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¿Banksy llegó a España?

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La aparición de un grafiti en el país europeo levantó duda de su autoría

Cortesía: Diario de Ferrol

En la ciudad Ferrol al norte de España hace unos días apareció un graffiti que de inmediato fue atribuido al británico Banksy y que aseguran sería la primera pieza de este famoso artista urbano realizada dentro de España. Esto en un espacio que el festival de arte urbano Las Meninas de Canido había reservado para Basnky en su edición del año pasado y seguía vacío. Pero varias pruebas nos harían pensar a nosotros lo contrario.

Si nos basamos en la mera imagen de la pintura para afirmar su autoría, podemos decir que: la pieza retrata a dos guardias civiles besándose; un mensaje lo suficientemente controversial clásico de Banksy. Los guardias toman forma usando el lenguaje visual conocido del artista e incluso la pieza posee su firma.

Cortesía: Okdiario

Pero dos argumentos aun más fuertes nos hacen creer que quien pintó a estos dos guardias, no fue él, si no un usurpador que se aprovecho del espacio para atribuirle al británico el graffiti: El festival es patrocinado por la marca de cerveza 1906, por lo que es muy difícil que el artista llevando el mensaje de critica social en su obra hubiera querido relacionar su arte con una marca; iría en contra de todo su trabajo. Segundo; el artista siempre acostumbra documentar su obra y postearla en su cuenta oficial de Instragram, algo que hasta la fecha no ha sucedido, lo que a nosotros nos hace creer que en lo absoluto pertenece a él.

Los vecinos del barrio y los organizadores siguen entusiasmados con la pintura, hasta que sea oficial la confirmación positiva o negativa del hecho que sigue sin esclarecerse. Lo que sí es seguro es que el autor de esta intervención debe estar muy contento al ver que se causó tanto hito alrededor de su intento de copiar al gran Banksy.

Okuda será el primer artista urbano en crear la Falla Mayor 💥

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El cántabro crea una obra de 25 metros de altura para las Fallas de Valencia

Por primera vez en la historia de las festividades valencianas, la Falla Mayor estará a cargo de un artista urbano, el reconocido artista cántabro Okuda. Las fiestas, que celebran la quema de piezas exhibidas como museo al aire libre y simbolizan la llegada la primavera han sido consideradas por la UNESCO como Patrimonio Universal de la Humanidad en 2006.

Las Fallas serán un escenario enorme para el artista, quién también presenta a partir de hoy hasta el 27 de mayo The Multicolored Equilibrium Between Animals and Humans, una retrospectiva de sus últimos 9 años de carrera artística en el Centro del Carmen.

Parte de la Falla Mayor titulada Universal Equilibrium, de aproximadamente 25 metros de altura —la obra más grande creada por el artista hasta el momento fue presentada por la ciudad el sábado pasado durante la Cabalgata del Ninot.

Cortesía: Ink and Movement
Cortesía: Ink and Movement

El resto de la pieza será llevada este sábado 10 de marzo a la Plaza del Ayuntamiento para la famosa “Plantá”, dónde Okuda la intervendrá en directo (no te pierdas la pinta en vivo en nuestro Instagram) a las 5 pm (hora de España), rodeado de celebración y actuaciones en vivo. El 19 de marzo la falla cumplirá su “ciclo” y arderá en llamas como lo han hecho estas piezas desde el siglo XVIII.

Cortesía: Quique Rico
Cortesía: Quique Rico

Con Universal Equilibrium, el artista se propone reflexionar sobre el equilibrio de los valores que rigen nuestra sociedad contemporánea, trazando una línea imaginaria entre lo real y lo imaginario, lo terrenal y lo sobrenatural. Los elementos que la conforman incluyen muchos de los iconos característicos que han poblado el trabajo del artista

Cortesía: Ink and Movement

Como muestra la maqueta de la pieza, la base se conforma de naturaleza en sí como de aquello que nosotros hemos creado con el imaginario: ángeles, unicornios y figuras humanas abstraídas en su forma. Sobre estas formas se posan cuatro caras humanas, diseñadas con colores distintos cada una, llevando un mensaje de unión y hermanamiento entre las razas. No podía faltar la Kaos Star, una de las obras más icónicas de Okuda que refleja la importancia de que cada persona forje su camino para lograr sus sueños.

En el nivel más alto se encuentran dos figuras femeninas que rinden tributo a esas Venus que han poblado el arte desde tiempos antiguos, alzando un globo terráqueo en forma de alcancía, en la que se deposita una moneda sonriente.

