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Bogotá desde las alturas del drone de Navas

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Camilo Monzón Navas capta sitios arquitectónicos icónicos de la capital colombiana

Cortesía: Camilo Monzón Navas

Camilo Monzón Navas,  reconocido diseñador y fotógrafo colombiano,  le rinde homenaje a la arquitectura más emblemática de Bogotá, reinterpretando la fotografía clásica con un drone y retratando la personalidad urbana y sabor único de la capital.

A Navas le surgió la idea de su serie Aerial Facades al explorar la ciudad desde la terraza de su departamento. La inusual perspectiva de estas vistas lo alentó a retratar un lado inédito de Bogotá.

Cortesía: Camilo Monzón Navas
Cortesía: Camilo Monzón Navas

La serie presenta edificios del reconocido arquitecto Rogelio Salmona y sus característicos ladrillos rojos y formas en espiral, logrando crear un paisaje urbano inolvidable visto desde el cielo.

Cortesía: Camilo Monzón Navas

El “lente” de Monzón Navas se enfocó en las formas geométricas, el contraste de la luz y la composición, mostrando Bogotá desde una óptica inigualable.

Cortesía: Camilo Monzón Navas
Cortesía: Camilo Monzón Navas

Cabe mencionar que algunas veces el fotógrafo combina imágenes tomadas desde el nivel de la vista, lo que resulta en paisajes plegados que parecen imposibles, remontándonos a escenas de la película Inception.

Cortesía: Camilo Monzón Navas

Monzón Navas espera exponer “las miles de caras que muestra Bogotá desde las alturas” pronto.

Mientras tanto, disfruta de sus bellezas en su  cuenta de Instagram.

El fotógrafo Alan Schaller y su “Metropolis”

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La nueva serie del fotógrafo se inspira en el Bauhaus “urbano”

Cuando pensamos más allá de nosotros mismos, podemos darnos cuenta de lo pequeños que somos en comparación con el universo. Pequeños frente a lo que ha estado aquí antes de nosotros, la tierra, el mar o el cielo. Algo similar se experimenta al vivir en la urbe; los edificios y las grandes construcciones de la ciudad pueden llevarnos a sentirnos abrumados, desconectados.

Florence, Italy, 2017

El fotógrafo Alan Schaller es cofundador de Street Photography International, un colectivo de fotógrafos callejeros que busca promover lo mejor de la fotografía callejera a nivel mundial, y brindarle una plataforma a los fotógrafos emergentes con talento.

London, UK, 2017
London, UK, 2017

Schaller nacido en Londres, comenzó ahí la serie Metropolis. La mayoría de las fotografías fueron tomadas en las calles, con franqueza, porque Schaller quiso que transmitir un verdadero sentido de la vida urbana en sus múltiples facetas.

Mumbai, India, 2017
London, UK, 2015
London, UK, 2017

En su nueva serie, Schaller explora cómo el mundo moderno puede empequeñecernos. Su trabajo resulta impactante, pues podemos darnos cuenta de que ahora no sólo nos impacta la naturaleza, sino lo que hemos creado con nuestras manos. Ver la grandeza de la creación humana puede ser una fuente tanto de alegría como de angustia.

Metropolis se exhibe en Leica Store City, en Londres hasta el 10 de febrero.

Bournemouth Beach, UK, 2017
Florence, Italy, 2017

Del cielo a la urbe: Santiago Arau Pontones

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El fotógrafo ha sido invitado a diversas ediciones de los Juegos Olímpicos

Santiago Arau Pontones es un fotógrafo mexicano conocido por conseguir increíbles tomas aéreas con drones, que provocan la sensación de tener el punto de vista de un ave, o estar situado en lo más alto de una montaña.

Su trayectoria comenzó en su segundo año de preparatoria, en donde tomó un curso de fotografía en su escuela con una Pentax análoga que su padre le regaló en esos tiempos. Ahora, Arau Pontones ha sido invitado a trabajar en diversas partes del mundo en eventos de relevancia mundial, como los Juegos Olímpicos de Río de Janeiro 2016 y Sochi 2014, en donde buscaba promover al equipo latinoamericano que participó en dichos juegos. También ha expuesto sus fotografías en lugares como el Foto Museo Cuatro Caminos, y colabora en el estudio Pinhole, que cubre eventos como el Abierto Mexicano de Gimnasia y los partidos de la Selección Mexicana.

