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Pinta Malasaña 2018: El Barrio se convierte en museo

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El festival de arte urbano que llena de pincelazos de color el barrio Español

Margalef, Cortesía: PINTA MALASAÑA

El maratón de creación cultural más importante de Madrid Pinta Malasaña volvió en su tercera edición, y de nuevo se convirtió en todo un fenómeno: 100 artistas intervinieron 100 espacios, que convertidos en lienzos pretenden irrumpir en el barrio alternativo madrileño, para no sólo cambiar la estética del lugar, si no para llevar el arte a todos convirtiendo las calles en una galería al aire libre.

Una lista amplia de talento nacional e internacional intervino con técnicas gráficas el pasado fin de semana paredes, puertas y escalinatas, coloreando el espacio con irreverentes piezas, o guiños críticos a la sociedad moderna. Entre muchos otros, en esta edición participaron exponentes como:

Son3K, Digo Diego, ART3SANO, B2, Jonipunto, H2O, udatxo yJair LealPorfavorhh, Charlie Sutcliffe entre muchos, muchos otros.

Cortesía: CARLOS PINA

Las ilustraciones ademas de tomar una infinita cantidad de formas, tocaron también temas variados; crítica social, participación ciudadana, construcción imaginativa, y hasta política. Temática donde se cuestionó la convergencia entre ésta y la cultura de las calles, ya que el arte urbano nació como contra cultura y bajo la sombra de los regímenes, pero ahora pareciera comenzar a tomar ejes varios, dónde ya es posible también retratar figuras emblemáticas que marcan tendencias positivas.

Cortesía: CARLOS PINA

Esto último en palabras del mexicano Jair Leal que retrató a la alcaldesa Manuela Carmena, con una postura ideológica positiva hacia a ella; la pieza muestra a la mujer en una postura pasiva y serena mirando directamente al espectador. “En este caso, lo de Carmena ha sido un mero homenaje. La he pintado con un libro porque para ser una persona con ese nivel de principios que tiene la señora Carmena, a mi parecer, se necesita ser alguien muy educado, muy culto”, dice Leal a medios locales.

Cortesía: CARLOS PINA

Otro gran proyecto que sigue llevando lo mejor a los ojos de todos, expone y propone, y sin haber intereses particulares los artistas toman una gran libertad creativa. Impacientes esperamos la siguiente edición, dejando la galería de los trabajos de este año para su deleite:

Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA
Cortesía: CARLOS PINA

BET ART 2018: Un laboratorio de Arte Urbano que vuelve en abril

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Se realiza la quinta edición del bienal de arte en las calles

El BET ART es un laboratorio de arte urbano que se realiza a lo largo del mes de abril en el municipio español de Calviá con la intención de crear un museo en las calles del municipio. Los principales objetivos son el realizar intervenciones artísticas urbanas que esten en contacto directo con la gente, creando así conexiones entre artistas y entidades e impulsando la creatividad del talento local, logrando así el mejoramiento estético de espacios públicos dentro de la comunidad.

Los cinco artistas participantes son provenientes de distintos puntos de España:

Mario Mankey

Usa el seudónimo de Mario Mankey creador de figuras imponentes que parecieran venir de la tendencia futurista, llevado al plano urbano. Usando en su mayoría la paleta de rosas en simbología del ideal “la vida en rosa”, realiza piezas que juegan con la estética buscando crear un dialogo sea cual sea el medio en el que se desarrolle: lienzo, mural urbano, un cómic o cualquiera que sea su reto.

Cortesía: Mario Mankey

Ampparito

Artista española que altera objetos, significados y realidades para alterar la percepción de nuestro entorno y de la relación que mantenemos con los objetos cotidianos. En sus imágenes interviene con la física de los objetos, llevando su particular a la reflexión sobre el comportamiento humano, las apariencias y los hábitos.

Cortesía: Ampparito

Javier Garló

Es un artista visual iniciado en el graffiti desde los 90’s. Formado en la ilustración genera proyectos de arte urbano figurativamente críticos con la sociedad.

Cortesía: Javier Galó Blogspot

María Martín aka M+M+M

Cortesía: TresemesdeMaría

Artista, ilustradora y arquitecta que a través de las herramientas clásicas y contemporáneas está impulsando la creación de su propio listo.

Aïda Gómez 

Una artista que trabaja con el lenguaje de los juegos, los rompecabeza, las piezas  y los símbolos que pueden ser remplazados de manera divertida en nuestro ambiente del día a día, re definiendo el panorama urbano estableciendo así nuevas reglas de estética.

