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Conoce el arte de Stephanie Kilgast

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Con el uso de materiales de segunda mano crea increíbles obras de arte

La artista de origen francés Stephanie Kilgast recrea impresionantes obras de arte sobre elementos desechados por el hombre, dándole un reflejo diferente al pensamiento desechable y creando  objetos únicos.

Cortesía: Colossal

Kilgast que esta basada en Francia, toma objetos como tarros de mermelada, tazas, platos rotos, cámaras y hasta discos de vinilo para llenarlos de color y darles una segunda oportunidad. De esta forma embellece su estructura con crecimientos parecidos al nacimiento de un coral, invadido por hongos, diversas plantas, cristales y hasta animales.

Cortesía: Colossal

Con el paso del tiempo esta artista ha perfeccionado su técnica orientada a los detalles, mediante la fabricación de alimentos hiperrealistas en miniatura, utilizando arcilla polimérica en cada uno de ellos.

Cortesía: Artospective

El proyecto mas arduo según la artista lo desarrolló al esculpir fruta y una hortaliza encompleta en miniatura. Presentando la cantidad de plantas comestibles existentes e incitando a consumir en menor medida productos de origen animal.

Cortesía: Saatchi Art

Ella misma describe su trabajo como: “Esto es una oda a la naturaleza con coloridas esculturas orgánicas sobre objetos hechos por el hombre, celebrando la belleza de la naturaleza en un diálogo con la humanidad, cuestionando el equilibrio perdido entre las actividades humanas y la naturaleza”.

Cortesía: Brown Paper Bag

Normalmente esta artista graba el proceso de cada una de sus creaciones en sus redes sociales (Instagram, Web, YouTube) y ha expuesto en lugares como Europa, América y Asia. En este último con un espectáculo grupal denominado “Monochrome” en Art Number 23 de Londres.

¡Te invitamos a seguir su proceso creativo lleno de color y asombrosas muestras!

Dibujos animados en las esculturas de Daniel Arsham

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Arsham va más allá de las escultura en 3D

El artista Daniel Arsham ha realizado recreaciones singulares de los personajes animados más populares para su última exhibición llamada “Character Study”, que se está presentando en Los Ángeles.

Como parte de la elaboración de esculturas con otras técnicas, Arsham ahora experimenta con materiales similares al yeso, dándole así una mayor dimensión con menos peligro.

Cortesía: Daniel Arsham

Esta forma de realizar sus esculturas le ha dado una similitud a parches de tela, pero a gran escala y de color blanco y cambio a diferentes colores, además de darles un poco de menor dimensión, ya que en obras anteriores podemos ver cada detalle en figuras tridimensionales.

Cortesía: Daniel Arsham

Cada una de las piezas están cosidas a mano y representan parte de la cultura popular que él vivió durante su niñez, como muchas otras personas que seguramente se sentirán identificadas con cada una de los personajes y referencias que reproduce.

Fuera del trabajo con influencias animadas, las otras obras de Arsham tienen la peculiaridad de asimilar algo roto, o que se está desvaneciendo, desde elementos básicos como tenis, chamarras o guitarras.

Cortesía: Daniel Arsham

Su exhibición está disponible en Morán Morán, 937 N. La Cienega Blvd. Los Angeles, CA 90069, del 21 de abril al 19 de mayo.

Obras inéditas de Carrington se exhibirán en el Museo de Arte Moderno

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La exposición contará con obras que son propiedad de galerías y colecciones privadas

El Museo de Arte Moderno inaugurará Cuentos Mágicos, una exhibición con 150 obras de la artista plástica Leonora Carrington, en abril de este año. Esta exposición no sólo mostrará obras inéditas de la artista británica, sino que se realizará en conmemoración del primer centenario de su natalicio.

Entre las obras que se mostrarán por primera vez en nuestro país, se encuentra  un autorretrato de Leonora, que forma parte del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. Ello ha sido posible por el apoyo de la disposición que se ha dado de colecciones privadas y de galerías que cuentan con su trabajo para la realización de esta exposición.

Además, la retrospectiva de la artista tiene como otro de sus objetivos el entablar un diálogo entre la distintas disciplinas que exploró y las relaciones históricas en las que se concibieron.

Además de Cuentos Mágicos, la Universidad Autónoma Metropolitana ha anunciado la compra de la casa de la pintora para convertirla en museo. En ella, estará disponible la biblioteca de Carrington, esculturas, litografías y demás pertenencias de ella y su esposo, el fotógrafo Emerico Weisz.

