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Nueva York

Obras inéditas de Carrington se exhibirán en el Museo de Arte Moderno

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La exposición contará con obras que son propiedad de galerías y colecciones privadas

El Museo de Arte Moderno inaugurará Cuentos Mágicos, una exhibición con 150 obras de la artista plástica Leonora Carrington, en abril de este año. Esta exposición no sólo mostrará obras inéditas de la artista británica, sino que se realizará en conmemoración del primer centenario de su natalicio.

Entre las obras que se mostrarán por primera vez en nuestro país, se encuentra  un autorretrato de Leonora, que forma parte del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. Ello ha sido posible por el apoyo de la disposición que se ha dado de colecciones privadas y de galerías que cuentan con su trabajo para la realización de esta exposición.

Además, la retrospectiva de la artista tiene como otro de sus objetivos el entablar un diálogo entre la distintas disciplinas que exploró y las relaciones históricas en las que se concibieron.

Además de Cuentos Mágicos, la Universidad Autónoma Metropolitana ha anunciado la compra de la casa de la pintora para convertirla en museo. En ella, estará disponible la biblioteca de Carrington, esculturas, litografías y demás pertenencias de ella y su esposo, el fotógrafo Emerico Weisz.

Cerith Wyn Evans llega a Museo Tamayo🎨👇

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Este año, la Ciudad de México tendrá desde colecciones personales de artistas, hasta exhibiciones por la Organización Mundial del Diseño

At Home With Monsters de Guillermo del Toro

Se trata de una exposición del Los Angeles County Museum of Art (LACMA) compuesta por 500 piezas de memorabilia fílmica -de terror y ciencia ficción-, que forman parte de la colección del director, guionista y productor mexicano Guillermo del Toro. La exhibición contará también con el material que ha utilizado para el proceso creativo de películas como Hellboy y El Laberinto del Fauno.

La Ciudad de México será la tercera, y probablemente última sede de dicha exhibición que ha recorrido ya las ciudades de Minneapolis y Toronto. El proceso de traslado e instalación de At Home With Monsters dura ocho meses, sin embargo, la fecha y el lugar en donde se realizará continúa sin ser confirmada.

Cerith Wyn Evans en Museo Tamayo

Del 10 de febrero al 6 de mayo, el Museo Tamayo será sede de una exposición compuesta de candelabros de murano, piezas sonoras y esculturas en neón, entre otras cosas, creadas por el escultor y cineasta galés Cerith Wyn Evans. Con estos trabajos, la exhibición busca provocar la percepción y la subjetividad por medio de la creación de experiencias sensoriales y temporales en el espectador.

Esta representa la primer exposición monográfica del artista en el país. Las obras exhibidas en el Tamayo serán piezas que ha realizado en los últimos 10 años y cuentan con una estética influenciada por el cine, la música, la literatura y la filosofía.

En busca de un muro en Museo Tamayo

En busca de un muro será una exhibición que también tendrá lugar en el Museo Tamayo del 3 de marzo al 1 de junio. En ella, se propondrá otra cara de las obras del muralista José Clemente Orozco que forman parte de la colección de este museo, de artistas contemporáneos y de  archivos que relatan la historia del irreverente crítico Claude Bragdon y su  influencia en la obra del muralista mexicano.

La exhibición abarcará diferentes etapas de la obra de Orozco, comenzando por su estancia en Nueva York y su primer contacto con las ideas de Bragdon.

Leonora Carrington en Museo de Arte Moderno

En abril de este año, el Museo de Arte Moderno realizará Cuentos Mágicos, una exhibición para conmemorar el centenario del natalicio de la artista plástica Leonora Carrington. La exposición se compondrá de 150 piezas de obras que realizó en sus 60 años de trayectoria.

La exhibición contará con trabajos inéditos en su visita a nuestro país, como un autorretrato que es parte de la colección del del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

CDMX: Capital Mundial del Diseño 2018

La Organización Mundial del Diseño (WDO, por sus siglas en inglés), ha nombrado a la Ciudad de México como capital mundial del diseño 2018. Por ello, dicha organización sostendrá diversas actividades en la ciudad durante marzo y octubre del presente año referentes a la arquitectura, el diseño y las artes visuales.