Cortesía: Aida Gomez

 

Se planea la realización de entre 6 y 8 intervenciones en espacios municipales, cedidos por particulares o empresas. El discurso principal será ’El Juego’ donde la curaduría pretende cuestionar la idea que rodea al arte urbano actual como mero medio decorativo; por el contrario intenta ir mas allá de los temas y diseños habituales, involucrando activamente al espectador como catalizador de actos sociales, contador de historias y vivencias.

 

Colombia: un país lleno de arte urbano

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Las calles más coloridas de Latinoamérica

El arte urbano tiene la peculiaridad de dar una visión diferente del mundo, dar vida a las calles y ser una alternativa de expresión más para aquellas personas que no quieren quedarse calladas.

Cortesía: stinkfish

Pero a pesar de las críticas que se reciben de este movimiento, el ámbito artístico en las calles ha creado circuitos para salir adelante, ejemplo de ello es Colombia. País donde el grafiti, los murales y las paredes en general, se han vuelo un hito del arte urbano en Latinoamérica.

Así mismo es un ejemplo de valoración del arte, ya que los ciudadanos tienen cada vez más aceptación a ver cada vez más pintas y ya no señalar de forma negativa las obras de los artistas.

Cortesía: Skore 999

El grafiti en Colombia está ayudando a formar nuevas expresiones que aportan al patrimonio nacional y cultural, ya que han transformado el entorno de una forma positiva, dejando atrás el pasado tortuoso que sufrió.

Cortesía: Dj Lu

Ledania, Ceroker, Toxicómano, Skore 999, Dj Lu, Gleo, Lina Arias y Stinkfish son tan solo algunos nombres de los artistas más reconocidos en el ámbito, pero no son todos los que colorean las calles, hay anónimos y otros nombres no tan conocidos, pero que se dedican a ir a cada rincón del país para no dejar sin color una calle.

Cortesía: Lina Arias

Esta gran variedad atrae a festivales especializados y a turistas que se sienten llamados especialmente por esta forma de expresión.

También ha servido como ventana y herramienta de debate a temas políticos, sociales e históricos, plasmando en paredes las demandas, los hechos y situaciones que viven el día a día en Colombia.

Cortesía: Gleo

De cierta forma, Colombia podría ser considerado un ejemplo a seguir, invita a proyectar ideas en sus paredes y provoca un movimiento social y cultural que muchos creen imposible por los espacios.

Al final del día, hay arte para todos los gustos, lo importante es que las calles no están vacías, siempre hay expresiones artisticas que refleja un sentimiento y que hace una caminata por las calles colombianas más amena.

Cortesía: Ledania

Boa Mistura: La mezcla adecuada que rescata barrios

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El colectivo español que va tatuando ciudades alrededor del mundo

Boa Mistura (expresión que viene del portugués “Buena Mezcla”) es un colectivo formado por 5 artistas con raíces en el graffiti: un arquitecto, dos licenciados en Bellas Artes —uno por la rama de Imagen y otro por Diseño Gráfico—, un ilustrador además de publicista y un ingeniero de Caminos. Su objetivo es ir dignificando paredes de distintos barrios alrededor del mundo, llenándolos de color a la vez que cambia la atmósfera del lugar, para llevar un mensaje de unión a través del arte, rigiéndose por el lema: “Elegimos el arte urbano para conectarnos con la gente”.

Cortesía: Boa Mistura

Uno de sus más recientes proyectos fue con los habitantes de la Unidad Habitacional Independencia en Guadalajara en México. Los residentes de la comunidad escogieron por medio de encuestas los espacios que ellos consideraban propios y se unieron junto con el equipo para llevar a cabo la intervención pública. FUI, SOY, SERÉ, las palabras que gritan las tres fachadas que rodean la plaza. Ellas formadas por figuras geométricas, inspiradas en la cultura wixárika (en español huichol), etnia asentada al oeste de México, así pues usan también los característicos colores brillantes en contrastes y el resultado es imponente.

Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura

Entre otro de sus proyectos se encuentra la intervención una comunidad brasileña dentro de las conocidas Favelas, en 2012. Les tomo 2 semanas realizar un conjunto de cinco obras, en epecífico palabras repartidas en diversos callejones:“BELEZA”, “FIRMEZA”, “AMOR”, “DOÇURA” y “ORGULHO”. En marzo de 2017 el equipo añadió dos nuevas palabras con el propósito de incrementar el radio de acción de la obra inicial: “Poesía” y “Mágica”, las cuales subrayan la belleza y el encanto del crecimiento urbano espontáneo, así como el fuerte lazo que la comunidad ha creado.

Su trabajo puede ser descrito sin duda como inspirador, a continuación les compartimos algunas imágenes y no olviden revisar el resto de su trabajo aquí.

Cortesía: Boa Mistura

Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura
Cortesía: Boa Mistura

KAWS invade Asia

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El artista tendrá exposición individual en dos ciudades simultáneamente

La galería Perrotin anunció oficialmente que Brian Donnelly mejor conocido como KAWS, artista norteamericano, tendrá exhibición simultánea de su trabajo en las cedes de Tokyo y Hong Kong de la galería.

Cortesía: Joia Magazine

Del 22 de marzo al 12 de mayo, Kaws presentará piezas que dignifican el legado del pop art, después de grandes exponentes como Andy Warhol o Claes Oldenburg.

Para esta exhibición la mayoría pinturas son nuevas y en ellas abstrae y toma iconos del arte pop. Apropiándose y dotándolos de una nueva visión con características tan particulares que inmediatamente pasan a formar parte del mundo KAWS.

Cortesía: Joia Magazine

KAWS es reconocido mundialmente por ser un diseñador que evolucionó de la creación de juguetes y ropa, a un contexto más artístico. Sus creaciones ahora se exhiben en museos y galerías internacionalmente.

Cortesía: Nerman Museum

Junto a Jeff Koons y Takashi Murakami encabeza el llamado Continente Pop1, donde los artistas han continuado la lección histórica que el arte pop dejó para reinventar con nuevos enfoques estéticos.

Cortesía: Wikimedia
Cortesía: Nerman Museum

KAWS nació en 1974 y actualmente reside en la ciudad de Brooklyn. Su última exposición fue KAWS: WHERE THE END STARTS en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth en Shangai, así como la instalación de una pieza monumental en el Aeropuerto Internacional de Hamad en Qatar.

También ha tenido exhibiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de St. Louis, en el Centro de Arte Contemporáneo de Malaga en España e incluso en el Museo de Arte de Brooklyn, en Nueva York.

Despertar de lo invisible – El nuevo mural de LIQUEN

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El artista español pinta su mas reciente obra en Jalisco

El artista español conocido como LIQEN acaba de terminar en Guadalajara su última obra monumental “El Despertar de lo invisible”. Pintada en el edificio de la CTM (Sindicato de trabajadores de Jalisco) en parque Morelos. Para esta intervención contó con el apoyo del mexicano Arre VRS y producción del Gobierno de Guadalajara.

Cargada de elementos mexicanos como la semilla de cacao, el frijol, el chile (todo desde una perspectiva de vista insecto) y colores brillantes. La obra usa como eje temático la metamorfosis de las orugas, símbolo de la naturaleza; como  significado de un crecimiento oculto, casi como un ritual de cambio para aquellos que vuelven a nacer en la vida.

El estilo característico del artista ha de notarse con facilidad: Transiciones de colores brillantes, sobre los que lineas negras aportan el volumen necesario con apenas un borde y sombras remarcadas a través de achurado, al puro estilo clásico de ilustración del siglo XVI.

El artista considera la dimensionalidad de México como fuente importante de inspiración para este trabajo, porque posee una realidad dulce y cruda a la vez; un magnifico caos, dice él. Un artista al que nunca podremos perderle la pista. Los dejamos con una galería detallada del esplendoroso mural y si quieren conocer más de él den click acá.

 

Participa en el 2° Concurso Internacional de Arte Urbano de FERMAX 🇪🇸

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¡Cámbiale la cara a la fachada de FERMAX!

La reconocida empresa valenciana convoca por segundo año a todo artista internacional a participar en su Concurso Internacional de Arte Urbano, brindándole un “lienzo blanco” de 1,600 m2 para plasmar su creación. El objetivo: impactar a la comunidad y reflejar los valores de innovación, diseño y liderazgo que son los pilares de FERMAX.

El concurso consta de 3 fases y las bases que te presentamos a continuación. ¡El ganador y su equipo podrán llevarse 20,000 euros e impactar a una comunidad con su arte!

