Bellas Artes, la más grande de España, en la Universidad Complutense. El tomar clases con más de 80 alumnos, en donde nunca hubo una verdadera interacción entre estudiante-profesor, el artista comienza a interesarse por trabajar y es invitado a sus 18 años a exhibir y trabajar en Francia, Alemania y ciudades españolas. La escuela pasó a segundo plano.

Francia

“Ya no tenía tiempo, dejé mis estudios, leí por mi cuenta, comencé a documentarme sobre las vanguardias artísticas. La universidad nunca me sedujo”, nos contó Daniel.

Francia

La calle: un espacio comunicativo para protestar

En el 94, el artista comenzó hacer tags de manera ilegal por la noche, todo corría de manera normal, hasta que en el 95 cuando inició la transición de hacer graffiti a crear murales y esculturas en el espacio público, su trabajo comenzó a llamar más la atención, por lo cual fue arrestado a sus 14 años.

Atlanta

“Debo admitir que la calle la use para contar cosas de carácter social y político, al principio mi obra criticaba a políticos españoles. La calle es un muy buen espacio comunicativo y ese interés propio ha ido creciendo, porque ahora me interesa plasmar ´extrañezas´ en mis murales, para que a la gente les cause dudas e incertidumbre”, explicó.

Atlanta

Para el artista, su actual trabajo se focaliza en que su obra construya diálogos con los ciudadanos, no de una manera imponente o forzada, más bien reflexiva.  “Los artistas no somos misioneros”.

Atlanta

El street art está desgastado

“El street art ahora mismo no es que esté muerto, está desgastado porque parece que estamos viendo repeticiones estilísticas. Ya sabemos quién es el que siempre hace ´animalitos ´o  usa los mismos ´colores´. Vivimos en una repetición de imágenes”, opinó.

Daniel Muñoz ha estado inmerso desde hace tiempo en la investigación sobre la ciudad, como solución ante lo que él llama “la estrategia empresarial artística del street art”. El artista con base en su experiencia en el espacio público, ha concluido que el arte en la calle debe ser una responsabilidad con la gente, su entorno y consigo mismo, porque no quiere tener un estilo monótono. “No quiero aburrirme como artista. La innovación y enriquecimiento son cosas naturales del ser humano y hay que obedecerlas, aprovecharlas y vivirlas. Ya no sólo por tu obra, sino por ti mismo”, dijo.

Madrid

La residencia artística en el Festival Asalto

Durante 15 días, Daniel estuvo en el Ayuntamiento de Avilés dialogando con las 12 asociaciones vecinales, las cuales, a través de cada uno de sus representantes, le entregaron al artista fotografías, documentos y platicaron con él sobre la historia de su vecindario. El objetivo: transmitir todas esas historias en un mural que refleje la identidad del barrio.

Festival Asalto, 2017
Festival Asalto, 2017

“Lo más difícil fue separar la información, no sólo había que elegir las fotografías por los estético, ya que  había historias increíbles, como por ejemplo, los historia que te contaba la gente sobre la mezcla entre la cultura musulmana y europea,  cuando se luchó porque la mujer dejara de ser como una ´moneda de cambio´ entre musulmanes, etcétera. El mural es un retrato de esa pequeña identidad que cada vecino me dio”, contó.

Investigación para Festival Asalto, 2017
Investigación para Festival Asalto, 2017

El trabajo final del artista se hizo con base en las fotografías que le fueron entregadas que contaban la historia del puerto, de la llegada de españoles del sur al norte, la construcción de la ciudad, no sólo a través de la arquitectura, sino de las propias historias de vida de su residentes.

Investigación para Festival Asalto, 2017

Lo que sigue para Daniel Muñoz

“Murales en Estados Unidos, la publicación de un libro junto a otros dos amigos que plasmamos nuestra visión sobre el Street art, una residencia en Brasil, una exhibición en Portugal y lo que más venga en el camino”.

 

CutOut Fest: arte, animación digital y arte urbano en la novena edición

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La novena edición de CutOut reunió artistas de 82 países

Del 9 al 12 de noviembre se llevó a cabo CutOut, festival internacional de animación y arte digital en Querétaro, México. Esta fue su novena edición y reunieron artistas de 82 países, de los cuales, 53 cuentan con una trayectoria internacional con productoras como Pixar Animation Studios, Baobab Studios (empresa líder en animación de realidad virtual), entre otros. Por parte de México, acudieron los estudios Cinema Fantasma, quienes hicieron el primer mediometraje mexicano de stop motion más largo; además de también contar con la participación de Llamarada, grupo de jóvenes que se dedican a la dirección en animación digital.