Las actividades serán guiadas por la temática del año, la cual es el diseño socialmente responsable, y, aunque no se ha concretado la agenda de actividades, sus tres principales programas -el Académico, el Cultural y el Local de Diseño-, ya causaron gran expectativa en el público mexicano.

Zona Maco

Esta será la 15a edición de la plataforma de arte más importante de Latinoamérica. Como cada año, se dividirá en cuatro secciones -General, Nuevas Propuestas, Zona Maco Sur y Arte Moderno-, y participarán alrededor de 130 galerías de México y otros 26 países.

Como cada año, el evento tendrá lugar lugar en Centro Citibanamex del siete al 11 de febrero.

Material Art Fair

Se trata de la quinta edición de la feria de arte contemporáneo más importante de la Ciudad de México. Este año, la Material Art Fair promete ser más vibrante y atrevida que nunca, con una programación que incluye a 75 galerías provenientes de 18 países.

La feria se llevará a cabo del ocho al 11 de febrero, y se realizará por primera vez en Frontón México, una arena deportiva de la década de los 20 rehabilitada por el Instituto Nacional de Bellas Artes.

 

Joshua Liner Gallery inaugurará exhibición por su primer década

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La exposición estará compuesta por obras de artistas que han colaborado en la galería

La Joshua Liner Gallery, galería de arte contemporáneo en Nueva York, inaugurará el 6 de enero 10 Years: una exhibición grupal para celebrar su primer década, y honrar a aquellos artistas que lograron construir el pasado de la galería y la han llevado a ser una pieza clave en el arte contemporáneo de nuestros días.

La exposición estará compuesta de obras de 21 artistas que “han aportado a este espacio (la galería) realismo extremo, expresiones surrealistas, abstracción, paisajes y naturalezas muertas”.  Entre los participantes destacan Parra, Geoff McFetridge y Sam Friedman, quienes han preparado nuevos trabajos figurativos para el evento.

Parra
Geoff McFetridge

Otras de las obras que se podrán ver en 10 Years son los “objetos encontrados” y el ensamblaje de David Ellis, Kis Kuksi, Robert Larson y Wayne White; las pinturas y esculturas de  naturaleza muerta de  Hilary Pecis, Andy Dixon y Libby Black.

David Ellis
Kis Kuksi
Libby Black

La exhibición concluirá el 27 de enero del presente año.

 

Descension: un vórtice a otra dimensión se inaugura en Brooklyn

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Esta fue la primera vez que la obra visita Norteamérica

Descension, obra del escultor británico Anish Kapoor fue inaugurada en el NYCxDesign 2017, festival de diseño en Nueva York, con motivo del 40 aniversario del Public Art Fund. Localizado en el primer muelle del Brooklyn Bridge Park, el trabajo del renombrado artista busca perturbar las nociones ya preestablecidas en nuestro mundo al recurrir al agua, uno de los materiales más ordinarios y, a la vez, con uno de los comportamientos más extraordinarios en el mundo.

La obra de Anish consiste en una especie de alberca que ocupa ocho metros de diámetro. El centro de dicha piscina está ocupada por un vórtice, el cual es producido por agua que se encuentra en un movimiento constante. Con ello,  Descension produce un escenario en donde se sugiere a sí mismo como la entrada hacia una dimensión ficticia que no puede observarse.

Esta es la primera vez que Descension visita Norteamérica. La obra se inauguró por primera vez dentro de la Kochi-Muziris en India y, desde entonces, ha visitado otros espacios, como la Galleria Continua en San Gimignano, Italia, y una exposición en Versalles.

Descension en el Bienal de Kochi-Muziris

La instalación fue curada por Nicholas Baume, actual director del Public Art Fund desde el 2009. El Public Art Fund es una organización sin fines de lucro cuyo objetivo es brindar arte contemporáneo de carácter “dinámico” a la gente en Nueva York al ofrecer exhibiciones gratuitas de alcance internacional y, con ello, producir experiencias significativas por medio del arte disponible en dicho ambiente urbano.