El modelo favorito de este fotógrafo es la naturaleza, por lo que no es extraño ver en su trabajo tomas de paisajes, como un atardecer, un amanecer o el cielo. Sin embargo, su trabajo en la ciudad es también bastante reconocido: ha hecho tomas cenitales  impresionantes de edificios históricos, como el Palacio de Bellas Artes, y de más edificios de la Ciudad de México.

Aunque le encantaría poder aumentar la calidad de la fotografía de un dron,  ha conseguido explotar al máximo la capacidad de estos aparatos para crear una excelente trabajo en el aire.

People Matching Artworks: cuando la gente se vuelve parte del arte

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El fotógrafo Stefan Draschan hace nexos con piezas en museos y sus espectadores

El fotógrafo francés Stefan Draschan ocupa su tiempo en visitar museos, no sólo por las obras de arte, sino también por los visitantes. Él espera horas dentro de estos lugares para encontrar personas que combinen con las piezas expuestas; puede ser por su sombrero, su suéter o su falda.

Ello es parte de su proyecto People Matching Artworks (Gente a juego con obras de arte), el cual ha dado como resultado fotos muy entretenidas en donde se pueden ver las conexiones entre arte y espectador de manera no intencionada.

Todo el proyecto y su “detrás de cámaras” se puede seguir en la cuenta de Tumblr de Draschan.

 

 

Nueva instalación de JR en frontera México-Estados Unidos

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La pieza se viralizó el primer día con 14 mil retweets

Kikito, JR

El artista JR se suma a las voces que critican la decisión de Donald Trump, al derogar el programa de Acción Diferida para los Llegados en la Infancia (DACA por sus siglas en inglés), el cual permitía a los dreammers seguir estudiando sin tener en regla su situación migratoria.

JR mexico border

Una mañana, los habitantes de Tecate, Baja California se despertaron y sobre las rejas de la barda que separa a México de Estados Unidos, estaba colagada una fotografía a gran escala, titulada Kikito, nombre de un niño que el artista fotografió en Tijuana.

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Foto El Diario de Yucatán

En conferencia de prensa en Tecate, JR dijo que siempre ha estado interesado en temas de migración y la idea de colocar una fotografía que representa un niño asomado hacia el “otro lado”, surgió en uno de sus sueños.

JR mexico border

En un comunicado, JR dijo que el niño podría estar “mirando por la frontera preocupado de que si las cosas se ponen más locas en el otro lado, la gente cruzará masivamente la frontera en su dirección”.

Kikito, JR

El artista dijo que esta pieza es una continuación del proyecto Inside Out 11M, el cual tiene como objetivo crear un retrato de Norteamérica que incluya a migrantes y sus descendientes.

La imagen puede contener: una persona, bicicleta y exterior

Primera exposición fotográfica sobre el arte urbano de Ecuador📷

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Carl Moore reflexiona sobre el futuro del arte urbano en Latinoamérica

La idea de este prometedor proyecto nace en 2010 cuando el fotógrafo y periodista estadounidense Carl Moore realizó por cuatro años constantes visitas a Ecuador y descubrió una parte de este país en la que nadie se había fijado: las intervenciones de arte realizadas en fachadas, puertas y paredes que en esencia pudieran parecer efímeras, pero han dejado una huella relevante en las ciudades de Quito, Cuenca, Ambato, Baños y Paguche.

A la par de la muestra, se integra la publicación de dos libros A full color y En blanco y negro; el primero plasma el trabajo de  25 artistas  y busca responder a la interrogante de cuál es el futuro del arte urbano en Ecuador; y el segundo, está conformado por una serie de grafitis para que sean coloreados, el autor pretende que las personas desarrollen su mundo creativo.