Tienes hasta el 30 de abril para enviar tu diseño, ¡así es que toma nota! 👇🏽

Cortesía: FERMAX

BASES

  • El concurso es de carácter abierto y anónimo, no se hará pública la identidad de los participantes que no lleguen a la fase 2 (los últimos 10).
  • El autor es responsable, ante FERMAX y frente a terceros, del cumplimiento de lo establecido en estas bases.
  • FERMAX busca un trabajo único y original, por lo que está terminantemente prohibido imitar o copiar, a priori como a posteriori, la obra realizada. El mural debe ser inédito y no haber sido presentado anteriormente en otros concursos.
  • El diseño entregado debe encontrarse libre de quejas y reclamaciones instadas por terceros. Si hay sospecha de copia, el autor será descalificado y asumirá las responsabilidades pertinentes.
  • No se limitan los criterios generales de la propuesta más allá de la calidad esperada y el respeto a un entorno donde conviven menores de edad, jóvenes y familias (sentido común).
  • El artista ganador deberá ceder gratuitamente a FERMAX los derechos de explotación, incluyendo la reproducción, distribución y difusión en redes sociales y materiales gráficos. En especial, ceden a FERMAX el derecho ilimitado de reproducción para utilizarse en publicidad y promoción de sus actividades. El artista no podrá utilizar la imagen para fines publicitarios sin autorización de FERMAX.
  • La obra es  carácter temporal, así que podrá ser sustituida por FERMAX sin aviso.
  • El Concurso podrá declararse sin ganador a decisión de FERMAX, sin objeción alguna del resto de participantes.
  • No se admitirán propuestas ofensivas o discriminatorias.
Cortesía: FERMAX

FASES

Fase 1 – Open Call  (1 marzo al 30 de abril)

  1. Suscríbete al canal de YouTube de FERMAX.
  2. Envía tu portafolio demostrando tu capacidad y la de tu equipo para llevar a cabo este proyecto.
  3. Se elegirán 10 proyectos que pasarán a la siguiente fase siguiendo criterios de calidad, innovación y los valores FERMAX.

Fase 2 – Finalistas (1 de mayo al 15 de junio)

  1. Los 10 artistas elegidos recibirán 1,000 euros para desarrollar su propuesta con base en las particularidades de la misma. Descarga los planos aquí. Además, deberán enviar:
    • Planning de producción (los días disponibles son del 25 de julio al 31 de agosto).
    • Lista de materiales necesarios: financiados por FERMAX (la pintura debe durar 5 años).
    • Requerimientos técnicos: esta lista tendrá que adecuarse técnicamente al espacio público y tener en cuenta aspectos básicos como la seguridad.
  2. Vídeo de 1 min del proceso de creación de tu equipo, el cual compartirás en tus redes sociales y las de tu equipo; éste para formar parte del canal de  YouTube de FERMAX.

Fase 3 – Winner (29 de junio)

  1. Los 10 equipos finalistas elegidos asistirán al evento (“retrasmitido”) dónde el jurado seleccionará al equipo ganador.
  2. Se elegirá a un ganador siguiendo criterios de calidad, adecuación al espacio intervenido, capacidad del equipo, buzz generado en las redes sociales y sintonía con los valores FERMAX
  3. El ganador recibirá 20,000 euros y el apoyo de FERMAX para llevar a cabo el proyecto.

¿Qué esperas? ¡Inscríbete ya y participa para ganar!

Bordalo II y sus creaciones recicladas por primera vez en Estados Unidos

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El portugués inaugura Trashedy siguiendo su compromiso con el medio ambiente 

Trashedy, la primera exhibición del reconocido artista portugués Bordalo II en Estados Unidos, inaugura este 24 de febrero en la galería Heron Arts de San Francisco. 

 La muestra incluye una gran instalación con su icónica técnica de materiales reciclados, al igual que piezas a la venta. La esencia de Trashedy se basa en la continua exploración por parte del artista sobre los temas de conciencia ambiental y el consumismo masivo. 

Cortesía: Sábado

Artur Bordalo (Bordalo II) nació en 1987 en Lisboa, adquiriendo tan popular nombre en honor a su abuelo y artista Real Bordalo. Su vida ha estado rodeada de arte por parte de su familia. Bordalo II tuvo sus inicios en la cultura underground del grafiti, continuando su educación en Artes Plásticas en la Universidad de Lisboa. Este aprendizaje, sentó las bases para hacer que Bordalo II lograra a partir de la escultura y el implemento de distintos materiales, formar obras que definieran su ya reconocido estilo.