 

5Pointz gana el primer caso que protege al graffiti por la ley federal

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El veredicto podría derivar en leyes que protejan a los artistas urbanos en todos los Estados Unidos

El pasado 8 de noviembre, un juez declaró culpable al agente de bienes raíces Jerry Wolkoff por destruir, en 2013, una andana de graffitis de 23 artistas en el icónico edificio 5Pointz de Nueva York.

El jurado dictó que las obras en 5Pointz estaban protegidas por el Visual Artists Rights Act (VARA), convirtiéndose en el primer caso en Estados Unidos en que se le concede protección por una ley federal al graffiti. El veredicto podría derivar en leyes que protejan a los artistas urbanos en todo Estados Unidos, ya que según Eric Baum, abogado de los 21 artistas que demandaron a Wolkoff, el hecho “confirma que el arte en aerosol es parte de las artes plásticas”.

5Pointz era considerado no sólo una atracción turística en Queens, sino como uno de los lugares más importantes para los grafiteros a nivel mundial. Wolkoff permitió por varios años la intervención de su edificio, pero en 2013 decidió demolerlo para construir un edificio de departamentos y cubrió los murales de los artistas urbanos sin previo aviso.

De acuerdo al New York Times, desde el principio del caso, los artistas que demandaban llevaban la ventaja, debido a que, aunque la propiedad le pertenecía a Wolkoff y argumentó en su defensa que el graffiti era un arte “efímero”, el juez consideró que debió notificarles a los artistas sobre su decisión con anterioridad .

Wolkoff declaró ese año que cubrirlos fue el gesto “más humano” que hizo, puesto que las más de mil obras que se encontraban en su propiedad eran de su agrado y le parecía muy cruel demolerlas sin taparlas primero.

OBEY GIANT: Documental sobre la vida de Shepard Fairey

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James Franco y James Moll producen la obra para Hulu

OBEY GIANT, documental producido por el director de cine James Moll y el actor James Franco, sobre la vida y obra del artista urbano Shepard Fairey ya está disponible en Hulu.

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El documental hace un recorrido de la carrera del artista desde sus principios en el punk rock y el skateboarding, hasta la creación de su icónico póster de Barack Obama con la leyenda “HOPE”, el cual capturaba el optimismo de la campaña presidencial del ahora ex presidente de los Estados Unidos, pero le provocó problemas legales a Fairey posteriormente.

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El día del lanzamiento del documental, Fairey inauguró Damaged, su más grande exhibición hasta el momento. El evento se realizó en un almacén en China Town de Nueva York, exponiendo 200 pinturas, impresiones e ilustraciones que tocaron distintos temas, como las políticas destructivas del medio ambiente en su país, y la vida de excesos en Wall Street.

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The Rise of Graffiti: serie documental sobre la historia del graffiti

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La serie documental abordará el surgimiento del graffiti y su historia en las últimas cinco décadas

Red Tower Films, una compañía freelance especializada en cortometrajes; y Arte Creative, una plataforma digital que se dedica a producir y difundir contenido referente a las artes, estrenarán proximamente The Rise of Graffiti Writing, una serie documental que reúne la historia del nacimiento del graffiti, movimiento que ya cumplió cinco décadas de existir.

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Renombrados artistas como LEE, Futura 2000, FAB5FREDDY, SKEME y Robert del Naja de Massive Attack, formarán parte de la serie.

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La primera temporada de la serie contará con 13 episodios, en los cuales diferentes artistas de Nueva York y Europa hablarán de sus conocimientos y experiencias ejerciendo esta forma del arte, que comenzó en la década de los 70 en vagones de metro y espacios públicos, y ha llegado a ser coleccionado y adquirido por miles de dólares.

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Entre los entrevistados de la serie se encuentra Yaki Kornblit, famoso galerista holandés que ha dado a conocer el graffiti neoyorquino en Europa, al ofrecer las primeras exhibiciones de este tipo de arte en el viejo continente e impulsar las carreras de pioneros en el street art.

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Además, The Rise of Graffiti Writing, recopila el testimonio de Charlie Ahearn, un director de cine neoyorkino que tuvo un gran impacto en el movimiento del arte urbano.