Les ganó la “hemoción”: demandarán a artistas por daños en Museo Experimental El Eco

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El grupo de artistas asumió la responsabilidad y busca dialogar sobre la dirección de los museos

Paola Santoscoy, directora del Museo Experimental El Eco, informó que autoridades de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) han levantado un acta administrativa en la dirección jurídica de la universidad en contra de quien resulte culpable de los daños ocasionados a las instalaciones de dicho museo por un grupo de artistas.

Dicho conjunto, autonombrado “Los Hemocionales”, irrumpió en El Eco el domingo por la tarde al saltar la barda del museo y quebrar un ventanal que daba a las salas de exposición. Además, utilizaron una obra de bronce de la escultora Yolanda Paulsen para improvisar una valla, provocaron nubes de humo con los extintores de las instalaciones y forzaron una puerta, ubicada atrás de la estela amarilla, sin éxito.

Los abogados de la universidad espera los dictámenes de las instalaciones para decidir cuál será el proceso legal de la demanda, y solicitar los seguros correspondientes que permitan proceder con la restauración de los daños.

Por medio de un comunicado, “Los Hemocionales”  asumen la responsabilidad de sus actos e invitan a entablar un diálogo con la comunidad artística sobre la dirección de los museos.

Instalación artística convierte las selfie en una gran escultura 📸

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La pieza funciona con 29 cámaras y 85 mil LED’s

As We Are, de Matthew Mohr se encuentra en el Centro de Convenciones de Columbus, en Ohio

Matthew Mohr diseñó una escultura de poco más de cuatro metros de alto, la cual tiene forma de cabeza y que tituló As We Are (Como Somos), la obra está ubicada en el Centro de Convenciones de Columbus, Ohio.

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La escultura de Mohr consta de una cabina en la parte trasera, en la cual los visitantes a través de 29 cámaras fotográficas pueden tomarse una selfie para que la escultura proyecte su rostro en la escultura, a través de una tecnología llamada fotogrametría, que se logra por medio de 850 mil LED’s.

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De acuerdo con el artista, la escultura pretende hacer reflexionar al espectador sobre su identidad y presencia por medio de una versión amplificada de sí mismo; además de ser una obra que divierta y genere debate sobre las redes sociales, la diversidad y dinamismo del arte.

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Matthew Mohr es un artista que también se dedica a dar clases de diseño gráfico e imparte un seminario de posgrado; ha trabajado para Samsung, Newsweek y la NASA, además de ser copropietario de Wonder-Shirts una marca de camisetas que se dedica a alentar a los niños a leer.

 

Ego Erectus, la colosal escultura que aplasta el capitalismo

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“Si mis obras son estridentes, es porque la realidad que lo origina me lo sugiere” dice Mankey

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Con estos pies, Mankey busca “representar las contradicciones del individuo moderno como resultado de sus ambiciones y limitaciones”.

Aunque los medios predominantes en la obra del artista sean muros y otras superficies bidimensionales, su arribo al arte en tres dimensiones es, sin duda, una asombrosa aportación al mundo artístico.

Mario Mankey es un artista español radicado en Berlín. Sus obras combinan elementos del graffiti, animación, así como de cómics. Sus influencias de otros artistas van desde Picasso hasta Basquiat.

Señala que bajo el nombre Mario Mankey “manifiesta las subyacentes contradicciones entre el hombre y primate”. Sobre su arte comenta, “el juego estético viene como una forma de introducir diversión, pero también sarcasmo”.

Carlos García Noriega y sus creaciones artísticas

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El arquitecto y escultor mexicano que debes tener en la mira

Desde su exposición Mirrors en 2014, Carlos García Noriega Bueno ha crecido de una manera exponencial en el mundo del arte contemporáneo. Externa en sus esculturas su sentir y lo que acontece a su alrededor para que la gente pueda empatizar con el arte y no quedar como un simple espectador.

En 2017, el joven arquitecto participó en diversos espacios, presentando sus piezas “Sombra de Luna” y “Alto y Bajo” en el booth de la Galería de Arte Mexicano en Zona Maco; en Salón Acme con “Tectónico”; presentó la exposición Catársis en colaboración con la Galería de Arte Mexicano y Ñu en Torre Reforma; creó una pieza monumental para espacio público Cantabria en Ciudad Juárez, y tuvo la exposición Renacer en la Casa del Tiempo durante La Ruta de Galerías en San Miguel Chapultepec.