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Parte del programa del festival incluyó proyecciones, exhibiciones, arte público, performances y competencias de gifs y cortometrajes. El artista invitado para la edición  fue Graham Finley, quien desde hace nueve años trabaja en la industria animada canadiense y americana. En el 2011 comenzó a trabajar en Pixar Animation, en Emeryville, California. Ha colaborado en películas como Monster´s University, Toy Story of Terror, Intensamente, Buscando a Dory, Coco, Cars 3, entre otras.

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La industria de la animación mexicana

ALL CITY CANVAS cubrió el festival y entrevistamos algunos de los artistas invitados, de los cuales Baobab Studios, empresa líder en Realidad Virtual (RV), quienes fueron premiados con Emmy a la Mejor Animación VR por su corto Invasion! Para ellos, la industria mexicana de animación tiene su gran fortaleza a través de los videojuegos y festivales como Cutout que permiten difundir el trabajo de estudios y artistas nacionales e internacionales.

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Por su parte Aaron Martínez, diseñador de producto e ilustrador mexicano, conocido por su trabajo de modelado en 3D para marcas como Cisco, Coca Cola, Nexus, comentó al igual que el estudio Llamarada que hace falta poner más atención a los artistas mexicanos que están lanzando muchas propuestas creativas y que dejemos de compararnos con la industria animada hollywoodense.

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Aarón Martínez

Otro de los artistas que entrevistamos fue a León Fernández, artista mexicano que se ha desempeñado como escultor, director de arte, productor de diversos cortometrajes mexicanos. Es co-fundador de HUMANIMALIA STUDIO, empresa que ofrece servicios de animación y fabricación de marionetas para stop motion. El artista dijo que recientemente se ha visto crecer esta industria y el mundo está volteando a ver a México.

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Cortometraje León Fernández

Alan Rodríguez, diseñador gráfico e ilustrador mexicano fue el encargado de la imagen del festival. “Yo creo que el único bache de siempre es la inversión económica, que busca apoyo para tus proyectos”, opinó el artista sobre las dificultades financieras con las que él se encontró para llevar a cabo sus iniciativas.

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Alan Rodríguez

Arte urbano en Cutout Fest

Se realizaron intervenciones en espacio público contando con la participación del artista Zdey,quien ha desempeñado su trayectoria en Paris, principalmente. También fueron invitados los artistas mexicanos Lepapel de Monterrey y David Rocha.

Escultura de Lepapel
Mural Zdey

El festival invitó a ALL CITY CANVAS para dar una conferencia sobre arte público. Los co- fundadores Victor Celaya y Gonzalo Álvarez mencionaron al público la importancia del arte y las razones por las cuales nació el festival en 2012, como por ejemplo, crear conexión del artista con los ciudadanos durante su proceso creativo.  “El arte es trascendencia y disruptivo”, dijeron.

CutOut presenta: All City Canvas

[STREAMING][LIVE][GO]{Sintoniza_nuestras_conferencias_A_tiempo_real}#NueveAñosEnSintesis>>12 PM>>by_SAEAll CityCanvas//(ToT)//

Posted by CutOut Fest on Saturday, November 11, 2017

 

 

 

 

 

 

Vandal With Care: exhibición de pintura, esculturas y consumismo

Blog/Español/Exhibiciones por

El evento busca ser una sátira al consumismo en la sociedad actual

Este 17 de noviembre se inaugurará VANDAL WITH CARE, una exhibición que mostrará obras de los artistas Charlie McFarley y Tacot, en la Underdog Gallery de Londres. El evento contará con esculturas, pinturas e instalaciones que representan una visión satírica al consumismo en la sociedad actual, en donde la obsolescencia programada es aceptada y forma parte de nuestra cultura.

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La imagen puede contener: exterior

Uno de los elementos más importantes de la exhibición es la “iconología” de la comida, la cual funciona como una metáfora que busca hablar de la compulsión de la personas a consumir cosas sin sustancia o alma.

El trabajo de Charlie McFarley se caracteriza por ser visceral, y plasmar en sus pinturas y esculturas personajes siniestros que regresan la mirada. Su obra se inspira en las caricaturas infantiles para así poder hacer una crítica a la vida de los adultos por medio de los ojos de un infante. Entre sus trabajos destaca un mural anti-Trump para Vice en Bali que fue exhibido al lado de trabajos de artistas urbanos de renombre, como Banksy, Stik y Shepard Fairey.

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Tacot es un artista que trabaja en incógnito y que cambia de técnicas y estilos con regularidad. Lo que no altera es su objetivo: cuestionar y enviar un mensaje a sus espectadores sobre los temas que trata en su obra. Se considera que es prácticamente nuevo en el arte moderno.

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La exhibición estará disponible del 18 al 26 de noviembre.

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