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Entrevista a Felipe Pantone: la importancia del proceso creativo

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“Es más importante el proceso creativo que la obra concluida”

Pintó el código QR más grande del mundo, hizo el mural más grande que haya tenido Lisboa, y sus obras se destacan por que rompen récords de altura o tamaño. Para Felipe Pantone tiene más sentido mostrar su obra que su cara.

“Prefiero que la gente me conozca por mi obra que por mi rostro”.

ALL CITY CANVAS lo entrevistó durante la inauguración de su exposición Planar Direction con la galería Station 16 durante la Feria de Arte que organiza en cada edición Mural Festival.

Cuéntanos un poco del proceso creativo al pintar en un mural el código QR más grande del mundo

Lo más difícil fue convencer al dueño del edificio que me dejara pintar el código. Al él le daba realmente igual, pero a la gente le gusta la belleza, y los códigos QR son bastante feos, por eso la belleza de este trabajo reside en el concepto.

Pantone comenzó a pintar graffiti en las calles a los 12 años, lo cual determinó su gusto por el arte. Hizo la carrera en Bellas Artes en el Reino Unido. Interesado siempre en realizar obras para el espacio público, el artista ha creado esculturas e imágenes digitales tridimensionales.

 

La mayoría de tus obras son a gran escala. Lograste hacer el mural más grande en Lisboa y el código QR más grande del mundo, ¿cuál es tu interés por realizar obras que rompan récords, es parte de un estilo artístico?

Es el mismo estilo que hacía con el graffiti. Me gusta que mi trabajo siempre destaque y sea recordado por alguna característica. Entre más grande el espacio y más sitios públicos donde pintar, mejor. Debes adoptar mecanismos para que el trabajo prevalezca y ver de qué manera hacerlo: generándole curiosidad a la gente, hacer que se sientan atraídos visualmente, otorgarle belleza a lo cotidiano, así es más difícil que lo borren.

Es más fácil que borren un graffiti de los que hacía cuando pequeño a que eliminen una obra en un edificio de 17 pisos.

Felipe Pantone ve su estilo artístico como algo actual, del presente. A pesar de las insistentes comparaciones con el op-art de los años 60 (una corriente artística que intenta crear efectos de movimientos en las obras) o con lo futurista, él no se remite a eso, sino algo único que reinventa cada día.

 

¿Por qué mantener el anonimato?

Mi cara no la elegí yo, no tiene ningún interés. Es más interesante mostrar mi obra, lo que estoy creando a que enseñar mi cara, un rostro que no elegí. Es algo arbitrario, mi cara es de lo menos importante que puedo ofrecer visualmente.

¿Cómo decides lo que vas a plasmar en tu obra? La forma, los colores, el lugar, etc.

Si es en la calle, el lugar me lo da. Debes de trabajar en función a eso. La calle me ofrece cosas que ningún otro lado me da.

En el arte, lo más bonito no es la obra concluida, sino el camino para llegar al resultado: los problemas con los que te enfrentas, la búsqueda de soluciones, las incógnitas, los misterios, y la calle me permite conocer y apreciar de manera más cercana este proceso.

Trabajar en un estudio hace del proceso algo más controlado y lo que más me ayuda a evolucionar son las cosas nuevas, eso me permite seguir buscando lo nuevo y experimentar.

Miquel Wert realiza mural para festival de España: la cultura artística en lo rural

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Nostos es el título de su obra

Con motivo de la segunda edición del  Festival Gargar  de Murales y de Arte Rural (Gargar 2) realizado en Penelles, España, el artista Miquel Wert realizó un mural titulado Nostos.

El Festival Gargar tiene como objetivo difundir la cultura artística en el mundo rural  llevando a la gente un tema único y diferente del que se puedan sentir orgullosos e identificados, asimismo la serie de murales pueda ser causa para potencializar el turismo en la región.

 El artista español quiso representar la memoria del territorio a través de las miradas de quienes laboran en actividades de la tierra. Un retorno de héroes anónimos a su terra ferma.

Fotografía por Anna García. @annadosenes

La carrera artística de Miquel Wert comenzó en el año 2000. A partir de ese momento, ha expuesto más de 80 veces de manera colectiva y en 17 ocasiones de forma individual.

 

En dicho festival también participaron artistas como: Tv Boy, Draw & Contra, Zeso Ws y Asu.