ALL CITY CANVAS lo entrevistó para saber más de su obra, la exposición con ÑÚ y su trayectoria. ¡No quites de la mira a este arquitecto y artista contemporáneo! 👇

 

Más de 16 artistas intervendrán el valle de Coachella, California

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El valle de Coachella, California será el lienzo ocupado por artistas como Doug Aitken

El paisaje desértico del valle de Coachella, California-Estados Unidos será el lienzo para los artistas participantes en el proyecto Desert X, el cual se llevará a cabo hasta el 30 de abril de este año.

16 artistas conocidos y emergentes, como Doug Aitken, Norma Jeane, Phillip K. Smith III, Juliao Sarmento y Gabriel Kuri, darán a conocer sus obras en este magno festival de arte.

Temas que van desde el cambio climático, cielos estrellados y cultura tribal e inmigrante (para difundir el turismo), estarán presentes en las obras artísticas.

Cada artista elige la ubicación que será sede de la obra que realizará. Instalaciones cerradas o al aire libre, cualquier escenario es ideal para plasmar la creatividad de cada uno.

Desert X toma el paisaje mismo como su espacio de exposición. Ofrecerá la oportunidad de explorar lo familiar y lo desconocido a través de los ojos de otros. “Si el desierto es dios sin el hombre, entonces Desert X es el arte sin construcción”, sentencia Neville Wakefield, director artístico del proyecto.

Susan Davis, fundadora de Desert X, quiere que los artistas se involucren tanto con el entorno impactante como con la mirada de problemas sociológicos que se enfrentan en la zona, para conjuntarlas y lograr crear un gran espectáculo artístico.

Yayoi Kusama inaugura exposición en Washington

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La obsesión por los puntos llegó a Estados Unidos de la mano de Yayoi Kusama

La artista japonesa de 87 años, Yayoi Kusama, estará presente con su exposición Infinity Mirrors en el Museo Hirshhorn, en Washington, Estados Unidos, hasta el 14 de mayo del 2017.

En esta exposición, los visitantes tendrán la oportunidad de deleitarse con seis salas de Infinity Mirror, junto con una selección de sus otras obras clave, incluyendo una serie de pinturas de su más reciente serie My Eternal Soul, que nunca se han mostrado en los Estados Unidos.

El Museo Hirshhorn es el primero en enfocarse tan detalladamente en sus salas con espejos, ya que presenta seis de ellas, entre las cuales se encuentran: “Love Forever”, de 1966; “Dots Obsession – Love Transformed Into Dots”, de 2007; “Aftermath of Obliteration of Eternity”, de 2009 y “The Souls of Millions of Light Years Away”, de 2013.

Desde su primera instalación de Infinity mirrors, en 1965, Yayoi Kusama ha deleitado a muchas personas con su arte que refleja una obsesión por los puntos, la perfección y los patrones; además, otorgan placer visual al observar estas salas con espejos y círculos por todos lados.

Precursora del arte pop, el arte feminista y con una gran inclinación hacia la psicodelia, Kusama deja una gran impresión a todos quienes observan sus obras, esto se pude saber gracias a las filas largas que se reúnen.

El Museo Hirshhorn también exhibirá esculturas como: Live (repetitive visión), de 1998; Flowers-overcoat, de 1964; y A snake, realizada en 1974.

Con información de: The New York Times

Buff Monster plasma muerte y decadencia con esculturas de helado 🍦

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Las metáforas de la vida en Melt with me, de Buff Monster

Fotografías por Briana Prieto

Buff Monster, artista neoyorkino influenciado por el pop art, la cultura japonesa, el helado y el graffiti, abrió su exhibición Melt with me en Nueva York, donde plasma profundas metáforas de la vida y la convivencia en sociedad a través de esculturas.

La exhibición es el resultado de un año de investigación escultórica. Buff Monster ha creado imágenes alrededor del helado durante 15 años, ¿por qué? “El helado es una metáfora de la vida”, dijo el artista.

“Míster melty”, el personaje de sus obras, es optimista, confiado y felizmente inconsciente de su (derretido) destino. ¿Suena a cualquier persona que conoces? Pues él es más afortunado que nosotros, porque al estar fabricado con concreto y fibra de vidrio mantendrá su estado de derretimiento para siempre; nosotros no tendremos tanta suerte…

Foto Buff Monster.

Una de las novedades de esta exhibición es el “Big Míster melty” de 60 centímetros y que estuvo en construcción por alrededor de un año; hecho a base de fibra de vidrio, resina de alto impacto y pintura automotriz.