El prólogo del primer libro esta realizado por María Fernanda López quien es docente en la Universidad de las Artes de Ecuador y se especializa en arte urbano y en el cual resalta la importancia de mostrar la gráfica urbana como una posibilidad para que las personas piensen sobre el uso y apropiación de espacios públicos.

El trabajo de Moore resulta relevante, porque abre una posibilidad a que los visitantes y los artistas observen los diferentes estilos del arte urbano latinoamericano.

 

Diseñando México 32, la necesidad de difundir trabajos artísticos emergentes

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Arte, cine, diseño y fotografía son los proyectos artísticos que pretende descubrir

Diseñando México 32 (DMX32) es una plataforma incluyente que busca descubrir talentos, presentar los consolidados e impulsar las industrias creativas como la moda, diseño, fotografía, arte y cine.

Esta edición se llevó a cabo en Tamaulipas, donde los ganadores fueron Obed Basoria por artes visuales, Andrea Silva como mejor modelo y Palafox en la industria de la moda.

Conferencias, exposiciones de arte y desfiles de moda se llevaron a cabo desde el 11 de mayo cuando se abrieron las puertas de la exposición fotográfica de la diseñadora Gladys Tamez.

Algunos invitados a este magno festival fueron los fotógrafos Luis García Serrano y Khristio; además de Gustavo Prado, David Souza y los diseñadores Luciana Balderrama, Alfredo Martínez, Julia y Renata y Palafox.

Eventos de este estilo logran impulsar expresiones artísticas en México, para que en un futuro logre posicionarse como potencia en moda, fotografía o diseño.

El legado de Barkley L. Hendricks: pionero del retrato africano

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El pintor y artista estadounidense falleció a los 72 años

El pintor y fotógrafo estadounidense Barkley L. Hendricks murió el 18 de abril de 2017 por causas naturales a los 72 años.

Mayormente fue reconocido por sus retratos realistas y posmodernos de gente de color. Esta afición en sus obras nació en la década de los 60 y continuó hasta sus últimos días.

Imagen relacionada

Antes de incursionar en la pintura, Hendricks estudió fotografía, lo cual, en su vida, representó un cambio de paradigma, puesto que la sociedad aún veía con inferioridad a las personas de color. Con motivo de esto y sin sentirse menos ante los ojos de los demás, mencionó a Hyperallergic: “No comencé a pintar y tomar fotografías porque soy negro”.

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Personas comunes y corrientes en poses semi-naturales y realizando actividades comunes, son los personajes principales que plasma en su obra.

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Muchos artistas y curadores mencionan que Barkley L. Hendricks fue el artista que inició a retratar y pintar gente de color, pues como él mismo lo menciona: “el tema con el que estoy involucrado, sin embargo, siempre ha sido visto como sospechoso, dada la cultura fastidiada en la que vivimos”.

Creó una exposición itinerante: Birth of the cool, organizada por Trevor Schoonmaker en el Museo de Arte Nasher, Carolina del Norte, la cual ha viajado al Museo del Estudio en Harlem, Nueva York, al Museo de Arte de Santa Mónica, California, a la Academia de Bellas Artes de Filadelfia y al Museo de Arte Contemporáneo Houston, Texas.

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Festival Internacional de Diseño Costa Rica, uno de los más importantes del continente

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15 artistas de 12 países se dieron cita en el FID2017

El Festival Internacional de Diseño Costa Rica 2017 se llevó a cabo del 10 al 12 de marzo, en la antigua aduana en San José. En ella se dieron cita 15 artistas de 12 países diferentes: Estados Unidos, Holanda, Colombia, Australia, Reino Unido, España, Noruega, Suecia, Panamá, Francia, Japón y Argentina.

Algunos de los artistas que asistieron a este festival fueron: Gemma O’Brien, Snask, Rebecca Stambanis, Alejandro Magallanes, Amina Horozic y Sergio Caballero.

Técnicas y especialidades diferentes como el diseño gráfico e industrial, fotografía, música y publicidad convergieron en este magno evento, que se ha catalogado como uno de los más importantes del continente americano.