Cortesía: Ink and Movement

La creación de la obra es un nuevo hito en la carrera del artista y su equipo de Ink and Movement ya que no solo trasciende en su materialidad, sino que evidencia las similitudes entre esta celebración milenaria y el nuevo arte contemporáneo que se expresa actualmente en muchas calles del mundo: popular, callejero, dimensional y sobre todo, efímero. Más allá de la pieza, la Falla confronta a la tradición y la modernidad abriendo nuevos espacios de discusión para artistas.

Cortesía: Ink and Movement

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Entrevista a Felipe Pantone: la importancia del proceso creativo

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“Es más importante el proceso creativo que la obra concluida”

Pintó el código QR más grande del mundo, hizo el mural más grande que haya tenido Lisboa, y sus obras se destacan por que rompen récords de altura o tamaño. Para Felipe Pantone tiene más sentido mostrar su obra que su cara.

“Prefiero que la gente me conozca por mi obra que por mi rostro”.

ALL CITY CANVAS lo entrevistó durante la inauguración de su exposición Planar Direction con la galería Station 16 durante la Feria de Arte que organiza en cada edición Mural Festival.

Cuéntanos un poco del proceso creativo al pintar en un mural el código QR más grande del mundo

Lo más difícil fue convencer al dueño del edificio que me dejara pintar el código. Al él le daba realmente igual, pero a la gente le gusta la belleza, y los códigos QR son bastante feos, por eso la belleza de este trabajo reside en el concepto.

Pantone comenzó a pintar graffiti en las calles a los 12 años, lo cual determinó su gusto por el arte. Hizo la carrera en Bellas Artes en el Reino Unido. Interesado siempre en realizar obras para el espacio público, el artista ha creado esculturas e imágenes digitales tridimensionales.

 

La mayoría de tus obras son a gran escala. Lograste hacer el mural más grande en Lisboa y el código QR más grande del mundo, ¿cuál es tu interés por realizar obras que rompan récords, es parte de un estilo artístico?

Es el mismo estilo que hacía con el graffiti. Me gusta que mi trabajo siempre destaque y sea recordado por alguna característica. Entre más grande el espacio y más sitios públicos donde pintar, mejor. Debes adoptar mecanismos para que el trabajo prevalezca y ver de qué manera hacerlo: generándole curiosidad a la gente, hacer que se sientan atraídos visualmente, otorgarle belleza a lo cotidiano, así es más difícil que lo borren.

Es más fácil que borren un graffiti de los que hacía cuando pequeño a que eliminen una obra en un edificio de 17 pisos.

Felipe Pantone ve su estilo artístico como algo actual, del presente. A pesar de las insistentes comparaciones con el op-art de los años 60 (una corriente artística que intenta crear efectos de movimientos en las obras) o con lo futurista, él no se remite a eso, sino algo único que reinventa cada día.

 

¿Por qué mantener el anonimato?

Mi cara no la elegí yo, no tiene ningún interés. Es más interesante mostrar mi obra, lo que estoy creando a que enseñar mi cara, un rostro que no elegí. Es algo arbitrario, mi cara es de lo menos importante que puedo ofrecer visualmente.

¿Cómo decides lo que vas a plasmar en tu obra? La forma, los colores, el lugar, etc.

Si es en la calle, el lugar me lo da. Debes de trabajar en función a eso. La calle me ofrece cosas que ningún otro lado me da.

En el arte, lo más bonito no es la obra concluida, sino el camino para llegar al resultado: los problemas con los que te enfrentas, la búsqueda de soluciones, las incógnitas, los misterios, y la calle me permite conocer y apreciar de manera más cercana este proceso.

Trabajar en un estudio hace del proceso algo más controlado y lo que más me ayuda a evolucionar son las cosas nuevas, eso me permite seguir buscando lo nuevo y experimentar.

Miquel Wert realiza mural para festival de España: la cultura artística en lo rural

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Nostos es el título de su obra

Con motivo de la segunda edición del  Festival Gargar  de Murales y de Arte Rural (Gargar 2) realizado en Penelles, España, el artista Miquel Wert realizó un mural titulado Nostos.

El Festival Gargar tiene como objetivo difundir la cultura artística en el mundo rural  llevando a la gente un tema único y diferente del que se puedan sentir orgullosos e identificados, asimismo la serie de murales pueda ser causa para potencializar el turismo en la región.

 El artista español quiso representar la memoria del territorio a través de las miradas de quienes laboran en actividades de la tierra. Un retorno de héroes anónimos a su terra ferma.

Fotografía por Anna García. @annadosenes

La carrera artística de Miquel Wert comenzó en el año 2000. A partir de ese momento, ha expuesto más de 80 veces de manera colectiva y en 17 ocasiones de forma individual.

 

En dicho festival también participaron artistas como: Tv Boy, Draw & Contra, Zeso Ws y Asu.