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Su obra más conocida es Wild Style, un filme que aborda el tema del Hip Hop como una vasta cultura que va de la mano con prácticas como el MCing, el DJing, el breakdance y el graffiti (que consideraba arte desde entonces).

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Los episodios de la serie estarán disponibles en arte.tv

Christoph Niemann presenta exposición en Nueva York

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El artista es conocido por sus colaboraciones en  The New Yorker y The New York Times

Christoph Niemann

La SVA Chelsea Gallery en Nueva York estará exhibiendo una recopilación de la obra del ilustrador Christoph Niemann. Entre sus trabajos se encuentran portadas en The New Yorker, WIRED y The New York Times Magazine.

La exposición individual es parte de la 29 ° entrega anual del Master Series Award de la New Yorker School of Visual Arts. Ha ganado premios como AIGA, el Art Directors Club y The Lead Awards.

El nombre de la exposición es The Master Series: Christoph Niemannm, y cuenta con ilustraciones, portadas de revistas, animaciones y demás trabajos digitales del artista.

 

Niemman es parte de la Alianza Gráfica Internacional (AGI), la cual es una prestigiosa asosiación de profesionales en el campo del diseño gráfico. Participó en la serie de Netflix Abstract, y ha dibujado para el biennale de arte de Venecia y los Juegos Olímpicos de Londres.

La exhibición estará disponible en la galería hasta el 4 de noviembre de este año.

 

Con 300 piezas Ai Wei Wei exhibe en Nueva York

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La instalación aborda las problemáticas de la migración y el nacionalismo

Gilded cage, por Ai Wei Wei
Foto: designboom
Gilded cage, por Ai Wei Wei
Foto: designboom

Ai Wei Wei presentó en Nueva York la instalación más grande de su carrera, con un total de 300 piezas. Good fences make good neighbors es un trabajo que plasma sus reflexiones sobre la crisis migratorias y el ascenso de los nacionalismos.

Arch, por Ai Wei Wei
Foto: designboom
Arch, por Ai Wei Wei
Foto: designboom

La instalación que fue curada por Nicholas Baume, forma parte de las celebraciones por el 40 aniversario del Fondo de Arte Público de la ciudad y estará en las calles de Nueva York desde este 12 de octubre hasta el 11 de febrero del 2018.

Immigrants banners, por Ai Wei Weir
Foto: designboom
Immigrants banners, por Ai Wei Weir
Foto: Jason Wyche

La exposición cuenta con la escultura Jaula dorada (Gilded cage) que en su interior tiene torniquetes y vallas movibles, también destaca Arco (Arch) la cual consiste en una jaula que en el medio tiene un arco formado por el contorno de un par de “migrantes” instalada en el icónico Whasington Square Monument.

intervención en una parada de autobús por Ai Wei Weir
Foto: designboom
intervención en una parada de autobús por Ai Wei Weir
Foto: designboom

La muestra también incluye una serie fotográfica de migrantes que el artista ha tomado en campos de refugiados y que estarán instaladas en diferentes partes de la ciudad, como en estaciones de autobús, mercados y espectaculares.

intervención en el edificio de la Fondo para el Arte Público por Ai Wei Weir
Foto: designboom
intervención en la calle del mercado de Essex por Ai Wei Weir
Foto: designboom

Entrevista con Onur: del estudio a la calle ⬛✍

“Estar aquí es muy especial, porque he viajado mucho, he movido mi estudio para trabajar, y toda esta sensación la estoy plasmando en el mural”

Onur es un artista  suizo. Su trabajo se caracteriza por tener un estilo futurista que plasma en los temas de su interés: el presente, el estrés y las consecuencias psicológicas que puede desencadenar este ritmo de vida.

En el 2013, Onur realizó junto con Wes 21, otro artista suizo, un mural para 5 Pointz, colectivo de arte urbano que se ubica en Long Island, Nueva York , y que actualmente se encuentran en proceso legal, luego de que un empresario sin previo aviso removió 23 murales de este lugar.

Es reconocido por realizar una de las campañas más importantes para la marca Volvo.