Además de exhibir las mejores obras de los artistas invitados, en el FID 17 se llevaron a cabo talleres, conferencias, concursos y charlas para las más de dos mil 200 personas asistentes que gustan del arte.

“Se trata de un espacio multidisciplinario, pues creemos que no se debe estar encasillado en una sola disciplina. Un diseñador gráfico se inspira en el diseño de moda para crear ideas nuevas y eso es vital. Es importante que la gente vea más allá de su disciplina y aprenda nueva formas de creatividad”, afirmó Alfredo Enciso, uno de los organizadores del evento.

Con información de: Terra

Spectrum Indian Wells Art, el excepcional show de arte contemporáneo

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Artistas como Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland se darán cita en California

Spectrum Indian Wells Art Show es un espectáculo en el corazón de California que recopila a algunos de los mejores artistas y galerías de arte contemporáneo. Se llevará a cabo del 16 al 19 de marzo de 2017. La sede es el Renaissance Indian Wells Resort & Spa.

Esta edición contará con un comité de expositores  de cuatro personas con destacadas reputaciones en la edición y el desarrollo del artista. Se aplicarán normas rigurosas sobre la estética y atención al detalle, proporcionando un lugar aerodinámico, nítido y limpio para que los propietarios de galerías, diseñadores, arquitectos y coleccionistas disfruten.

Algunos de los trabajos que se exhibirán en Spectrum serán pinturas, fotografía, escultura, glassworks y más. Esta amplia gama de técnicas logran una gran conexión entre artistas, el jurado y las personas que disfrutarán esta presentación artística; también le otorga una gran oportunidad a los artistas contemporáneos emergentes que entren a esta demostración.

Entre los artistas que estarán presentes en Spectrum, se contará con la presencia de: Jillian Dayson, Kevin Grass, Joëlle Blouin, James Paterson, Lisa Ashinoff, Michael Bobbay y Marc Strikland.

Parte de las galerías y estudios de fotografía que expondrán algunas de sus obras son: Art by Ancizar, Bob Hays Photography, Essence Art, Hollander Gallery, Lee-Leon Studio.

Fotografía mexicana contemporánea, exposición en el Centro de la lmagen

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XVII Bienal de fotografía: un retrato inquietante de México

Fotografías por Mariana Gaona

La Bienal de Fotografía es la muestra de fotografía mexicana contemporánea más importante del país. Realizada anualmente, la selección de este año incluye trabajos de 49 fotógrafos que van desde la documentación periodística hasta el uso de medios electrónicos.

¿Qué puede hacer un fotógrafo en la época de bombardeo incansable de imágenes? Ese es el tema central en la Bienal que cada año brinda una oferta diversa de temas y que deja al espectador construir su propia perspectiva.

Este año el jurado otorgó el primer lugar del Premio de Adquisición Arca a Sofía Ayarzagoitia por su trabajo Every night temo ser la dinner, mientras que Diego Berruecos se llevó el segundo lugar con 26 used to be Gasoline Stations in México. Aunque también hubo menciones honoríficas para Jota Izquierdo, Abigail Marmolejo, Isolina Peralta, entre otros.

También hay una sección de fotógrafos seleccionados, muchos de ellos tienen preocupaciones en común como la relación entre imagen y tecnología o la imposibilidad de representar la violencia que azota al país desde hace más de una década.

Entre los seleccionados para esta edición se encuentra Juan Carlos Coppel, fotógrafo mexicano que retrata la vida cotidiana de los agricultores, sobre todo en el norte del país. En esta edición participa con su serie La quema, en la que capta el incendio de neumáticos que realizan los campesinos para cuidar la temperatura del campo en  temporada de invierno.

Con la pluralidad en propuestas de imagen que la caracterizan, la XVII Bienal de Fotografía sigue mostrando un mosaico inigualable de la fotografía mexicana.

Primer museo subacuático en Europa con esculturas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

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Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo.

México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo documenta el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies.

El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: “el infinito es una metáfora inventada por la humanidad”.

Imagen relacionada

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La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

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Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

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