Cortesía: Heron Arts

El artista se especializa en implementar materiales que como él menciona, son de producción muy alta, y que poco a poco, y con el paso del tiempo, van siendo inservibles y desechables para la vida de un individuo. Como bien lo menciona: “La basura de un hombre, puede ser un tesoro para otro”.

Cortesía: Bordalo II

Heron Arts le brinda el espacio de galería para desarrollar sus piezas y generar contacto entre el público y la implementación de recursos poco comunes utilizados por Bordalo, creando conciencia sobre el impacto que tenemos sobre cambio climatológico que padecemos actualmente.

Cortesía: Portugal Confidential
“Chimp Smile” (cortesía: Heron Arts)
“Halfhalf2 (half raccoon)” (cortesía: Heron Arts)

¿Dónde?

Lugar: Heron Arts Gallery, San Francisco

Inauguración: 24 de febrero @ 7 pm

Duración: 24 de Febrero al 24 de Marzo

Buff Monster y Dalek presentan “Spaced Out” en Nueva York

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Los artistas exponen juntos por primera vez en GR Gallery

Del 8 de marzo al 28 de abril, la galería neoyorquina GR Gallery une — por primera vez — a los legendarios artistas urbanos James Marshall, mejor conocido como Dalek y Buff Monster en la exposición colectiva Spaced Out.

Se presentarán 16 piezas creadas especialmente para la muestra, las cuales incluyen pinturas, instalaciones y ediciones que adentrarán al espectador en un viaje psicodélico.

Cortesía: GR Gallery

A través de sus personajes misteriosos, establecidos ya como iconos del arte urbano contemporáneo, Dalek y Buff Monster utilizan sus coloridas y destacadas formas para crear un medio que intenta representar a la sociedad de hoy, llevando el concepto de la cultura callejera a otro nivel, y demostrando que no solo comparten el gusto por el street art, sino también por la estética visual y la vanguardia.

Cada uno de los artistas aporta su toque a Spaced Out. Dalek lo hace a través su alter ego Space Monkey, con el cual interpreta su concepto de un ser humano perdido y sin rumbo en la actual y creciente ola tecnológica. Por su parte, Buff Monster juega con sus icónicos “melties”, y presenta su visión del mundo  a través de personajes amigables y paisajes que demuestran la imaginación constante y la activación de la creatividad.

Cortesía: GR Gallery

La complicidad entre ambos artistas lleva años desarrollándose, pero por cuestiones que salían de sus manos, no habían podido exponer y crear juntos. Ahora GR Gallery les brinda ese espacio, un lugar para el cual el arte urbano es esencial.

Y para darle más impresión a su primera colaboración, reinventaran el espacio de la galería, dando un toque único a su exposición, ofreciendo así un extra al público.

Cortesía: GR Gallery
¿Dónde?
Lugar: GR Gallery, 255 Bowery, Nueva York
Inauguración: jueves 8 de marzo, 2018
Hora: 6 – 9 pm
Duración: 8 de marzo – 28 abril, 2018

 

Okuda cura “Theriomorphism V” con increíble selección de artistas

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La quinta edición de Theriomorphism vuelve a la Galería Kreisler 

Theriomorphism regresa a la Galería Kreisler en su quinta edición del 20 al 25 de Febrero, en Madrid. Contando con una increíble selección de piezas por artistas de la talla de AJ Fosik, Phyllis Galembo, Matthew Grabelsky y Christybomb, curado por el reconocido artista cántabro Okuda. El pop up augura ser una de las exhibiciones del nuevo arte contemporáneo más prometedoras, llenas de color y magia que le imprimen estos artistas a cada una de las obras exhibidas.

Por quinto año, Okuda reúne  al selecto grupo de artistas quienes exponen algunas de su creaciones más recientes para posteriormente desarrollar una pieza colaborativa única. ALL CITY CANVAS estará el día de hoy en la inauguración platicando con Okuda sobre su proceso de curaduría y los artistas sobre las piezas que presentan. ¡No te pierdas el Facebook Live en nuestra página! (7 pm hora de Madrid, 12 pm hora de México)

 

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: AJ Fosik

Las obras de AJ Fosik  se basan en la taxidermia, el folklore y los rituales culturales, logrando una forma de arte tridimensional que muestra una forma diferente de apreciación visual.