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El diseño en la gastronomía: una experiencia visual

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En más de 11 ciudades se ha expuesto Tapas. Spanish design for food

Fue en el 2013 cuando el arquitecto Juli Capella comenzó el viaje por el estudio del diseño en la historia de la comida. Luego de un viaje por ciudades como México, Washington, Seúl, Tokio y otras 11 más, la exposición Tapas. Spanish design for food llegará a Barcelona, la ciudad que la vio nacer.

El interés de Capella sobre la forma en que ingerimos los alimentos lo  ha llevado a crear una muestra en la que se pone como tema central la importancia que ha tomado el diseño en la práctica culinaria: a través de los utensilios y el diseño de lo propios platillos, que hacen de ésta una experiencia sensorial y visual.


Tapas. Spanish design for food  es una exposición dividida en tres partes: la cocina, lugar parecido a un quirófano, en el cual los alimentos son diseccionados y modificados para crear una nueva forma de ellos; la mesa, un objeto cotidiano que sin embargo, dice mucho de quienes día con día se sientan a degustar sus alimentos y los utensilios.

A través de 200 objetos presentados en la muestra que estará abierta hasta el 16 de junio, Capella pone sobre la mesa una relación que ha existido siempre, pero de la que poco se ha hablado: diseño y gastronomía.
La exposición cuenta con la participación de dos artistas reconocidos internacionalmente por su trabajo respecto a estos temas: el diseñador Martí Guixé, y el artista  Antoni Miralda.

Banksy, D*Face y Smithe: lo mejor de la feria Urvanity 👇

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La semana del arte en España: arte contemporáneo y street art

Del 21 al 26 de febrero se realizó la semana internacional de arte contemporáneo en Madrid, España. Ferias como ARCO, Salón Leibniz, Drawing Room, Hybrid, Just Mad y Art Madrid son sólo algunos de los espacios que expusieron lo más interesante del arte que se realiza en nuestros días.

En Art Madrid se expusieron más de 43 galerías; otro de los espacios más importantes de la semana del arte es Just Mad, que este año celebró su octava edición con la participación de artistas emergentes.

Arco 2017
Art Madrid 2017
Just Mad 2017

Además de las ferias habituales, este año se agregó Urvanity, dedicada al llamado Nuevo Arte Contemporáneo, pero que pone énfasis en el arte urbano. Realizada del 23 al 26 de febrero, Urvanity alojó 17 galerías con obras de artistas como Banksy, D*Face, JonOne, Jef Aerosol, Fin DAC, Moses & Taps, entre otros.

Uno de los artistas invitados fue Smithe, artista mexicano que llega de la mano de Montana Gallery Barcelona. Influenciado por los cómics, las películas de ciencias ficción y el estilo gráfico de los años 50, su estilo se caracteriza por la desfragmentación de las figuras que retrata.

El espacio destinado para este encuentro fue el Salón Neptuno, una joya arquitectónica de Madrid, donde se mostraron por primera vez en España obras de Banksy, el artista inglés que hace sátira sobre polItica y cultura; que además desarrolla su actividad desde el anonimato. Fueron exhibidas seis piezas, de la mano de la galería holandesa Vroom&Varossieau, entre las que se encuentran “Every time I make love to you I think of someone else” y “Cheeky Monkey”.

También se realizaron actividades complementarias como Urvanity-Mahou Talks, una serie de charlas y conferencias que arrojaron luz sobre la creación contemporánea en el contexto urbano. Entre los participantes estuvieron Cedar Lewisohn, Ben Eine, Miss Van, Jordi Rubio, Enric Saint, entre otros.

Hubo varios murales en distintas zonas de la ciudad, dentro del proyecto Urvanity Walls. De acuerdo con los organizadores de la feria, las obras fueron seleccionadas “en función del diálogo entre los artistas y los barrios” y “pasarán a formar parte del patrimonio de la ciudad”.

 

 

Con información de Forbes, Look, Urvanity, Neo2, La República, Coolhunter, e Ifema.

Primer museo subacuático en Europa con esculturas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

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Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo.

México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo documenta el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies.

El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: “el infinito es una metáfora inventada por la humanidad”.

Imagen relacionada

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La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

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Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

Nuria Mora: Artista plástica sin statement

ACC Network/Español por

Durante su visita a la Ciudad de México, All City Canvas se llevó a la artista española Nuria Mora a dar un rol por el Parque México para que nos contara de sus inicios como artista, sus experiencias en las calles con el arte urbano, su punto de vista sobre la mujer en el arte y su proyecto en el Zócalo que formó parte de su exposición individual en Celaya Brothers Gallery.

Siéntate con ella y comparte su historia.

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