Platicó con All City Canvas sobre su obra y más en la edición pasada de Mural Festival 👇🏽

 

La feria de arte contemporáneo Volta celebra su 10° edición 🙌

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Más de 90 galerías se dan cita en el encuentro

Fotografías por Briana Prieto

La feria de arte contemporáneo Volta celebra su décima edición del primero al cinco de marzo dentro de Pier 90, en Nueva York. Con 96 galerías y artistas de 46 ciudades alrededor del mundo, como Tokyo, Valencia y Río de Janeiro, esta feria promete seguir mostrando lo mejor del arte contemporáneo.

Por su formato de exhibiciones individuales, Volta reenfoca la experiencia de las ferias de arte a su punto fundamental: los artistas y su trabajo. José Ángel Vincech, Shannon Forrester, Adam Lee, Polly Gould, Emma Bennet y Tina Schwarz son sólo algunos de los invitados a esta edición que se realiza dentro de Armory Arts Week.

Uno de los artistas seleccionados para esta edición es el hondureño Lester Rodríguez, quien presenta obras donde explora las relaciones de geografía física y construcciones simbólicas que derivan de ella. Utiliza materiales que refieren a nociones como desplazamientos, migraciones, territorios, fronteras y sus implicaciones sociales y políticas.

La programación de este año también incluye Your Body is a Battleground, donde un curador selecciona trabajos basados en un tema común, y cuya edición de 2016 fue aclamada. La sección de este año está a cargo de Wendy Voguel y el tema gira alrededor de la precariedad del cuerpo y de la identidad en un momento de turbulencia política.

Volta fue fundada en 2005 por los distribuidores de arte Kavi Gupta, Friederich Loock y Ulrich Voges como una feria “de galerías para galerías”. El concepto fue reformulado en 2008, cuando se mudó de Basel a Nueva York. Desde entonces, Volta ha mostrado el arte contemporáneo de artistas internacionales emergentes y tendencias de vanguardia.

 

 

Buff Monster plasma muerte y decadencia con esculturas de helado 🍦

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Las metáforas de la vida en Melt with me, de Buff Monster

Fotografías por Briana Prieto

Buff Monster, artista neoyorkino influenciado por el pop art, la cultura japonesa, el helado y el graffiti, abrió su exhibición Melt with me en Nueva York, donde plasma profundas metáforas de la vida y la convivencia en sociedad a través de esculturas.

La exhibición es el resultado de un año de investigación escultórica. Buff Monster ha creado imágenes alrededor del helado durante 15 años, ¿por qué? “El helado es una metáfora de la vida”, dijo el artista.

“Míster melty”, el personaje de sus obras, es optimista, confiado y felizmente inconsciente de su (derretido) destino. ¿Suena a cualquier persona que conoces? Pues él es más afortunado que nosotros, porque al estar fabricado con concreto y fibra de vidrio mantendrá su estado de derretimiento para siempre; nosotros no tendremos tanta suerte…

Foto Buff Monster.

Una de las novedades de esta exhibición es el “Big Míster melty” de 60 centímetros y que estuvo en construcción por alrededor de un año; hecho a base de fibra de vidrio, resina de alto impacto y pintura automotriz.

Foto: street art news

Como asegura Buff, el tiempo impacta a todas las cosas, pero a nada tan dramáticamente como al helado. Así, lo que parecía ser un inocente postre que se disfruta en las tardes calurosas de verano, se convierte en “el perfecto símbolo moderno de la muerte y la decadencia”.

Foto Buff Monster.

Buff no se detiene ahí. Cree que “nuestra sociedad es un gran cono de helado derritiéndose hacia la nada”. Por si fuera poco, piensa que está sucediendo mucho más rápido de lo que cualquiera de nosotros podría haber imaginado.

Si tienes ganas de tener una pieza de Buff Monster en la sala de tu casa, los precios van desde los 75 a los 17 mil dólares, aunque uno de sus admiradores encontró una manera de tener las obra de Buff y nunca alejarse de ella: se tatuó un dibujo que el artista creó en su brazo.

Después de las metáforas de Buff el helado no tendrá el mismo sentido… ¿o sí?

 

 

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