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El diseño en la gastronomía: una experiencia visual

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En más de 11 ciudades se ha expuesto Tapas. Spanish design for food

Fue en el 2013 cuando el arquitecto Juli Capella comenzó el viaje por el estudio del diseño en la historia de la comida. Luego de un viaje por ciudades como México, Washington, Seúl, Tokio y otras 11 más, la exposición Tapas. Spanish design for food llegará a Barcelona, la ciudad que la vio nacer.

El interés de Capella sobre la forma en que ingerimos los alimentos lo  ha llevado a crear una muestra en la que se pone como tema central la importancia que ha tomado el diseño en la práctica culinaria: a través de los utensilios y el diseño de lo propios platillos, que hacen de ésta una experiencia sensorial y visual.


Tapas. Spanish design for food  es una exposición dividida en tres partes: la cocina, lugar parecido a un quirófano, en el cual los alimentos son diseccionados y modificados para crear una nueva forma de ellos; la mesa, un objeto cotidiano que sin embargo, dice mucho de quienes día con día se sientan a degustar sus alimentos y los utensilios.

A través de 200 objetos presentados en la muestra que estará abierta hasta el 16 de junio, Capella pone sobre la mesa una relación que ha existido siempre, pero de la que poco se ha hablado: diseño y gastronomía.
La exposición cuenta con la participación de dos artistas reconocidos internacionalmente por su trabajo respecto a estos temas: el diseñador Martí Guixé, y el artista  Antoni Miralda.

Banksy, D*Face y Smithe: lo mejor de la feria Urvanity 👇

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La semana del arte en España: arte contemporáneo y street art

Del 21 al 26 de febrero se realizó la semana internacional de arte contemporáneo en Madrid, España. Ferias como ARCO, Salón Leibniz, Drawing Room, Hybrid, Just Mad y Art Madrid son sólo algunos de los espacios que expusieron lo más interesante del arte que se realiza en nuestros días.

En Art Madrid se expusieron más de 43 galerías; otro de los espacios más importantes de la semana del arte es Just Mad, que este año celebró su octava edición con la participación de artistas emergentes.

Arco 2017
Art Madrid 2017
Just Mad 2017

Además de las ferias habituales, este año se agregó Urvanity, dedicada al llamado Nuevo Arte Contemporáneo, pero que pone énfasis en el arte urbano. Realizada del 23 al 26 de febrero, Urvanity alojó 17 galerías con obras de artistas como Banksy, D*Face, JonOne, Jef Aerosol, Fin DAC, Moses & Taps, entre otros.

Uno de los artistas invitados fue Smithe, artista mexicano que llega de la mano de Montana Gallery Barcelona. Influenciado por los cómics, las películas de ciencias ficción y el estilo gráfico de los años 50, su estilo se caracteriza por la desfragmentación de las figuras que retrata.

El espacio destinado para este encuentro fue el Salón Neptuno, una joya arquitectónica de Madrid, donde se mostraron por primera vez en España obras de Banksy, el artista inglés que hace sátira sobre polItica y cultura; que además desarrolla su actividad desde el anonimato. Fueron exhibidas seis piezas, de la mano de la galería holandesa Vroom&Varossieau, entre las que se encuentran “Every time I make love to you I think of someone else” y “Cheeky Monkey”.

También se realizaron actividades complementarias como Urvanity-Mahou Talks, una serie de charlas y conferencias que arrojaron luz sobre la creación contemporánea en el contexto urbano. Entre los participantes estuvieron Cedar Lewisohn, Ben Eine, Miss Van, Jordi Rubio, Enric Saint, entre otros.

Hubo varios murales en distintas zonas de la ciudad, dentro del proyecto Urvanity Walls. De acuerdo con los organizadores de la feria, las obras fueron seleccionadas “en función del diálogo entre los artistas y los barrios” y “pasarán a formar parte del patrimonio de la ciudad”.

 

 

Con información de Forbes, Look, Urvanity, Neo2, La República, Coolhunter, e Ifema.

Primer museo subacuático en Europa con esculturas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

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Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo.

México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo documenta el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies.

El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: “el infinito es una metáfora inventada por la humanidad”.

Imagen relacionada

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La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

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Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

Nuria Mora: Artista plástica sin statement

ACC TV/Español por

Durante su visita a la Ciudad de México, All City Canvas se llevó a la artista española Nuria Mora a dar un rol por el Parque México para que nos contara de sus inicios como artista, sus experiencias en las calles con el arte urbano, su punto de vista sobre la mujer en el arte y su proyecto en el Zócalo que formó parte de su exposición individual en Celaya Brothers Gallery.

Siéntate con ella y comparte su historia.

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