Foto: street art news

Como asegura Buff, el tiempo impacta a todas las cosas, pero a nada tan dramáticamente como al helado. Así, lo que parecía ser un inocente postre que se disfruta en las tardes calurosas de verano, se convierte en “el perfecto símbolo moderno de la muerte y la decadencia”.

Foto Buff Monster.

Buff no se detiene ahí. Cree que “nuestra sociedad es un gran cono de helado derritiéndose hacia la nada”. Por si fuera poco, piensa que está sucediendo mucho más rápido de lo que cualquiera de nosotros podría haber imaginado.

Si tienes ganas de tener una pieza de Buff Monster en la sala de tu casa, los precios van desde los 75 a los 17 mil dólares, aunque uno de sus admiradores encontró una manera de tener las obra de Buff y nunca alejarse de ella: se tatuó un dibujo que el artista creó en su brazo.

Después de las metáforas de Buff el helado no tendrá el mismo sentido… ¿o sí?

 

 

Skate en el museo: una exposición con esculturas patinables🏂

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Resignificar lo existente es el objetivo de la primera exposición individual de Zarka en España

¿Patinetas deslizándose sobre las esculturas de un museo? Eso es lo que podrás ver en Espacio pavimentado, la primera exposición individual de Raphaël Zarka en España, un artista francés influenciado por el minimalismo y el land art; la mayoría de sus trabajos se centran en la historia de los objetos que expresa a través de la fotografía, el video, la escultura y el dibujo.

Esta exhibición se encuentra en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), un espacio español destinado al arte contemporáneo. El artista se basó en objetos científicos creados por el matemático y cristalógrafo alemán Arthur Schönflies. Esta vez Raphaël Zarka amplió estas figuras y las adaptó al tamaño de las que utilizan los skaters en la calle.

La idea de las “esculturas documentales”, como Zarka llama a sus obras, es que los skaters se adapten a estas piezas al igual que lo hacen con los objetos públicos, pero en Espacio pavimentado espectadores y patinadores tienen que organizar sus propios marcos de convivencia y cohabitar el mismo espacio.

En la sala superior del museo hay una exposición fotográfica llamada Riding Modern Art, en la que Zarka muestra fotografías de esculturas públicas que son utilizadas  como superficie de patinaje. Serra, Deacon, Oteiza o Solano son algunos de los artistas retratados por fotógrafos especializados en skate.

De acuerdo con el artista, el skate es una especie de reescritura de espacios destinados a un uso particular, para posteriormente trasladarlos al quehacer artístico. Él mismo tiene experiencia en el patinaje que combina con su interés por el arte en el espacio público y la reinterpretación de lo existente.

Porque el arte y sus dinámicas cambian todo el tiempo, esta exposición demuestra una vez más que nada está prohibido dentro de un museo… al menos no en Espacio Pavimentado.

 

Con información de Valencia Plaza, Espai d’Art Contemporani de Castelló, Designboom, exit-express y El periódico mediterráneo.

Primer museo subacuático en Europa con esculturas de Jason deCaires

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Europa ya cuenta con su primer museo bajo el agua

Jason deCaires es probablemente uno de los artistas más reconocidos dentro del Land Art, debido a su activismo en el cuidado de ecosistemas marítimos dañados por desastres naturales o a causa de la aceleración de un cambio climático más amenazante.

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Lo más emblemático de su trayectoria artística es que ha sido pionero de los museos subacuáticos. En 2006 inauguró el primer museo de este tipo en la isla caribeña de Granada, trabajo que es considerado como una de las 25 maravillas del mundo.

México también ha sido parte del interés del artista, ya que en 2010, en Isla Mujeres, Cancún, fundó el Museo Subacuático de Arte (MUSA). Recientemente exhibió sus obras en su tercer trabajo: el Museo del Atlántico en España, el primero en el continente europeo.

El trabajo de deCaires se basa en realizar esculturas debajo del mar hechas con materiales que no dañan la flora y fauna marítima, asimismo documenta el proceso en el que alrededor de sus esculturas crecen arrecifes y corales, hábitats que permiten la reproducción de especies.

El paso del tiempo  provoca que sus obras se conviertan en parte de la vida del mar, idea que resume en una frase: “el infinito es una metáfora inventada por la humanidad”.

Imagen relacionada

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La ciencia y la naturaleza son temas que siempre están presente en el trabajo del artista, y a través de éstos le ha permitido involucrarse en actividades altruistas donde el arte cumple un segundo (o quizá primer) objetivo: involucrar al espectador en una realidad en la que debe (literal)  sumergirse.

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Con información de National Geographic España, ABC, El Tiempo y Jason deCaires.

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