Por su parte, la artista Christybomb exhibe su característico estilo que simula un mosaico avant-garde, cargado de elementos coloridos que nos remiten a una inocencia distorsionada.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Christybomb

Matthew Grabelsky realiza una mezcla extraordinaria entre lo verdadero y lo que resulta ser poco probable, coronando cuerpos humanos con estructuras surrealistas basadas en cabezas de animales.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Matthew Grabelsky

Phyllis Galembo  quien se dedica al desarrollo del poder transformador de distintos trajes ritualísticos gracias a sus viajes por África y América del Sur, muestra una serie fotográfica que crea un impacto visual en sus espectadores.

Cortesía: Ink and Movement

Los artistas en Theriomorphism V nos introducen, a través de sus piezas, a un mundo en el que imperan la inocencia, el instinto animal, el surrealismo y una nueva forma de ver. 

Sur-Fest 2018 regresa a una de las tierras con más flow

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El encuentro internacional de grafiti y arte urbano en BogotáMedellín y Cali 

El festival independiente de grafitti y street art, Sur-Fest, que busca el intercambio cultural entre artistas urbanos, contará este año con 30 artistas invitados, 10 de Colombia y 20 de internacionales.

La primera etapa del festival se llevó a cabo del 16 al 22 de febrero en Ibagué; la segunda será del  23 al 28 de febrero en Medellín y terminará  en Bogotá del 1 al 9 de marzo.

Los artistas invitados  realizarán una intervención en cada ciudad, y una vez  culminado el evento, se premiará a los mejores exponentes en cada una de sus diferentes categorías.

Cortesía:  Rafael Perez

Es una gran oportunidad para que los artistas puedan participar en esta producción colectiva. Más que un expresionismo rural, el objetivo de este festival es reunir a gran parte de la comunidad por medio de un mensaje social, donde se pueda dar el valor  merecido a las obras y al artista.

Cortesía: Sur- Fest

Sur- Fest ha abierto un camino crucial para el arte urbano en Colombia, ofreciendo una gran oportunidad a las distintas poblaciones de poder apreciar e integrarse a este tipo de expresiones urbanas.  Es por eso que se eligieron puntos estratégicos, para expandir el mensaje a la mayoría.

Cortesía: Sur-Fest

Contará con diversas actividades, que incluyen conversatorios para intercambiar y dialogar acerca de la práctica responsable del grafiti en el país; distintos talleres con exposiciones de artísticas, así como el proceso de la transformación de comunidades gracias al arte urbano. 

Sigue de cerca los eventos y obras finalistas de los artistas en su página de Facebook.

Os Gemeos por primera vez en Asia

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Presentan la exposición Déjà Vu en Hong Kong

Desde sus humildes comienzos en la década de 1980 como escritores de graffiti en su barrio paulista de Cambuci, hasta museos, galerías y murales de todo el mundo, Os Gemeos se prepara para hito en sus carreras. El 26 de marzo, Lehmann Maupin en Hong Kong inaugura Déjà Vu, la primera exposición individual de los artistas brasileños en Hong Kong.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

La exposición —que se llevará a cabo durante la semana de Art Basel en Hong Kong— será la primera gran muestra de los hermanos gemelos Gustavo y Otavio Pandolfo en Asia. Os Gemeos buscan hacer de las exposiciones de arte experiencias inmersivas y multisensoriales. Déjà Vu rinde homenaje a la música, elemento de gran inspiración para los artistas, en particular con su instalación de sonido mixto, White Carnival (2016), donde los artistas pintaron sus icónicos personajes directamente sobre unos altavoces vintage, en una formación que se asemeja a un coro.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong
Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Al igual que los artistas surrealistas de principios del siglo XX, Os Gemeos buscan desafiar las convenciones y superar los límites del arte y la sociedad a través de la exploración desenfrenada del subconsciente y la propia imaginación.

Foto: Os Gemeos/Lehmann Maupin, New York and Hong Kong

Pinturas adicionales reflexionan sobre las experiencias vividas e imaginadas que comparten los artistas, Os Gemeos incluyeron motivos alegóricos como el agua, la luna y las estrellas, reproducidos vívidamente para conjurar un estado de sueño lúcido.

No podían faltar piezas que le rinden homenaje a la era dorada del hip hop de los años setenta y ochenta. La muestra es una especie de viaje en el tiempo para los artistas, una verdadera joya visual.

Déjà Vu estará abierta del 26 de marzo al 12 de mayo, 2018

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